ในดนตรี อาเรีย ( / ˈ ɑːr i ə /^ⓘ (ภาษาอิตาลี:[ˈaːrja];พหูพจน์:arie,ภาษาอิตาลี:[ˈaːrje];ariasในการใช้งานทั่วไป; รูปย่อ:arietta,ภาษาอิตาลี:[aˈrjetta];พหูพจน์:ariette; ในภาษาอังกฤษเรียกง่ายๆ ว่าair) คือบทเพลงที่สมบูรณ์ในตัวเองสำหรับเสียงร้องเดียว โดยมีหรือไม่มีเครื่องดนตรีหรือวงออร์เคสตราประกอบ โดยปกติจะเป็นส่วนหนึ่งของบทเพลงขนาดใหญ่

โดยทั่วไปแล้ว อาริอา มัก พบใน โอเปราแต่เพลงอาริอาที่ขับร้องโดยนักร้องก็อาจปรากฏในโอราโทริโอและแคนตาตาหรืออาจเป็นเพลงอาริอาเดี่ยวๆในคอนเสิร์ตก็ได้ เดิมทีคำนี้ใช้เพื่อหมายถึงทำนองที่ แสดงอารมณ์ใดๆ ซึ่งโดยปกติแล้วมักขับร้องโดยนักร้อง แต่ก็ไม่เสมอไป

คำภาษาอิตาลีariaซึ่งมาจากภาษากรีก ἀήρ และภาษาละตินaer (อากาศ) ปรากฏขึ้นครั้งแรกในบริบทของดนตรีในศตวรรษที่ 14 โดยมีความหมายเพียงแค่ลักษณะหรือรูปแบบของการร้องเพลงหรือการเล่นดนตรีเท่านั้น ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 คำว่า 'aria' หมายถึงรูปแบบดนตรีบรรเลง (ดูผลงานลูทของ Santino Garsi da Parma ('Aria del Gran Duca')) ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 คำนี้ใช้กันทั่วไปในความหมายว่าการเรียบเรียงบทกวีแบบง่ายๆ ที่เรียกว่าmadrigalซึ่งไม่มีโพลีโฟนี ที่ซับซ้อน เรียกว่าmadrigale arioso ^{[ 1 ]}

ในบริบทของงานแสดงบนเวทีและงานแสดงคอนเสิร์ต อาริอาได้พัฒนาจากทำนองง่ายๆ ไปสู่รูปแบบที่มีโครงสร้าง ในงานเหล่านั้น อาริอาที่ขับร้อง มีทำนอง และมีโครงสร้าง จะแตกต่างจากเรซิเททีฟที่มีลักษณะคล้ายการพูด ( parlando ) โดย เรซิเททีฟมักจะเล่าเรื่องราว ในขณะที่อาริอาใช้เพื่อถ่ายทอดอารมณ์และเป็นโอกาสให้ผู้ร้องได้แสดงความสามารถด้านการร้องเพลง

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 อาริอาในโอเปร่าเริ่มถูกเขียนขึ้นในสองรูป แบบ อาริอาแบบไบนารีแบ่ง ออกเป็นสองส่วน (A–B) อาริอา แบบเทอร์นารี (A–B–A) เรียกว่าอาริอาแบบดาคาโป (แปลตรงตัวว่า 'จากหัว' กล่าวคือส่วนเปิดจะถูกเล่นซ้ำ มักจะมีการตกแต่ง อย่างประณีต ) ^{[ 2 ]}ในอา ริอาแบบ ดาคาโปส่วน 'B' มักจะอยู่ในคีย์ ที่แตกต่างกัน คือคีย์โดมินันต์หรือคีย์เมเจอร์ที่สัมพันธ์กันรูปแบบอื่นๆ ของรูปแบบเหล่านี้พบได้ในโอเปร่าฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 เช่น โอเปร่าของฌอง-แบปติสต์ ลูลลีซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากในช่วงยุคบาโรกของฝรั่งเศส เพลงเดี่ยวในโอเปร่าของเขา (ซึ่งแน่นอนว่ารู้จักกันในชื่อภาษาฝรั่งเศสว่าairs ) มักจะอยู่ในรูปแบบไบนารีแบบขยาย (ABB') หรือบางครั้งก็อยู่ใน รูปแบบ รอนโด (ABACA) ^{[ 3 ]} (ซึ่งเป็นรูปแบบที่คล้ายคลึงกับ รอนโดของเครื่องดนตรี)

ในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 อา ริอาแบบ da capoได้รวมเอาritornello (แปลตรงตัวว่า 'การกลับมาเล็กน้อย') ซึ่งเป็นท่อนดนตรีบรรเลงซ้ำๆ ที่มีวลีบางส่วนของอาริอาหลัก และในโอเปร่ายุคแรกๆ เปิดโอกาสให้มีการเต้นรำหรือการปรากฏตัวของตัวละคร^{[ 4 ]} อาริอาแบบ da capoที่มีritornello กลาย เป็นลักษณะเด่นของโอเปร่ายุโรปตลอดศตวรรษ ที่ 18 และนักเขียนบางคนคิดว่าเป็นต้นกำเนิดโดยตรงของรูปแบบโซนาตา [ ^{5 ] ritornello}กลายเป็นสิ่งสำคัญต่อโครงสร้างของอาริอา – "ในขณะที่คำพูดกำหนดลักษณะของทำนอง เครื่องดนตรี ritornello มักจะตัดสินใจว่าจะนำเสนอในแง่ใด" ^{[ 6 ]}

ตรงกันข้ามกับชื่ออาริเอ็ตต์ในโอเปร่าบาโรกของฝรั่งเศส โดยเฉพาะในผลงานของแคมปรา ราโม และคนร่วมสมัยของพวกเขา เป็นอาริเอ็ตต์แบบ da capo ที่พัฒนาเต็มที่และยาวกว่าเพลง airs ในยุคเดียวกัน อาริเอ็ตต์ได้รับอิทธิพลมาจากอาริเอ็ตต์ของโอเปร่าเซเรียของอิตาลีในดนตรีฝรั่งเศส มีดนตรีประกอบที่หลากหลาย มีการบรรเลงดนตรีเพื่อนำเสนอแก่นเรื่อง และมีการแต่งทำนองที่แสดงถึงความสามารถทางดนตรีสูง โดยปกติแล้ว อาริเอ็ตต์จะถูกวางไว้เดี่ยวๆ ในไดเวอร์ติสเซเมนต์ เนื่องจากไม่ได้ดำเนินเรื่องไปข้างหน้า แต่เป็นการเฉลิมฉลองความสุขหรือชัยชนะ ในทางกลับกัน ในโอเปร่าของลุลลีและผู้สืบทอดของเขาเพลง airsหรือairs tendresเป็นท่อนทำนองสั้นๆ เพียงไม่กี่ห้องเพลง โดยปกติอยู่ในรูปแบบไบนารี แทรกเข้าไปในบทบรรยายอย่างราบรื่น^{[ 7 ]}

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 นักประพันธ์เพลงอย่างAlessandro Scarlattiได้กำหนดรูปแบบอาเรีย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเวอร์ชัน da capo ที่มี ritornelli ให้เป็นองค์ประกอบสำคัญของโอเปรา seria “มันให้ความสมดุลและความต่อเนื่อง และยังเปิดโอกาสให้เกิดความแตกต่าง [...] ความสม่ำเสมอของลักษณะตามแบบแผนทำให้สามารถใช้ประโยชน์จากการเบี่ยงเบนจากปกติได้อย่างมีประสิทธิภาพ” ^{[ 8 ]}ในช่วงต้นศตวรรษ อาเรียในสไตล์อิตาลีเริ่มเข้ามามีบทบาทในโอเปราฝรั่งเศส จนในที่สุดก็ก่อให้เกิดแนวเพลงariette ของฝรั่งเศส ซึ่งโดยปกติจะมีรูปแบบสามส่วนที่ค่อนข้างง่าย^{[ 9 ]}

