จอร์จ เคนดัลล์ ชอว์ (30 มีนาคม 1924 – 18 ตุลาคม 2019) เป็นจิตรกรชาวอเมริกันที่พำนักอยู่ในนิวออร์ลีนส์ผลงานของเขามีความหลากหลายในหลากหลายรูปแบบศิลปะ ตั้งแต่ ศิลปะ นามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิ สม์ ศิลปะป๊อป ศิลปะมินิมัลลิสม์ศิลปะลวดลายและการออกแบบ ไปจนถึงศิลปะสีสันจัดจ้านโดยเน้นอารมณ์ที่เข้มข้น ลวดลาย รูปทรง และสีสันสดใส ผลงานของชอว์รวมถึงชุดภาพเขียน 30 ภาพที่อิงจากคัมภีร์โทราห์ใน พันธ สัญญาเดิมตลอดจนผลงานล่าสุดที่ใช้สีบริสุทธิ์ ซึ่งเขาเรียกว่า “ศิลปะมินิมัลลิสม์แบบเคจัน”

ชอว์เกิดที่นิวออร์ลีนส์และเรียนมัธยมปลายที่นั่น ในปี 1943 เขาเข้าร่วมกองทัพเรือสหรัฐฯโดยทำหน้าที่เป็นพลวิทยุประจำเครื่องบินทิ้งระเบิดดำดิ่ง SPB Dauntless ขณะค้นหาเรือดำน้ำเยอรมันนอกชายฝั่งตอนกลางของมหาสมุทรแอตแลนติก หลังสงคราม เขาเข้าเรียนที่สถาบันเทคโนโลยีจอร์เจียและมหาวิทยาลัยทูเลนโดยสำเร็จการศึกษาจากทูเลนในปี 1949 ด้วยวิทยาศาสตรบัณฑิตสาขาเคมี ระหว่างปี 1950-1951 เขาเรียนวิชาศิลปะและเคมีอินทรีย์ที่มหาวิทยาลัยรัฐลุยเซียนาโดยเรียนกับจิตรกรรับเชิญ โอ. หลุยส์ กูเกลมี ในปี 1951 ชอว์ย้ายไปที่นครนิวยอร์กในฐานะนักวิจัยเคมีให้กับบริษัทStauffer Chemicalในนิวยอร์ก เขาได้สานสัมพันธ์กับกูเกลมีที่The New Schoolและยังเรียนกับ สจวร์ต เดวิสและที่พิพิธภัณฑ์บรูคลินกับราลสตัน ครอว์ฟอร์ดด้วย^{[ 1 ] [ 2 ]}จากเดวิส เขาได้รับแนวคิดเรื่องการใช้สีเป็นดนตรี โดยที่รูปทรงทั้งหมดในภาพวาดเป็นบวก ไม่มีรูปทรงใดเด่นกว่ารูปทรงอื่น^{[ 3 ]}

ในปี 1953 เขาออกจากบริษัท Stauffer Chemical ด้วยความมุ่งมั่นที่จะประกอบอาชีพศิลปะ และกลับไปยังภาคใต้ของสหรัฐฯ เพื่อลองทำงานสำรวจหาแหล่งน้ำมัน ในปี 1957 ชอว์กลับมาที่ Tulane ซึ่งเขาได้สอนและสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาโทสาขาวิจิตรศิลป์ (MFA) ในปี 1959 ในช่วงเวลานี้ ชอว์เป็นผู้ช่วยสอนให้กับIda Kohlmeyerและ Kurt Kranz รวมถึงเรียนกับGeorge Rickeyและโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับMark Rothkoซึ่งกำลังสอนอยู่ที่ Tulane จาก Rothko ชอว์ได้เรียนรู้การใช้สีเพื่อสื่อถึงความรู้สึกและอารมณ์ และมุมมองที่ว่าภาพวาดที่ดีควรสื่อสารอารมณ์ของจิตรกรโดยตรงไปยังผู้สังเกต โดยเฉพาะอย่างยิ่งผ่านทางสี^{[ 4 ]} Rothko สอนเขา ดังที่ชอว์กล่าวไว้ว่า "การวาดภาพเป็นเหมือนสัตว์ที่มีชีวิต และสีคือเลือดของมัน" ^{[ 5 ]} ในปี 1961 ชอว์ได้ย้ายมาอาศัยอยู่ในนิวยอร์กซิตี้อย่างถาวร โดยทำงานเป็นผู้ช่วยศาสตราจารย์ที่บัณฑิตวิทยาลัยสถาปัตยกรรมศาสตร์ มหาวิทยาลัยโคลัมเบีย เป็นเวลากว่า 25 ปี รักษาการผู้อำนวยการโรงเรียนศิลปะของพิพิธภัณฑ์บรูคลิน และสอนที่วิทยาลัยฮันเตอร์วิทยาลัยเลห์แมนสถาบันเทคโนโลยีแฟชั่นและโรงเรียนพาร์สันส์เพื่อการออกแบบที่เดอะนิวสคูล^{[ 6 ]}

