พื้นหลังสีทอง (ทั้งคำนามและคำคุณศัพท์) หรือgold-ground (คำคุณศัพท์) เป็นคำศัพท์ในประวัติศาสตร์ศิลปะที่ใช้เรียกรูปแบบภาพที่มีพื้นหลังทั้งหมดหรือส่วนใหญ่เป็นสีทองทึบ ในอดีต มักใช้ แผ่น ทองคำเปลวแท้ ซึ่งให้ความรู้สึกหรูหรา รูปแบบนี้ถูกใช้ในหลายยุคหลายสมัยและหลายสถานที่ แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวข้องกับศิลปะไบแซนไทน์และ ยุคกลาง ในงานโมเสกต้นฉบับที่ประดับประดาด้วยภาพวาดและภาพเขียนบนแผ่นไม้ซึ่งเป็นรูปแบบที่โดดเด่นสำหรับภาพบางประเภท เช่นภาพไอคอน เป็นเวลาหลายศตวรรษ สำหรับวัตถุสามมิติ คำที่ใช้คือgildedหรือ gold-plated

การใช้ทองคำในงานโมเสกเริ่มขึ้นในงานโมเสกของโรมันราวศตวรรษที่ 1 หลังคริสต์ศักราช โดยเดิมทีใช้สำหรับรายละเอียดและไม่มีความเกี่ยวข้องทางศาสนาโดยเฉพาะ แต่ในศิลปะคริสเตียนยุคแรกทองคำกลับถูกมองว่าเหมาะสมอย่างยิ่งสำหรับการแสดงภาพบุคคลทางศาสนาคริสต์ โดยเน้นภาพเหล่านั้นให้โดดเด่นบนพื้นหลังที่เรียบง่ายแต่แวววาว ซึ่งอาจตีความได้ว่าหมายถึงสวรรค์ หรือมิติทางจิตวิญญาณที่ไม่เจาะจงนัก ภาพบุคคลเต็มตัวมักยืนอยู่บนพื้นหลังสีธรรมชาติ โดยมีท้องฟ้าเป็นสีทอง แต่บางภาพก็แสดงให้เห็นว่าถูกล้อมรอบด้วยทองคำทั้งหมด รูปแบบนี้ไม่สามารถใช้ในงานเฟรสโกได้ แต่ได้รับการดัดแปลงอย่างประสบความสำเร็จสำหรับภาพขนาดเล็กในต้นฉบับ และไอคอนแบบพกพาบนไม้ซึ่งมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ ในงานทั้งหมดนี้ รูปแบบดังกล่าวต้องการงานฝีมือพิเศษเป็นอย่างมาก แต่เนื่องจากแผ่นทองคำที่ใช้มีความบางมาก ต้นทุนของทองคำแท่งที่ใช้จึงค่อนข้างต่ำ สีน้ำเงิน ลาพิสลาซูลีดูเหมือนจะมีราคาแพงไม่แพ้กัน^{[ 1 ]}

รูปแบบนี้ยังคงใช้สำหรับ ภาพไอคอน ของศาสนาคริสต์นิกายออร์โธดอกซ์ตะวันออกมาจนถึงปัจจุบัน แต่ในยุโรปตะวันตกนั้นเสื่อมความนิยมลงในช่วงปลายยุคกลางเนื่องจากจิตรกรพัฒนาการใช้ฉากหลังเป็นภาพทิวทัศน์แผ่นทองคำเปลวยังคงเป็นที่นิยมมากในกรอบภาพวาด มีการฟื้นฟูการใช้ขึ้นมาบ้างในภายหลัง เช่น ในช่วงที่เรียกว่า "ยุคทอง" ของกุสตาฟ คลิมต์ นอกจากนี้ยังมีการใช้ใน ภาพวาดของญี่ปุ่นและศิลปะทิเบตและบางครั้งในภาพวาดขนาดเล็กของเปอร์เซียและอย่างน้อยก็ใช้สำหรับขอบใน ภาพวาดขนาดเล็กของราชวงศ์ โม กุล

ออตโต แพชต์เขียนไว้ในปี 1984 ว่า "ประวัติศาสตร์ของสีทองในยุคกลางเป็นบทสำคัญที่ยังเขียนไม่เสร็จ" ^{[ 2 ]}ซึ่งเป็นช่องว่างที่อาจเติมเต็มได้เพียงบางส่วนเท่านั้น^{[ 3 ]} นอกเหนือจากพื้นหลังสีทองขนาดใหญ่แล้ว อีกแง่มุมหนึ่งคือคริสโซกราฟีหรือ "การเน้นสีทอง" การใช้เส้นสีทองในภาพเพื่อกำหนดและเน้นคุณลักษณะต่างๆ เช่น รอยพับของเสื้อผ้า คำนี้มักขยายความไปถึงการใช้ตัวอักษรสีทองและการตกแต่งด้วยเส้นตรง^{[ 4 ]}

ภาพเขียนสองแผ่นชุดวิลตัน ; ประมาณปี ค.ศ. 1395–1399; แต่ละแผ่นมีขนาด 53 x 37 เซนติเมตร

