เจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์ (เกิดปี 1959) เป็นศิลปินชาวแคนาดา-อเมริกันที่มีชื่อเสียงจาก ผลงาน จัดวาง เฉพาะสถานที่ และประติมากรรมที่มักถูกอธิบายว่าเป็น "ภาพวาดในอวกาศ" ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]}เธอเริ่มมีชื่อเสียงในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยผลงานขนาดมหึมาที่ท้าทายขอบเขตระหว่างงานศิลปะและสภาพแวดล้อมการจัดแสดง รวมถึงระหว่างประสบการณ์ทางภาพและทางกายภาพ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]}งานศิลปะของเธอมักนำเสนอ "การโจมตี" ^{[ 7 ]}ของสีสัน พื้นผิว และวัตถุในชีวิตประจำวันที่จัดจ้าน โดยผสมผสานพื้น ผนัง และเพดาน และบางครั้งก็ล้นออกมาจากสถานที่จัดแสดง^{[ 8 ] [ 9 ]}นักวิจารณ์แนะนำว่างานของเธอได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางศิลปะที่หลากหลาย รวมถึง ลัทธิแสดงออก เชิงนามธรรมการวาดภาพสีพื้นลัทธิมินิมัลลิสต์และศิลปะป๊อป^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]}ตั้งแต่ช่วงเริ่มต้นอาชีพ พวกเขาสังเกตเห็นในผลงานของเธอถึงความเปิดกว้างต่อความเป็นธรรมชาติ อุบัติเหตุ และความชายขอบ และการปฏิเสธความถาวร การทำให้เป็นเงิน และแบบแผนทางวินัย ซึ่งStephen Westfallได้อธิบายว่าเป็น "ความรู้สึกอิสระที่น่าตกใจอย่างยิ่ง" ^{[ 5 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]}

ผู้ถือหุ้นได้จัดแสดงผลงานที่Dia Art Foundation [ ^{16 ] Centre} Pompidou [ ^{17 ] Whitney} Museum of American Art [ ^{18 ] MoMA} PS1 [ ^{19 ] และ} Venice Biennale [ ^{20 ] ผล}งานของเธออยู่ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่ง รวมถึงMuseum of Modern Art (MoMA) ^{[ 21 ]} Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA) ^{[ 22 ]} Art Institute of Chicago [ ^{23 ]} British Museum [ ^{24 ]}และStedelijk Museum Amsterdam [ ^{25 ] เธอ}ได้รับรางวัลจากGuggenheim Foundation [ ^{26 ] Smithsonian} American Art Museum [ ^{27 ] Anonymous Was A} Woman ^{[ 28 ]}และ National Endowment ^for the Artsเป็นต้น^{[ 29 ]}เธออาศัยอยู่ในเมืองนานาอิโม รัฐบริติชโคลัมเบีย ประเทศแคนาดา กับสามีของเธอ แพทริค แชมเบอร์เลน จิตรกร ซึ่งพวกเขาย้ายมาอยู่ที่นี่ในปี 2024 เมื่อเธอเกษียณจากการสอนที่มหาวิทยาลัยชิคาโก^{[ 30 ] [ 1 ] [ 31 ]}

สต็อกโฮลเดอร์เกิดที่ซีแอตเติลในปี 1959 และเติบโตในแวนคูเวอร์ ประเทศแคนาดา พ่อแม่ของเธอ เฟร็ดและเคย์ สต็อกโฮลเดอร์ เป็นอาจารย์สอนภาษาอังกฤษที่มหาวิทยาลัยบริติชโคลัมเบีย [ ^{8 ] [ 11 ] ใน}ช่วงวัยรุ่น เธอเรียนวาดภาพส่วนตัวกับประติมากรโมว์รี บาเดนซึ่งเป็นเพื่อนของพ่อเธอ และต่อมาเธอก็ได้เรียนกับเขาอย่างเป็นทางการที่มหาวิทยาลัยวิกตอเรีย (BFA, 1982) ^{[ 9 ]}งานในระดับปริญญาตรีของเธอเน้นที่การวาดภาพ แต่ได้สำรวจแนวทางที่ไม่เป็นไปตามแบบแผนดั้งเดิมนอกเหนือจากกรอบรูป โดยเกี่ยวข้องกับวัตถุ ขอบเขต และสถาปัตยกรรม ซึ่งยังคงเป็นหัวใจสำคัญของงานศิลปะของเธอ ตัวอย่างเช่น งานชิ้นแรกๆ ที่มักถูกอ้างถึงคือInstallation in My Father's Backyard (1983) ซึ่งประกอบด้วยวัตถุที่ทาสีติดหรืออยู่ติดกับโรงรถของพ่อเธอ รวมถึงที่นอนสองชั้น ประตูตู้ ม้วนลวดตาข่าย และผืนหญ้าที่ทาสีเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า^{[ 3 ] [ 9 ] [ 4 ]}

