ดนตรีคลาสสิกอิตาลี
 | ||||||||
| ดนตรีของอิตาลี | ||||||||
| หัวข้อทั่วไป | ||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| ประเภท | ||||||||
| รูปแบบเฉพาะ | ||||||||
| บทสวดเกรกอเรียน | ||||||||
| สื่อและการแสดง | ||||||||
| ||||||||
| เพลงชาตินิยมและเพลงรักชาติ | ||||||||
| ||||||||
| ดนตรีประจำภูมิภาค | ||||||||
| ||||||||
ดนตรีสมัยกลาง
เพลงสวดแบบโบราณ
เพลงสวดแบบเรียบง่าย หรือที่รู้จักกันในชื่อเพลงสวดแบบเรียบง่าย และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง เพลงสวด แบบเกรโกเรียน แอมโบรเซียนและกัลลิกันหมายถึงรูปแบบ การร้องเพลง แบบเสียงเดียวไม่มีดนตรีประกอบ ในยุคแรกของศาสนาคริสต์ ซึ่งขับร้องโดยพระสงฆ์ และพัฒนาขึ้นในคริสตจักรโรมันคาทอลิกเป็นหลักในช่วงปี ค.ศ. 800-1000 ความแตกต่างอาจมีเพียงเล็กน้อย หรืออาจมีมากในบางกรณี ความแตกต่างเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงความหลากหลายทางชาติพันธุ์ วัฒนธรรม และภาษาที่เกิดขึ้นหลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันบนคาบสมุทรอิตาลี ประเพณีทางศาสนา ที่แตกต่างกัน เกิดขึ้นภายในคริสตจักรโรมันคาทอลิกทั่วอิตาลี แต่ในสถานที่ที่แตกต่างกันและในยุคสมัยที่เก่าแก่กว่า แม้แต่ผู้ที่ไม่เชี่ยวชาญด้านดนตรีก็สามารถได้ยินความแตกต่างได้ เช่น ระหว่างการสร้างเสียงที่ตรงไปตรงมาในเพลงสวดแอมโบเซียนจากมิลานและเพลงสวดจากเบเนเวนโตซึ่งแสดงให้เห็นถึงการสั่นไหวของเสียงที่ประดับประดาแบบ "ตะวันออก" อย่างชัดเจน สะท้อนให้เห็นถึงประเพณีการขับร้องของคริสตจักรกรีกออร์โธดอกซ์อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความแตกต่างกัน แต่ก็มีความคล้ายคลึงกันอย่างมาก อย่างไรก็ตาม การสวดบทเพลงเกรกอเรียนอย่างเป็นทางการได้ถูกบังคับใช้ทั่วอิตาลีภายในปี 1100 แม้ว่าดนตรีในพิธีกรรมแบบกรีกจะยังคงได้ยินอยู่ตามสถานที่ต่างๆ บนคาบสมุทร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถานที่ที่ไบแซนไทน์เคยครอบครอง เช่นราเวนนา หรือในคาบสมุทรตอนใต้ ซึ่งเคยเป็นที่ลี้ภัยของชาวกรีกที่หนีจากความขัดแย้งเรื่องการทำลายรูปเคารพครั้งใหญ่ของไบแซนไทน์ก่อนปี 1000 เห็นได้ชัดว่า ในสถานที่ที่มีการปฏิบัติพิธีกรรมแบบกรีก บทเพลงสวดจะถูกขับร้องในภาษากรีกไม่ใช่ภาษาละตินเหมือนในพิธีกรรมของนิกายโรมันคาทอลิก
ดนตรีแห่งยุคเทรเชนโต
ยุคเทรเชนโต (Trecento ) ตั้งแต่ราวปี ค.ศ. 1300 ถึง 1420 เป็นช่วงเวลาแห่งกิจกรรมอันคึกคักในอิตาลีในด้านศิลปะ รวมถึงจิตรกรรม สถาปัตยกรรม วรรณกรรม และดนตรี ดนตรีในยุคเทรเชนโตเป็นผู้บุกเบิกรูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเพลงฆราวาสและการใช้ภาษาท้องถิ่นคือภาษาอิตาลีในแง่นี้ ดนตรีในยุคเทรเชนโตอาจดูเหมือนเป็น ปรากฏการณ์ ของยุคเรเนส ซองส์มากกว่า อย่างไรก็ตาม ภาษาดนตรีที่โดดเด่นนั้นมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับดนตรีในยุคกลาง ตอนปลาย และนักดนตรีวิทยาโดยทั่วไปจัดให้ยุคเทรเชนโตเป็นจุดสิ้นสุดของยุคกลาง[ 1 ]
ดนตรีฆราวาส
ดนตรีทางโลกก่อนปี 1500 ส่วนใหญ่เป็นผลงานของนักดนตรีเร่ร่อนนักกวีและนักแสดงใบ้ นี่คือยุคแห่งการใช้ภาษาพื้นถิ่นอย่างแพร่หลายในอิตาลี—และทั่วทั้งยุโรป กล่าวคือ ผู้คนเริ่มแต่งและร้องเพลงในภาษาแม่ของตน ซึ่งไม่ใช่ภาษาละติน แต่เป็นภาษาพื้นถิ่นแบบนีโอละตินในยุคกลางที่ใช้พูดกันในพื้นที่นั้นๆ ดังนั้นดันเตจึงแสดงให้เห็นด้วยมหากาพย์ Divine Comedyในปี 1300 ว่าภาษาทั่วไป (ภาษาของเขาเรียกว่า "ทัสกัน" ไม่ใช่ "อิตาลี" จนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 18) สามารถเป็นสื่อกลางสำหรับวรรณกรรมชั้นเยี่ยมได้ และโดยหลักการแล้ว สิ่งนี้ก็ขยายไปถึงเนื้อเพลงที่ผู้คนร้องด้วย
มีสองประเด็นที่ควรกล่าวถึงในเรื่องนี้: (1) เรารู้เกี่ยวกับเนื้อเพลงมากกว่าที่เรารู้เกี่ยวกับเสียงดนตรีจริง ๆ เนื้อเพลงถูกเขียนลงได้ง่ายกว่าการบันทึกทำนองเพลงมาก (ดูการบันทึกโน้ตดนตรี ) ดังนั้น เรารู้ว่ามีประเพณีของนักร้องเพลงเร่ร่อนที่เฟื่องฟูในศตวรรษที่ 12 ในโพรวองซ์ด้วยภาษาของพวกเขาและเรารู้ว่าห่างออกไป 1,000 ไมล์บนเกาะซิซิลีก็มีประเพณีของนักร้องเพลงเร่ร่อนที่เฟื่องฟูเช่นกันใน ราชสำนัก โฮเฮนสเตาเฟนของ พระเจ้าฟรี ดริชที่ 2เพลงที่ร้องเป็นภาษาถิ่นของผู้คน (ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากภาษาอาหรับ เป็นต้น ) แต่เป็นการคาดเดาว่าเสียง ของทั้งสองนั้น เป็นอย่างไร เราทราบเพียงว่าดนตรีพื้นบ้านทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในปัจจุบันฟังดูแตกต่างจากดนตรีพื้นบ้านของซิซิลีมากพอสมควร เนื่องจากดนตรีพื้นบ้านค่อนข้างอนุรักษ์นิยมในแง่ที่ว่ามันต่อต้านการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว เราจึงอาจสันนิษฐานได้ว่าอย่างน้อยความแตกต่างที่เห็นได้ชัดบางอย่างในทำนอง ระดับเสียง และวิธีการร้องที่มีอยู่ในปัจจุบันก็มีอยู่แล้วในสมัยนั้น ลักษณะการร้องประสานเสียงแบบถามตอบซึ่งเป็นที่นิยมในยุคกลาง กล่าวคือ นักร้องเดี่ยวร้องท่อนหนึ่งแล้วกลุ่มนักร้องก็ร้องตอบ ได้ถูกนำมาประยุกต์ใช้ในดนตรีโบสถ์ยุคกลางในฐานะวิธีการดึงดูดสมาชิกทุกคนในโบสถ์ให้มีส่วนร่วม
ดนตรีโพลีโฟนีที่ซับซ้อนซึ่งเรียกว่าอาร์ส โนวาเริ่มปรากฏให้เห็นในศตวรรษที่ 14 และ 15 เพลงยอดนิยมอย่างเช่นมาดริกัลมีการใช้ทำนองที่แตกต่างกันหลายทำนองร้องพร้อมกันมากขึ้นเรื่อยๆ จุดประสงค์คือเพื่อสร้างเนื้อเสียงที่ประสานกันและไพเราะ นี่ไม่ใช่สิ่งเดียวกับฮาร์โมนีการร้องโน้ตหลายๆ ตัวพร้อมกันเพื่อสร้างคอร์ด นั่นเป็นการประดิษฐ์ขึ้นในภายหลัง อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนจากเสียงโมโนโฟนิกของเพลงสวดไปสู่ทำนองหลายๆ ทำนองที่ร้องพร้อมกันในดนตรีโพลีโฟนี ถือเป็นการปฏิวัติในความเข้าใจทางดนตรีของเรา กล่าวคือ คุณสามารถมีเสียงมากกว่าหนึ่งอย่างพร้อมกันและยังคงฟังแล้วไพเราะได้
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
คนส่วนใหญ่ไม่ได้นึกถึงดนตรีเมื่อได้ยินคำว่ายุคเรเนสซองส์แต่ในทำนองเดียวกันกับที่สถาปนิก จิตรกร และประติมากรในศตวรรษที่ 16 ต่างแสดงความเคารพต่อคุณค่าของกรีก โบราณที่เพิ่งค้นพบใหม่ กวีและนักดนตรีในยุคนั้นก็พยายามทำเช่นเดียวกัน ช่วงปี ค.ศ. 1500 ถึง 1600 เป็นช่วงเวลาที่ปฏิวัติวงการดนตรีของยุโรปมากที่สุด เป็นศตวรรษที่ทฤษฎีความกลมกลืนของดนตรีได้รับการพัฒนา และเป็นศตวรรษที่ให้กำเนิดโอเปรา
พัฒนาการทั้งสองนี้มีความเชื่อมโยงกัน ผู้อ่านคงสังเกตเห็นการเปลี่ยนแปลงจากเสียงเดียวของเพลงสวดเกรกอเรียนไปสู่เสียงหลายเสียงที่ซับซ้อนของเพลงมาดริกัลและดนตรีอื่นๆ ในช่วงไม่กี่ศตวรรษก่อนปี 1500 การเปลี่ยนแปลงครั้งต่อไปในการรับรู้ทางดนตรีเกี่ยวข้องกับคำศัพท์ที่ไม่ค่อยคุ้นเคยนัก นั่นคือ โฮโมโฟนี ซึ่งหมายถึงการบรรเลงคอร์ดหรือลำดับของคอร์ดที่ไม่มุ่งเน้นให้โดดเด่น แต่ทำหน้าที่สนับสนุนทำนองหลักที่ชัดเจนอยู่เหนือเสียงประสาน
ความปรารถนา—หรืออาจกล่าวได้ว่าเป็นความจำเป็น —สำหรับดนตรีแบบโฮโมโฟนิกเกิดขึ้นจากหลายปัจจัย ประการแรก คือการปฏิเสธดนตรีโพลีโฟนีที่ซับซ้อนเกินไป ซึ่งประกอบด้วยทำนองที่แตกต่างกันมากมายที่เล่นพร้อมกัน ประการที่สอง คือสุนทรียศาสตร์ทางดนตรีแบบใหม่โดยทั่วไปของยุคนั้น ซึ่งสรุปได้ดีที่สุดด้วยคำพูดของเลโอนาร์โด ดา วินชีในปี 1500 ที่กล่าวว่าดนตรีคือ "การรวมกันพร้อมกันของส่วนประกอบที่ได้สัดส่วน" นั่นคือ การบรรเลงโน้ตพร้อมกันโดยอาศัยอัตราส่วนทางคณิตศาสตร์อย่างง่าย เช่น 2:1 (ซึ่งให้เสียงของอ็อกเทฟ) 3:2 (ซึ่งให้เสียงของคู่ห้า) และ 5:4 (ซึ่งให้เสียงของคู่สามเมเจอร์) ดังนั้น หากคุณสร้างโน้ตที่ 400, 600, 800 และ 1000 รอบต่อวินาที คุณก็จะได้โน้ตทั้งหมดของเสียงที่ง่ายที่สุดและกลมกลืนที่สุดในดนตรีของเรา นั่นคือคอร์ดเมเจอร์ มันง่ายอย่างนั้นจริงๆ (ดู หัวข้อ อะคูสติกของดนตรี ) ปัจจัยประการที่สามที่ทำให้ศตวรรษที่ 16 มีความสำคัญอย่างยิ่งคือ ความปรารถนาของยุคเรเนสซองส์ที่จะเล่าเรื่องราว โดยการนำผู้คนขึ้นไปบนเวทีเล็กๆ และร้องเพลงเกี่ยวกับเทพปกรณัมกรีก เช่น เรื่องราวของออร์เฟอุสซึ่งทำได้ยากหากทุกคนร้องทำนองเดียวกันในเวลาเดียวกัน ดังนั้น ดนตรีประสานเสียงจึงค่อยๆ เปลี่ยนไปเป็นดนตรีเอกเสียง และโอเปร่าในยุคแรกๆ จึงประกอบด้วยทำนองที่ค่อนข้างเรียบง่าย พร้อมเนื้อเพลงเกี่ยวกับเทพปกรณัมกรีก ร้องเป็นภาษาอิตาลี และมีเสียงประสานที่เรียบง่ายรองรับ เมืองสำคัญในอิตาลีในการพัฒนาด้านดนตรีในศตวรรษที่ 16 คือฟลอเรนซ์ (ดูเพิ่มเติม: วง Florentine Camerata , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli )
นอกจากฟลอเรนซ์แล้ว ยังมีเมืองอื่นๆ ของอิตาลีอีกสองเมืองที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงในช่วงประมาณปี 1600 มีการแข่งขันกันอย่างเป็นมิตรระหว่างผู้สนับสนุนของทั้งสองเมืองว่าเมืองใดมีความสำคัญมากกว่าในประวัติศาสตร์การพัฒนาดนตรีในอิตาลี เวนิสอ้างสิทธิ์อย่างถูกต้องในฐานะแหล่งกำเนิดของโอเปร่าเชิงพาณิชย์[ 2 ]เนเปิลส์ชี้ให้เห็นถึงประวัติศาสตร์ของโรงเรียนดนตรีที่ได้รับการสนับสนุนจากโบสถ์ ซึ่งเป็นสถาบันที่พัฒนาเป็น "ระบบป้อน" ที่ให้นักแต่งเพลงและนักดนตรีผู้แสดงแก่ชีวิตดนตรีมากมายในอิตาลีและยุโรปโดยรวม[ 3 ] (ดูเพิ่มเติม: ดนตรีของเวนิสและ ดนตรีของเนเปิลส์ )
ศตวรรษที่ 17
ช่วงเวลาราวปี ค.ศ. 1600 ถึง 1750 คือยุคดนตรีบาโรกมีเหตุการณ์สำคัญหลายอย่างเกิดขึ้นในยุคนี้ หนึ่งในนั้นคือการกลับมาสู่ความซับซ้อนของทำนองเพลงแบบโพลีโฟนี อย่างไรก็ตาม ทำนองเหล่านั้นดำเนินไปภายใต้ระบบฮาร์โมนีที่ทันสมัยและเป็นที่ยอมรับ ซึ่งอิงจากคอร์ดและบันไดเสียงเมเจอร์และไมเนอร์ องค์ประกอบหลังนี้เป็นการต่อยอดจากแนวคิดของดนตรีโฮโมโฟนี และทำให้ความซับซ้อนของทำนองเพลงในรูปแบบต่างๆ มีความสำคัญเหนือกว่าเนื้อร้อง การต่อสู้เพื่อแย่งชิงความสำคัญระหว่างเนื้อร้องและดนตรีนั้นย้อนกลับไปถึงดนตรีของชาวกรีก และยังคงดำเนินต่อไปในดนตรีศิลปะและดนตรีพื้นบ้านของยุโรปทุกรูปแบบ การที่ทำนองเพลงมีความสำคัญเหนือกว่าเนื้อร้องนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่หลายประการ รวมถึงการขยายและการประดิษฐ์เครื่องดนตรีใหม่ๆ สำหรับวงออร์เคสตรา แป้นพิมพ์ถูกขยายออกไปทั้งสองด้าน การสร้างเครื่องดนตรีอย่างเช่นของสตราดิวาริอุสกลายเป็นอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ในเมืองเครโมนา และดนตรีบรรเลงเริ่มพัฒนาเป็น "แนวเพลง" ที่แยกต่างหากจากบทบาทดั้งเดิมของการบรรเลงประกอบเสียงร้องของมนุษย์ รูปแบบดนตรีบรรเลง ได้แก่ โซนาตาและฟูเก้ บุคคลสำคัญและมีอิทธิพลในวงการดนตรีของอิตาลีในช่วงเวลานี้ ได้แก่อเลสซานโดรและโดเมนิโก สการ์ลัตติเบเนเดตโต มาร์เชลโลและอันโตนิโอ วิวัลดีซึ่งเป็นตัวแทนของความสำคัญของเนเปิลส์และเวนิสตามลำดับในช่วงเวลานั้น
ศตวรรษที่ 18
ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 จนถึงปลายศตวรรษนั้น เป็นสิ่งที่นักประวัติศาสตร์เรียกว่า "ดนตรีคลาสสิก" (โปรดทราบว่า การใช้คำว่า "คลาสสิก" ในที่นี้ไม่ตรงกับความหมายที่คนทั่วไปที่ไม่ใช่นักประวัติศาสตร์หมายถึงเมื่อพวกเขาพูดว่า "ดนตรีคลาสสิก" ซึ่งหมายถึงโอเปราและดนตรีซิมโฟนีทั้งหมด ตรงข้ามกับ "ดนตรีสมัยนิยม")
คำว่า "คลาสสิก" เหมาะสมกับยุคดนตรีนี้ เพราะมันบ่งบอกถึงการกำหนดมาตรฐานของรูปแบบดนตรี เช่นซิมโฟนีและคอนแชร์โตดังนั้น คำว่า "คลาสสิก" จึงถูกใช้ในความหมายของปรัชญากรีกคลาสสิกในยุคเรเนสซองส์ นั่นคือรูปแบบแบบเพลโตแนวคิดที่ว่าสิ่งต่างๆ เช่น ความงาม ดำรงอยู่ชั่วนิรันดร์ในฐานะอุดมคติ และหน้าที่ของศิลปิน—ในกรณีนี้คือหน้าที่ของนักประพันธ์เพลง—คือการนำอุดมคตินั้นมาสร้างเป็นรูปแบบ ดังนั้น เราจึงมีซิมโฟนีที่ถูกกำหนดรูปแบบเป็นงานมาตรฐานในสี่ท่อนสำหรับวงออร์เคสตรา เป็นต้น
ในศตวรรษนี้ สิ่งอำนวยความสะดวกทางกายภาพสำหรับการประพันธ์และการแสดงดนตรีในอิตาลีมีความก้าวหน้าอย่างมาก เป็นช่วงเวลาที่โรงโอเปราขนาดใหญ่ในเนเปิลส์และมิลานถูกสร้างขึ้น ได้แก่ โรงละครซานคาร์โลและลาสกาลา ตามลำดับ นอกจากนี้ยังเป็นยุคของการขึ้นมามีบทบาทโดดเด่นของ โอเปราตลกของเนเปิลส์—และต่อมาก็เป็นที่รู้จักในวงกว้างของอิตาลี— สิ่งสำคัญอีกประการหนึ่งคือการค้นพบความสมดุลระหว่างเนื้อเพลงและดนตรีในโอเปราอีกครั้ง ซึ่งส่วนใหญ่มาจากบทประพันธ์ของเมตาตาซิโอ
คีตกวีชาวอิตาลีที่สำคัญในศตวรรษนี้คือ: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista ViottiและNiccolò Paganini กล่าวคือยังเป็นยุคที่ "ดนตรีอิตาลี" กลายเป็นสากลด้วย กล่าวคือ นักแต่งเพลงชาวอิตาลีจำนวนมากเริ่มทำงานในต่างประเทศ
ศตวรรษที่ 19
นี่คือศตวรรษแห่งลัทธิโรแมนติซิสม์ในวรรณกรรม ศิลปะ และดนตรีของยุโรปดนตรีโรแมนติซิสม์มีลักษณะเด่นหลายประการเช่นเดียวกับวรรณกรรมและจิตรกรรมในศตวรรษนั้น คือ ให้ความสำคัญกับรูปแบบของลัทธิคลาสสิกน้อยลง และเน้นอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์มากขึ้น เช่น ความรัก วีรกรรม ความกล้าหาญ เสรีภาพ เป็นต้น ซึ่งทั้งหมดนี้เป็นผลโดยตรงจากมนุษยนิยมของยุคเรืองปัญญาของฝรั่งเศสโอเปร่าอิตาลีมักจะละทิ้งความสนุกสนานรื่นเริงของโอเปร่าตลกไปสู่เนื้อหาที่จริงจังกว่าของโอเปร่าโรแมนติกแบบอิตาลี แม้ว่ารอสซินี ผู้ได้รับความนิยมอย่างต่อ เนื่องจะเป็นข้อยกเว้น แต่ดนตรีอิตาลีในศตวรรษที่ 19 ในช่วงแรกนั้นถูกครอบงำโดยนักประพันธ์เพลงอย่าง เบลลินีโดนิเซตติและแน่นอนว่าในช่วงห้าสิบปีสุดท้ายของศตวรรษโดยจูเซปเป แวร์ดี ไอคอนทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์อิตาลี นอกจากนี้ยังเป็นช่วงเริ่มต้นอาชีพของจาโคโม ปุชชิ นี ซึ่งอาจเป็นนักประพันธ์เพลงที่มีท่วงทำนองบริสุทธิ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีอิตาลี และแน่นอนว่าเป็นคนสุดท้ายด้วย ปุชชินีเป็นสะพานเชื่อมไปสู่ยุคดนตรีใหม่ในศตวรรษที่ 20
ศตวรรษที่ 20
ลัทธิโรแมนติกในดนตรีของยุโรปยังคงดำรงอยู่จนถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ในอิตาลี ดนตรีของเวอร์ดีและปุชชินียังคงครองความโดดเด่นอยู่หลายปี นักประพันธ์เพลงโรแมนติกชาวอิตาลีคนอื่นๆ—อย่างน้อยก็บรรดานักประพันธ์ที่ยังคงประพันธ์เพลงในแบบโทนัลของดนตรีตะวันตก (ตรงข้ามกับดนตรีไร้โทนัลและเสียงไม่กลมกลืนแบบใหม่ของยุโรปหลังสงครามโลกครั้งที่ 1)—นักประพันธ์ที่ "ประสบความสำเร็จ" ในศตวรรษที่ 20 ได้แก่อาร์ริโก โบอิโต , รุจเจโร เลออนคาวัลโล , ปีเอโตร มาสคานี , ฟรานเชสโก ซิเลียและออตโตริโน เรสปิกี
อย่างไรก็ตาม เป็นเรื่องที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่นักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีจะตอบสนองต่อคุณค่าที่เลือนหายไปของลัทธิโรแมนติก และความเย้ยหยันที่เกิดขึ้นในแวดวงศิลปะของยุโรปหลายแห่งจากเหตุการณ์ต่างๆ เช่นสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม/วิทยาศาสตร์ เช่น จิตวิเคราะห์ ซึ่งอย่างน้อยที่สุดตามที่โรเบิร์ต ลูอิส สตีเวนสันกล่าว ไว้ ว่า "มนุษย์ทุกคนต่างมีความคิดลับๆ ที่น่าอับอายยิ่งกว่านรก" ลัทธิโรแมนติก แม้จะยังคงได้รับความนิยมจากผู้ชื่นชอบโอเปร่า ก็ได้สิ้นสุดลงในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง อย่างไรก็ตาม ดนตรีโรแมนติกในอิตาลีไม่อาจกล่าวได้ว่าตายไปเพราะน้ำหนักของตัวเอง เหมือนกับผลงานที่ยาวเกินไปและใช้การเรียบเรียงดนตรีมากเกินไปของดนตรีโรแมนติกตอนปลายในเยอรมนีที่นำไปสู่ดนตรีมินิมัลลิสต์แต่ความนามธรรม ความไร้โทนเสียง และดนตรีที่ "ยาก" ก็ได้เข้ามาในอิตาลีหลังจากที่ปุชชินีเสียชีวิต ในบรรดาชื่อสำคัญๆ ของอิตาลีในดนตรีศตวรรษที่ 20 ได้แก่ลูเซียโน เบริโอ , ลุยจิ ดัลลาปิคโค ลา , กอฟเฟรโด เปตราส ซี และลุยจิ โนโน
หมายเหตุ
- ↑ Richard H. Hoppin, Medieval Music (นิวยอร์ก, WW Norton & Co., 1978), หน้า 433 เป็นต้นไป
- ↑ Glixon, Beth L. (2022), Waeber, Jacqueline (บรรณาธิการ), "โอเปราสำหรับผู้ชมที่จ่ายเงิน (อิตาลี ประมาณ ค.ศ. 1637–ประมาณ ค.ศ. 1700)" , The Cambridge Companion to Seventeenth-Century Opera , Cambridge Companions to Music, Cambridge: Cambridge University Press, หน้า105–126 , ISBN 978-0-521-82359-3สืบค้นเมื่อ 2026-07-01
{{citation}}: CS1 maint: พารามิเตอร์การทำงานพร้อม ISBN ( ลิงก์ ) - ↑ Gjerdingen, Robert O. (2020-02-07). "How old music conservatories turned orphans into composers" . OUPblog . สืบค้นเมื่อ2026-07-02 .