งานศิลปะที่สวมใส่ได้หรือที่รู้จักกันในชื่อArtwearหรือ"ศิลปะที่สวมใส่ได้"หมายถึงชิ้นงานศิลปะในรูปทรงของเสื้อผ้าหรือเครื่องประดับ^{[ 1 ] : 12} ชิ้นงานเหล่านี้มักทำด้วยมือ และผลิตเพียงครั้งเดียวหรือเป็นชุดจำนวนจำกัดมาก เสื้อผ้าส่วนใหญ่มักทำจากวัสดุเส้นใยและเทคนิคแบบดั้งเดิม เช่น การถักโครเชต์ การถักนิตติ้ง การเย็บปักถักร้อย แต่ก็อาจรวมถึงแผ่นพลาสติก โลหะ กระดาษ และอื่นๆ ด้วย ในขณะที่การทำเสื้อผ้าหรือวัตถุที่สวมใส่ได้อื่นๆ มักเกี่ยวข้องกับการพิจารณาด้านสุนทรียศาสตร์ คำว่างานศิลปะที่สวมใส่ได้หมายความว่างานนั้นมีจุดประสงค์เพื่อให้ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานสร้างสรรค์หรือคำแถลงทางศิลปะ งานศิลปะที่สวมใส่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อดึงดูดความสนใจในขณะที่จัดแสดง สวมใส่ หรือใช้ในการแสดง [ ^{2 ] ชิ้น}งานอาจถูกขายและจัดแสดง

ศิลปะที่สวมใส่ได้ตั้งอยู่บนจุดตัดของงานฝีมือ แฟชั่น และศิลปะ^{[ 1 ] : 12} แนวคิดสมัยใหม่ของศิลปะที่สวมใส่ได้ดูเหมือนจะปรากฏขึ้นมากกว่าหนึ่งครั้งในรูปแบบต่างๆ นักประวัติศาสตร์เครื่องประดับระบุว่ามีขบวนการศิลปะที่สวมใส่ได้ซึ่งครอบคลุมช่วงปีประมาณ 1930 ถึง 1960 ^{[ 3 ]}นักประวัติศาสตร์สิ่งทอและเครื่องแต่งกายพิจารณาว่าขบวนการศิลปะที่สวมใส่ได้เฟื่องฟูในช่วงทศวรรษ 1960 ^{[ 4 ]}โดยสืบทอดมาจากศิลปะและงานฝีมือ ในช่วงทศวรรษ 1850 ^{[ 1 ]}

ความสำคัญของมันเพิ่มขึ้นในช่วงทศวรรษ 1970 โดยได้รับแรงหนุนจากวัฒนธรรมย่อย ของ ฮิปปี้และม็อด ควบคู่ไปกับ งานฝีมือเพื่อสังคมศิลปะเส้นใยและศิลปะสตรีนิยมศิลปินที่ระบุตนเองว่าเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการนี้ส่วนใหญ่เป็นผู้หญิง^{[ 1 ] : 8} ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ศิลปะที่สวมใส่ได้เริ่มยากที่จะแยกแยะออกจากแฟชั่น^{[ 5 ] : 142} และในช่วงทศวรรษ 2000-2010 เริ่มมีการบูรณาการวัสดุใหม่ๆ เช่น อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์^{[ 6 ]}

ขบวนการศิลปะสวมใส่ได้สืบทอดมาจากขบวนการศิลปะและหัตถกรรม ซึ่งพยายามบูรณาการศิลปะเข้ากับชีวิตประจำวันและสิ่งของต่างๆ เสื้อผ้าที่ทำด้วยมืออย่างพิถีพิถันถือเป็นเครื่องมือในการแสดงออกถึงตัวตน และยิ่งไปกว่านั้น ยังเป็นกลยุทธ์ในการหลีกเลี่ยงการลดทอนอำนาจของผู้ใช้และนักออกแบบแฟชั่นจากการผลิตในปริมาณมาก