ในปี 1983 สต็อกโฮลเดอร์ได้เข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยเยลโดยเธอได้เรียนกับจูดี้ แพฟฟ์ , เจค เบอร์โธต์ , เมล บอคเนอร์และเออร์ซูลา ฟอน ไรดิงส์วาร์ดและคนอื่นๆ และได้รับปริญญาโทสาขาศิลปกรรมศาสตร์ในปี 1985 ^{[ 32 ] [ 9 ]}ผลงานของเธอที่เยลนั้นมักจะชั่วคราวและคลุมเครือเกี่ยวกับขอบเขตระหว่างงานศิลปะและสถาปัตยกรรม^{[ 33 ] [ 9 ] [ 11 ]} ประติมากรรม Kissing the Wall (1987–90) ในเวลาต่อมาของเธอยังคงใช้แนวทางนี้กับวัตถุแบบตั้งเดี่ยว โดยสร้างพื้นที่ระหว่างกำแพงและงานศิลปะด้วยกระจกและโคมไฟที่ติดอยู่ซึ่งส่องแสงสีต่างๆ ไปยังกำแพงและโครงสร้าง^{[ 9 ] [ 4 ] [ 33 ]}หลังจากสำเร็จการศึกษา สต็อกโฮลเดอร์ได้ย้ายไปอยู่ที่บรูคลิน^{[ 9 ]}เธอได้รับการยอมรับในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ผ่านนิทรรศการที่จัดโดย PS1, Mercer Union (โทรอนโต), The Mattress Factory (พิตต์สเบิร์ก) ^{[ 17 ] [ 34 ]}และในไม่ช้าAmerican Fine Arts (นิวยอร์ก), Le Consortium (ฝรั่งเศส), พิพิธภัณฑ์ Whitney (รวมถึง Biennial ปี 1991) และRenaissance Society (ชิคาโก) เป็นต้น^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]}

การติดตั้งและนิทรรศการของ Stockholder ผสมผสานวัตถุที่พบและซื้อมา พื้นที่ที่ทาสี ปูพรม หรือมีสีสันตามธรรมชาติ และอุปกรณ์จัดกรอบต่างๆ เข้าด้วยกันเป็น "ภาพวาดแบบเดินเข้าไปได้" ที่ผสานงานศิลปะและสถาปัตยกรรม พื้นผิวและฐานรอง และรูปทรงและพื้นหลัง^{[ 40 ] [ 36 ] [ 41 ]}นักวิจารณ์ระบุว่าประเด็นสำคัญของเธอคือ ความเป็นอัตวิสัย ไวยากรณ์ภาพและการสร้างความหมาย ประสบการณ์ทางกายภาพและเวลา และการพลิกผันนิสัยการรับชมและแบบแผนทางศิลปะ^{[ 42 ] [ 12 ] [ 4 ]} David Pagelอธิบายการติดตั้งของเธอว่าเป็น "รายการสิ่งของที่หาได้ง่ายซึ่งดูไม่หรูหรา [และ] กลุ่มดาวที่เปิดกว้างแต่มีโครงสร้างที่เข้มงวด" ซึ่ง "ความเฉลียวฉลาดที่ไม่โอ้อวดและใครๆ ก็ทำได้เชื่อมช่องว่างระหว่างอุดมคติที่ฝันเฟื่องกับความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรม" ^{[ 12 ]}

