นับตั้งแต่สมัยโบราณ คาบสมุทรอิตาลีเป็นที่ตั้งของอารยธรรมที่หลากหลาย: ชาวกรีกทางใต้ ชาวเอตรัสกันทางตอนกลาง และชาวเคลต์ทางตอนเหนือภาพเขียนบนหินจำนวนมากในวัลคาโมนิกามีอายุย้อนไปถึง 8,000 ปีก่อนคริสตกาล ซากโบราณสถานทางศิลปะอันอุดมสมบูรณ์จากอารยธรรมเอตรัสกันยังคงหลงเหลืออยู่ รวมถึงหลุมฝังศพหลายพันแห่ง ตลอดจนจากอาณานิคมกรีกที่ปาเอสตุมอากริเจนโตและสถานที่อื่นๆ เมื่ออาณาจักรโรมันโบราณรุ่งเรืองอิตาลีก็กลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมและการเมืองของจักรวรรดิอันกว้างใหญ่ ซากปรักหักพังของโรมันทั่วประเทศมีความอุดมสมบูรณ์อย่างน่าทึ่ง ตั้งแต่อนุสรณ์สถานอันยิ่งใหญ่ของกรุงโรมไปจนถึงสถาปัตยกรรมในชีวิตประจำวันที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างดีเยี่ยมในปอมเปอีและสถานที่ใกล้เคียง

หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันตะวันตกอิตาลียังคงเป็นศูนย์กลางทางศิลปะที่สำคัญตลอดช่วงยุคกลางประเทศนี้มีส่วนสำคัญต่อศิลปะในยุคแคโรลิงศิลปะในยุคออตโตเนียนและศิลปะในยุคนอ ร์มัน รวมถึงการเจริญรุ่งเรืองของศิลปะไบแซนไทน์ในเมืองต่างๆ เช่นราเวนนา

อิตาลีเป็นศูนย์กลางหลักของนวัตกรรมทางศิลปะในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลี (ประมาณ ค.ศ. 1300–1600) เริ่มต้นด้วยยุคก่อนฟื้นฟูศิลปวิทยาการของจิออตโตและถึงจุดสูงสุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการชั้นสูงด้วยศิลปินเช่นเลโอนาร์โด ดา วินชี , มิเกลันเจโล , ราฟาเอลและอันโตเนลโล ดา เมสซี นา ศิลปินเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของศิลปะแมนเนอริสม์ซึ่งเป็นศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการขั้นต่อไป อิตาลียังคงรักษาความโดดเด่นทางศิลปะไว้ได้จนถึงศตวรรษที่ 17 ในช่วง ยุค บาโรค (ประมาณ ค.ศ. 1600–1750) และจนถึงศตวรรษที่ 18 ด้วยการเกิดขึ้นของศิลปะนีโอคลาสสิก (ประมาณ ค.ศ. 1750–1850) ทั้งสองกระแสมีต้นกำเนิดในกรุงโรม^{[ 4 ] [ 5 ]}และแพร่กระจายไปทั่วศิลปะตะวันตก

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 เป็นต้นมา อิตาลีมีบทบาทในเวทีศิลปะระดับนานาชาติผ่านขบวนการต่างๆ เช่นMacchiaioli , Futurism , ศิลปะเชิงอภิปรัชญา , Novecento Italiano , Spatialism , Arte PoveraและTransavantgarde

ศิลปะอิตาลีมีอิทธิพลอย่างมากต่อกระแสศิลปะสำคัญๆ หลายกระแสมาตลอดหลายศตวรรษ และได้สร้างสรรค์จิตรกร ประติมากร และสถาปนิกที่มีชื่อเสียงมากมาย ปัจจุบัน อิตาลียังคงมีบทบาทสำคัญในวงการศิลปะระดับโลก ด้วยหอศิลป์ พิพิธภัณฑ์ และนิทรรศการที่สำคัญมากมาย ศูนย์กลางทางศิลปะที่สำคัญ ได้แก่โรมฟลอเรนซ์เวนิสมิลาน ตูรินเจโนวาเนเปิลส์ปาแล ร์ โมซิราคิวส์และเมืองอื่นๆ อิตาลีเป็น ที่ตั้งของ แหล่งมรดกโลก61 แห่งซึ่งเป็นจำนวนสูงสุดในบรรดาประเทศต่างๆ ทั่วโลก

รูปปั้นสำริดของชาวเอทรูสกันและภาพนูนต่ำสำหรับพิธีศพที่ทำจากดินเผา เป็นตัวอย่างที่แสดงให้เห็นถึงประเพณีศิลปะอันรุ่งเรืองของอิตาลีตอนกลาง ซึ่งเสื่อมถอยลงเมื่อโรมเริ่มขยายอำนาจเหนือคาบสมุทรแห่งนี้

ภาพเขียนของชาวเอตรัสกันที่หลงเหลือมาจนถึงยุคปัจจุบันส่วนใหญ่เป็นภาพจิตรกรรมฝาผนังที่พบในสุสาน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสุสานของเมืองทาร์ควิเนียผลงานเหล่านี้ถือเป็นตัวอย่างที่สำคัญที่สุดของศิลปะรูปทรงก่อนยุคโรมันในอิตาลีที่นักวิชาการรู้จัก

ภาพเขียนเฟรสโกของชาวเอตรัสกันนั้นวาดลงบนปูนปลาสเตอร์เปียก ซึ่งเป็นเทคนิคที่เรียกว่าเฟรสโก เทคนิคนี้ช่วยให้สีติดกับปูนปลาสเตอร์ขณะที่แห้ง ทำให้สีมีความทนทานมากขึ้น อันที่จริง ภาพเขียนของชาวเอตรัสกันและโรมันที่หลงเหลืออยู่เกือบทั้งหมดวาดด้วยเทคนิคนี้ สีที่ใช้ทำมาจากการบดหินและแร่ธาตุให้เป็นเม็ดสี แล้วผสมกับสารยึดเกาะ ใช้พู่กันขนาดเล็ก ซึ่งมักทำจากขนวัว ในการทาสี

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช ศิลปินชาวเอตรัสกันเริ่มใช้ เทคนิค การใช้แสงและเงาเพื่อสร้างมิติและความลึกให้กับภาพ แม้ว่าภาพเขียนฝาผนังบางภาพจะแสดงฉากชีวิตประจำวัน แต่โดยทั่วไปแล้วมักเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับเทพนิยาย ที่น่าสังเกตคือ ภาพเขียนฝาผนังของชาวเอตรัสกันมักขาดสัดส่วนทางกายวิภาคที่ถูกต้อง และตัวละครมักแสดงลักษณะที่เกินจริงหรือเป็นแบบเฉพาะตัว

หนึ่งในตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดของภาพเขียนเอตรัสกันคือสุสานสิงโตตัวเมียในเมืองทาร์ควิเนีย