แผงทั้งสองชิ้นได้รับการตกแต่งด้วยลวดลายที่แตกต่างกัน

งานวิจัยล่าสุดได้สำรวจผลกระทบของศิลปะพื้นหลังสีทอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศิลปะไบแซนไทน์ซึ่งสีทองนั้นเข้าใจได้ดีที่สุดว่าเป็นตัวแทนของแสง เทววิทยาไบแซนไทน์สนใจในเรื่องแสง และสามารถแยกแยะแสงประเภทต่างๆ ได้หลายประเภท พระคัมภีร์ใหม่และบันทึกของบรรดาปิตาจารย์เกี่ยวกับการแปลงกายของพระคริสต์เป็นจุดสนใจพิเศษในการวิเคราะห์ เนื่องจากพระเยซูทรงถูกบรรยายว่าเปล่งแสงหรืออย่างน้อยก็อาบด้วยแสงพิเศษ ซึ่งธรรมชาติของแสงนั้นถูกอภิปรายโดยนักเทววิทยา แตกต่างจากทฤษฎีหลักของทัศนศาสตร์ ในยุคกลางตอนปลาย ในตะวันตก ซึ่งเชื่อกันว่าดวงตาของผู้ดูเปล่งรังสีที่ไปถึงวัตถุที่มองเห็น ไบแซนไทน์เชื่อว่าแสงมาจากวัตถุไปยังดวงตาของผู้ดู และศิลปะไบแซนไทน์มีความไวต่อการเปลี่ยนแปลงของสภาพแสงที่มองเห็นงานศิลปะมาก^{[ 5 ]}

Otto Pächt เขียนว่า "พื้นทองคำในยุคกลางมักถูกตีความว่าเป็นสัญลักษณ์ของแสงเหนือธรรมชาติ ในแสงที่ส่องผ่านทองคำของโมเสกไบแซนไทน์นั้น มีพื้นที่จักรวาลนิรันดร์ที่ละลายหายไปอย่างสัมผัสได้มากที่สุดในความไม่จริง หรือแม้กระทั่งในสิ่งเหนือธรรมชาติ และถึงกระนั้นประสาทสัมผัสของเราก็สัมผัสแสงนี้โดยตรง" ^{[ 6 ]}

ตามที่นักวิชาการท่านหนึ่งกล่าวไว้ว่า "ในภาพวาดพื้นหลังสีทอง ภาพศักดิ์สิทธิ์ของพระแม่มารี เช่น ถูกวางไว้อย่างมั่นคงบนพื้นผิวของภาพ พระแม่มารีจึงดูสมจริง และภาพวาดนี้นำเสนอพระแม่มารีมากพอๆ กับการเป็นตัวแทนของพระแม่มารี ... [ภาพวาดพื้นหลังสีทอง] ... ซึ่งทำให้ความแตกต่างระหว่างตัวแบบและการเป็นตัวแทนของตัวแบบนั้นเลือนหายไป ถือว่ามีตัวตนทั้งทางกายภาพและทางจิตใจเหมือนกับคนจริงๆ" ^{[ 7 ]}

ในงานโมเสก รูปทรงและพื้นที่อื่นๆ ที่มีสีสันมักจะถูกเพิ่มเข้าไปก่อน จากนั้นจึงค่อยวางทองคำล้อมรอบ ในการวาดภาพจะใช้ลำดับที่ตรงกันข้าม โดยรูปทรงจะถูก "สงวน" ไว้รอบๆ โครงร่างในภาพร่างเบื้องต้น^{[ 8 ]}

แผ่นทองคำเปลวถูกติดลงบนแผ่นกระจกหนาประมาณ 8 มิลลิเมตรด้วยกัมอาราบิก จากนั้นจึงเพิ่มชั้นกระจกบางๆ อีกชั้นหนึ่งทับลงไปเพื่อความทนทาน ในสมัยโบราณ เทคนิคการสร้าง "กระจกแซนด์วิชทองคำ" เป็นที่รู้จักกันแล้วในกรีกสมัยเฮลเล นิสติ กราว 250 ปีก่อนคริสตกาล และใช้สำหรับ ภาชนะ แก้วทองคำในงานโมเสก ชั้นบนสุดจะถูกเคลือบโดยการคลุมแผ่นด้วยผงแก้วและเผาแผ่นจนผงละลายและหลอมรวมชั้นต่างๆ เข้าด้วยกัน^{[ 9 ]}ในเวนิสในศตวรรษที่ 15 วิธีการได้เปลี่ยนไป โดยชั้นบนสุดของแก้วหลอมเหลวจะถูกเป่าลงบนอีกสองชั้นที่อุณหภูมิสูง วิธีนี้ให้การยึดเกาะที่ดีกว่า ณ จุดที่อ่อนแอที่สุดของเทสเซรา เมื่อทองคำเชื่อมกับชั้นกระจกด้านล่างที่หนากว่า^{[ 10 ]}