งานของ Stockholder ได้รับการกล่าวถึงในความสัมพันธ์กับการพัฒนาของศิลปะการติดตั้งและประเพณีทางประวัติศาสตร์ศิลปะและบุคคลสำคัญต่างๆ รวมถึงCézanneและศิลปะสมัยใหม่ตอนต้น (เช่นMatisse , CubismและKurt Schwitters ), ศิลปะแอ็ กชัน , ศิลปะสีฟิลด์และ ศิลปะ ฮาร์ดเอดจ์ , ศิลปะมินิมัลลิสม์, Anthony Caro , Gordon Matta-ClarkและRobert Rauschenberg [ ^{5 ] [ 36 ] [ 13 ] [ 43 ] นัก}วิจารณ์Barry Schwabskyแนะนำว่าแบบอย่างเหล่านี้มีลักษณะร่วมกับ Stockholder คือการปฏิเสธภาพลวงตา การเน้นความเป็นรูปธรรมของพื้นผิวภาพวาดหรือวัตถุ และการใช้วัสดุโดยตรงและก้าวร้าว^{[ 3 ]} Helen MolesworthและJack Bankowskyได้ระบุ "การจัดหมวดหมู่กลยุทธ์แนวหน้า" ^{[ 7 ]}ในงานศิลปะของ Stockholder ซึ่งพวกเขาแนะนำว่านำไปสู่การตีความงานของเธอผิดพลาด ไม่ว่าจะเป็นในแง่ของรูปแบบอย่างเดียวหรือในแง่สังคมวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการวิพากษ์วิจารณ์วัฒนธรรมผู้บริโภคสถาบันหรือชนชั้น^{[ 42 ] [ 3 ]} Bankowsky และ Schwabsky โต้แย้งว่า Stockholder เลือกวัตถุที่สามารถจดจำได้จากคุณลักษณะทางรูปแบบ วัสดุ หรือประเภท มากกว่าคุณลักษณะตามตัวอักษรหรือตามหน้าที่ (เช่น เมื่อเทียบกับ Rauschenberg) แต่ยังคงใช้วัตถุเหล่านั้นโดยไม่ละทิ้งความหมายนอกเหนือจากศิลปะโดยสิ้นเชิง^{[ 42 ] [ 3 ] [ 44 ]}

Michael Kimmelmanเปรียบเทียบความเย้ยหยันและการวิจารณ์สังคมของศิลปินร่วมสมัย ( Cady Noland , Jason RhoadesและNancy Rubin ) โดยแยกแยะ "ความบ้าคลั่งแบบฟังกี้" และไหวพริบของผลงานของ Stockholder ว่าเป็นไปในเชิงประสาทสัมผัส บทกวี โรแมนติก และการเฉลิมฉลองมากกว่า^{[ 8 ]}นักเขียนมักตั้งข้อสังเกตว่าการทำให้สิ่งต่างๆ ในชีวิตประจำวันของ Stockholder แปลกไปนั้นมีส่วนช่วยให้เกิดคุณสมบัติดังกล่าว รวมถึงสภาวะของการสับสนและจินตนาการในผลงานของเธอ^{[ 42 ] [ 5 ] [ 32 ]}เธอบรรลุเป้าหมายนี้ผ่านการวางสิ่งของที่ไม่เข้ากันไว้ด้วยกัน การใช้สี (สีธรรมชาติหรือสีที่ทา) เพื่อยืนยันความเชื่อมโยงที่ไม่น่าเป็นไปได้ และวิธีการเชิงพื้นที่ที่ปฏิเสธมุมมองพิเศษใดๆ^{[ 8 ] [ 16 ] [ 9 ] [ 4 ]} Germano Celantอธิบายแนวทางนี้ว่าเป็นการตั้งคำถามถึง "การแตกแยกของความตระหนักรู้และมุมมอง โดยมุ่งเน้นไปที่วิสัยทัศน์ที่ครอบคลุมทุกด้าน ปราศจากลำดับชั้นและขอบเขต" ^{[ 6 ]}ด้วยเหตุนี้ นักวิจารณ์หลายคนจึงตีความเจตนาของ Stockholder ในแง่ของการสำรวจหรือการทดลอง—ตาม คำพูดของ Miwon Kwonว่า "เป็นทัศนคติแบบทั้งสองอย่างมากกว่าแบบใดแบบหนึ่ง"—ซึ่งยังคงรักษาความขัดแย้งเอาไว้^{[ 45 ] [ 9 ] [ 16 ]}