ชาวเอตรัสกันเป็นผู้สร้างสิ่งก่อสร้างขนาดใหญ่ที่เก่าแก่ที่สุดบางแห่งของกรุงโรม และวิหารและบ้านเรือนของโรมันในระยะแรกนั้นจำลองมาจากต้นแบบของชาวเอตรัสกันอย่างใกล้ชิด อิทธิพลของชาวเอตรัสกันปรากฏให้เห็นได้ชัดเจนในวิหารของโรมัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการใช้แท่นยกสูงและการเน้นด้านหน้าอาคารมากกว่าด้านอื่นๆ อีกสามด้าน ในทำนองเดียวกัน บ้านขนาดใหญ่ของชาวเอตรัสกันนั้นจัดวางโครงสร้างโดยมีห้องโถงกลางเป็นศูนย์กลาง ซึ่งเป็นรูปแบบที่ต่อมาถูกนำมาใช้ในสถาปัตยกรรมบ้านเรือนของโรมันในชื่อ บ้าน แบบเอทริอัม (atrium house)

อิทธิพลทางสถาปัตยกรรมของชาวเอตรัสกันค่อยๆ ลดลงในช่วงสาธารณรัฐโรมัน เนื่องจากโรมรับเอาองค์ประกอบจากโลกเมดิเตอร์เรเนียนที่กว้างขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งสถาปัตยกรรมกรีกเนื่องจากสถาปัตยกรรมของชาวเอตรัสกันเองก็ได้รับอิทธิพลจากชาวกรีก การที่โรมันรับเอาแบบแผนสถาปัตยกรรมแบบเฮลเลนิสติกจึงไม่ใช่การเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมอย่างฉับพลัน ตั้งแต่ศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราชเป็นต้นมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากการพิชิตเมืองซีราคิวส์ของโรมันในปี 211 ก่อนคริสต์ศักราช งานศิลปะและช่างฝีมือชาวกรีกจำนวนมากได้หลั่งไหลเข้ามาในโรม ส่งผลอย่างมากต่อการพัฒนาสถาปัตยกรรมของโรมัน เมื่อถึงเวลาที่วิทรูวิอุสเขียนตำราสถาปัตยกรรมเรื่องDe Architecturaในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช ทฤษฎีและแบบจำลองทางสถาปัตยกรรมของกรีกก็กลายเป็นสิ่งที่แพร่หลาย

เมื่อจักรวรรดิโรมันขยายอำนาจ รูปแบบสถาปัตยกรรมโรมันก็แพร่หลายและถูกนำไปใช้ทั้งในสิ่งก่อสร้างสาธารณะและในกรณีของผู้มีฐานะร่ำรวย ก็ใช้ในที่อยู่อาศัยส่วนตัวด้วย แม้ว่ารสนิยมท้องถิ่นจะมีอิทธิพลต่อรายละเอียดการตกแต่ง แต่รูปแบบโดยรวมยังคงมีความเป็นเอกลักษณ์ของโรมัน ในหลายภูมิภาค องค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมของโรมันและพื้นเมืองอยู่ร่วมกันในอาคารหลังเดียวกัน สะท้อนให้เห็นถึงประเพณีพื้นบ้านแบบผสมผสาน

ในศตวรรษที่ 1 หลังคริสต์ศักราชกรุงโรมได้กลายเป็นเมืองที่ใหญ่ที่สุดและเจริญก้าวหน้าที่สุดในโลก ชาวโรมันพัฒนาเทคโนโลยีที่ล้ำสมัยเพื่อปรับปรุงโครงสร้างพื้นฐานของเมือง รวมถึงระบบสุขาภิบาล การขนส่ง และการก่อสร้าง พวกเขาสร้างระบบท่อส่งน้ำขนาดใหญ่เพื่อจัดหาน้ำสะอาดให้กับเมือง และสร้างท่อระบายน้ำเพื่อจัดการกับของเสีย ในขณะที่ชาวโรมันที่ร่ำรวยที่สุดอาศัยอยู่ในวิลล่าขนาดใหญ่ที่มีสวนสวยงาม ประชากรส่วนใหญ่อาศัยอยู่ในอาคารอพาร์ตเมนต์หลายชั้นที่สร้างจากหิน คอนกรีต และอิฐ

วิศวกรชาวโรมันค้นพบว่า การผสมเถ้าภูเขาไฟจากเมืองปอซซูโอลิ (ใกล้เมืองเนเปิลส์) กับปูนขาวและน้ำ จะได้ซีเมนต์ที่มีความทนทานเป็นพิเศษ ซึ่งทำให้พวกเขาสามารถพัฒนาโครงสร้างคอนกรีตที่แข็งแรงทนทานได้ รวมถึงอาคารอพาร์ตเมนต์ขนาดใหญ่ที่เรียกว่าอินซูเล (insulae )

บ้านของคนร่ำรวยมักตกแต่งด้วยภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ประณีตบรรจงซึ่งแสดงภาพทิวทัศน์สวน เรื่องราวในตำนานหรือประวัติศาสตร์ และฉากชีวิตประจำวัน พื้นได้รับการตกแต่งด้วยโมเสกที่ซับซ้อนซึ่งประกอบด้วยกระเบื้องสีขนาดเล็กที่จัดเรียงเป็นลวดลายตกแต่งหรือรูปภาพ งานศิลปะเหล่านี้ไม่เพียงแต่เพิ่มความสว่างและความกว้างขวางของห้องเท่านั้น แต่ยังแสดงถึงสถานะทางสังคมและความซับซ้อนทางวัฒนธรรมของเจ้าของอีกด้วย^{[ 6 ]}

ในยุคคริสต์ของปลายจักรวรรดิ (ประมาณ ค.ศ. 350–500) การวาดภาพฝาผนัง โมเสกบนพื้นและเพดาน และประติมากรรมงานศพยังคงเฟื่องฟู ในขณะที่ประติมากรรมตั้งพื้นและการวาดภาพบนแผ่นไม้กลับเสื่อมถอยลง ซึ่งอาจเป็นเพราะความรู้สึกทางศาสนาที่เปลี่ยนแปลงไป^{[ 7 ]}หลังจากที่จักรพรรดิคอนสแตนตินมหาราชย้ายเมืองหลวงของจักรวรรดิไปยัง ไบ แซนเทียม (เปลี่ยนชื่อเป็นคอนสแตนติโนเปิล ) ศิลปะโรมันก็ซึมซับอิทธิพลจากตะวันออก ทำให้เกิด รูปแบบ ศิลปะไบแซนไทน์ ขึ้น หลังจากที่กรุงโรมถูกปล้นสะดมในศตวรรษที่ 5ช่างฝีมือจำนวนมากได้ย้ายไปอยู่ที่เมืองหลวงทางตะวันออก ภายใต้จักรพรรดิจัสติเนียนที่ 1ประเพณีศิลปะโรมันได้บรรลุถึงจุดสูงสุดอันยิ่งใหญ่ด้วยการสร้างวิหารฮาเกียโซเฟียและการสร้างโมเสกอันเลื่องชื่อของราเวนนาซึ่งจ้างช่างฝีมือหลายพันคน^{[ 8 ]}