คำว่า "ศิลปะที่สวมใส่ได้" ปรากฏขึ้นราวปี 1975 เพื่อแยกแยะงานศิลปะที่สร้างขึ้นเพื่อสวมใส่จากศิลปะบนร่างกายและการแสดง คำนี้ถูกใช้ควบคู่ไปกับคำว่า "Artwear" และ "Art to Wear" ^{[ 1 ] : 22} ขบวนการศิลปะนี้ส่วนใหญ่มีฐานอยู่ในสหรัฐอเมริกาเนื่องจากการสนับสนุนทางการเงินและการศึกษา และได้ส่งผลสะท้อนไปยังศิลปะเส้นใยและศิลปะสตรีนิยมทั่วโลก

ในสหรัฐอเมริกา ขบวนการศิลปะที่สวมใส่ได้สามารถสืบย้อนไปถึงการฟื้นฟูงานฝีมือของอเมริกา ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 การฟื้นฟูงานฝีมือของอเมริกาได้รับแรงบันดาลใจจากขบวนการต่างๆ ที่มุ่งหวังที่จะรวมศิลปะและงานฝีมือเข้าด้วยกัน และเสริมสร้างศักยภาพให้กับช่างฝีมือและศิลปิน เช่นจาโปนิสม์ อาร์ตนูโวเวียนนาเซสชั่นและต่อมาคือเบาเฮาส์ [ ^{5 ] : 173} ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและหลังจากนั้นไม่นาน ผู้อุปถัมภ์ผู้มั่งคั่งได้จัดตั้งสถาบันการศึกษาและพิพิธภัณฑ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสภางานฝีมืออเมริกันและพิพิธภัณฑ์งานฝีมือร่วมสมัยเพื่อสนับสนุนการฟื้นฟูการศึกษาด้านงานฝีมือ ซึ่งทำให้ศิลปินที่มุ่งเน้นงานฝีมือสามารถเลี้ยงชีพตนเองและฝึกฝนคนรุ่นใหม่ได้ ตัวอย่างเช่นแอนนี อัลเบอร์ส ช่างทอผ้าชื่อดังของเบาเฮาส์ สอนการทอผ้าที่วิทยาลัยแบล็กเมาน์ เทน ตั้งแต่ปี 1938 ก่อนที่จะดำรงตำแหน่งประธานภาควิชางานฝีมือของวิทยาลัยศิลปะและงานฝีมือแคลิฟอร์เนียตั้งแต่ปี 1960 ถึง 1976 ^{[ 5 ] : 173}

โรงเรียนสอนศิลปะมีความสำคัญต่อการพัฒนาขบวนการศิลปะเพื่อการสวมใส่ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 กลุ่มนักเรียนที่Cranbrook Academy of ArtและPratt Institute ^{[ 5 ] : 2} เริ่มบูรณาการเทคนิคสิ่งทอเข้ากับโครงการออกแบบของพวกเขา พวกเขามีบุคคลสำคัญหลายคนในขบวนการศิลปะเพื่อการสวมใส่ รวมถึงนักออกแบบJean Cacicedo [ ^{7 ] แกล}เลอรี่ที่มีชื่อเสียงที่สุดที่สนับสนุนศิลปะเพื่อการสวมใส่ ได้แก่Obiko (ก่อตั้งในปี 1972 โดยSandra Sakata ^{[ 8 ]} ) ในซานฟรานซิสโก และJulie: Artisans' Gallery (ก่อตั้งในปี 1973 โดยJulie Schafler-Dale ) ในนิวยอร์ก^{[ 5 ]}

เนื่องจากงานฝีมือและการศึกษาศิลปะแยกออกจากกันมากขึ้นนอกสหรัฐอเมริกา จึงเป็นการยากที่จะระบุศิลปะที่สวมใส่ได้ว่าเป็นขบวนการศิลปะที่เป็นอิสระ อย่างไรก็ตาม ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในงานฝีมือสิ่งทอแบบดั้งเดิม เช่นการย้อมชิโบริได้จุดประกายความสนใจของศิลปินทั่วโลก^{[ 1 ]}