ตลอดอาชีพการงานของเธอ ผลงานของ Stockholder ส่วนใหญ่แบ่งออกเป็นสองส่วน คือ การติดตั้งชั่วคราวเฉพาะสถานที่ซึ่งสร้างขึ้นสำหรับพื้นที่กึ่งสาธารณะ เช่น พิพิธภัณฑ์ และการประกอบหรือประติมากรรมที่มีขนาดเท่ามนุษย์และเป็นอิสระ ซึ่งมักสร้างขึ้นในสตูดิโอของเธอและจัดแสดงในแกลเลอรี^{[ 3 ] [ 32 ]}การติดตั้งและนิทรรศการแกลเลอรีของเธอในช่วงทศวรรษ 1990 โดดเด่นด้วยการจัดวางที่แปลกประหลาด โครงสร้างที่หยาบ และการผสมผสานที่ไม่ธรรมดาของความไม่เป็นระเบียบกับสีสันและลวดลายที่ประณีตแบบ Matisse ^{[ 46 ] [ 47 ] [ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]}ในบทวิจารณ์นิทรรศการที่ American Fine Arts (1990) และ Jay Gorney (1995) Roberta Smithนักวิจารณ์จาก New York Timesได้บรรยายผลงานว่าเป็นผลงานที่ยั่วยุ “เป็นนามธรรมอย่างต่อเนื่อง” และสร้างความไม่สบายใจด้วยความมุ่งมั่น “ที่จะหยุดสร้างความหมายทางสายตา เพื่อผสมผสานรูปแบบที่ไม่น่าจะเป็นไปได้ของศิลปะการประกอบและการวาดภาพสีแบบ Color Field [ใน] รูปแบบลูกผสมที่วกวนและแปลกประหลาดจนจิตใจไม่สามารถเข้าใจได้” ^{[ 36 ] [ 10 ] [ 51 ]}บท วิจารณ์นิทรรศการในปี 1996 ของ Los Angeles Timesบรรยายประติมากรรม “ที่ดูงุ่มง่ามอย่างงดงาม” ของ Stockholder ว่าเทอะทะและดูไม่ตั้งใจ แต่ถูกยึดไว้ด้วยกันด้วย “สติปัญญาเชิงรูปแบบที่เฉียบแหลม” ^{[ 49 ]}

ผู้ถือหุ้นได้สร้างผลงานจัดแสดงขนาดใหญ่ในช่วงทศวรรษ 1990 ที่มูลนิธิ Dia, พิพิธภัณฑ์ประติมากรรมกลางแจ้ง Middelheim ( Landscape Linoleum , 1998, แอนต์เวิร์ป) และโรงไฟฟ้า (โทรอนโต) เป็นต้น^{[ 8 ] [ 52 ] [ 53 ] [ 11 ]}ผลงานที่ Dia ชื่อYour Skin in This Weather Bourne Eye-Threads & Swollen Perfume (1995) ครอบครองพื้นที่ห้องขนาด 3,600 ตารางฟุต ล้นออกมายังล็อบบี้ของศูนย์และออกไปทางหน้าต่างสู่ตรอก^{[ 8 ] [ 16 ] [ 13 ]} Michael Kimmelman อธิบายว่ามันดูครึกครื้นและเหมือนโอเปร่า ด้วยบล็อกสีสดใสที่กระเด้งไปมาและมุมมองที่หลากหลาย ทำให้เกิดประสบการณ์เหมือน "การเข้าไปในภาพตัดปะของ Matisse, ฉากเวทีของ David Hockney " หรือโครงสร้างของFrank Gehry ^{[ 8 ] [ 54 ]}ภัณฑารักษ์ Lynne Cooke เขียนว่า Stockholder "ผสานพื้นที่ศิลปะและพื้นที่จริงเข้าด้วยกันอย่างเป็นรูปธรรม จนทำให้ [ทั้งสอง] กลายเป็นสิ่งที่สามารถสลับเปลี่ยนกันได้" ซึ่งทำให้พื้นที่ภาพวาดของเธอสามารถบรรลุคุณภาพของประสบการณ์ชีวิตที่เทียบได้กับสถาปัตยกรรม^{[ 13 ]} Deborah SolomonจากSculptureเรียกงานติดตั้ง Power Plant ( First Cousin Once Removed or Cinema of Brushing Skin , 1999) ว่าเป็น ผลงานชิ้นเอกของ Fauvishที่ "มีความบ้าคลั่งทางวัฒนธรรมอย่างลึกซึ้ง" เธอเขียนว่าผลงานชิ้นนี้ "ทำให้ประวัติศาสตร์ศิลปะกลายเป็นเรื่องธรรมดา" ด้วยเนื้อหาที่ล้นเหลือ—โคมไฟ เสื่อน้ำมัน เพดานแขวน รถเข็นคว่ำ และรถบรรทุกพ่วงที่มีล้อทาสีฟ้าเหมือนสระว่ายน้ำ—ซึ่งลอกเอาจุดอ้างอิงของศิลปะสมัยใหม่ เช่นMondrianและศิลปะมินิมัลลิสต์ ออกจากความหนักแน่นทางศีลธรรมและความพยายามในอุดมคติแบบทั่วไป^{[ 11 ]}