ตลอดช่วงยุคกลางศิลปะของอิตาลีส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของการตกแต่งทางสถาปัตยกรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพเขียนฝาผนังและโมเสกศิลปะไบแซนไทน์ในอิตาลีมีลักษณะเด่นคือความงามที่ได้รับการจัดระเบียบและประณีตอย่างสูง โดดเด่นด้วยสัญลักษณ์ที่เป็นมาตรฐาน รูปทรงที่ได้รับการจัดรูปแบบ และการใช้ทองคำและสีสันสดใสอย่างฟุ่มเฟือย

จนกระทั่งถึงศตวรรษที่ 13 ศิลปะของอิตาลียังคงมีลักษณะเฉพาะตามภูมิภาคเป็นส่วนใหญ่ โดยได้รับอิทธิพลจากทั้งประเพณีท้องถิ่นและอิทธิพลจากทั้งยุโรปตะวันตกและทะเลเมดิเตอร์เรเนียนตะวันออก อย่างไรก็ตาม ประมาณปี ค.ศ. 1250 พัฒนาการทางศิลปะในภูมิภาคต่างๆ ของอิตาลีเริ่มแสดงให้เห็นถึงลักษณะร่วมกัน นำไปสู่ความรู้สึกเป็นเอกภาพที่เพิ่มมากขึ้นและการเกิดขึ้นของรูปแบบศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว

หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันตะวันตก จักรวรรดิโรมันตะวันออก—ซึ่งต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อจักรวรรดิไบแซนไทน์ —ยังคงเจริญรุ่งเรืองต่อไปอีกเกือบพันปี โดยมีเมืองหลวงอยู่ที่คอนสแตนติโนเปิล [ ^{9 ] ช่าง}ฝีมือชาวไบแซนไทน์มักถูกว่าจ้างในโครงการศิลปะสำคัญๆ ทั่วอิตาลี และอิทธิพลของสุนทรียศาสตร์แบบไบแซนไทน์นำไปสู่การพัฒนารูป แบบ อิตาโล-ไบแซนไทน์ซึ่งยังคงมีอยู่ในรูปแบบต่างๆ จนถึงศตวรรษที่ 14

รูปแบบศิลปะอิตาโล-ไบแซนไทน์โดยทั่วไปหมายถึงภาพเขียนทางศาสนาที่เลียนแบบสัญลักษณ์ ทางศาสนาแบบไบแซนไทน์มาตรฐาน แต่สร้างสรรค์โดยศิลปินชาวอิตาลีที่ไม่มีการฝึกฝนเทคนิคแบบไบแซนไทน์อย่างเป็นทางการ ผลงานเหล่านี้มักมีหัวข้อ เช่นพระแม่มารีและพระเยซูในวัยเด็กวาดบน พื้นหลัง สีทองพวกเขาเป็นผู้ริเริ่มรูปแบบภาพเขียนขนาดเล็กพกพาสะดวกที่มีกรอบในยุโรปตะวันตก และมีบทบาทสำคัญในพิธีกรรมทางศาสนาในยุคนั้น

รูปแบบนี้ครอบงำการวาดภาพของอิตาลีจนถึงปลายศตวรรษที่ 13 เมื่อศิลปินอย่างCimabueและGiottoเริ่มสร้างแนวทางที่เป็นธรรมชาติและแสดงอารมณ์มากขึ้น โดยเฉพาะในฟลอเรนซ์ อย่างไรก็ตาม การวาดภาพแบบอิตาโล-ไบแซนไทน์ยังคงผลิตขึ้นในบางภูมิภาคและบริบททางศาสนาไปจนถึงศตวรรษที่ 15 และหลังจากนั้น^{[ 10 ]}

Duecento เป็นคำภาษาอิตาลีที่หมายถึงศตวรรษที่ 13 ซึ่งเป็นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมและศิลปะของอิตาลี ในช่วงเวลานี้สถาปัตยกรรมโกธิกซึ่งมีต้นกำเนิดในยุโรปเหนือ เริ่มแพร่กระจายไปยังอิตาลี โดยเฉพาะในภาคเหนือ อย่างไรก็ตาม สถาปัตยกรรมโกธิกของอิตาลีได้พัฒนาไปสู่รูปแบบเฉพาะถิ่น ซึ่งมักจะเรียบง่ายกว่าและไม่สูงตระหง่านเท่ากับสถาปัตยกรรมโกธิกทางภาคเหนือ

คณะนักบวชสำคัญสองคณะ ได้แก่คณะโดมินิกันซึ่งก่อตั้งโดยนักบุญโดมินิกและคณะฟรานซิสกันซึ่งก่อตั้งโดยฟรานซิสแห่งอัสซีซีได้รับความนิยมและการสนับสนุนทางการเงินอย่างกว้างขวางในยุคนี้ คณะนักบวชเหล่านี้ได้ดำเนินโครงการก่อสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ โดยมักจะนำสถาปัตยกรรมโกธิกแบบเรียบง่ายมาใช้ให้เหมาะสมกับภารกิจการเผยแพร่ศาสนาและคำปฏิญาณแห่งความยากจนของพวกเขา

การใช้ภาพจิตรกรรมฝา ผนังขนาดใหญ่แพร่หลายในช่วงศตวรรษที่ 19 เนื่องจากภาพจิตรกรรมฝาผนังมีต้นทุนต่ำและมีประโยชน์ในการถ่ายทอดเรื่องราวทางศาสนาแก่ผู้คนส่วนใหญ่ที่อ่านไม่ออกเขียนไม่ได้ ตัวอย่างที่โดดเด่นคือ มหาวิหารเซนต์ฟรานซิสแห่งอัสซีซีซึ่งเป็นโครงสร้างที่ซับซ้อนประกอบด้วยโบสถ์สองหลังที่ซ้อนกัน สร้างบนเนินเขาและเริ่มสร้างไม่นานหลังจากที่ฟรานซิสได้รับการประกาศเป็นนักบุญในปี 1228 มหาวิหารแห่งนี้ประดับประดาด้วยภาพจิตรกรรมฝาผนังโดยจิตรกรชั้นนำหลายคนในยุคนั้น รวมถึงชิมาบูเอ , จิออตโต , ซิโมเน มาร์ตินี , ปีเอโตร ลอเรนเซตติและอาจรวมถึงปีเอโตร คาวาลลินี ด้วย

พัฒนาการทางศิลปะเหล่านี้ได้วางรากฐานสำหรับการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ๆ ในยุค เทรเชนโตและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลี ในเวลาต่อมา

เทรเซนโต (Trecento) เป็นคำภาษาอิตาลีที่หมายถึงศตวรรษที่ 14 ซึ่งเป็นช่วงเวลาสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมและศิลปะของอิตาลี มักถูกมองว่าเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีหรือโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ยุคก่อนฟื้นฟูศิลปวิทยาการ (Proto-Renaissance ) ซึ่งเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านที่วางรากฐานสำหรับนวัตกรรมในศตวรรษที่ 15

จิตรกรที่สำคัญที่สุดในยุคเทรเชนโตคือจิออตโต ดิ บอนโดเนซึ่งผลงานของเขาถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญจากรูปแบบที่เน้นความสวยงามตามแบบฉบับของศิลปะอิตาโล-ไบแซนไทน์ โดยนำเสนอความเป็นธรรมชาติ อารมณ์ที่แสดงออก และความรู้สึกถึงมิติสามมิติมากขึ้น