จากนั้นแผ่นกระจกจะถูกแตกเป็นชิ้น เล็กๆ จากนั้นจะมีวิธีการยึดสองวิธีกับปูนซีเมนต์เปียกบนผนังที่เตรียมไว้แล้ว ซึ่งมีปูนฉาบหลายชั้นอยู่แล้ว บางครั้งอาจมีช่องว่างมากถึง 5 ซม. ระหว่างหินหรืออิฐของผนังกับกระจก วิธีแรกคือการดันชิ้นกระจกแต่ละชิ้นลงบนผนัง ซึ่งจะทำให้พื้นผิวไม่เรียบเล็กน้อยและมีชิ้นกระจกวางในมุมที่แตกต่างกัน ช่างฝีมือสามารถควบคุมสิ่งเหล่านี้ได้ในระดับหนึ่ง และทำให้เกิดเอฟเฟกต์ระยิบระยับเล็กน้อยเมื่อแสงตกกระทบลงบนพื้นผิว อีกวิธีหนึ่งคือการใช้กาวที่ละลายน้ำได้ยึดชิ้นกระจกคว่ำหน้าลงบนแผ่นบางๆ ในปัจจุบันคือกระดาษ จากนั้นจึงกดแผ่นกระดาษลงบนปูนซีเมนต์บนผนัง และเมื่อแห้งแล้วจึงทำให้กระดาษและกาวเปียกและขัดออก วิธีนี้จะทำให้พื้นผิวเรียบเนียนกว่ามาก^{[ 11 ]}

มีวิธีการต่างๆ มากมายในการลงสีทอง พื้นผิวไม้หรือหนังลูกวัว ที่เตรียมไว้ สำหรับการลงสีจะถูกวาดโครงร่างของรูปทรงและองค์ประกอบอื่นๆ ก่อน จากนั้น (หรืออาจจะก่อน) จะมีการเพิ่มชั้นของส่วนผสมดินเหนียวสีแดงที่เรียกว่าboleลงไป ซึ่งจะทำให้สีทองดูมีมิติมากขึ้น และป้องกันไม่ให้เกิดสีเขียวอมฟ้าที่แผ่นทองคำเปลวบนพื้นหลังสีขาวมักจะปรากฏให้เห็น หลังจากผ่านไปหลายศตวรรษ ชั้นนี้มักจะปรากฏให้เห็นในบริเวณที่แผ่นทองคำเปลวหลุดลอกไปแล้ว^{[ 12 ]}

นอกจากนี้ ยังมีการเพิ่มแผ่นทองคำเปลวลงไป โดยทั่วไปแล้วจะทำทีละ "แผ่น" ด้วย เทคนิค การปิดทองด้วยน้ำจากนั้นจึง "ขัดเงา" แผ่นทองคำเปลว โดยการถูอย่างระมัดระวังด้วยฟันของสุนัขหรือหมาป่า หรือหินอะเกตเพื่อให้ได้พื้นผิวที่แวววาวสดใส หรืออีกทางเลือกหนึ่งคือ การใช้ การปิดทองด้วยสารกัดกร่อนซึ่งจำเป็นต้องปล่อยให้แผ่นทองคำเปลวอยู่ในสภาพที่ไม่ขัดเงา เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดูนุ่มนวลกว่า หลังจากผ่านไปหลายร้อยปี ความแตกต่างของลักษณะที่ปรากฏของทั้งสองวิธีมักจะลดลงอย่างมากสำหรับผู้ชมในยุคปัจจุบัน^{[ 13 ]}

สี ทองเปลือกหอยคือสีทองที่มีผงทองเป็นเม็ดสี โดยทั่วไปจะใช้เฉพาะในพื้นที่เล็กๆ เช่น รายละเอียดและไฮไลท์ภายในส่วนที่มีสีของภาพวาด ชื่อนี้มาจากธรรมเนียมการใช้เปลือกหอยเพื่อเก็บสีผสมทุกชนิดเมื่อวาดภาพ "การประดับทองนูน" คือแผ่นทองคำเปลวที่ไม่ขัดเงาซึ่งใช้การชุบทองด้วยสารยึดเกาะกับ พื้น ผิวนูน ที่ขึ้นรูป ด้วยเจสโซหรือพาสติกเลียจากนั้นพื้นผิวเรียบอาจถูก "ตกแต่ง" ด้วยเครื่องมือเจาะและเครื่องมือสร้างเส้นเพื่อสร้างลวดลายภายในสีทอง บ่อยครั้งบนรัศมีหรือคุณลักษณะอื่นๆ แต่บางครั้งก็ทั่วทั้งพื้นหลัง อาจใช้เทคนิคเหล่านี้หลายอย่างกับชิ้นงานเดียวกันเพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ที่หลากหลาย^{[ 14 ]}