ในขณะที่ผลงานชิ้นเอกของ Shaw เกิดจากความหลงใหลในจังหวะของพลังงาน เขาเริ่มหันเหออกจาก การใช้รูป ทรงเรขาคณิตแบบนามธรรมและโทนสีเทาของกลุ่ม Minimalist ไปสู่รูปแบบสี ตาราง และลวดลายที่ลื่นไหลและมีชีวิตชีวามากขึ้น^{[ 7 ]}อย่างไรก็ตาม เขาเริ่มเป็นที่รู้จักจากชุดภาพวาดเงาในช่วงปี 1962–1966 ซึ่งแสดงถึงการเล่นกีฬาที่เต็มไปด้วยพลังงาน โดยมีลักษณะเป็นรูปทรงตัดที่ไม่มีรายละเอียด หรือแม้แต่ส่วนต่างๆ ของร่างกายที่กำลังเคลื่อนไหว เช่น มือหรือขา วางอยู่บนพื้นหลังที่ตัดกันอย่างชัดเจนด้วยสีสองหรือสามสี เช่น สีขาวบนสีแดง และสีดำบนสีเทา^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 Shaw เริ่มหวนกลับไปสู่รากเหง้าของดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ และสีสันสดใสมากมายของเทศกาล Mardi Gras บ้านเรือนในนิวออร์ลีนส์ และพืชพรรณเขตร้อน เขาได้ทดลองกับแผงสีทึบที่ทำให้พื้นที่ผนังขนาดเท่าคนเป็นส่วนหนึ่งของภาพวาด และเสริมสิ่งนี้ในบางผลงานด้วยการวาดขอบของผืนผ้าใบ^{[ 11 ] [ 12 ]} ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 เขาได้กลายเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีส่วนร่วมในการสร้างขบวนการPattern and Decoration (P&D) ^{[ 13 ]}เขาใช้รูปแบบที่เขาคิดค้นขึ้นเองโดยได้รับแรงบันดาลใจจากพลังงานจังหวะ แทนที่จะใช้รูปแบบที่อิงจากระบบรูปแบบทางประวัติศาสตร์โดยตรง^{[ 14 ]}สีของเขาไม่ได้คลี่คลายไปสู่การจัดเรียงขนาดใหญ่และรูปแบบที่คาดเดาได้ แต่การปฏิสัมพันธ์เล็กๆ น้อยๆ ของสีที่อยู่ติดกันได้สร้างรูปแบบคล้ายโมเสกและตารางจังหวะของสี่เหลี่ยมผืนผ้าและวงกลมขนาดเล็ก สี่เหลี่ยมที่เกิดจากการสะสมของเส้นทแยงมุมและรูปทรงต่างๆ ถูกกำหนดขอบเขตด้วยสีที่ตัดกัน สี่เหลี่ยมเหล่านี้ช่วยรักษาเสถียรภาพของศูนย์กลางของภาพวาดหลายๆ ภาพ ในขณะที่การปรับเปลี่ยนและการประสานสีหลายสีผสมผสานและเปลี่ยนแปลงไปทั่วพื้นผิวของภาพวาดเหมือนดนตรีแจ๊ส สีและรูปทรงต่างๆ เป็นรูปแบบที่แตกต่างกันไปตามธีมสี^{[ 15 ]} เขาทดลองใช้กระจกขนาดเล็กเป็นส่วนหนึ่งของรูปแบบสีเพื่อสะท้อนแสงกลับไปยังผู้ชม^{[ 16 ]}รวมถึงการใช้ผ้า กระดุม และริบบิ้นด้วย ภาพวาดชุด Emma Lottie ของเขาในช่วงเวลานี้สร้างขึ้นเพื่อรำลึกถึงมารดาของพ่อเขาซึ่งเป็นนักเรียกร้องสิทธิสตรี ผู้ซึ่งทำงานเพื่อยุติการใช้แรงงานเด็กและผลักดันให้เมืองนิวออร์ลีนส์สร้างระบบน้ำประปาและระบบบำบัดน้ำเสียเพื่อยุติโรคที่เกิดจากน้ำซึ่งระบาดในเมือง ลวดลายสีสันถักทออยู่ทั่วภาพวาดราวกับงานเย็บปักถักร้อย สลับกับริบบิ้น ผ้า และอัญมณีชิ้นเล็ก ๆ ซึ่งอ้างอิงถึงงานปักของยายของเขา^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} เช่นเดียวกับคนอื่นๆ ในแผนกออกแบบและตกแต่ง เขาเริ่มสนใจการออกแบบเครื่องแต่งกายและฉากละคร และทำงานร่วมกับเฮอร์เบิร์ต มาชีซ ผู้กำกับ ในการผลิตละครเวทีหลายเรื่อง รวมถึง “อัศวินโต๊ะกลม” โดยฌอง ค็อกโตและ “ผู้อ่านคนแรก” ซึ่งเป็นละครเพลงที่มีเนื้อร้องโดยเกอร์ทรูด สไตน์^{[ 20 ] [ 21 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1980 เขาได้เพิ่มองค์ประกอบใหม่ โดยการนำภาพวาดสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่มีขนาดต่างๆ กันมาซ้อนกันเพื่อสร้างเอฟเฟกต์แบบหลายชั้น โดยแต่ละชั้นทำหน้าที่เป็นรูปแบบและโทนสีที่ตัดกันหรือเสริมกันกับชั้นอื่นๆ ผลงานที่โดดเด่นที่สุดคือ “Sunship for John Coltrane” (1990) ^{[ 22 ]}ซึ่งยืมมาจัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะภาคใต้ของออกเดน [ ^{23 ] [ 24 ] ใน}ช่วงทศวรรษ 1990 เขาเริ่มวาดภาพหลายชั้นทับเทป จากนั้นจึงลอกเทปออกเพื่อสร้างรูปแบบ รูปร่าง และเส้นสีที่ไพเราะในรูปแบบของการด้นสด^{[ 25 ]}แม้ว่าภาพวาดจะเป็นนามธรรมและไม่ใช่ภาพเหมือนจริง แต่ก็ใช้มุมมองทางวิทยาศาสตร์ของชอว์ที่ว่าโลกประกอบด้วยอนุภาคที่มีพลังงานซึ่งเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา สีเกิดขึ้นจากแหล่งพลังงานของแสง ทำให้สีเองเป็นแหล่งพลังงานที่สามารถสื่อสารอารมณ์ ความรู้สึก และอาจรวมถึงความหมายที่เหนือธรรมชาติแก่ผู้ดูได้ ตารางที่ทำมุม 45 องศาจากช่วงเวลานี้ไม่ได้แข็งทื่อ แต่กลับถูกสร้างขึ้นเป็นเส้นจุดของการปรับเปลี่ยนและการเปลี่ยนแปลงสี คล้ายกับศิลปะพอยน์ทิลลิสต์ของฝรั่งเศส^{[ 26 ]}ความขัดแย้งของสี เส้น และรูปทรงทำให้พวกมันผสมผสานและไหลเข้าหากัน สร้างรูปแบบย่อยที่แตกต่างและสะท้อนกันภายในภาพวาด ซึ่ง “บังคับให้สายตาเคลื่อนไหวแบบสแกนอย่างต่อเนื่อง” ^{[ 27 ]}การออกแบบตารางถูกแบ่งแยกเพิ่มเติมด้วยฝีแปรงที่สาดกระเซ็นไปทั่วภาพวาด ซึ่งชอว์ใช้เป็นองค์ประกอบไดโอนิเซียนแห่งความไม่เป็นระเบียบตัดกับตรรกะแบบอพอลโลเนียนที่อยู่เบื้องหลังตาราง^{[ 28 ] [ 29 ]}ในช่วงทศวรรษ 1980 ชอว์เริ่มวาดภาพชุดเกี่ยวกับเหตุการณ์ในโตราห์ของพันธสัญญาเดิม โดยใช้องค์ประกอบทั้งหมดที่เขาได้รวมไว้ในงานของเขา เขาวาดภาพชุดนี้ต่อเนื่อง 30 ภาพจนถึงปี 2011 เมื่อภาพวาดเหนือธรรมชาติ 21 ภาพของเขาถูกจัดแสดงที่โบสถ์ลูเธอรันเซนต์ปีเตอร์ในนครนิวยอร์ก “ทัศน ศิลป์” โบสถ์ลูเธอรันเซนต์ปีเตอร์

ผลงานชิ้นหลังๆ ของเขาได้ต่อยอดจากภาพวาดแบบโมดูลาร์ดั้งเดิมในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1960 เมื่อความเป็นโมดูลาร์และลัทธิมินิมัลลิสม์เริ่มถูกนำมาใช้ในการวาดภาพเช่นเดียวกับประติมากรรม ชอว์ใช้การจัดเรียงแผงสีทึบแบนราบแนวตั้งที่ออกแบบมาให้แขวนแยกจากกันในระยะที่กำหนด ช่องว่างระหว่างแผงไม่สม่ำเสมอแต่มีความหลากหลายตามขนาดของมนุษย์ พื้นที่ผนังระหว่างแผงจึงกลายเป็นส่วนที่แยกไม่ออกของภาพวาด^{[ 30 ]}สีสันที่เข้มข้นและตัดกันที่ทาไว้ด้านข้างของแผงช่วยเสริมการผสานรวมกับผนัง^{[ 31 ]}จุดประสงค์คือการทำให้ผนังเป็นอุปสรรคน้อยลงหรือเป็นพื้นที่ปิดล้อมสำหรับผู้สังเกตโดยการให้ชีวิตแก่ภาพวาดบนผนังในฐานะระนาบภาพที่ขยายออกซึ่งนำความเป็นเอกภาพมาสู่พื้นที่^{[ 32 ]}ขนาดของแผง 8' x 2' ช่วยเสริมการปรากฏตัวของมนุษย์ในความสัมพันธ์ระหว่างภาพวาดกับผนังนี้ โดยอิงจาก แบบจำลองมนุษย์ของ เลอ คอร์บูซิเยร์ซึ่งเป็นรูปชายคนหนึ่งยกมือขึ้นเหนือศีรษะ แผงอาจเป็นหน่วยเดี่ยวหรืออาจถูกยึดด้วยสลักเป็นคู่ ระยะห่างระหว่างแผงต่างๆ สอดคล้องโดยตรงกับความกว้างที่แตกต่างกันของแผงที่ 1 ฟุตและ 2 ฟุต หน่วยที่สมบูรณ์ประกอบด้วยแผงสามหรือสี่แผงในสามหรือสี่สีที่ใกล้เคียงกัน^{[ 32 ]}ในการต่อต้านสีที่จำกัดและมืดมนของลัทธิมินิมัลลิสม์ พื้นหลังของเทศกาลมาร์ดิกราส์ในนิวออร์ลีนส์ของชอว์มีอิทธิพลต่อความสว่าง จังหวะ และการผสมผสานสีของหน่วยต่างๆ^{[ 33 ]} ภาพวาดแบบโมดูลาร์นั้นอิงตามมุมมองของลัทธิแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ที่ว่า "สีที่สะท้อนจากแผงเป็นพลังงานที่สั่นสะเทือน ซึ่งในพื้นที่ขนาดใหญ่จะสร้างปฏิกิริยาทางอารมณ์จากผู้สังเกตการณ์ที่อาจนำไปสู่ความรู้สึกอันสูงส่ง" ^{[ 32 ]}อารมณ์ที่ชอว์หวังจะนำมาคือความสุขของการใช้ชีวิตและการเฉลิมฉลองชีวิต ในเดือนมกราคม 2017 สโมสรศิลปะแห่งชาติในนครนิวยอร์กได้ยกย่องนายชอว์สำหรับการมีส่วนร่วมทางศิลปะของเขาโดยแต่งตั้งให้เขาเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ตลอดชีพ^{[ 34 ]}

ชอว์เสียชีวิตที่บ้านของเขาในบรูคลิน นิวยอร์ก ในเดือนตุลาคม ปี 2019

2016 1GAP Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก ( https://www.1gapgallery.com/kendallshaw/ ); 2016 Wake Forest University, Hanes Gallery, Wake-forest, นอร์ทแคโรไลนา ( https://hanesgallery.wfu.edu/kendall-shaw/ ); 2015 National Arts Club, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก; 2012 Lowe Art Gallery, Hudson Guild, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก (ร่วมกับ Danny Simmons); 2011 St. Peter's Lutheran Church นิวยอร์ก, นิวยอร์ก; 2011 Skoto Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก; 2007 Ruskin Gallery/East Anglia University, เคมบริดจ์, อังกฤษ; 2004 Ogden Museum of Southern Art; Pierro Art Gallery, เซาท์ออเรนจ์, นิวเจอร์ซีย์; 2001 Tulane University, นิวออร์ลีนส์, หลุยเซียนา; 1999 Marsh Art Gallery, University of Richmond Museums, ริชมอนด์, เวอร์จิเนีย; ปี 1998 The Gallery Space of South Orange, NJ; ปี 1992 Artists Space, New York, NY; ปี 1982, 1981, 1979 Lerner/Heller Gallery, New York, NY; ปี 1976 Alessandra Gallery, New York, NY; ปี 1972 John Bernard Myers Gallery, New York, NY; ปี 1968, 1967, 1965, 1963 Tibor de Nagy Gallery, New York, NY

2024 หอศิลป์ฮอลลิส แท็กเกิร์ต นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา นิทรรศการ "จังหวะอันทรงพลัง: นามธรรมเชิงเรขาคณิตจากยุค 1950 ถึงปัจจุบัน" ; 2019-2020 พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย ลอสแอนเจลิส สหรัฐอเมริกา นิทรรศการ "ด้วยความยินดี: ลวดลายและการตกแต่งในศิลปะอเมริกัน 1972-1985 "; 2018-2019 พิพิธภัณฑ์ศิลปะภาคใต้ของออกเดน นิวออร์ลีนส์ รัฐลุยเซียนา นิทรรศการ "BIG"; 2018-2019 ลุดวิก ฟอรัม อาเคิน เยอรมนีนิทรรศการ "ลวดลายและการตกแต่ง: เครื่องประดับในฐานะคำสัญญา" ; 2017 ฉันรักจอห์น จิออร์โน : คัดสรรและผลิตโดยอูโก รอนดิโนเน วิทยาลัยฮันเตอร์และสถานที่อื่นๆ อีกสิบสองแห่งในแมนฮัตตัน; 2016 ศูนย์ศิลปะบลูดอร์ ยองเกอร์ส นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา นิทรรศการ"การรวมเข้าด้วยกัน " 2014 Anita Shapolsky Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, The Hard Line ( http://www.anitashapolskygallery.com/the-hard-line/ ); 2014 Tibor De Nagy Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, Starting Out: 9 Abstract Painters, 1958-1971 ; 2014 Anita Shapolsky Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, The Expressive Edge of Paper ; 2014 Rush Arts Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, "I Kan Do Dat" (คัดสรรโดย Danny Simmons); 2010 Lowe Art Gallery, Hudson Guild, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, Whitman's Calamas ; 2009 Ogden Museum of Southern Art, นิวออร์ลีนส์, หลุยเซียนา; 2007 Leslie/Lohan Gallery, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก, Artists In the Theatre ; 2002 Contemporary Art Center, นิวออร์ลีนส์, หลุยเซียนา. Contemporary Art From the Ogden Museum ; 2001 พิพิธภัณฑ์ศิลปะภาคใต้ Ogden, นิวออร์ลีนส์, รัฐลุยเซียนา; 2000 แกลเลอรี 128, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; 1999, 1998, 1997, 1995, 1994 แกลเลอรีศิลปะ Lowe, Hudson Guild, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; 1997 สมาคมศิลปะและแกลเลอรี New London, นิวลอนดอน, รัฐคอนเนตทิคัต; La Mama La Galleria, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; 1992; 1983 แกลเลอรี Aaron Berman, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; แกลเลอรี Spectrum, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; 1982, 1981 แกลเลอรี Lerner/Heller, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์ก; 1981 มหาวิทยาลัยเซาท์ฟลอริดา, แทมปา, รัฐฟลอริดาลวดลายและการ ตกแต่ง ; แกลเลอรี Marilyn Pearl, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์กลวดลายและการตกแต่ง ; แกลเลอรี Millennium, นิวยอร์ก, รัฐนิวยอร์กจิตรกรรมลวดลาย ; 1980 Neue Galerie Sammlung, อาเคิน, เยอรมนีLes Nouveaux Fauves ; Heintz-Holtmann Galerie, ฮาโนเวอร์, เยอรมนี; Krinzinger Galerie, อินส์บรุค, สวิตเซอร์แลนด์; หอศิลป์สมัยใหม่ เวียนนา ออสเตรีย; Danny Keller Galerie, มิวนิก, เยอรมนี; งานแสดงศิลปะบาเซิล, บาเซิล, เยอรมนี; มหาวิทยาลัยอิลลินอยส์ เวสลียัน, บลูมิงตัน, อิลลินอยส์ ภัณฑารักษ์รูปแบบและการตกแต่ง ; 1979 Andre Zarre Gallery, นิวยอร์ก, NY รูปแบบถาวร ; แหล่งศิลปะ, แจ็กสันวิลล์, ฟลอริดารูปแบบและการตกแต่ง ; Galerie Liatowitsch, บาเซิล, สวิตเซอร์แลนด์; Galerie Habermann, ฮันโนเวอร์และโคโลญจน์, เยอรมนี; 2521 Gladstone-Villani Gallery, New York, NY รูปแบบและการตกแต่ง ; 2520 มหาวิทยาลัยไรซ์ ฮูสตัน เท็กซัส ภัณฑารักษ์รูปแบบ และการตกแต่ง; PS 1, นิวยอร์ก, นิวยอร์กการวาดภาพลวดลาย ; มหาวิทยาลัย Lehigh, เบธเลเฮม, เพนซิลเวเนียศิลปะลวดลาย ตาราง และระบบ ; 1976 หอศิลป์ Alessandra, นิวยอร์ก, นิวยอร์กการวาดภาพลวดลาย ; 1974 พิพิธภัณฑ์ Brooklyn, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก; หอศิลป์ Hirshi & Adler, นิวยอร์ก, นิวยอร์ก; 1970 หอศิลป์ Albright-Knox, บัฟฟาโล, นิวยอร์ก การวาดภาพแบบโมดูลาร์

• https://southwritlarge.com/articles/portfolio-paintings-5/
• https://www.youtube.com/watch?v=uFoItrebBmA&t=24s&ab_channel=TTGriffithArchives
• https://www.huffpost.com/entry/a-conversation-with-paint_b_2353194