สำนักจิตรกรรมเซียนา เฟื่องฟูอย่างมากในช่วงเวลานี้ และอาจกล่าวได้ว่าเป็นศูนย์กลางทางศิลปะที่โดดเด่นที่สุดในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 บุคคลสำคัญ ได้แก่ ดูชิโอ ดิ บูโอนินเซ ญญา ซึ่งภาพเขียน "มาเอสตา"ของเขาเป็นผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมแผงไม้ในยุคแรกของอิตาลีซิโมเน มาร์ตินีผู้มีชื่อเสียงในด้านความสง่างามแบบโกธิกที่ประณีตลิปโป เมมมีและสองพี่น้องอัมโบรจิโอและปีเอโตร โลเรนเซตติผู้ซึ่งขยายความซับซ้อนของการเล่าเรื่องและการทดลองเชิงพื้นที่ในภาพเขียนเฟรสโก

ในงานประติมากรรม ศิลปินที่มีชื่อเสียง ได้แก่Arnolfo di CambioและTino di Camainoซึ่งเป็นลูกศิษย์ของGiovanni PisanoและBonino da Campione

ในยุคกลาง จิตรกรและประติมากรพยายามถ่ายทอดคุณภาพทางจิตวิญญาณในผลงานของพวกเขา โดยให้ความสำคัญกับสัญลักษณ์ทางศาสนาและการถ่ายทอดความศักดิ์สิทธิ์ของเรื่องราวในศาสนาคริสต์ ซึ่งมักจะละเลยการแสดงภาพอย่างสมจริง เป้าหมายคือเพื่อปลุกเร้าความศรัทธาและยกระดับความคิดของผู้ชมไปสู่ความเป็นพระเจ้า

ในทางตรงกันข้าม จิตรกรและประติมากรในยุคเรเนสซองส์ เช่นเดียวกับนักเขียนในยุคเรเนสซองส์ มุ่งเน้นที่จะวาดภาพผู้คนและธรรมชาติด้วยความสมจริงยิ่งขึ้น โดยได้รับอิทธิพลจากการศึกษาศิลปะโบราณ พวกเขาใช้การสังเกต สัดส่วน กายวิภาค และทัศนวิสัย เพื่อสร้างสรรค์ผลงานที่เหมือนจริงและสื่ออารมณ์ได้ดียิ่งขึ้น ตัวละครถูกวาดด้วยรายละเอียดที่เป็นธรรมชาติและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และองค์ประกอบของภาพมักประกอบด้วยฉากที่ได้รับแรงบันดาลใจจากภูมิทัศน์จริงหรือสถาปัตยกรรมคลาสสิก

ในขณะที่สถาปนิกในยุคกลางออกแบบมหาวิหารสูงตระหง่านเพื่อสื่อถึงความยิ่งใหญ่ของพระเจ้าและความอ่อนน้อมถ่อมตนของมนุษยชาติ สถาปนิกในยุคเรเนสซองส์กลับหันไปใช้แบบจำลองโรมันคลาสสิก โดยเน้นความกลมกลืน ความสมดุล และสัดส่วนที่เหมาะสมกับมนุษย์ อาคารต่างๆ ถูกออกแบบตามอัตราส่วนทางคณิตศาสตร์ที่ได้มาจากร่างกายมนุษย์ ดังตัวอย่างในงานเขียนของวิทรูวิอุสและในงานต่างๆ เช่นDe re aedificatoriaของเลออน บัตติสตา อัลเบอร์ติการตกแต่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากลวดลายโรมันโบราณ เช่น เสา เสาประดับ แถบประดับ และโดม

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 14 จิตรกรชาวฟลอเรนซ์จิออตโต ดิ บอนโดเน กลายเป็นศิลปินคนแรกนับตั้งแต่สมัยโบราณที่วาดภาพธรรมชาติและรูปร่างมนุษย์ได้อย่างสมจริงจนน่าเชื่อถือ เขาสร้างสรรค์ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่มีอิทธิพลต่อโบสถ์ต่างๆ ในเมืองอัสซีซี ฟลอเรนซ์ ปาดัว และโรม จิออตโตพยายามที่จะถ่ายทอดภาพบุคคลด้วยความรู้สึกถึงการมีอยู่จริงทางกายภาพและการแสดงออกทางอารมณ์ โดยจัดวางพวกเขาไว้ในฉากที่มีความสอดคล้องกันทางพื้นที่และเป็นธรรมชาติ

กลุ่มศิลปินชาวฟลอเรนซ์ ผู้โดดเด่น ซึ่งรวมถึงจิตรกรมาซัคชิโอประติมากรโดนาเตลโลและสถาปนิกฟิลิปโป บรูเนลเลสกีได้ถือกำเนิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 15 วางรากฐานให้กับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการตอนปลาย

ผลงานชิ้นเอกของมาซัคชิโอคือชุดภาพจิตรกรรมฝาผนังที่วาดขึ้นราวปี ค.ศ. 1427 ในโบสถ์บรานคัคชีแห่งโบสถ์ซานตามาเรียเดลคาร์มิเนในฟลอเรนซ์ ภาพจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้แสดงภาพเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ด้วยความสมจริงและอารมณ์ที่หนักแน่น มาซัคชิโอเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่นำระบบทัศนียภาพเชิงเส้นที่บรูเนลเลสกีพัฒนาขึ้นใหม่มาใช้ ทำให้ภาพวาดมีความลึกสมจริงยิ่งขึ้น

โดนาเตลโลได้ปฏิวัติวงการประติมากรรมด้วยการนำอุดมคติแบบคลาสสิกของรูปทรงมนุษย์และการแสดงออกเฉพาะบุคคลกลับมาอีกครั้ง ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงความใส่ใจอย่างน่าทึ่งในด้านกายวิภาคศาสตร์และความลึกซึ้งทางจิตวิทยา หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือรูปปั้นสำริดของเดวิด ซึ่งสร้างเสร็จในทศวรรษ 1430 รูปปั้นนี้มีความสูงประมาณ 5 ฟุต (1.5 เมตร) และมีความสำคัญในฐานะรูปปั้นเปลือยขนาดเท่าคนจริงแบบตั้งอิสระชิ้นแรกที่สร้างขึ้นในศิลปะตะวันตกนับตั้งแต่สมัยโบราณ

บรู เนลเลสกีเป็นสถาปนิกยุคเรเนสซองส์คนสำคัญคนแรกที่ฟื้นฟูรูปแบบและหลักการของสถาปัตยกรรมโรมันโบราณอย่างเป็นระบบ เขาได้ผสมผสานองค์ประกอบคลาสสิก เช่น ซุ้มโค้ง เสา และสัดส่วนที่กลมกลืน เข้ากับการออกแบบของเขา หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของเขาคือโบสถ์ปาซซีในฟลอเรนซ์ ซึ่งเริ่มสร้างในปี 1442 และแล้วเสร็จประมาณปี 1465 ซึ่งเป็นตัวอย่างของความชัดเจน ความสมดุล และความเรียบง่ายแบบคลาสสิก บรูเนลเลสกีเป็นผู้บุกเบิกการใช้ทัศนียภาพเชิงเส้นซึ่งเป็นวิธีการทางคณิตศาสตร์สำหรับการแสดงภาพสามมิติบนพื้นผิวเรียบ ด้วย

ศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 นั้นถูกครอบงำโดยบุคคลสำคัญสามคน ได้แก่เลโอนาร์โด ดา วินชี , มิเกลันเจโลและราฟาเอล

เลโอนาร์โด ดา วินชีสร้างสรรค์ผลงานศิลปะยุคเรเนสซองส์ที่โดดเด่นที่สุดสองชิ้น ได้แก่ ภาพเขียนฝาผนัง " พระกระยาหารมื้อสุดท้าย"และภาพเหมือน"โมนาลิซา " เลโอนาร์โดมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในด้านศิลปะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความอยากรู้อยากเห็นอย่างไม่รู้จักจบสิ้นและการสำรวจทางวิทยาศาสตร์ของเขาด้วย เขาศึกษาเกี่ยวกับร่างกายมนุษย์อย่างละเอียดถี่ถ้วน สร้างภาพวาดทางกายวิภาคอย่างละเอียด และเขาสร้างภาพร่างและบันทึกหลายพันหน้าซึ่งบันทึกการสังเกตธรรมชาติ เครื่องจักร และรูปร่างของมนุษย์ การมีส่วนร่วมทางปัญญาอย่างลึกซึ้งของเลโอนาร์โดกับโลกทำให้เขาเป็นบุคคลต้นแบบของยุคเรเนสซองส์และเป็นสัญลักษณ์ของจิตวิญญาณแห่งการเรียนรู้และการค้นพบของยุคนั้น^{[ 11 ]}

มิเกลันเจโลเป็นผู้เชี่ยวชาญในหลายสาขา ได้แก่ การวาดภาพ ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และกวีนิพนธ์ ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งในประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์^{[ 12 ]}ทักษะของมิเกลันเจโลในการถ่ายทอดร่างกายมนุษย์นั้นเห็นได้ชัดจากประติมากรรมของเขา เช่น รูปปั้นเดวิด อันโด่งดัง (ค.ศ. 1501–1504) ซึ่งสื่อถึงทั้งความงามทางกายภาพและความลึกซึ้งทางจิตวิทยาอย่างมาก เขายังวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังบนเพดานโบสถ์ซิสทีนระหว่างปี ค.ศ. 1508 ถึง 1512 ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปะตะวันตก ภาพจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้แสดงถึงเรื่องราวในพระคัมภีร์และเรื่องราวคลาสสิก และมีชื่อเสียงในด้านการแสดงออกถึงรูปร่างของมนุษย์และความเข้มข้นทางจิตวิญญาณอย่างทรงพลัง

ภาพเขียนของราฟาเอลเป็นที่รู้จักกันดีในเรื่ององค์ประกอบที่กลมกลืน เส้นขอบที่อ่อนโยน และการใช้สีที่งดงาม เขาเป็นปรมาจารย์ด้านทัศนียภาพและสัดส่วน และมีชื่อเสียงเป็นพิเศษในเรื่องภาพพระแม่มารีและภาพเหมือน หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของเขาคือภาพจิตรกรรมฝาผนัง เรื่อง "โรงเรียนแห่งเอเธนส์"ซึ่งเป็นการแสดงภาพนักปรัชญาและนักวิทยาศาสตร์กรีกโบราณอย่างยิ่งใหญ่ ผลงานชิ้นนี้สะท้อนให้เห็นถึงความชื่นชมของราฟาเอลที่มีต่อศิลปะโบราณ โดยผสมผสานองค์ประกอบของศิลปะกรีกและโรมันโบราณเข้ากับบรรยากาศทางปัญญาของยุคเรเนสซองส์

สถาปนิกโดนาโต บรามันเตมักได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้สร้างสรรค์สถาปัตยกรรมยุคเรเนสซองส์ตอนปลาย ในปี 1499 เขาได้ย้ายไปอยู่ที่กรุงโรม ซึ่งเขาเริ่มต้นงานออกแบบด้วยการสร้างเทมปิเอตโต (Tempietto) ในปี 1502 ซึ่งเป็นโครงสร้างโดมขนาดเล็กที่อยู่ตรงกลาง โดยได้รับแรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมวิหารแบบคลาสสิก สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ทรงแต่งตั้งบรามันเตเป็นสถาปนิกประจำพระองค์ และทั้งสองได้ร่วมกันวางแผนที่จะสร้างโบสถ์ใหม่ที่ยิ่งใหญ่แทนที่มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์เก่าในศตวรรษที่ 4 แม้ว่าวิสัยทัศน์ของบรามันเตจะไม่สำเร็จลุล่วงในสมัยที่เขายังมีชีวิตอยู่ แต่การออกแบบของเขาก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาสถาปัตยกรรมยุคเรเนสซองส์

ลัทธิมาเนริสม์เป็นรูปแบบศิลปะที่สง่างามและหรูหรา ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีโดยเฉพาะอย่างยิ่งเฟื่องฟูในเมืองฟลอเรนซ์ ประเทศอิตาลี ซึ่งมีบุคคลสำคัญอย่างจอร์โจ วาซารีและอักโญโล บรอนซิโนเป็นตัวแทนหลัก ต่อมาลัทธินี้ได้ถูกนำไปสู่ราชสำนักฝรั่งเศสโดยรอสโซ ฟิออเรนติโนและฟรานเชสโก ปริมาติชิโอ จิตรกรชาวเวนิสอย่างทินโตเรตโตก็ได้รับอิทธิพลจากลัทธิมาเนริสม์เช่นกัน

แนวทางการวาดภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของลัทธิแมนเนอริสม์ ซึ่งมีลักษณะเป็นรูปทรงยาว ท่าทางที่เกินจริง และองค์ประกอบที่ประดิษฐ์ขึ้น มีอิทธิพลต่อรูปแบบศิลปะอื่นๆ ด้วยเช่นกัน ในด้านสถาปัตยกรรมจูลิโอ โรมาโนถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของอิทธิพลของลัทธิแมนเนอริสม์ ประติมากรชาวอิตาลีเบนเวนูโต เซลลินีและ จิอัม โบโลญญา ผู้เกิดในเฟลมิช เป็นบุคคลสำคัญในงานประติมากรรมลัทธิแมนเนอริสม์ ซึ่งเป็นที่รู้จักจากรูปทรงที่เคลื่อนไหวและมักจะเกินจริง^{[ 13 ]}

นักประวัติศาสตร์บางคนมองว่าศิลปะแบบแมนเนอริสม์เป็นการเสื่อมถอยหรือบิดเบือนของศิลปะคลาสสิกในยุคเรเนสซองส์ตอนปลาย ในขณะที่บางคนมองว่าเป็นรูปแบบศิลปะที่สมบูรณ์และเป็นอิสระในตัวเอง โดยทั่วไปแล้วช่วงเวลาของศิลปะแบบนี้จะอยู่ระหว่างประมาณปี ค.ศ. 1520 ถึง 1600 ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างยุคเรเนสซองส์ตอนปลายและยุคบาโรค