นักวิจารณ์แนะนำว่า การติดตั้งและนิทรรศการในภายหลังของ Stockholder เชิญชวนให้เกิดการเชื่อมต่อและการมีส่วนร่วมของผู้ชมมากขึ้น โดยการรวมทางลาดและแท่น "ชม" วัสดุและวัตถุที่นำกลับมาใช้ใหม่ในท้องถิ่น^{[ 4 ] [ 43 ]}และผลงานของศิลปินคนอื่นๆ^{[ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]}พวกเขายังระบุถึงการเปลี่ยนแปลงของวัสดุ โดยหันมาใช้วัสดุสีสันสดใสจากร้านค้าลดราคาในครัวเรือน เช่น ถัง ตะกร้าใส่ผ้า ที่วางจาน และถ้วยพลาสติก^{[ 58 ] [ 59 ] [ 60 ] [ 61 ]}

ประติมากรรมของ Stockholder จากช่วงปี 2000 มีลักษณะที่ใกล้ชิด กระชับ และเน้นการติดตั้งน้อยกว่าผลงานก่อนหน้า โดยมีความสมดุลระหว่างพื้นที่เปิดโล่งและความเข้มงวดทางรูปแบบกับความหลวม ความอิสระในการด้นสด และความเป็นภาพวาด^{[ 62 ] [ 58 ] [ 60 ]}ในบทวิจารณ์นิทรรศการสองฉบับThe New York Timesได้บรรยาย "การประกอบสี" ของเธอว่าเป็นวัตถุในครัวเรือน ผนัง และพื้น ที่ถูกตัดและต่อเข้าด้วยกัน^{[ 55 ]}ซึ่งชวนให้นึกถึง "บ้านชานเมืองที่ติดอยู่ในเหตุการณ์หลังการระเบิด" ^{[ 62 ]}ซึ่งถูกผูกมัดด้วยความชัดเจนของสีสันสดใสและสีทาที่เย้ายวน ในนิทรรศการครั้งต่อมา (Mitchell-Innes & Nash, 2006) ผลงานเช่นJS#433และJS#436ได้รับการกล่าวถึงในด้านความเชี่ยวชาญด้านสีและพื้นผิว วิธีการยึดและการแขวนที่ไม่ธรรมดา (เช่น โครงกระเป๋าเป้และเต็นท์ ที่วางจักรยาน) และรูปทรงที่คมชัด เช่น สายไฟที่ชวนให้นึกถึงภาพวาดเส้นที่แปลกตา^{[ 61 ] [ 63 ] [ 58 ]} Brooklyn Railอธิบายสิ่งเหล่านี้ว่าเป็น "วัตถุธรรมดา" ที่เปิดโอกาสให้เกิดการใคร่ครวญและการเชื่อมโยงส่วนตัว องค์ประกอบของความประหลาดใจ และช่วงเวลาแห่ง "ความงามที่คาดไม่ถึง" ^{[ 58 ]}นิทรรศการ "Sex in the Office" (1301PE, 2007) ได้รับการอธิบายว่าเป็นความท้าทายที่สำรวจข้อห้ามและ "ความเร้าอารมณ์ของพื้นผิววัสดุธรรมดา" ^{[ 59 ] [ 64 ]}