ญี่ปุ่นมีบทบาทสำคัญในการกำหนดนิยามของศิลปะที่สวมใส่ได้ในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 ผ่านผลงานของนักออกแบบ เช่น Rei Kawakubo, Issey Miyake และ Yohji Yamamoto ^{[ 9 ]}นักวิชาการได้อธิบายนักออกแบบเหล่านี้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการ "ต่อต้านแฟชั่น" ที่เปลี่ยนเสื้อผ้าให้กลายเป็นรูปแบบเชิงแนวคิดและประติมากรรม^{[ 10 ] [ 11 ]}

ทั่วแอฟริกา ประเพณีศิลปะการสวมใส่ได้ผสมผสานฟังก์ชันด้านสุนทรียศาสตร์ พิธีกรรม จิตวิญญาณ และการเมืองเข้าด้วยกันมาโดยตลอด งานลูกปัด ศิลปะสิ่งทอ และเครื่องประดับร่างกายมักสื่อถึงอัตลักษณ์ สถานะทางสังคม เชื้อสาย และความหมายทางศาสนา^{[ 12 ]}

นักออกแบบชาวยุโรปมีส่วนสำคัญในการพัฒนาแฟชั่นเชิงแนวคิดและแฟชั่นที่สวมใส่ได้ในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 นักออกแบบเช่น Iris van Herpen เป็นที่รู้จักในด้านเสื้อผ้าที่มีรูปทรงประติมากรรมซึ่งผสมผสานการพิมพ์ 3 มิติ การผลิตแบบดิจิทัล และวัสดุที่ไม่ธรรมดา นิทรรศการในพิพิธภัณฑ์อธิบายผลงานของเธอว่าเป็นการผสมผสานระหว่าง "การแสดงออกทางศิลปะ งานฝีมือ และความคิดสร้างสรรค์" ^{[ 13 ]}นักออกแบบ Alexander McQueen ได้พัฒนาการนำเสนอรันเวย์แบบละครเวทีซึ่งมักถูกอธิบายว่าเป็นรูปแบบของศิลปะการแสดง พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนตั้งข้อสังเกตว่าผลงานของเขาขยายขอบเขตของแฟชั่น "นอกเหนือจากประโยชน์ใช้สอยไปสู่การแสดงออกเชิงแนวคิดของวัฒนธรรม การเมือง และอัตลักษณ์" ^{[ 14 ]}

ศิลปะที่สวมใส่ได้เสื่อมถอยลงในฐานะกระแสที่โดดเด่นในช่วงปลายทศวรรษ 1990 เนื่องจากการแข่งขันจากอุตสาหกรรม ซึ่งทำให้สามารถปรับแต่งได้ในปริมาณมาก การย้ายของศิลปินไปสู่แฟชั่นชั้นสูงหรือการผลิตเป็นชุดเล็กๆ และการมีจำหน่ายเสื้อผ้าทำมือจากทั่วโลกมากขึ้น^{[ 5 ]}แนวคิดร่วมสมัยเกี่ยวกับศิลปะที่สวมใส่ได้อาจมุ่งเน้นไปที่การบูรณาการเทคโนโลยีเข้ากับเสื้อผ้า^{[ 15 ]}การใช้เทคนิคการผลิตใหม่เพื่อขยายรูปทรงที่เป็นไปได้ เช่นIris Van Herpen ^{[ 16 ]}และ Damselfrauการนำลวดลายจากโลกศิลปะกลับมาใช้ในแฟชั่นชั้นสูง เช่น การแสดงแฟชั่นชั้นสูงฤดูใบไม้ร่วงปี 2015 ของViktor and Rolf ^{[ 17 ]}หรือผลงานที่ใช้ในศิลปะการแสดง เช่นSoundsuits ของNick Cave ^{[ 18 ]}นอกจากนี้ ผลงานที่มาจากแฟชั่นอาจตั้งคำถามเกี่ยวกับการสวมใส่ในชีวิตประจำวันด้วยชิ้นงานที่ยั่วยุ ตัวอย่างหนึ่งคือtrashionซึ่งศิลปินสร้างเสื้อผ้าศิลปะที่แปลกประหลาดจากขยะ^{[ 19 ] [ 20 ]}