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 17 กรุงโรมกลายเป็นศูนย์กลางของการฟื้นฟูความโดดเด่นของศิลปะอิตาลี ในเมืองปาร์มาอันโตนิโอ ดา กอร์เรจโจได้ตกแต่งเพดานโบสถ์ด้วยภาพบุคคลที่มีชีวิตชีวา ลอยละล่องอยู่บนก้อนเมฆ ซึ่งเป็นแนวทางที่มีอิทธิพลอย่างมากต่อภาพเขียนบนเพดานในยุคบาโรค ภาพเขียนแบบแสงและเงาที่โดดเด่นของคาราวัจโจและผลงานที่แข็งแกร่งและสร้างภาพลวงตาของตระกูลคาร์รัชชี แห่งโบโลญญา ถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคบาโรคในศิลปะอิตาลีโดเมนิชิโน ฟรานเชสโก อัลบานีและต่อมาอันเดรีย ซัคคีเป็นหนึ่งในผู้ที่สำรวจนัยยะคลาสสิกของอิทธิพลของตระกูลคาร์รัชชี

ในทางกลับกัน ศิลปินอย่างGuido Reni , Guercino , Orazio Gentileschi , Giovanni Lanfrancoและต่อมาPietro da CortonaและAndrea Pozzo แม้จะยึดมั่นในขนบคลาสสิกและเชิงสัญลักษณ์ แต่ในตอนแรกพวกเขาวาดภาพที่มีพลวัต เต็มไปด้วยตัวละครที่แสดงท่าทางในลักษณะที่ชวนให้นึกถึงสไตล์ของ Caravaggio ส่วน Gian Lorenzo Berniniคือสุดยอดปรมาจารย์แห่งความรุ่งโรจน์และความงดงามของยุคบาโรคทั้งในด้านประติมากรรมและสถาปัตยกรรมประมาณปี 1640 จิตรกรหลายคนเริ่มหันมาสนใจสไตล์คลาสสิกที่ส่งเสริมโดยNicolas Poussin ชาวฝรั่งเศสที่ลี้ภัยอยู่ ในกรุงโรม ประติมากรอย่างAlessandro AlgardiและFrançois Duquesnoyก็หันมาสนับสนุนอุดมคติแบบคลาสสิกเช่นกัน

ศิลปินบาโรกตอนปลายที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Genoese Giovanni Battista Gaulliและ Neapolitan Luca GiordanoและFrancesco Solimena

บุคคลสำคัญแห่งศตวรรษที่ 18 ได้รับการยกย่องจากเวนิส ในหมู่พวกเขามีตัวแทนที่ยอดเยี่ยมของสไตล์โรโกโกGiovanni Battista Tiepolo ; จิตรกรสถาปัตยกรรมเช่นFrancesco Guardi , Canaletto , Giovanni Battista PiazzettaและBernardo Bellotto ; และช่างแกะสลักโบราณวัตถุของโรมันจิโอวานนี บัตติสตา ปิราเนซี

ศิลปะนีโอคลาสสิกของอิตาลีเป็นรูปแบบแรกเริ่มของขบวนการนีโอคลาสสิกในวงกว้าง และคงอยู่ยาวนานกว่ารูปแบบเดียวกันในประเทศอื่นๆ ในยุโรป ศิลปะนีโอคลาสสิกพัฒนาขึ้นเพื่อต่อต้าน ศิลปะ บาโรกราวๆ ปี ค.ศ. 1750 และคงอยู่จนถึงราวๆ ปี ค.ศ. 1850 ขบวนการนี้เกิดขึ้นในช่วงการค้นพบเมืองปอมเปอีอีกครั้ง และแพร่กระจายไปทั่วยุโรปเมื่อกลุ่มนักศึกษาศิลปะรุ่นหนึ่งเดินทางกลับจากทัวร์ใหญ่ในอิตาลี โดยได้รับอิทธิพลจากอุดมคติแบบกรีก-โรมันที่ได้รับการฟื้นฟูขึ้นมาใหม่

เช่นเดียวกับรูปแบบอื่นๆ ของยุโรป ศิลปะนีโอคลาสสิกของอิตาลีส่วนใหญ่มีพื้นฐานมาจากหลักการของ ศิลปะและสถาปัตยกรรม โรมันโบราณและกรีกโบราณอย่างไรก็ตาม มันยังได้รับอิทธิพลจากสถาปัตยกรรมยุคเรเนสซองส์ ของอิตาลี และแนวคิดพื้นฐาน ดังที่เห็นได้จากผลงานต่างๆ เช่นVilla Capra "La Rotonda" [ ^{14 ] ลัทธิ}คลาสสิกและลัทธินีโอคลาสสิกในศิลปะและสถาปัตยกรรมของอิตาลียังมีรากฐานที่ลึกซึ้งในยุคเรเนสซองส์ของอิตาลีโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานเขียนและการออกแบบของLeon Battista AlbertiและผลงานของFilippo Brunelleschi

ศิลปะนีโอคลาสสิกเน้นความสมมาตรสัดส่วนเรขาคณิตและความสม่ำเสมอของส่วนต่างๆ โดยได้รับแรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมยุคคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งกรุงโรมโบราณองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมที่สำคัญ ได้แก่ การจัดเรียงเสา เสาประดับ คานประตูอย่างเป็นระเบียบรวมถึงการใช้ซุ้มโค้งครึ่งวงกลม โดมทรงครึ่งวงกลมช่องและศาลาเล็กๆสิ่งเหล่านี้เข้ามาแทนที่ระบบสัดส่วนที่ซับซ้อนกว่าและรูปทรงที่ไม่สม่ำเสมอของ อาคาร ในยุคกลางรูปแบบนี้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่วอิตาลีและต่อมาไปยังส่วนอื่นๆ ของทวีปยุโรป

ลัทธินีโอคลาสสิกเริ่มแรกมีศูนย์กลางอยู่ที่กรุงโรม ซึ่งศิลปินอย่าง อันโต นิโอ คาโนวาและฌาคส์-หลุยส์ ดาวิดมีบทบาทในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ก่อนที่ขบวนการนี้จะแพร่กระจายไปยังปารีส จิตรกรแนวภาพทิวทัศน์เช่นคานาเลตโตและโจวันนี เปาโล ปานินีประสบความสำเร็จอย่างมากในช่วงแกรนด์ทัวร์ ประติมากรอันโตนิโอ คาโนวากลายเป็นผู้บุกเบิกสไตล์นีโอคลาสสิก ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติและได้รับการยกย่องว่าเป็นประติมากรที่เก่งที่สุดในยุคของเขา^{[ 15 ]}ฟรานเชสโก ฮาเยซถือเป็นผู้บุกเบิกชาวอิตาลีของลัทธิโรแมนติซิสม์โดยผลงานหลายชิ้นของเขา ซึ่งมักตั้งอยู่ในบริบทของยุคกลาง มีข้อความรักชาติที่เข้ารหัสไว้ซึ่งเกี่ยวข้องกับริซอร์จิเมนโต ลัทธินีโอคลาสสิกเป็นรูปแบบศิลปะที่เกิดในอิตาลีรูปแบบสุดท้าย ต่อจากยุคเรเนสซองส์และบาโรกที่แพร่กระจายไปทั่วศิลปะตะวันตก