ประเภทของอาริอาในโอเปร่าเป็นที่รู้จักกันในชื่อต่างๆ ตามลักษณะของมัน เช่นaria parlante ('รูปแบบการพูด' มีลักษณะเป็นการเล่าเรื่อง) ^{[ 10 ]} aria di bravura (โดยทั่วไปมักมอบให้กับนางเอก) ^{[ 11 ]} aria buffa (อาริอาประเภทตลก โดยทั่วไปมักมอบให้กับเสียงเบสหรือเสียงเบส-บาริโทน ) ^{[ 12 ]}และอื่นๆ

เอ็มเอฟ โรบินสัน อธิบายลักษณะของเพลงร้องมาตรฐานในโอเปร่าซีเรียในช่วงปี 1720 ถึง 1760 ไว้ดังนี้:

ส่วนแรกมักจะเริ่มต้นด้วยท่อนริทอร์เนลโลของวงออร์เคสตรา จากนั้นนักร้องจะเข้ามาร้องเนื้อเพลงท่อน แรก ทั้งหมด เมื่อจบท่อนร้องแรกนี้ ดนตรี หากอยู่ในคีย์เมเจอร์ตามปกติ ก็จะเปลี่ยนไปเป็นคีย์ โด มิแนนท์จากนั้นวงออร์เคสตราจะเล่นท่อนริทอร์เนลโลที่สอง ซึ่งมักจะสั้นกว่าท่อนแรก นักร้องจะกลับเข้ามาร้องเนื้อเพลงเดิมอีกครั้ง ดนตรีในท่อนที่สองนี้มักจะซับซ้อนกว่าท่อนแรกเล็กน้อย มีการร้องซ้ำคำมากขึ้นและอาจมีการเปล่งเสียงที่ไพเราะกว่า คีย์จะค่อยๆ กลับไปที่โทนิก สำหรับ การจบท่อนร้องสุดท้ายจากนั้นวงออร์เคสตราจะจบส่วนนี้ด้วยท่อนริทอร์เนลโลสุดท้าย^{[ 13 ]}

ลักษณะและการจัดสรรบทเพลงเดี่ยวให้กับบทบาทต่างๆ ในโอเปราซีเรีย นั้นมีรูปแบบที่เป็นทางการอย่างมาก ตามที่ คาร์โล โกลโดนีนักเขียนบทละครและผู้ประพันธ์บท โอเปราได้กล่าวไว้ ในอัตชีวประวัติของเขา

ตัวละครหลักทั้งสามในละครควรจะร้องเพลงอาริอาคนละห้าเพลง โดยสองเพลงในองก์แรก สองเพลงในองก์ที่สอง และหนึ่งเพลงในองก์ที่สาม นักแสดงหญิงคนที่สองและนักร้องโซปราโนคนที่สองสามารถร้องได้เพียงสามเพลงเท่านั้น และตัวละครรองลงมาจะต้องพอใจกับเพลงอาริอาเพียงเพลงเดียวหรืออย่างมากที่สุดสองเพลง ผู้แต่งเนื้อเพลงต้อง [...] ระวังอย่าให้เพลงอาริอาเศร้าโศกสองเพลงติดกัน เขาต้องจัดสรรเพลงอาริอาที่แสดงความกล้าหาญ เพลงอาริอาที่แสดงการกระทำ เพลงอาริอาของตัวละครรอง และเพลงมินูเอ็ตและรอนโดด้วยความระมัดระวังเช่นเดียวกัน เหนือสิ่งอื่นใด เขาต้องหลีกเลี่ยงการให้เพลงอาริอาที่แสดงอารมณ์รุนแรง เพลงอาริอาที่แสดงความกล้าหาญ หรือเพลงรอนโดแก่ตัวละครรอง^{[ 14 ]}

ในทางตรงกันข้าม อาริอาในโอเปร่าบัฟฟา (โอเปร่าตลก) มักจะมีลักษณะเฉพาะเจาะจงกับธรรมชาติของตัวละครที่แสดง (เช่น สาวใช้ที่ซุกซน หรือคู่หมั้นหรือผู้ปกครองสูงวัยที่อารมณ์ฉุนเฉียว) ^{[ 15 ]}

ในช่วงปลายศตวรรษนั้น เป็นที่ชัดเจนว่ารูปแบบเหล่านี้เริ่มกลายเป็นสิ่งล้าสมัยคริสตอฟ วิลลิบัลด์ กลุคคิดว่าทั้งโอเปราบุฟฟาและโอเปราเซเรียได้เบี่ยงเบนไปจากสิ่งที่โอเปราควรจะเป็นมากเกินไป และดูไม่เป็นธรรมชาติ มุกตลกในโอเปราบุฟฟานั้นซ้ำซาก และการใช้ตัวละครเดิมๆ ซ้ำๆ ทำให้ดูเหมือนเป็นเพียงภาพจำแบบตายตัว ในโอเปราเซเรียการร้องเพลงมุ่งเน้นไปที่เอฟเฟกต์ผิวเผิน และเนื้อหานั้นไม่น่าสนใจและจืดชืด เช่นเดียวกับในโอเปราบุฟฟานักร้องมักเป็นผู้เชี่ยวชาญทั้งบนเวทีและดนตรี โดยตกแต่งท่วงทำนองเสียงร้องอย่างวิจิตรบรรจงจนผู้ชมไม่สามารถจดจำทำนองดั้งเดิมได้อีกต่อไป กลุคต้องการนำโอเปรากลับคืนสู่ต้นกำเนิด โดยมุ่งเน้นที่ละครและอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์ และให้ความสำคัญกับคำพูดและดนตรีอย่างเท่าเทียมกัน ผลกระทบของการปฏิรูปของกลุคนี้ไม่ได้ปรากฏให้เห็นเฉพาะในโอเปราของเขาเองเท่านั้น แต่ยังปรากฏในผลงานช่วงหลังของโมสาร์ทด้วย อาริอาในปัจจุบันแสดงออกถึงอารมณ์เฉพาะตัวของตัวละครได้มากขึ้น และยังยึดโยงกับเนื้อเรื่องได้อย่างมั่นคงยิ่งขึ้น รวมถึงช่วยขับเคลื่อนเรื่องราวไปข้างหน้าด้วยริชาร์ด วากเนอร์ได้ยกย่องนวัตกรรมของกลุคในบทความ " โอเปราและละคร " ในปี 1850 ว่า "นักประพันธ์เพลงได้ต่อต้านความดื้อรั้นของนักร้อง" แทนที่จะ "เปิดเผยเนื้อหาที่เย้ายวนของอาริอาให้ถึงขีดสุด" กลุคพยายาม "จำกัดการขับร้องอาริอาของคาปรีซ โดยพยายามทำให้ทำนองเพลง [...] มีการแสดงออกที่สอดคล้องกับเนื้อเพลง" ^{[ 16 ]}ทัศนคตินี้เป็นพื้นฐานของการรื้อถอนอาริอาของวากเนอร์ในแนวคิดGesamtkunstwerk ของ เขา

ถึงแม้ว่ากลุคจะยึดถืออุดมคติ และมีแนวโน้มที่จะจัดเรียงบทละครโอเปราใหม่เพื่อให้บทเพลงร้องเดี่ยวมีบทบาทที่กลมกลืนกับละครมากกว่าที่จะขัดจังหวะการดำเนินเรื่อง แต่ในโอเปราช่วงต้นศตวรรษที่ 19 (เช่น โอเปราของโจอาคิโน รอสซินีและกาเอตาโน โดนิเซต ติ ) บทเพลงร้องเดี่ยวที่ต้องใช้ความสามารถสูงยังคงเป็นจุดสนใจหลัก และยังคงมีบทบาทสำคัญในโอเปราขนาดใหญ่และโอเปราอิตาลีตลอดศตวรรษที่ 19

รูปแบบอาเรียที่ได้รับความนิยมในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ในโอเปร่าอิตาลีคือคาบาเลตตาซึ่งประกอบด้วยท่อน ร้องแบบ แคนตาบิเล ตามด้วยท่อนที่มีชีวิตชีวามากขึ้น คือ คาบาเลตตาที่แท้จริง ซึ่งอาจมีการร้องซ้ำทั้งหมดหรือบางส่วน โดยทั่วไปแล้ว อาเรียประเภทนี้จะนำหน้าด้วยเรซิเททีฟซึ่งลำดับทั้งหมดเรียกว่าสเซนานอกจากนี้ อาจมีโอกาสให้วงออร์เคสตราหรือคณะนักร้องประสานเสียงเข้าร่วมด้วย ตัวอย่างเช่นคาสตา ดิวาจากโอเปร่านอร์มาของวินเซนโซ เบลลินี^{[ 17 ]}

หลังจากประมาณปี 1850 รูปแบบอาเรียในโอเปร่าอิตาลีเริ่มแสดงความหลากหลายมากขึ้น โอเปร่าหลายเรื่องของจูเซปเป แวร์ดีนำเสนออาเรียบรรยายเรื่องราวที่ยาวขึ้นสำหรับบทบาทนำ ซึ่งช่วยให้สามารถเพิ่มความเข้มข้นของละครและลักษณะนิสัยได้ ตัวอย่างเช่น การประณามราชสำนักของ ริโกเลตโต "Cortigiani, vil razza dannata!" (1851) ^{[ 17 ]}

ต่อมาในศตวรรษนั้น โอเปร่าของวากเนอร์ หลังปี 1850 ได้รับการประพันธ์ขึ้นอย่างต่อเนื่องโดยมีองค์ประกอบที่สามารถระบุได้ว่าเป็นอาริอาที่สมบูรณ์ในตัวเองน้อยลง^{[ 18 ]}ในขณะที่โอเปร่าแนวเวริสโม ของอิตาลี ก็พยายามที่จะรวมองค์ประกอบอาริโอโซเข้าด้วยกัน แม้ว่าจะยังคงอนุญาตให้มี 'ชิ้นงานแสดง' บางส่วนอยู่ก็ตาม^{[ 17 ]}

อาริอาคอนเสิร์ตซึ่งไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของงานขนาดใหญ่ใดๆ (หรือบางครั้งเขียนขึ้นเพื่อแทนที่หรือแทรกอาริอาในโอเปราของตนเองหรือโอเปราของนักประพันธ์คนอื่นๆ) ถูกเขียนขึ้นโดยนักประพันธ์เพื่อให้โอกาสในการแสดงเสียงร้องสำหรับนักร้องคอนเสิร์ต^{[ 19 ]}ตัวอย่างเช่นAh! perfido , Op. 65 ของเบโธเฟนและอาริอาคอนเสิร์ตจำนวนหนึ่งของโมสาร์ทรวมถึงConservati fedele

คำว่า 'aria' ถูกใช้บ่อยในศตวรรษที่ 17 และ 18 สำหรับดนตรีบรรเลงที่จำลองมาจากดนตรีขับร้อง^{[ 20 ]}ตัวอย่างเช่น " Goldberg Variations " ของJS Bachได้รับการตั้งชื่อเมื่อตีพิมพ์ในปี 1741 ว่า "Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Verænderungen" ("แบบฝึกหัดคีย์บอร์ด ประกอบด้วย ARIA หนึ่งเพลงที่มีการเปลี่ยนแปลงหลากหลาย")

บางครั้งคำนี้ถูกใช้ในดนตรีร่วมสมัยเป็นชื่อสำหรับชิ้นงานบรรเลง เช่น 'aria' ของ Robin Hollowayในปี 1980 สำหรับวงดนตรีแชมเบอร์^{[ 21 ]}หรือ ชิ้นงานวงดนตรีทองเหลืองของ Harrison Birtwistleที่ชื่อว่า "Grimethorpe Aria" (1973) ^{[ 22 ]}

• ดูหมวดหมู่: Arias

• สื่อที่เกี่ยวข้องกับAriasใน Wikimedia Commons

วิกิซอร์ซมีเนื้อหาจาก บทความ สารานุกรมบริแทนนิกา ค.ศ. 1911เรื่อง " อาเรีย "

ลองค้นหาคำว่า aria  หรือariettaใน Wiktionary ซึ่งเป็นพจนานุกรมออนไลน์ฟรี

• ฐานข้อมูลอาริอา