ในช่วงเวลานี้ Stockholder ได้สร้างงานติดตั้งชั่วคราวที่งานSITE Santa Fe biennial ( Bird Watching , 2001; ประกอบขึ้นจากวัสดุที่นำกลับมาใช้ใหม่จากถังเก็บของที่Los Alamos ) ^{[ 65 ] [ 66 ]}มหาวิทยาลัย Rice ( Sam Ran Over Sand , 2005) ^{[ 4 ]}และ PS1 ( Of Standing Float Roots in Thin Air , 2006) ^{[ 67 ]}ในปี 2005 เธอได้จัดแสดงงานติดตั้งสองชิ้นที่ Kunsthallen Brandts ในเดนมาร์ก ได้แก่White Light Laid Frozen and Bright Longing และ Soggy Up the Hill [ ^{68 ] Artforum}อธิบายงานชิ้นแรกว่าเป็น "การปรับแต่งอย่างระมัดระวังของสิ่งที่ไม่เข้ากัน"—ตู้ล็อกเกอร์สีเหลืองเรืองแสง โต๊ะสีฟ้า สายถาดฟอยล์ เสื้อขนสัตว์เก่า เรือนกระจกซ้อนกัน แสงไฟที่หลากหลาย และทางลาดไม้ที่ยกสูง—ซึ่งผันผวน "ระหว่างความตลกขบขันและความงดงาม" ^{[ 43 ]} Peer Out to See (2010, พิพิธภัณฑ์ Reina Sofía, มาดริด) ได้รับการอธิบายว่าเป็น "ภาพวาดที่สามารถเดินผ่านได้" ซึ่งรวมถึงรูปทรงประติมากรรมคล้ายน้ำพุที่หยุดนิ่ง—ทำจากเก้าอี้สวนที่วางซ้อนกัน อ่างอาบน้ำเด็ก และตะกร้าพลาสติก—ซึ่งสูงถึงเพดานกระจกและสะท้อนถึงน้ำพุกลางแจ้งของพิพิธภัณฑ์^{[ 2 ]}

นอกจากนี้ Stockholder ยังได้รับมอบหมายให้สร้างงานติดตั้งชั่วคราวกลางแจ้งFlooded Chambers Maid (2009, Madison Square Park ) ผสมผสานวัสดุอุตสาหกรรม ยางบดสีน้ำเงิน อัฒจันทร์ ถัง ถังน้ำ และสวนรูปทรงอิสระ เข้าด้วยกันเป็นภาพวาดสามมิติที่มีชีวิตชีวาคล้ายกับ งานศิลปะแบบ Constructivistซึ่งผู้เข้าชมสามารถนั่ง รับประทานอาหารกลางวัน และเล่นบนนั้นได้^{[ 1 ] [ 6 ]}สำหรับColor Jam (2012) เธอได้ปกคลุมมุมทั้งสี่และอาคารต่างๆ รอบสี่แยกใจกลางเมืองชิคาโกที่พลุกพล่านด้วยสีส้มไหม้ สีเขียวมะนาว และสีฟ้าเทอร์ควอยซ์ สร้างเอฟเฟกต์ที่New York Timesยกย่องว่าเป็น " ChristoพบกับHans Hofmann " ^{[ 69 ] [ 70 ] [ 71 ]}

ด้วยชุดผลงาน "Assists" Stockholder ได้ขยายการสำรวจความลื่นไหลและองค์ประกอบระหว่างกลาง เช่น แพลตฟอร์มและฐานรอง^{[ 33 ]} "Assists" ของเธอเป็นประติมากรรมแบบโมดูลาร์ที่สามารถตั้งตรงได้ก็ต่อเมื่อถูกรัดไว้กับวัตถุเสริมขนาดใหญ่ทั่วไป (ซึ่งไม่ถือว่าเป็นส่วนหนึ่งของงาน) เช่น เก้าอี้หรือเปียโน^{[ 32 ] [ 33 ] [ 72 ]}ผลงานเหล่านี้ถูกจัดแสดงในงานแสดงหลายงานตั้งแต่ปี 2015 ^{[ 33 ] [ 32 ] [ 73 ] [ 74 ]}รวมถึงงาน Art Basel 2018 ^{[ 75 ] [ 76 ]}