แม้ว่างานศิลปะที่สวมใส่ได้จะใช้วัสดุหรือรูปทรงใดก็ได้ที่สามารถสวมใส่ได้ แต่ก็มีแนวโน้มในเทคนิคและประเภทของชิ้นงานที่ผลิตขึ้นเนื่องจากความเหมาะสมของวัสดุและรูปทรงเหล่านั้นสำหรับศิลปิน

การถักโครเชต์ การปัก การถักนิตติ้ง การทำลูกไม้ การเย็บผ้า และการทำผ้าสักหลาด ล้วนเป็นงานศิลปะที่สวมใส่ได้ที่พบได้ทั่วไป การถักโครเชต์ยังคงเป็นศิลปะของแม่บ้านจนกระทั่งช่วงปลายทศวรรษ 1960 เมื่อศิลปินหน้าใหม่เริ่มทดลองกับการถักโครเชต์แบบอิสระ การปฏิบัติเช่นนี้ทำให้ศิลปินสามารถทำงานในรูปทรงใดก็ได้และใช้สีได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องมีแบบแผน^{[ 21 ]}ผลงานของJanet Lipkinในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 เป็นตัวอย่างที่ดีของเทคนิคนี้^{[ 22 ] [ 23 ]}การถักนิตติ้งด้วยเครื่องจักรก็ได้รับความนิยมเช่นกัน เนื่องจากทำให้สามารถสร้างงานถักที่ซับซ้อนได้อย่างรวดเร็ว ดังตัวอย่างจากผลงานของSusanna Lewis

เมื่อ เทคโนโลยี คอมพิวเตอร์แบบสวมใส่พัฒนาขึ้น อุปกรณ์ขนาดเล็กและดีไซน์เก๋ไก๋ก็เริ่มผสมผสานเข้ากับสุนทรียภาพของศิลปะแบบสวมใส่ได้มากขึ้น การประมวลผลแบบพกพาที่ใช้พลังงานต่ำช่วยให้สามารถใช้วัสดุที่เปล่งแสงและเปลี่ยนสีได้ รวมถึงผ้าไฮเทคในรูปแบบที่ซับซ้อนและแนบเนียน ผู้ปฏิบัติงานใน ขบวนการ สตีมพังก์ บางคน ได้สร้างเครื่องแต่งกายและเครื่องประดับที่ประณีต ซึ่งผสมผสานสไตล์คล้ายยุควิกตอเรียนเข้ากับเทคโนโลยีและวัสดุสมัยใหม่

รูปทรงสองแบบที่ปรากฏซ้ำๆ ในขบวนการ Art to Wear คือกิโมโนและเสื้อคลุม^{[ 1 ]}กิโมโนช่วยให้สามารถเปลี่ยนผ้าที่สั่งทำพิเศษให้เป็นเสื้อผ้าได้อย่างรวดเร็ว เสื้อคลุมก็ประกอบง่ายเช่นกันและเปิดโอกาสมากมายสำหรับการแสดง หนังสือ Cut my cote ซึ่งนำเสนอรูปแบบจากเครื่องแต่งกายพื้นบ้านในอดีต มีอิทธิพลอย่างมากต่อขบวนการ Art to Wear ในช่วงทศวรรษ 1970

ศิลปินและสถาปนิกสมัยใหม่ในศตวรรษที่ 20 บางคนพยายามยกระดับการประดับตกแต่งร่างกาย — นั่นคือเครื่องประดับ — ให้เป็นศิลปะชั้นสูงและงานออกแบบดั้งเดิม แทนที่จะเป็นเพียงการตกแต่ง การผลิตงานฝีมือตามแบบดั้งเดิม หรือการจัดวางแบบธรรมดาเพื่ออวดอัญมณีราคาแพงหรือโลหะมีค่า เครื่องประดับถูกใช้โดยศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ คิวบิสต์ แอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ และศิลปินสมัยใหม่อื่นๆ ที่ทำงานในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ^{[ 3 ]}

