Anselm Reyle (เกิดปี 1970) เป็นศิลปินทัศนศิลป์ชาวเยอรมันที่พำนักอยู่ในเบอร์ลิน เขาเป็นที่รู้จักจากภาพวาดนามธรรมขนาดใหญ่และประติมากรรมจากวัตถุที่พบ^{[ 1 ]}

Anselm Reyle เกิดที่เมือง Tübingenประเทศเยอรมนีในปี 1970 ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}เขาศึกษาที่สถาบันวิจิตรศิลป์แห่งรัฐสตุทการ์ทตามด้วยการศึกษาที่สถาบันวิจิตรศิลป์คาร์ลสรูห์ภายใต้การดูแลของศิลปิน Helmut Dorner ^{[ 3 ] [ 4 ]}

เขาย้ายไปเบอร์ลินในปี 1997 ซึ่งเขาได้ก่อตั้งสตูดิโอร่วมกับJohn Bock , Dieter Detzner, Berta Fischer และMichel Majerus ^{[ 5 ]}

ตั้งแต่ปี 1999 ถึง 2001 Reyle ทำงานร่วมกับ Claus Andersen และ Dirk Bell สำหรับแกลเลอรีร่วมของศิลปิน "Andersen's Wohnung" และ "Montparnasse" ร่วมกับ Dirk Bell และThilo Heinzmann หลังจากดำรงตำแหน่งเป็นศาสตราจารย์รับเชิญที่ Staatlichen Akademie der Bildenden Künste, Karlsruhe, Universität der Künste , Berlin และUniversity of Fine Arts of Hamburg (HFBK Hamburg) Reyle กลายเป็นศาสตราจารย์ด้านการวาดภาพและระบายสีที่ HFBK Hamburg ในปี 2009 ^{[ 6 ]}

แอนเซลม์ เรย์ล สนใจการออกแบบภูมิทัศน์และดนตรีตั้งแต่แรก ก่อนที่จะหันมาสนใจการวาดภาพและประติมากรรมในที่สุด^{[ 7 ]}ลักษณะเด่นของงานของเขาคือวัตถุต่างๆ ที่พบเจอซึ่งถูกนำออกจากหน้าที่เดิม เปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ และจัดวางในบริบทใหม่ เรย์ลทำงานในสื่อต่างๆ โดยใช้กลยุทธ์การวาดภาพ ประติมากรรม และการติดตั้ง และทำงานเป็นกลุ่มงานที่มีโครงสร้างต่อเนื่อง ศิลปินใช้วัสดุที่หลากหลายจากทั้งศิลปะดั้งเดิมและแวดวงการค้า รวมถึงฟอยล์สีจากตู้โชว์สินค้า สื่ออะคริลิกและเพสต์ แล็กเกอร์รถยนต์ และขยะในชีวิตประจำวันที่ไร้ประโยชน์จากพื้นที่ในเมือง^{[ 1 ]}โดยการนำวัสดุเหล่านี้ออกจากบริบทและปกปิดหน้าที่เดิม เรย์ลจะปรับระดับที่แต่ละวัสดุยังคงรักษาการอ้างอิงทางภาพของตนไว้ การใช้สูตรของการดัดแปลงทำให้ผู้ชมสามารถสลับไปมาระหว่างช่วงเวลาของการระบุองค์ประกอบแต่ละส่วนภายในงาน และช่วงเวลาของความแปลกแยกเนื่องจากบริบทใหม่ แม้แต่ชื่อนิทรรศการและชื่อผลงานก็มักจะเป็นการอ้างอิงจากสาขาต่างๆ เช่น เนื้อเพลง พวกเขาทำหน้าที่เป็น objets-trouvés ของละครของศิลปิน

“เดิมทีผมเริ่มจากการวาดภาพแบบใช้ท่าทาง แต่ในขณะเดียวกันผมก็สนใจที่จะทดลองกับวัสดุต่างๆ อยู่เสมอ สำหรับผมแล้ว ในทั้งสองกรณี ความบังเอิญมีบทบาทสำคัญ เช่นเดียวกับความจำเป็นในการทำงานกับสิ่งที่ไม่คาดคิด หลังจากที่ผลงานของผมมีความเป็นนามธรรมและสมบูรณ์แบบทางเทคนิคมากขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ผมเริ่มเปิดกว้างการทำงานศิลปะของผมอีกครั้งด้วยแนวทางที่อิสระและใช้ท่าทางมากขึ้นเมื่อไม่นานมานี้ ในท้ายที่สุด ผมคิดว่าขั้วทั้งสองนี้เองที่กำหนดผลงานของผม” – แอนเซลม์ เรย์ล

ผลงานชุดหนึ่งที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของ Anselm Reyle คือ “ภาพวาดฟอยล์” ซึ่งเป็นผลงานนามธรรมที่ได้รับการยกย่องอย่างสูง สร้างขึ้นโดยใช้ฟอยล์ที่จัดเรียงและติดตั้งในกล่องเพอร์สเป็กซ์สี วัสดุที่แวววาวดึงดูดสายตาของผู้รับชมและกระตุ้นประสาทสัมผัส ในขณะเดียวกันกล่องเพอร์สเป็กซ์ก็ปิดกั้นความเป็นไปได้ของประสบการณ์สัมผัส พื้นผิวที่เคลื่อนไหวของผลงานเหล่านี้เน้นย้ำถึงความเป็นวัตถุและการปรากฏตัวในเชิงพื้นที่ รูปทรงฟอยล์ที่พับอย่างบอบบางตัดกับรูปทรงเรขาคณิตที่แข็งทื่อ^{[ 1 ]}

ภาพเขียนลายเส้นเป็นอีกหนึ่งชุดผลงานที่มีชื่อเสียงของศิลปินผู้นี้ ในชุดผลงานเหล่านี้ เรย์ลได้ทำลายแบบแผนเดิมๆ ของศิลปะด้วยการใช้ลายเส้นแนวตั้งที่สม่ำเสมอ เขาจงใจใช้องค์ประกอบที่สร้างความแปลกใหม่ เช่น รอยพับบนแผ่นฟอยล์ รอยเปื้อนสีที่ทำหน้าที่เป็นลายเซ็น หรือลายเส้นสุดท้ายที่ตัดตรงขอบภาพ เขาหลงใหลในความจริงที่ว่าเพียงแค่ลายเส้นง่ายๆ ก็สามารถสร้างความหลากหลายขององค์ประกอบสีได้อย่างน่าประทับใจ ดังจะเห็นได้จากผลงานชิ้นหลังๆ ที่ใช้ลายเส้นแคบๆ ตลอดหลายปีที่ผ่านมา เรย์ลเริ่มใช้แผ่นฟอยล์ กระจก สีพิเศษ และสีที่มีพื้นผิวต่างๆ มากขึ้น รวมถึงการใช้กรอบเหล็กเป็นองค์ประกอบทางสไตล์ในภาพของเขาด้วย

แม้ว่าเรย์ลจะยังคงมุ่งมั่นในงานศิลปะนามธรรม แต่เขาก็ยังทดลองกับงานศิลปะที่เป็นรูปธรรมด้วยเช่นกัน ที่จริงแล้ว ในชุดผลงานที่สร้างขึ้นระหว่างปี 2010 ถึง 2013 เรย์ลได้สำรวจที่มาของรูปทรงอย่างสนุกสนาน โดยอ้างอิงถึงประเพณี "ระบายสีตามหมายเลข" อย่างชัดเจน ซึ่งเป็นการเผยให้เห็นว่ารูปทรงนามธรรมสามารถรวมตัวกันและกลายเป็นสิ่งที่สามารถจดจำได้จากชีวิตจริงได้อย่างไร โดยใช้กลยุทธ์เช่นเดียวกับการระบายสีตามหมายเลข เนื้อหาของภาพจะถูกแบ่งออกเป็นส่วนๆ ที่มีหมายเลขเรียงลำดับเหมือนกับจิ๊กซอว์ โดยแต่ละหมายเลขจะถูกกำหนดสีที่แน่นอนซึ่งมีปฏิสัมพันธ์กับส่วนอื่นๆ จากนั้นจึงเติมวัสดุหรือสีที่ผู้ชมสามารถจดจำได้จากผลงานของเรย์ล เช่น ภาพวาดลายเส้นหรือชุดผลงานของออตโต เฟรนด์ลิช การจัดวางเช่นนี้สร้างความรู้สึกเหมือนงานประติมากรรมนูนต่ำที่มีพื้นผิวหลากหลาย ซึ่งดึงดูดประสาทสัมผัสของผู้ชมโดยตรง

ประติมากรรมชุดที่มีชื่อเสียงของ Anselm Reyle คือสิ่งที่เรียกว่า "ประติมากรรมแอฟริกัน" รูปทรงและชื่อดั้งเดิมของกลุ่มงานเหล่านี้ยืมมาจากตลาดท่องเที่ยวและงานหัตถกรรมตลาดนัดที่ดูเชยๆ ซึ่งมักทำจากหินสบู่ และขายเป็นภาพจำของประติมากรรมแอฟริกัน ผลงานHarmony (2007) ของเขาซึ่งตั้งอยู่บนฐานไม้ Macassar เตี้ยๆ นั้นสร้างขึ้นจากประติมากรรมหินสบู่ขนาดเล็กที่แม่ของเขาซื้อมาจากการไปเยือนแอฟริกา^{[ 7 ]}แม้ว่าจะราคาถูกและลอกเลียนแบบ แต่ในแง่ของแนวคิดเชิงรูปแบบ รูปทรงเหล่านี้ชวนให้นึกถึงประติมากรนามธรรมที่มีชื่อเสียงของศิลปะสมัยใหม่ เช่นHans Arp , Alexander ArchipenkoและHenry Mooreอิทธิพลที่ชัดเจนของประติมากรรมยุโรปที่มีต่อของกระจุกกระจิกแอฟริกันเหล่านี้ปรากฏให้เห็นในต้นแบบของศิลปะพลาสติกสมัยใหม่นี้ Reyle ใช้เทคนิคแบบดั้งเดิม โดยการขยายวัตถุที่พบก่อนที่จะหล่อด้วยบรอนซ์ ชุบโครเมียม และเคลือบเงา กระบวนการนี้สร้างงานที่มีความตึงเครียดอย่างมาก เนื่องจากเทคนิคการแกะสลักด้วยมือแบบดั้งเดิมนั้นขัดแย้งกับงานบรอนซ์ที่ได้รับการออกแบบทางวิศวกรรมอย่างสูง ความรู้เบื้องต้นของผู้ชมเกี่ยวกับเทคนิคที่เรย์ลใช้ในการสร้างและดัดแปลงวัตถุนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการสื่อสารความขัดแย้งที่ตั้งใจไว้ดังกล่าว

แม้ว่าเขาจะเป็นที่รู้จักกันดีในเรื่องการใช้วัสดุที่แปลกใหม่และการดัดแปลงทางกายภาพ แต่งานของ Reyle นั้นมีรากฐานมาจากโรงเรียนศิลปะนามธรรมในประวัติศาสตร์ศิลปะตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 รวมถึง Art Informel, Cubism, Op-Art, Minimalism และ Pop Art และในขณะที่ Reyle มักจะทำงานภายใต้ประเพณีของวัตถุที่พบโดยบังเอิญ เขาไม่ได้พึ่งพาการดัดแปลงเหมือนในงานของLouise LawlerหรือElaine Sturtevantเป็นต้น แต่ Reyle ใช้คำศัพท์ทางสุนทรียศาสตร์ที่ประณีตของเขาเพื่อตั้งคำถามถึงบทบาทของความเกินพอดีในตลาดหลังสมัยใหม่โดยการล้มล้างและผสมผสานประเพณีต่างๆ เหล่านี้ในรูปแบบที่ไม่คาดคิด อันที่จริง ด้วยการใช้ประโยชน์จากทั้งภาษาทางประวัติศาสตร์และในขณะเดียวกันก็พัฒนาคำศัพท์ที่กำลังพัฒนาของแนวปฏิบัติทางอุตสาหกรรมใหม่และวิธีการผลิตจำนวนมาก เขาสามารถสะท้อนถึง “ทางตันต่างๆ ของความทันสมัย” ได้^{[ 8 ]}

ความหลงใหลของ Reyle ในเอฟเฟกต์มันวาวสูงและวัสดุตกแต่งที่นำมาจากโลกการค้าเป็นกรอบการวิจารณ์งานศิลปะคิทช์ของเขา และสิ่งที่ศิลปินได้อธิบายว่าเป็น “การเดินบนเส้นเชือกที่อาจเจ็บปวดตลอดทาง” ^{[ 9 ]}การวิจารณ์นี้กล่าวถึงความแตกต่างระหว่างหมวดหมู่มาตรฐานของ “ศิลปะชั้นสูง” และ “วัฒนธรรมชั้นต่ำ” อย่างตรงไปตรงมา และตั้งคำถามว่าขั้วสุดขั้วเหล่านี้มาบรรจบกันที่ใด ด้วยการนำวัสดุมีค่าและขยะมาวางเคียงข้างกัน และด้วยการว่าจ้างการผลิตจากภายนอก Reyle สามารถสร้างผลงานที่ทำหน้าที่เป็นพยานถึงยุคสมัยของเราและกระตุ้นให้เกิดการไตร่ตรองถึงค่านิยมที่แพร่หลายของวัฒนธรรมการบริโภคของเรา อย่างไรก็ตาม แม้จะวิจารณ์อุดมคติของชนชั้นกลาง ผลงานก็ไม่ได้นำเสนอทางเลือกที่เรียบง่ายที่มีเสน่ห์ทางศีลธรรมอย่างแท้จริง และยังคงรักษาน้ำเสียงเสียดสีเอาไว้บ้าง ด้วยการสร้างผลงานเป็นชุด Reyle สามารถท้าทายความสำคัญของภาพวาดแผงเดียวได้

ความขัดแย้งในผลงานของเขา ระหว่างอุดมคติอันงดงามของนามธรรมกับการเน้นการตกแต่งที่ดูเหมือนจะยั่วยุ ก่อให้เกิดความตึงเครียดที่คลุมเครือ และในพื้นที่นี้เองที่รูปแบบและเนื้อหาแยกออกจากกัน ความเป็นธรรมชาติของแนวคิดและพลังอันมีชีวิตชีวาของผลงานนี้ ตรงกันข้ามกับการเปลี่ยนแปลงทางเทคนิคที่ซับซ้อน ซึ่งเกิดขึ้นได้ด้วยความช่วยเหลือจากกระบวนการทางเทคนิคที่ล้ำสมัยมากมายที่ศิลปินใช้ร่วมกับบริษัทเฉพาะทาง การว่าจ้างภายนอกในกระบวนการทางศิลปะของเขายังพบได้ในโครงสร้างสตูดิโอของเขา ซึ่งศิลปินได้ว่าจ้างทีมงานมาตั้งแต่ปี 2001 นอกจากงานในสตูดิโอแล้ว ความสนใจของเรย์ลในการทดลองกับวัสดุที่แปลกใหม่ยังแสดงออกในงานติดตั้งเฉพาะสถานที่ เช่น นิทรรศการ "Acid Mothers Temple" ที่ Kunsthalle Tübingen (2009) หรือ "Elemental Threshold" (2010) ที่ Museum Dhondt Dhaenens ประเทศเบลเยียม ในปี 2017 เนื่องในโอกาสนิทรรศการเดี่ยวของเขาชื่อ "Eight Miles High" ที่ König Galerie Berlin เรย์เลได้นำเสนอประติมากรรมแขวนสามชิ้น ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากกระดิ่งลมรูปทรงเรขาคณิตที่ทำจากโลหะ เช่นเดียวกับที่พบเห็นได้ในงานหัตถกรรมตามงานเทศกาลต่างๆ

ในผลงานล่าสุดของเขา เรย์เลดูเหมือนจะโน้มเอียงไปทางสัญชาตญาณและความรู้สึกมากขึ้น พัฒนารูปแบบเฉพาะตัวของเขา และทำงานกับวัตถุที่พบเจอ เซรามิกของเขามีบทบาทสำคัญในที่นี้ ซึ่งเขาเริ่มผลิตในปี 2016 ประติมากรรมเหล่านี้ที่มีสีสันโดดเด่นและพื้นผิวที่เคลือบ ได้รับแรงบันดาลใจจากแจกัน Fat Lava ที่ฉูดฉาดซึ่งปรากฏขึ้นในทศวรรษ 1970 และจบลงด้วยการถูกขายในตลาดนัดในฐานะของไร้รสนิยมในเวลาต่อมา เรย์เลนำปรากฏการณ์ทางสไตล์นี้มาเป็นลวดลาย เพื่อทดลองอย่างเข้มข้นกับรูปทรงและเคลือบ และพัฒนาประติมากรรมคล้ายแจกันขนาดใหญ่กลุ่มหนึ่ง สิ่งสำคัญสำหรับเขาคือการผสานความบังเอิญให้ใกล้ชิดยิ่งขึ้นเมื่อทำงานกับวัสดุธรรมชาติอย่างดินเหนียว — พูดง่ายๆ ก็คือ คุณไม่มีทางรู้เลยว่าจะเกิดอะไรขึ้นเมื่ออบเสร็จ ข้อบกพร่องที่เกิดขึ้นโดยบังเอิญมักมีความน่าสนใจทางสุนทรียศาสตร์ เรย์เลจงใจใช้ท่าทางในการสร้างสรรค์ผลงาน เขาเข้าไปแทรกแซงกระบวนการโดยธรรมชาติเพื่อปล่อยให้เกิดข้อบกพร่องบางอย่างขึ้น เขายังสร้างเงื่อนไขที่จำเป็นซึ่งจะก่อให้เกิดข้อบกพร่องเหล่านั้นด้วย วิธีนี้ทำให้สามารถเปิดพื้นที่สำหรับการแสดงออกและการตีความทางสุนทรียศาสตร์ได้ เพื่อจุดประสงค์นี้ เรย์ลจึงกระทำการอย่างรุนแรงต่อวัสดุก่อนนำเข้าเตาอบ เขาเพิ่มรอยขีดข่วนและรอยแตกบนพื้นผิวซึ่งมักจะเปิดรูปทรงที่ปิดสนิทของภาชนะ จากนั้นจึงตกแต่งเพิ่มเติมด้วยการใช้ปูนปลาสเตอร์ที่กำลังเดือดและเคลือบด้วยสีส้มสดใสหรือสีเหลืองแคดเมียม หรือพื้นผิวโลหะสีเดียว นี่คือวิธีที่เรย์ลสร้างสรรค์งานศิลปะแบบผสมผสาน ซึ่งมีรากฐานมาจากทั้งความฉูดฉาดและลักษณะดั้งเดิมของศิลปะร่วมสมัย (ลองนึกถึงลูซิโอ ฟอนทานาเป็นต้น) เขาเปิดเผยสิ่งเหล่านี้อย่างเป็นธรรมชาติในการจัดวางของเขา ในขณะเดียวกันก็สร้างความคลุมเครือบางอย่างขึ้นมา

ในชุดภาพเขียนล่าสุด ศิลปินพยายามเปิดเผยกระบวนการวาดภาพอย่างแท้จริง เช่นเดียวกับที่เขาทำในงานเซรามิก ผลงานเหล่านี้หลายชิ้นวาดบนผ้ากระสอบหยาบ การปรากฏตัวของวัสดุและรูปทรงอิสระมีบทบาทสำคัญอีกครั้ง ภาพเขียนเหล่านั้นเป็นการรวมตัวอย่างเข้มข้นของพลวัตที่ขัดแย้งกัน ในที่นี้ เรย์ลได้นำสีที่ไม่ลงตัวและหลักการของวัสดุที่เขาพัฒนามาตลอดหลายปีมาใช้ในรูปแบบนามธรรมอิสระ องค์ประกอบทั้งหมดของคำศัพท์ที่เขาพัฒนาขึ้นก่อนหน้านี้ – ท่าทางที่เป็นเอกลักษณ์ของเขา – สามารถพบได้ในผลงานเหล่านี้ ในขณะเดียวกันก็ถูกถักทอเข้าด้วยกันเป็นความซับซ้อนใหม่เพื่อให้ได้ความเข้มข้นและประสิทธิภาพทางสายตาใหม่

นิทรรศการเดี่ยวที่ผ่านมาของ Reyle ได้แก่ การแสดงที่ König Galerie, Berlin (2023), Aranya Art Center Quinhuangdao (2020), König Galerie (2017), Galerie Almine Rech (2017), Gary Tatintsian Gallery (2013), Deichtorhallen Hamburg (2012), Kunsthalle Tübingen (2009); สถาบันสมัยใหม่ในกลาสโกว์ (2550); หนึ่งในประติมากรรมและภาพวาดใหม่ที่Kunsthaus Zürich (2549); Galerie Giti Nourbakhsch จากเบอร์ลิน และองค์กรของ Gavin Brownในนิวยอร์ก การแสดงเดี่ยวครั้งแรกในสหรัฐฯ ของเขาจัดขึ้นที่ศูนย์ศิลปะดิมอยน์^{[ 10 ]}

ผลงานของศิลปินส่วนใหญ่จัดแสดงอยู่ในคอลเล็กชันส่วนตัว เช่นThe Saatchi Galleryในลอนดอน, Daimler Collection ในเบอร์ลิน, Fondation Pinault ในเวนิส และ Rubell Family Collection ในไมอามี

• Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin , เบอร์ลิน , เยอรมนี
• ไดม์เลอร์ คอนเทมโพราลี เบอร์ลินประเทศเยอรมนี
• ซัมลุง โบรอสกรุงเบอร์ลินประเทศเยอรมนี
• ซัมลุง อิงวิลด์ เกิทซ์ , มิวนิค , เยอรมนี
• คอลเลกชัน Ringier, ซูริก , สวิตเซอร์แลนด์
• พิพิธภัณฑ์ Pinault Collectionเมืองเวนิสประเทศอิตาลี
• ใจกลางปอมปิดู , ปารีส , ฝรั่งเศส
• พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ Arken , Ishøj , เดนมาร์ก
• ลีอุม, พิพิธภัณฑ์ศิลปะซัมซุง , โซล , เกาหลีใต้
• หอศิลป์ซาอัตชีลอนดอนสหราชอาณาจักร
• คอลเล็กชันของครอบครัวรูเบลล์ไมอามีสหรัฐอเมริกา

• ประวัติส่วนตัวที่มหาวิทยาลัยวิจิตรศิลป์แห่งฮัมบูร์ก (หรือ HFBK Hamburg)
• หน้าข้อมูลศิลปินบนเว็บไซต์ Gary Tatintsian Gallery