แผ่นทองคำเปลวจะถูกติดและขัดเงาก่อนเริ่มวาดภาพ^{[ 15 ]} ตามที่ Otto Pächt กล่าวไว้ ในศตวรรษที่ 12 เท่านั้นที่นักวาดภาพประกอบชาวตะวันตกได้เรียนรู้วิธีการสร้างเอฟเฟกต์ทองคำเปลวขัดเงาอย่างสมบูรณ์จากแหล่งข้อมูลไบแซนไทน์ ก่อนหน้านี้ ตัวอย่างเช่น ในต้นฉบับของราชวงศ์คาโรลิง "มีการใช้สีทองที่มีลักษณะเป็นเม็ดทราย มีประกายแวววาวเพียงเล็กน้อย" ^{[ 16 ]}เทคนิคในการวาดภาพต้นฉบับคล้ายกับเทคนิคการวาดภาพบนแผ่นไม้แม้ว่าจะอยู่ในขนาดที่เล็กกว่า ความแตกต่างอย่างหนึ่ง ทั้งในงานของตะวันตกและอิสลาม คือ พื้นผิวเจสโซหรือโบเลจะถูกลดความลึกที่ขอบ ทำให้บริเวณที่เป็นทองคำมีความโค้งเล็กน้อย ซึ่งทำให้ทองคำสะท้อนแสงแตกต่างกัน ในต้นฉบับอาจใช้เงินได้เช่นกัน แต่ปัจจุบันโดยทั่วไปแล้วเงินจะเกิดการออกซิเดชันจนกลายเป็นสีดำ^{[ 17 ]}

ในโลกตะวันตก รูปแบบนี้พบได้ทั่วไปในภาพวาดสไตล์ไอคอนแบบอิตาโล-ไบแซนไทน์ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 เป็นต้นไป ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากไอคอนไบแซนไทน์ที่มาถึงยุโรปหลังจากการ ปล้นสะดมกรุงคอนสแตนติโนเปิลในปี 1204 ในไม่ช้าภาพเหล่านี้ก็พัฒนาไปเป็นแท่นบูชา แบบหลาย แผ่นที่มีกรอบไม้ซึ่งมักใช้รูปแบบพื้นหลังสีทอง โดยเฉพาะในอิตาลี เมื่อสิ้นสุดศตวรรษ ภาพเฟรสโกของอิตาลีจำนวนมากขึ้นได้พัฒนาพื้นหลังที่เป็นธรรมชาติ รวมถึงเอฟเฟกต์ของมวลและความลึก^{[ 18 ]}แนวโน้มนี้เริ่มแพร่กระจายไปยังภาพวาดบนแผ่นไม้แม้ว่าหลายภาพยังคงใช้พื้นหลังสีทองจนถึงศตวรรษที่ 14 และเลยไปกว่านั้น โดยเฉพาะในศูนย์กลางที่อนุรักษ์นิยมมากกว่า เช่นเวนิสและเซียนาและสำหรับแท่นบูชาขนาดใหญ่ลอเรนโซ โมนาโกซึ่งเสียชีวิตราวปี 1424 เป็นตัวแทนของ "ลมหายใจสุดท้ายของความสว่างไสวของพื้นหลังสีทองในศิลปะฟลอเรนซ์" ^{[ 19 ]}

ในภาพวาดเนเธอร์แลนด์ยุคต้นรูปแบบพื้นหลังสีทองถูกนำมาใช้ในตอนแรก เช่นในภาพสามส่วนSeilern Triptychประมาณปี ค.ศ. 1425 โดยRobert Campinแต่ไม่กี่ปีต่อมาแท่นบูชา Mérode ของเขา กลับมีฉากธรรมชาติที่ละเอียดลอออย่างมีชื่อเสียง^{[ 20 ]} “การเลิกใช้พื้นหลังสีทองเกือบทั้งหมดเริ่มขึ้นในภาพวาดเนเธอร์แลนด์ยุคต้นราวกลางทศวรรษ ค.ศ. 1420” และเกิดขึ้นค่อนข้างรวดเร็ว โดยมีข้อยกเว้นบางประการ เช่นแท่นบูชา MediciของRogier van der Weydenซึ่งน่าจะวาดขึ้นหลังปี ค.ศ. 1450 อาจเป็นเพราะผู้อุปถัมภ์ชาวอิตาลีที่ขอให้ใช้รูปแบบก่อนหน้านี้^{[ 21 ]}

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 รูปแบบนี้แสดงถึงความโบราณอย่างจงใจ ซึ่งบางครั้งก็ยังคงถูกนำมาใช้ จิตรกรชาวโรมันAntoniazzo Romanoและห้องทำงานของเขายังคงใช้รูปแบบนี้ต่อไปจนถึงช่วงต้นศตวรรษที่ 16 เนื่องจากเขา "มีความเชี่ยวชาญในการวาดภาพใหม่หรือตีความภาพเก่า หรือสร้างภาพบูชา ใหม่ ที่มีกลิ่นอายแบบโบราณ" ^{[ 22 ]} Carlo Crivelli (เสียชีวิตประมาณปี 1495) ซึ่งทำงานให้กับผู้อุปถัมภ์ในต่างจังหวัดในภูมิภาค Marcheเป็นส่วนใหญ่ในช่วงอาชีพของเขาก็ได้ใช้รูปแบบนี้ในช่วงปลายเช่นกัน เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ซับซ้อน^{[ 23 ]} Joos van Cleve วาดภาพ Salvator Mundiบนพื้นสีทองในปี 1516–18 (ปัจจุบันอยู่ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ) ^{[ 24 ]}ภาพ CrucifixionของAlbrecht Altdorferประมาณปี 1516 1520 ในบูดาเปสต์เป็นตัวอย่างที่เกิดขึ้นในช่วงปลายมาก ซึ่ง "นำรูปแบบภาพ ("การตรึงกางเขนพร้อมฝูงชน") และแนวทางที่ไม่เป็นธรรมชาติต่อพื้นที่ซึ่งล้าสมัยไปนานแล้วกลับมาใช้ใหม่" ^{[ 25 ]}