งานศิลปะที่สวมใส่ได้นั้นสามารถสวมใส่หรือออกแบบมาเพื่อการแสดงได้ ในขณะที่ศิลปินและประติมากรที่ทำงานกับเส้นใยหรือวัสดุอื่นๆ อาจสร้างชิ้นงานที่สวมใส่ได้ ดังนั้นขอบเขตของศิลปะที่สวมใส่ได้จึงไม่ชัดเจนนัก นอกเหนือจากการที่ศิลปินระบุตนเองว่าอยู่ในขบวนการหรือชุมชนศิลปะใด

ตัวอย่างเช่นElectric Dressเป็น ชุด พิธีแต่งงาน คล้าย กิโมโนที่ประกอบด้วยหลอดไฟหลากสีที่ถูกทำให้มีไฟฟ้าและทาสีเป็นส่วนใหญ่ พันกันยุ่งเหยิงด้วยสายไฟ สร้างขึ้นในปี 1956 โดยศิลปินGutai ชาวญี่ปุ่น Atsuko Tanakaชุดสุดขั้วนี้เป็นเหมือนชุดสำหรับการแสดงบนเวที ออกแบบมาเพื่อการแสดงเท่านั้น^{[ 24 ]}ในทำนองเดียวกันในผลงานการแสดงในปี 1969 ของNam June Paik ที่ชื่อว่า TV Bra for Living Sculpture Charlotte Moormanเล่นเชลโลขณะสวมบราที่ทำจากโทรทัศน์ขนาดเล็กสองเครื่องที่ยังใช้งาน ได้

• พิพิธภัณฑ์ศิลปะและการออกแบบได้จัดนิทรรศการที่เกี่ยวข้องกับศิลปะสวมใส่ได้มาตั้งแต่ปี 1965
• งานศิลปะสำหรับสวมใส่ (Art for Wearing), 1979, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ซานฟรานซิสโก
• ศิลปะที่สวมใส่ได้, 1987, พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยคลีฟแลนด์
• นิทรรศการ Artwear: Fashion and Anti-fashion, 2005, พิพิธภัณฑ์ De Young Memorialในซานฟรานซิสโก
• นิทรรศการ Off the Wall: American Art to Wear ปี 2019-2020 ณ พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟิลาเดลเฟีย

• รางวัล World of Wearable Art Awards จัดขึ้นทุกปีตั้งแต่ปี 1987 และดำเนินการโดยSuzie Moncrieff ^{[ 25 ]}
• เทศกาลศิลปะสวมใส่ได้ของออสเตรเลีย จัดขึ้นเป็นประจำทุกปีตั้งแต่ปี 2019

• ศูนย์ศิลปะสิ่งทอ Fiberworks Art Center for Textile Arts ก่อตั้งขึ้นในปี 1973 และปิดตัวลงในปี 1987 ในเมืองเบิร์กลีย์
• เครือข่ายชิโบริโลก
• ศิลปะสิ่งทอโลก

• เครื่องประดับแฟชั่น
• สตีมพังก์
• คอมพิวเตอร์แบบสวมใส่ได้

• งานประกาศรางวัล World of WearableArt Awards Show - การประกวดออกแบบระดับนานาชาติที่จัดขึ้นทุกปีในเมืองเวลลิงตัน ประเทศนิวซีแลนด์
• รางวัล Wearable Art Awards - การประกวดศิลปะสวมใส่ได้ จัดขึ้นเป็นประจำทุกปีที่เมืองพอร์ตมูดี ประเทศแคนาดา
• การประกวดศิลปะสวมใส่ได้จัดขึ้นเป็นประจำทุกปีในเมืองอลิสสปริงส์ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของเทศกาลทะเลทรายอลิส