การแสดงออกทางดนตรีคือศิลปะของการเล่นหรือร้องเพลงโดยมีการตอบสนองส่วนตัว^ต่อดนตรี [ ^{1 ]}

ในระดับปฏิบัติ หมายถึงการใช้ไดนามิกวลีเสียงและการออกเสียงอย่าง เหมาะสม เพื่อทำให้ดนตรีมีชีวิตชีวา^{[ 1 ]}นักแต่งเพลงอาจระบุลักษณะการแสดงออกเหล่านี้ในระดับมากหรือน้อยในโน้ตดนตรีของพวกเขา

ธรรมชาติของการแสดงออกทางดนตรีได้รับการกล่าวถึงในระดับทฤษฎีตลอดประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิกมุมมองทั่วไปประการหนึ่งคือดนตรีทั้งแสดงออกและกระตุ้นอารมณ์ สร้างช่องทางสำหรับการสื่อสารทางอารมณ์ระหว่างนักดนตรีและผู้ชม มุมมองนี้มีมาตลอดประวัติศาสตร์ดนตรีส่วนใหญ่ แม้ว่าจะแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในดนตรีโรแมนติกก็ตาม^{[ 1 ]}อย่างไรก็ตาม บทบาทของอารมณ์ในดนตรีได้รับการท้าทายเป็นครั้งคราวโดยบุคคลเช่นอิกอร์ สตราวินสกีที่มองว่าดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะบริสุทธิ์ และการแสดงออกเป็นสิ่งรบกวนที่ไม่เกี่ยวข้อง

ใน ยุค บาโรกและคลาสสิกของดนตรี ดนตรี (และสุนทรียศาสตร์โดยรวม) ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากทฤษฎีการเลียนแบบ ของอริสโตเติล ศิลปะแสดงถึงความสมบูรณ์แบบและการเลียนแบบธรรมชาติ คำพูด และอารมณ์^{[ 1 ] : ประวัติศาสตร์ก่อนปี 1800}

เนื่องจากการพูดถือเป็นแบบอย่างสำหรับดนตรี การประพันธ์และการแสดงในยุคบาโรกจึงได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวาทศิลป์ตามสิ่งที่เรียกว่าหลักคำสอนเรื่องอารมณ์ความรู้สึก นักดนตรีถูกคาดหวังว่าจะปลุกเร้าอารมณ์ของผู้ฟังในลักษณะเดียวกับนักพูดที่กล่าวสุนทรพจน์ตามกฎของวาทศิลป์คลาสสิก ผลที่ตามมาคือ จุดมุ่งหมายของบทเพลงคือการสร้างอารมณ์เฉพาะอย่าง เช่น ความสุข ความเศร้า ความโกรธ หรือความสงบ ความกลมกลืน ทำนอง เสียงสูงต่ำ จังหวะ และโครงสร้างของดนตรีทำงานเพื่อจุดประสงค์นี้ เช่นเดียวกับทุกแง่มุมที่อยู่ภายใต้การควบคุมของผู้แสดง เช่น การออกเสียงและไดนามิก^{[ 2 ]}

ดังที่โยฮันน์ โยอาคิม ควอนซ์ได้เขียนไว้ในปี 1752 ว่า

โดยพื้นฐานแล้ว นักพูดและนักดนตรีมีเป้าหมายเดียวกันทั้งในด้านการเตรียมการและการแสดงผลงานขั้นสุดท้าย กล่าวคือ เพื่อทำให้ตนเองเป็นผู้ควบคุมจิตใจของผู้ฟัง เพื่อปลุกเร้าอารมณ์หรือระงับอารมณ์ความรู้สึกของพวกเขา และพาพวกเขาไปสู่ความรู้สึกนี้บ้าง ความรู้สึกนั้นบ้าง^{[ 3 ]}

นักประพันธ์เพลงยุคบาโรกใช้เครื่องหมายแสดงอารมณ์ค่อนข้างน้อย ดังนั้นจึงอาจเป็นความท้าทายสำหรับนักดนตรีในปัจจุบันในการตีความโน้ตเพลงยุคบาโรก โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากพวกเขาใช้ มุมมอง การแสดงที่อิงประวัติศาสตร์และมุ่งหวังที่จะสร้างวิธีการที่อาจได้รับการยอมรับในสมัยนั้น มีหลักการทั่วไปบางประการ เมื่อพิจารณาจังหวะของบทเพลง จังหวะช้าๆ มักจะแสดงถึงความจริงจัง ในขณะที่จังหวะเร็วๆ มักจะแสดงถึงความเบาและสนุกสนาน ในทำนองเพลง ช่วงห่างเล็กๆ มักจะแสดงถึงความเศร้าโศก ในขณะที่การกระโดดครั้งใหญ่ใช้เพื่อแสดงถึงความสุข^{[ 4 ]}ในด้านฮาร์โมนี การเลือกใช้เสียงที่ไม่ลงรอยกันมีผลอย่างมากต่ออารมณ์ที่ตั้งใจ (หรือสร้างขึ้น) และ Quantz แนะนำว่ายิ่งเสียงที่ไม่ลงรอยกันรุนแรงมากเท่าไร ก็ยิ่งควรเล่นให้ดังขึ้นเท่านั้น โดยปกติแล้ว จังหวะจบจะแสดงถึงจุดจบของประโยค^{[ 4 ] : 203–205}

แนวทางการใช้ภาษาเชิงวาทศิลป์ในดนตรีได้ก่อให้เกิดคำถามเชิงปรัชญาว่า การกระตุ้นอารมณ์ความรู้สึกของผู้ฟังในลักษณะนี้ สอดคล้องกับแนวคิดของอริสโตเติลที่ว่า ศิลปะจะมีประสิทธิภาพก็ต่อเมื่อเลียนแบบธรรมชาติหรือไม่ นักเขียนเกี่ยวกับดนตรีบางคนในศตวรรษที่ 18 ยังคงยึดมั่นในแนวคิดของอริสโตเติลอย่างใกล้ชิด โดยชาร์ลส์ บัตเทอซ์เขียนว่า หลักการรวมใจเดียวของรสนิยมและความงามคือการจำลองรูปแบบอุดมคติที่อยู่เบื้องหลังสิ่งต่างๆ ในธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม มุมมองนี้ถูกท้าทายโดยคนอื่นๆ ที่รู้สึกว่าบทบาทของดนตรีคือการสร้างผลกระทบทางอารมณ์ ตัวอย่างเช่นเซอร์วิลเลียม โจนส์เขียนในปี 1772 ว่า “จะเห็นได้ว่า ส่วนที่ดีที่สุดของบทกวี ดนตรี และภาพวาดนั้น แสดงออกถึงอารมณ์ความรู้สึก และส่งผลต่อจิตใจของเราด้วยความเห็นอกเห็นใจ ส่วนที่ด้อยกว่านั้นเป็นการบรรยายถึงสิ่งต่างๆ ในธรรมชาติ และส่งผลกระทบต่อเราเป็นหลักด้วยการแทนที่” ^{[ 1 ] : ประวัติศาสตร์ก่อนปี 1800}

ในปี ค.ศ. 1785 มิเชล เดอ ชาบานงเสนอว่าดนตรีจะเข้าใจได้ดีที่สุดในฐานะภาษาของมันเอง ซึ่งจะกระตุ้นให้เกิดการตอบสนองทางอารมณ์ที่เชื่อมโยงกับแต่ไม่จำกัดเฉพาะการแสดงออกทางดนตรี ดนตรีเดียวกันสามารถเชื่อมโยงกับการตอบสนองทางอารมณ์ที่หลากหลายในผู้ฟังได้ ชาบานงปฏิเสธแนวทางการใช้ภาษาเชิงวาทศิลป์กับดนตรี เพราะเขาไม่เชื่อว่ามีความสอดคล้องกันอย่างง่ายๆ ระหว่างลักษณะทางดนตรีกับอารมณ์ความรู้สึก ปรัชญาดนตรีในเวลาต่อมาส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับมุมมองของชาบานง^{[ 1 ] : ประวัติศาสตร์ก่อนปี ค.ศ. 1800}

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 แนวคิดเรื่องดนตรีในฐานะ 'ภาษาแห่งอารมณ์ขั้นสูงสุด' ^{[ 1 ] : ประวัติศาสตร์ – หลังปี 1800} ได้รับความนิยม หลักคำสอนด้านสุนทรียศาสตร์ใหม่ของลัทธิโรแมนติซิสม์ได้วางอารมณ์อันสูงส่งและเข้มข้นไว้เป็นแก่นหลักของประสบการณ์ทางศิลปะ และการสื่อสารอารมณ์เหล่านี้กลายเป็นเป้าหมายของการแสดงดนตรี ดนตรีถูกคาดหวังว่าจะถ่ายทอดความรู้สึกที่รุนแรง ซึ่งเป็นส่วนตัวอย่างมากตามวิสัยทัศน์ของผู้ประพันธ์ เมื่อศตวรรษที่ 19 พัฒนาขึ้นลัทธิชาตินิยมทางดนตรีได้ขยายอารมณ์เหล่านี้ออกไปนอกเหนือระดับส่วนบุคคลไปสู่การแสดงออกถึงความรู้สึกของทั้งชาติ^{[ 5 ]}

การเน้นย้ำการสื่อสารทางอารมณ์นี้ได้รับการสนับสนุนจากความมั่นใจที่เพิ่มขึ้นในการใช้ฮาร์โมนี ที่ซับซ้อนมากขึ้น และจากเครื่องดนตรีและวงดนตรีที่สามารถรองรับระดับเสียง ที่แตกต่างกันอย่างมาก ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องหมายแสดงระดับเสียง เช่น " pp " และ " ff " ถูกใช้บ่อยที่สุด แต่ในช่วงปลายศตวรรษ เครื่องหมายเช่น " pppp " และ " ffff " เริ่มปรากฏในโน้ตเพลง นักประพันธ์เพลงยุคโรแมนติกยังใช้เครื่องหมายแสดงอารมณ์อย่างละเอียดมากขึ้น เช่น crescendo และ diminuendo, accent และเครื่องหมายแสดงการออกเสียง^{[ 5 ] : 16–17}

หลังจากที่การแสดงออกและอารมณ์ในดนตรีมีความโดดเด่นมากขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ก็เกิดปฏิกิริยาต่อต้านขึ้น^{[ 1 ]}

สตราวินสกีเขียนไว้ในปี พ.ศ. 2478 ว่า “คนส่วนใหญ่ชอบดนตรีเพราะมันทำให้พวกเขารู้สึกถึงอารมณ์บางอย่าง เช่น ความสุข ความโศกเศร้า ความเสียใจ และภาพของธรรมชาติ เป็นหัวข้อสำหรับการฝันกลางวัน หรือ – ที่ดียิ่งกว่านั้น – การลืมเลือนจาก 'ชีวิตประจำวัน' พวกเขาต้องการยาเสพติด – ยาเสพติด – ... ดนตรีจะไม่มีค่าอะไรมากนักหากถูกลดทอนให้เหลือเพียงจุดประสงค์เช่นนั้น เมื่อผู้คนเรียนรู้ที่จะรักดนตรีด้วยตัวของมันเอง เมื่อพวกเขาฟังด้วยหูอีกข้าง ความเพลิดเพลินของพวกเขาจะสูงขึ้นและทรงพลังมากขึ้น และพวกเขาจะสามารถตัดสินมันในระดับที่สูงขึ้นและตระหนักถึงคุณค่าที่แท้จริงของมัน” ^{[ 6 ]}

• มิวสิคา โพทิกา
• การเรียบเรียงดนตรี
• ปรัชญาดนตรี
• เทมโป รูบาโต

• "การแสดงออก" สารานุกรมสากลฉบับใหม่ค.ศ. 1905