ในยุคต่อมาของศิลปะยุโรป บางครั้งรูปแบบนี้ก็ได้รับการฟื้นฟู โดยมักจะใช้สีทองแทน ในปี 1762 จอร์จ สตับส์วาดภาพม้าแข่ง 3 ภาพบนพื้นหลังสีทองหรือสีน้ำผึ้งที่ว่างเปล่า โดยภาพที่ใหญ่ที่สุดคือWhistlejacket (ปัจจุบันอยู่ที่หอศิลป์แห่งชาติ ) ภาพทั้งหมดวาดขึ้นเพื่อเจ้าของคือมาร์ควิสแห่งร็อกกิงแฮมซึ่งอาจเป็นผู้เสนอแนวคิดนี้^{[ 26 ]} ด้วยความหลงใหลใน "การแข่งม้า" ของเขา อาจเป็นการล้อเลียนความชื่นชมที่เขามีต่อม้า ในศตวรรษที่ 19 รูปแบบนี้ได้รับความนิยมสำหรับภาพวาดในโบสถ์ในสถาปัตยกรรมแบบโกธิคฟื้นฟูและใช้สำหรับเพดานหรือช่องแสง เล็กๆ ที่สูงขึ้นไป ในอาคารสาธารณะหรือโบสถ์ขนาดใหญ่ โดยระลึกถึงแบบอย่างของไบแซนไทน์อย่างหลวมๆ สะท้อนแสงและช่วยประหยัดเวลาในการวาดพื้นหลังภาพวาดบนบันไดของพิพิธภัณฑ์ KunsthistorischesในเวียนนาโดยHans Makart (1881–84) เป็นตัวอย่างหนึ่งในหลายๆ ตัวอย่าง อีกประการหนึ่งคือภาพวาดบนเพดานที่ลอร์ดไลตันวาด (จัดแสดงที่ราชบัณฑิตยสถานศิลปะในปี 1886) สำหรับบ้านในแมนฮัตตัน ของ เฮนรี มาร์ควานด์ซึ่งเขายืนยันให้ใช้พื้นหลังสีทองที่วาดไว้แทน "ฉากป่า" ที่ผู้อุปถัมภ์ต้องการสำหรับตัวละครจากเทพนิยายคลาสสิก โดยกล่าวในการสัมภาษณ์ว่า "ถ้าคุณมองเข้าไป คุณจะพบว่ามันเป็นพื้นผิวที่สว่างไสว... เมื่อมองภาพจากจุดนี้ คุณจะได้รับเอฟเฟกต์ที่เจิดจรัส เหมือนความสว่างของวันบนนั้น ถ้าคุณมองจากอีกด้านหนึ่ง แสงจะแปรเปลี่ยนเป็นแสงเรืองรองที่อบอุ่นและงดงามของดวงอาทิตย์ที่กำลังตกดิน" ^{[ 27 ]}

"ยุคทอง" ของกุสตาฟ คลิมต์ กินเวลาราวปี 1898 ถึง 1911 และรวมถึงภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาหลายภาพ เช่น จูบ (1907–08) ภาพเหมือนของอเดล บลอค-เบาเออร์ที่ 1 (1907) และภาพนูนต่ำในพระราชวังสโตเคล็ต (1905–11) ภาพสุดท้ายนี้ออกแบบโดยคลิมต์และสร้างเป็นโมเสกโดยเลโอโปลด์ ฟอร์สเนอร์ศิลปินผู้สร้างสรรค์งานโมเสกมากมาย รวมถึงงานโมเสกทองคำ เห็นได้ชัดว่าความสนใจของคลิมต์ในรูปแบบนี้เพิ่มมากขึ้นหลังจากไปเยือนราเวนนาในปี 1903 ซึ่งเพื่อนร่วมทางของเขากล่าวว่า "งานโมเสกสร้างความประทับใจอย่างมากและเด็ดขาดให้กับเขา" ^{[ 28 ]} เขาใช้แผ่นทองคำเปลวและสีทองจำนวนมากในหลากหลายวิธี ทั้งสำหรับเสื้อผ้าของตัวแบบและฉากหลัง^{[ 29 ]}

• 
  ภาพเขียน "การตรึงกางเขน"โดยอัลเลเกรตโต นูซี ศิลปิน ชาวอิตาลี สมัยศตวรรษที่ 14 แผ่นทองคำเปลวส่วนใหญ่หลุดลอกไป เผยให้เห็นเนื้อไม้สีแดงด้านล่าง
• 
  อันโตเนียซโซ โรมาโน , พระแม่มารีและพระเยซู พร้อมภาพเหมือนของผู้บริจาค , ประมาณปี ค.ศ. 1480
• 
  เอราโตโดยลอร์ด ไลตันปี 1886 หนึ่งในชุดภาพพิมพ์บนเพดานสำหรับเฮนรี มาร์ควานด์
• 
  กุสตาฟ คลิมต์ , ภาพเหมือนของอเดล บลอค-เบาเออร์ ที่ 1 (1907)
• 
  นักเต้นระบำกัมพูชาพ.ศ. 2465 โดยเรอเน่ ปิโอต์ทองคำเปลวและสีฝุ่น

ภาพวาดของสำนักครีตในเกาะครีตและหมู่เกาะไอโอเนียน ซึ่งรู้จักกันในชื่อManiera Grecaในโลกตะวันตก ยังคงใช้พื้นหลังสีทองในผลงานส่วนใหญ่เพื่อส่งออกไปยังโลกตะวันตก จิตรกรชาวอิตาลีส่วนใหญ่หันมาใช้สีน้ำมัน ละทิ้งเทคนิคสี ไข่ หนังสือที่มีชื่อเสียงของจอร์โจ วาซารีเรื่อง ชีวิตของจิตรกร ประติมากร และสถาปนิกผู้ยอดเยี่ยมที่สุดได้แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับเทคนิคของกรีกในแง่ลบ Maniera Grecaเป็นหนึ่งในคำศัพท์แรกๆ ของยุโรปหลังยุคคลาสสิกสำหรับรูปแบบในงานศิลปะ [ ^{30 ] เทคนิค}นี้ถูกใช้ตั้งแต่ปี 1400 ถึง 1830 ทั้งในสำนักครีตและสำนักเฮปทาเนสไม เคิล ดามัสกินอสเริ่มผสมผสานภาพวาดแบบเวนิสและรูปแบบภาพวาดไบแซนไทน์แบบกรีก-อิตาลีแบบดั้งเดิม เทคนิคนี้กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของสำนักครีต พื้นหลังสีทองมีความสำคัญต่อจิตรกร แต่พวกเขาหลีกหนีจากประเพณีโดยการนำเทคนิคการวาดภาพแบบอิตาลีสมัยใหม่มาใช้^{[ 31 ]}

ในช่วงทศวรรษที่ 1600 จิตรกรเริ่มนำรูปแบบการวาดภาพที่หลากหลายมาใช้ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1600 จิตรกรชาวกรีกในโลกเวนิสใช้รูปแบบศิลปะเฟลมิช ในขณะที่ยังคงรักษาประเพณีการใช้พื้นหลังสีทอง พวกเขาวาดภาพที่มีรูปทรงสามมิติที่ซับซ้อน เท โอดอร์ พูลาคิสได้ผสานเทคนิคการปิดทองเข้ากับภาพวาดสมัยใหม่ส่วนใหญ่ของเขา ตัวอย่างหนึ่งคืองานของเขาที่มีชื่อว่าเรือโนอาห์เห็นได้ชัดว่าจิตรกรจงใจแทนที่ท้องฟ้าในงานของเขาด้วยแผ่นทองคำ ในขณะที่ยังคงรักษารูปแบบการวาดภาพเฟลมิชสมัยใหม่ไว้ โดยหลีกหนีจากประเพณีไบแซนไทน์ของกรีก อิตาลี และอิตาลี^{[ 32 ]} จิตรกรอีกคนหนึ่งที่เลียนแบบงานของทิเชียน คือ สเตฟาโนส ซานกาโรลาส ซานกาโรลาสใช้Madonna Col Bambinoเป็นแรงบันดาลใจในการวาดภาพVirgin Glykofilousa with the Akathist Hymnพื้นหลังสีทองทำให้ภาพบุคคลทางศาสนาดูยิ่งใหญ่ขึ้น เรื่องราวในพระคัมภีร์แต่ละเรื่องในภาพวาดมีพื้นหลังเป็นสีทอง รูปแบบดั้งเดิมมักจะยังคงสืบทอดต่อไปในโลกกรีกจนถึงปัจจุบัน^{[ 33 ]}

• 
  การตรึงกางเขนโดย Konstantinos Paleokapas , 1640
• 
  ภาพพระแม่มารีแห่งพระมหาทรมานโดยเอ็มมานูเอล ซานฟูร์นาริส ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 17
• 
  Virgin Glykofilousa กับเพลง Akathistโดย Stephanos Tzangarolas , 1700

ใน ญี่ปุ่น สมัยอาซูจิ-โมโมยามะ (ค.ศ. 1568–1600) รูปแบบนี้เริ่มใช้ในฉากกั้นขนาดใหญ่ ( byōbu ) ในชิโรหรือปราสาทของ ตระกูล ไดเมียวในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 หัวข้อต่างๆ ได้แก่ ทิวทัศน์ นกและสัตว์ และฉากที่มีผู้คนพลุกพล่านจากวรรณกรรมหรือชีวิตประจำวัน ฉากกั้นเหล่านี้ใช้ในห้องที่ใช้รับแขก ในขณะที่ห้องสำหรับครอบครัวมักใช้ฉากกั้นที่วาดด้วยหมึกและสีต่างๆ มีการใช้แผ่นทองคำเปลวสี่เหลี่ยมบนกระดาษ โดยบางครั้งอาจปล่อยให้ขอบของแผ่นทองคำเปลวมองเห็นได้^{[ 34 ]} ห้องเหล่านี้มีหน้าต่างค่อนข้างเล็ก และทองคำเปลวจะสะท้อนแสงเข้าไปในห้อง เพดานอาจตกแต่งด้วยวิธีเดียวกัน^{[ 35 ]} พื้นหลังทั้งหมดอาจเป็นทองคำเปลว หรือบางครั้งอาจเป็นเพียงเมฆบนท้องฟ้า^{[ 36 ]}สำนักรินปะใช้พื้นหลังสีทองอย่างกว้างขวาง^{[ 37 ]}

ใน ฉากกั้น ต้นไซเปรสของKano Eitoku (ประมาณปี 1590) “ท้องฟ้า” ด้านหลังต้นไม้ส่วนใหญ่เป็นสีทอง แต่บริเวณสีในฉากหน้าและยอดเขาที่อยู่ไกลออกไปแสดงให้เห็นว่าสีทองนี้ตั้งใจจะสื่อถึงหมอกบนภูเขา พื้นผิวฉากหน้าโดยตรงก็เป็นสีทองที่ดูหมองกว่าเช่นกัน หรืออีกทางหนึ่ง พื้นหลังอาจทาสีด้วยสีทองบางๆ ซึ่งช่วยให้เกิดความหลากหลายในเอฟเฟกต์ของภาพทิวทัศน์ได้มากขึ้น^{[ 38 ]} รูปแบบนี้ไม่ค่อยเหมาะสมกับภาพวาดม้วนกระดาษ ของญี่ปุ่น ซึ่งมักจะม้วนเก็บไว้ แผ่นไม้ขนาดเล็กบางแผ่นมีพื้นหลังเป็นแผ่นทองคำเปลว^{[ 39 ]}

เฉพาะในศตวรรษที่ 1 และ 2 เท่านั้นที่โมเสกบนผนัง ซึ่งแตกต่างจากโมเสกบนพื้น เริ่มเป็นที่นิยมในโลกกรีก-โรมัน โดยเริ่มแรกใช้สำหรับสุสานชื้นและไนม์เฟียก่อนที่จะนำมาใช้ในสถานที่ทางศาสนาในช่วงปลายศตวรรษที่ 4 ในตอนแรก โมเสกเหล่านี้มักกระจุกตัวอยู่บนหรือรอบๆ ส่วนโค้งและบริเวณศักดิ์สิทธิ์ด้านหลังแท่นบูชาหลัก^{[ 40 ]} พบว่า "ด้วยการจัดแสงอย่างระมัดระวัง โมเสกเหล่านี้ดูเหมือนจะไม่ปิดกั้น แต่กลับขยายพื้นที่ที่ล้อมรอบอยู่" ^{[ 41 ]}

หนึ่งในกลุ่มโมเสกพื้นทองคำที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ ซึ่งมีอายุตั้งแต่ก่อนประมาณปี ค.ศ. 440 อยู่ในโบสถ์ซานตามาเรียมาจโจเรในกรุงโรม บน "ซุ้มประตูชัย" และบริเวณทางเดินกลางโบสถ์ (โมเสกในส่วนโค้งของโบสถ์มีอายุภายหลังมาก) แม้ว่าโมเสกในบริเวณทางเดินกลางโบสถ์จะอยู่สูงเกินไปจนมองเห็นได้ไม่ชัดเจน ปริมาณพื้นหลังสีทองจะแตกต่างกันไปในแต่ละฉาก และมักจะผสมผสานกับฉากสถาปัตยกรรม ท้องฟ้าสีฟ้า และองค์ประกอบอื่นๆ ต่อมา โมเสกกลายเป็น "สื่อที่ได้รับเลือกสำหรับการถ่ายทอดความจริงของความเชื่อแบบออร์โธดอกซ์" เช่นเดียวกับ "สื่อของจักรวรรดิที่ยอดเยี่ยมที่สุด" ^{[ 42 ]}

มุมมองแบบดั้งเดิม ซึ่งปัจจุบันนักวิชาการบางคนโต้แย้ง คือ รูปแบบการใช้โมเสกแพร่กระจายมาจากโรงงานในราชสำนักของคอนสแตนติโนเปิลซึ่งบางครั้งมีการส่งทีมงานไปยังส่วนอื่นๆ ของจักรวรรดิ หรือส่งไปไกลกว่านั้นในฐานะของขวัญทางการทูต และสามารถอนุมานถึงการมีส่วนร่วมของพวกเขาได้จากคุณภาพการผลิตที่ค่อนข้างสูงกว่า^{[ 43 ]}