นิทรรศการ "บานพับประตู" ( Kavi Gupta , 2015) นำเสนอผู้ช่วยสามคนที่ถูกรัดด้วยเข็มขัดไวนิลไว้กับเปียโน โต๊ะทำงานวินเทจ และรถยนต์ไฟฟ้า Smart ตามลำดับ และงานติดตั้งชั่วคราวที่มีแคทวอล์คคดเคี้ยวชื่อ " ท่อนซุงหรือตู้แช่แข็ง " นอกจากนี้ยังมีนิทรรศการแยกต่างหากที่ภัณฑารักษ์โดย Stockholder ("Assisted") ซึ่งนำผลงานของเธอมาวางเคียงข้างกับผลงานของศิลปิน 16 คนที่มีอิทธิพลต่อเธอ^{[ 56 ] [ 77 ] [ 78 ]} Caroline Picard จาก Artforumเรียกนิทรรศการนี้ว่า "บทสนทนาอันลึกซึ้งระหว่างวัตถุและการทดลองทางสุนทรียศาสตร์ ซึ่งเน้นย้ำถึงเครือข่ายแบบไดนามิกและหลากหลายเสียง" ^{[ 56 ]} “The Guests All Crowded Into the Dining Room” (Mitchell-Innes & Nash, 2016) เป็นนิทรรศการแบบดื่มด่ำที่ประกอบด้วยผู้ช่วยสองราย ประติมากรรมอิสระ และ “สถานการณ์” ชั่วคราวที่สร้างขึ้นจากแพลตฟอร์มเวทีที่คดเคี้ยวและปรับขนาดได้ ซึ่งช่วยให้สามารถชมภาพวาดที่แขวนอยู่เหนือแถบสีส้มและสีชมพูที่ทาไว้บนผนังแกลเลอรี่^{[ 33 ] [ 79 ] [ 6 ]}ในปี 2019 พิพิธภัณฑ์ Centraal ได้จัดนิทรรศการขนาดใหญ่ชื่อ “Stuff Matters” ซึ่ง Stockholder ร่วมเป็นภัณฑารักษ์กับ Laurie Cluitmans โดยเธอได้นำสิ่งของ 60 ชิ้นจากคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์มาใช้ในลักษณะที่คล้ายคลึงกับการใช้วัตถุในงานประติมากรรมของเธอ นิทรรศการนี้ประกอบด้วยผู้ช่วยสองรายที่ผูกติดกับสิ่งของของพิพิธภัณฑ์ ประติมากรรมที่ครอบคลุมผลงานของเธอตลอด 20 ปี และการติดตั้งชั่วคราว^{[ 57 ] [ 53 ]}

ผลงานในช่วงหลังของ Stockholder ประกอบด้วยชุดผลงาน "EWaste" และ "Specific Shape/Fixed Object" David Pagel อธิบายชิ้นงาน "EWaste" ซึ่งเป็นการนำอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์และฮาร์ดแวร์ที่พบมาดัดแปลงเป็นประติมากรรมนามธรรม ว่าเป็นการผสมผสานที่ "แฝงไปด้วยการบิดเบือนอย่างแยบยล" ซึ่งรวมเอาการคาดเดาแบบอิสระเข้ากับพลังทางรูปแบบของภาพตัดปะกระดาษของ Matisse ^{[ 80 ]}ในนิทรรศการปี 2021 Stockholder ได้จับคู่ "รูปทรงเฉพาะ" ซึ่งเป็นรูปทรงที่วาดด้วยมือบนผนัง โดยขนาดของรูปทรงจะเปลี่ยนไปในแต่ละการจัดแสดง กับ "วัตถุคงที่" ซึ่งเป็นประติมากรรมขนาดเล็กที่ประกอบขึ้นจากวัสดุในชีวิตประจำวันและคงรูปทรงเดิมตลอดการจัดแสดง^{[ 81 ]}