ในทางเทคนิค คำว่าต้นฉบับประดับประดา (illuminated manuscript ) นั้นจำกัดเฉพาะต้นฉบับที่มีหน้ากระดาษประดับด้วยโลหะ ซึ่งทองคำเป็นโลหะที่พบได้บ่อยที่สุด อย่างไรก็ตาม ในการใช้งานสมัยใหม่ ต้นฉบับที่มีภาพประกอบขนาดเล็กและตัวอักษรย่อที่ใช้สีอื่นมักจะรวมอยู่ในคำนี้ด้วย^{[ 44 ]}

ในต้นฉบับนั้น มีการใช้ทองคำในตัวอักษรขนาดใหญ่และขอบต่างๆ มากพอๆ กับการใช้ทองคำเป็นพื้นหลังสำหรับภาพขนาดเล็ก โดยทั่วไปแล้วจะมีเพียงไม่กี่หน้าเท่านั้นที่ใช้ทองคำเป็นจำนวนมาก และหน้าเหล่านั้นมักจะอยู่ด้านหน้าของหนังสือ หรือใช้เป็นเครื่องหมายแสดงส่วนใหม่ที่สำคัญ เช่น จุดเริ่มต้นของพระวรสาร แต่ละเล่ม ในหนังสือพระวรสารในยุโรปตะวันตก การใช้พื้นทองคำในขนาดใหญ่ส่วนใหญ่มักพบในต้นฉบับของราชวงศ์หรือจักรวรรดิที่หรูหราที่สุดในยุคก่อนๆ เช่นศิลปะออตโตเนียนหรือในช่วงปลายยุคกลางเมื่อทองคำเริ่มหาได้ง่ายขึ้น หนังสือ ฮักกาดาห์สีทอง ในศตวรรษที่ 14 ในหอสมุดแห่งชาติอังกฤษมีภาพประกอบนำ 14 ภาพเกี่ยวกับเรื่องราวในพระคัมภีร์บนพื้นทองคำที่ตกแต่งด้วยลวดลายสม่ำเสมอ ซึ่งเป็นลักษณะทั่วไปของการประดับตกแต่งหนังสือคริสเตียนที่หรูหราในยุคนี้ เช่นเดียวกับการใช้ตัวอักษรทองคำสำหรับหัวข้อหลัก^{[ 45 ]}

มีการใช้ทองคำในต้นฉบับในเปอร์เซีย อินเดีย และทิเบต สำหรับข้อความ ภาพประกอบ และขอบ^{[ 46 ]}ในเปอร์เซีย ทองคำถูกใช้เป็นพื้นหลังของข้อความ โดยทั่วไปจะเว้น "ฟอง" เรียบๆ ไว้รอบตัวอักษร ในทิเบต เช่นเดียวกับจีน ญี่ปุ่น และพม่า ทองคำถูกใช้เพื่อสร้างตัวอักษรหรืออักขระของข้อความ ในทุกกรณีสำหรับต้นฉบับที่สำคัญหรือหรูหราเป็นพิเศษ โดยปกติจะเป็นตำราพุทธศาสนา และมักใช้กระดาษที่ย้อมสีน้ำเงินเพื่อให้ตัดกันได้ดี ในทิเบต ทองคำถูกนำมาใช้เป็นสีพื้นหลังสำหรับภาพในภายหลัง โดยจำกัดเฉพาะบางหัวข้อเท่านั้น^{[ 47 ]} ในอินเดีย ทองคำส่วนใหญ่ใช้ในขอบ หรือในองค์ประกอบของภาพ เช่น ท้องฟ้า ซึ่งพบได้ทั่วไปในรูปแบบการวาดภาพแบบเดคคานที่โอ่อ่าภาพประกอบของราชวงศ์โมกุลอาจมีภาพทิวทัศน์และสัตว์ที่วาดขอบอย่างสวยงามด้วยทองคำบนพื้นหลังสีที่คล้ายกัน อาจมีการเพิ่มเกล็ดทองคำในระหว่างการผลิตกระดาษด้วย^{[ 48 ]}

• 
  หน้า 117r ของคัมภีร์Pericopes of Henry II , Reichenau , ประมาณปี 1002-1012: เทวดาบนหลุมศพ
• 
  ภาพ โมเสกบริเวณมุขโค้งของมหาวิหารเซฟาโล เกาะซิซิลีสร้างขึ้นประมาณปี 1170
• 
  พระวรสารเจลาติประเทศจอร์เจียศตวรรษที่ 12 ภาพการตรึงกางเขน
• 
  บายซุนกูร์ในคราบของโซโลมอนกับราชินีแห่งเชบา เมืองเฮรัตสมัยราชวงศ์ทิมูริด กลางศตวรรษที่ 15
• 
  ภาพวาดขนาดเล็กของเปอร์เซีย แสดง ให้เห็นคุสรอว์พบชิรินกำลังอาบน้ำในสระน้ำ น้ำในสระเป็นสีเงินออกซิไดซ์
• 
  อิหร่าน ศตวรรษที่ 14 นกกระสาคู่หนึ่งกับเป็ด

• การแสดงผลภาพวาดปิดทองยุคกลาง ที่เว็บไซต์ฐานข้อมูลประวัติศาสตร์ยุคกลาง (MHDB)