ผู้ถือหุ้นได้จัดนิทรรศการผลงานของตนเองและของผู้อื่นหลายครั้ง นิทรรศการเหล่านี้จัดขึ้นที่ Gorney Bravin & Lee (2003) ^{[ 55 ]} Tang Museum ("The Jewel Thief" ร่วมจัดนิทรรศการกับ Ian Berry, 2010) ^{[ 82 ]} Kavi Gupta ("Assisted" 2015) ^{[ 56 ]} The Contemporary Austin (2018 ผลงานของRobert Davidson ) ^{[ 73 ]} Centraal Museum (ร่วมกับ Laurie Cluitmans, 2019) ^{[ 57 ]}และ OGR Turino (2021) ^{[ 83 ]}

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2542 ถึง พ.ศ. 2554 Stockholder ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการและศาสตราจารย์ด้านการศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาในสาขาประติมากรรมที่มหาวิทยาลัยเยล^{[ 11 ] [ 84 ] [ 85 ]}เธอเป็นประธานคณะวิชาศิลปะทัศนศิลป์ที่มหาวิทยาลัยชิคาโกตั้งแต่ปี พ.ศ. 2554 ถึง พ.ศ. 2561 และเกษียณจากการสอนในปี พ.ศ. 2567 ^{[ 30 ]}

ผู้ถือหุ้นได้รับทุนGuggenheim Fellowship (1996); ^{[ 26 ]}รางวัลจากพิพิธภัณฑ์ Lehmbruckในเยอรมนี (2001), ^{[ 86 ]}พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกัน Smithsonian (รางวัลศิลปิน Lucelia, 2007), ^{[ 27 ]} Anonymous Was A Woman (2012), ^{[ 28 ]}และAmerican Academy of Arts and Letters ; ^{[ 87 ] [ 88 ]}และทุนสนับสนุนจาก National Endowment for the Arts, New York Foundation for the ArtsและCanada Council [ ^{29 ] [ 68 ] เธอ}ได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของNational Academy of Designในปี 2011 และได้รับปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์จากEmily Carr College of ArtและColumbia College Chicagoในปี 2010 และ 2013 ตามลำดับ^{[ 89 ] [ 85 ]}

ผลงานของผู้ถือหุ้นเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันสาธารณะของพิพิธภัณฑ์อเมริกัน ได้แก่ MoMA [ ^{21 ] Albright} -Knox Art Gallery ^[ 90 ^{] Art Institute} of Chicago ^{[ 23 ]} Los Angeles County Museum of Art ^{[ 91 ]} MOCA LA ^{[ 92 ]} Museum of Fine Arts, Boston [ 17 ^{] National} Gallery of Art ^{[ 93 ]} Orange County Museum of Art ^{[ 94 ] San} Francisco Museum of Modern Art [ ^{95 ]}และ Whitney Museum ^{[ 96 ]}เป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชันนานาชาติของพิพิธภัณฑ์บริติช^{[ 24 ]} Carré d'Art [ ^{97 ] Centraal} Museum ^{[ 98 ]} GAM Torino [ ^{99 ] Le} Consortium ^{[ 100 ]} Lehmbruck Museum [ ^{101 ]} Mumok ^{[ 102 ] Musée National d'} Art Moderne (Centre Pompidou) ^{[ 103 ]} National Gallery of Australia [ 104 ^{] Städel} [ ^{44 ]} Stedelijk Museum Amsterdam ^{[ 25 ] และ} Vancouver Art ^Galleryเป็นต้น^{[ 17 ]}

ผลงานของผู้ถือหุ้นได้รับการ จัดแสดงในนิทรรศการWomen in Abstraction ประจำปี 2021 ที่Centre Pompidou ^{[ 105 ]}

• เว็บไซต์ของเจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์
• โปรไฟล์ของ เจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์ใน Art21
• บทสัมภาษณ์เจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์ | อะไรคือเรื่องปกติ , บันทึกประจำวันของ ATP
• โครงการสำหรับArtforumโดยผู้ถือหุ้นเจสสิก้า
• เจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์ | Stuff Matters , 2019
• 'Color Jam': บทสนทนากับเจสสิกา สต็อกโฮลเดอร์ปี 2012