อิตาลีได้สร้างสรรค์รูปแบบของ ศิลปะอิมเพรสชันนิสม์ขึ้นมาเองซึ่งรู้จักกันในชื่อ ขบวนการมัค คิอาโอลี (Macchiaioli movement) ซึ่งเกิดขึ้นก่อนศิลปินอิมเพรสชันนิสม์ที่มีชื่อเสียงในฝรั่งเศส บุคคลสำคัญของขบวนการนี้ ได้แก่ โจวันนี ฟัตโตริ (Giovanni Fattori) , ซิลเวสโตร เลกา (Silvestro Lega), เทเลมาโก ซิกนอรินี ( Telemaco Signorini ) และจูเซปเป อับบาติ (Giuseppe Abbati) ศิลปินมัคคิอาโอลีถือเป็นผู้บุกเบิกศิลปะอิมเพรสชันนิสม์ เนื่องจากพวกเขาเน้นความสำคัญของแสงและเงา หรือมัคคี (macchie ) (แปลตรงตัวว่า "รอยปะ" หรือ "จุด") ในฐานะองค์ประกอบหลักของผลงาน คำว่ามัคคีถูกใช้โดยศิลปินและนักวิจารณ์ชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 19 เพื่ออธิบายถึงคุณภาพที่สดใส ร่างภาพ และเป็นธรรมชาติในภาพวาดหรือภาพร่าง หรือเพื่อเน้นถึงผลลัพธ์ที่กลมกลืนและกว้างขวางในองค์ประกอบภาพ

บทวิจารณ์ที่เป็นปรปักษ์ซึ่งตีพิมพ์เมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2405 ในวารสารGazzetta del Popoloถือเป็นการใช้คำว่า Macchiaioli ครั้งแรกที่มีบันทึกไว้[ 16 ^{]คำนี้}มีความหมายแฝงหลายประการ: มันเยาะเย้ยโดยบอกเป็นนัยว่าผลงานที่เสร็จสมบูรณ์ของศิลปินนั้นเป็นเพียงภาพร่าง และยังอ้างถึงวลี "darsi alla macchia" ซึ่งในเชิงสำนวนหมายถึง "ซ่อนตัวอยู่ในพุ่มไม้หรือที่รก" ศิลปินมักทำงานกลางแจ้งในสภาพแวดล้อมเช่นนั้น ซึ่งส่งผลให้เกิดความเชื่อมโยงนี้ขึ้น นอกจากนี้ ชื่อนี้ยังบ่งบอกเป็นนัยว่า Macchiaioli เป็นพวกนอกกฎหมาย สะท้อนให้เห็นถึงมุมมองของพวกอนุรักษ์นิยมที่ว่าศิลปินกลุ่มใหม่เหล่านี้ทำงานอยู่นอกเหนือกฎเกณฑ์และธรรมเนียมปฏิบัติที่กำหนดไว้ของโลกศิลปะในขณะนั้น

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินกลุ่มฟิวเจอร์ริสม์ได้พัฒนาวิสัยทัศน์ที่ทรงพลังเกี่ยวกับโลกสมัยใหม่ ในขณะที่จอร์โจ เดอ คิริโกแสดงออกถึงความสงบเงียบเชิงอภิปรัชญาที่แปลกประหลาดอาเมเดโอ โมดิกลิอานี กลายมาเกี่ยวข้องกับสำนักศิลปะปารีส ศิลปินชาวอิตาลีสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงในยุคต่อมา ได้แก่ ประติมากร จาโคโม มันซูและมาริโน มารินี จิตรกรภาพนิ่ง จอร์โจ โมรัน ดี และจิตรกรผู้แหวกแนวลูซิโอ ฟอนตานาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 นักออกแบบชาวอิตาลี โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่อยู่ในมิลาน มีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบศิลปะสากลด้วยผลงานที่สร้างสรรค์และใช้งานได้จริง

ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์เป็นขบวนการศิลปะของอิตาลีที่เฟื่องฟูตั้งแต่ปี 1909 ถึงประมาณปี 1916 นับเป็นขบวนการศิลปะแรกๆ ที่มุ่งหวังจะตัดขาดจากอดีตในทุกด้านของชีวิต ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์ยกย่องพลัง ความเร็ว และความตื่นเต้นที่เป็นลักษณะเฉพาะของยุคเครื่องจักร เหล่าฟิวเจอร์ริสต์เรียนรู้จากจิตรกรคิวบิสต์ชาวฝรั่งเศสและการถ่ายภาพแบบซ้อนภาพเพื่อแยกรูปแบบที่สมจริงออกเป็นภาพหลายภาพและชิ้นส่วนสีที่ซ้อนทับกัน ด้วยวิธีการดังกล่าว พวกเขามุ่งหวังที่จะแสดงให้เห็นถึงพลังและความเร็วของชีวิตสมัยใหม่ ในด้านวรรณกรรม ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์เรียกร้องให้ยกเลิกโครงสร้างประโยคและรูปแบบบทกวีแบบดั้งเดิม^{[ 18 ]}

ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์ได้รับการประกาศครั้งแรกเมื่อวันที่ 20 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1909 เมื่อหนังสือพิมพ์เลอฟิกาโร ของปารีส ตีพิมพ์แถลงการณ์ของฟิลิปโป โทมัสโซ มาริเนตติ กวีและบรรณาธิการชาวอิตาลี (ดูแถลงการณ์ของลัทธิฟิวเจอร์ริสม์ ) มาริเนตติบัญญัติคำว่า "ฟิวเจอร์ริสม์" เพื่อสะท้อนเป้าหมายของเขาในการละทิ้งศิลปะในอดีตและเฉลิมฉลองการเปลี่ยนแปลง ความเป็นต้นฉบับ และนวัตกรรมในวัฒนธรรมและสังคม แถลงการณ์ของเขาเชิดชูเทคโนโลยีใหม่ของรถยนต์และความงดงามของความเร็ว พลัง และการเคลื่อนไหวของมัน มาริเนตติยกย่องความรุนแรงและความขัดแย้ง เรียกร้องให้ปฏิเสธค่านิยมดั้งเดิมอย่างสิ้นเชิงและทำลายสถาบันทางวัฒนธรรม เช่น พิพิธภัณฑ์และห้องสมุด ถ้อยคำในแถลงการณ์นั้นเต็มไปด้วยความเร่าร้อนและดุดัน และน้ำเสียงที่ก้าวร้าวนั้นตั้งใจที่จะปลุกปั่นความโกรธแค้นของสาธารณชนและก่อให้เกิดความขัดแย้ง

แถลงการณ์ของมาริเน็ตติเป็นแรงบันดาลใจให้กลุ่มจิตรกรหนุ่มในมิลานนำแนวคิดลัทธิอนาคตนิยมมาประยุกต์ใช้กับศิลปะทัศนศิลป์อุมแบร์โต บอค ชิโอนี , คาร์โล การ์รา , ลุยจิ รุสโซ โล , จาโคโม บัลลาและจิโน เซเวรินีได้ตีพิมพ์แถลงการณ์เกี่ยวกับการวาดภาพหลายฉบับในปี 1910 เช่นเดียวกับมาริเน็ตติ พวกเขายกย่องความคิดริเริ่มสร้างสรรค์และแสดงความดูหมิ่นต่อขนบธรรมเนียมทางศิลปะที่สืบทอดกันมา

นอกจากนี้ บอคชิโอนียังสนใจงานประติมากรรมโดยได้ตีพิมพ์แถลงการณ์เกี่ยวกับเรื่องนี้ในฤดูใบไม้ผลิปี 1912 ถือได้ว่าเขาได้แสดงทฤษฎีของตนอย่างสมบูรณ์ที่สุดในประติมากรรมสองชิ้น ได้แก่ " การพัฒนาขวดในอวกาศ" (Development of a Bottle in Space ) (1912) ซึ่งเขาแสดงให้เห็นทั้งรูปทรงภายในและภายนอกของขวด และ " รูปแบบเฉพาะของความต่อเนื่องในอวกาศ" (Unique Forms of Continuity in Space ) (1913) ซึ่งรูปทรงของมนุษย์ไม่ได้ถูกแสดงเป็นรูปทรงทึบเพียงรูปเดียว แต่ประกอบด้วยระนาบหลายระนาบที่แสดงถึงพื้นที่ที่รูปทรงนั้นเคลื่อนไหวอยู่

หลักการของลัทธิอนาคตนิยมได้ขยายไปสู่สถาปัตยกรรมด้วยเช่นกันอันโตนิโอ ซานต์เอเลียได้ร่างแถลงการณ์ลัทธิอนาคตนิยมเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมในปี 1914 ภาพวาดอันล้ำสมัยของเขาเกี่ยวกับเมืองที่ใช้เครื่องจักรกลขั้นสูงและตึกระฟ้าที่ทันสมัยอย่างกล้าหาญ ได้วางรากฐานให้กับการวางแผนสถาปัตยกรรมที่สร้างสรรค์ที่สุดบางส่วนในศตวรรษที่ 20

Boccioni ซึ่งเป็นศิลปินที่มีพรสวรรค์มากที่สุดในกลุ่ม^{[ 19 ]}และ Sant'Elia เสียชีวิตระหว่างรับราชการทหารในปี 1916 การเสียชีวิตของ Boccioni ประกอบกับการขยายจำนวนบุคลากรของกลุ่มและความเป็นจริงอันน่าหดหู่ของความเสียหายที่เกิดจากสงครามโลกครั้งที่ 1ทำให้ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์สิ้นสุดลงในฐานะพลังทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญในศิลปะทัศนศิลป์

จิตรกรรมเชิงอภิปรัชญาเป็นขบวนการศิลปะของอิตาลีที่เริ่มต้นในปี 1917 จากผลงานของคาร์โล การ์รา และจอร์โจ เดอ คิริโกในเมืองเฟอร์รารา คำว่า "อภิปรัชญา" ซึ่งเดอ คิริโกนำมาใช้เองนั้น มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อสุนทรียศาสตร์ของขบวนการนี้

ลักษณะเด่นของขบวนการนี้คือภาพที่เหมือนฝัน โดยมีรูปทรงและวัตถุที่ดูเหมือนหยุดนิ่งอยู่ในห้วงเวลา ศิลปินที่เกี่ยวข้องกับจิตรกรรมเชิงอภิปรัชญาได้นำเอาการแสดงภาพโลกที่มองเห็นได้ผ่านทัศนียวิทยาแบบดั้งเดิมมาใช้ แต่มีการจัดวางรูปทรงมนุษย์ที่แปลกประหลาด ซึ่งมักปรากฏเป็นแบบจำลองที่ไร้ชีวิต และวัตถุที่วางอยู่ในบริบทที่แปลกประหลาดและไม่สมเหตุสมผล ผลงานเหล่านี้โดดเด่นด้วยแสงที่ไม่สมจริง โทนสีที่ไม่เป็นธรรมชาติ และความนิ่งของรูปทรงที่ก่อให้เกิดความรู้สึกน่าขนลุกและไร้กาลเวลา

ขบวนการโนเวเชนโต (Novechento)เป็นกลุ่มศิลปินชาวอิตาลีที่ก่อตั้งขึ้นในปี 1922 ในเมืองมิลาน โดยมีเป้าหมายเพื่อฟื้นฟูศิลปะการแสดงภาพแบบอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ในอดีต

สมาชิกผู้ก่อตั้งขบวนการโนเวเชนโต (ภาษาอิตาลี: "ศตวรรษที่ 20") ได้แก่ นักวิจารณ์มาร์เกริตา ซาร์ฟัตติและศิลปินอีกเจ็ดคน ได้แก่อันเซลโม บูชชี , เลโอ นาร์โด ดูเดรวิลล์ , อคิลเล ฟูนี , จิอัน เอมิลิโอ มาเลอร์บา, ปิเอโร มารุสซิก, อูบัลโด ออปปี และมาริโอ ซิโรนี ภายใต้การนำของซาร์ฟัตติ กลุ่มนี้พยายามที่จะฟื้นฟูศิลปะอิตาลีโดยปฏิเสธขบวนการศิลปะแนวหน้าของยุโรปและโอบรับประเพณีทางศิลปะของอิตาลี

ศิลปินอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับขบวนการ Novecento ได้แก่ ประติมากร Marino MariniและArturo MartiniและจิตรกรOttone Rosai , Massimo Campigli , Carlo CarràและFelice Casorati

ลัทธิสเปเชียลิสม์เป็นขบวนการที่ก่อตั้งโดยศิลปินชาวอิตาลีลูซิโอ ฟอนทานาโดยมีหลักการที่แสดงออกในแถลงการณ์ระหว่างปี 1947 ถึง 1954

ขบวนการนี้ผสมผสานองค์ประกอบของศิลปะรูปธรรม ดาดา และทาชิสม์ โดยผู้ที่ยึดมั่นในขบวนการนี้ปฏิเสธการวาดภาพบนขาตั้งแบบดั้งเดิม และยอมรับการพัฒนาทางเทคโนโลยีใหม่ๆ โดยพยายามที่จะผสานเวลาและการเคลื่อนไหวเข้าไปในผลงานของพวกเขา ภาพวาดของฟอนทานาที่ถูกกรีดและเจาะนั้นเป็นตัวอย่างที่แสดงให้เห็นถึงแนวคิดของเขาได้อย่างชัดเจน

ศิลปะ แบบ Arte Poveraเป็นขบวนการทางศิลปะที่เกิดขึ้นในอิตาลีในช่วงทศวรรษ 1960 โดยผสมผสานองค์ประกอบของศิลปะเชิงแนวคิด ศิลปะแบบมินิมัลลิสต์ และศิลปะการแสดง ขบวนการนี้ใช้ประโยชน์จากวัสดุในชีวิตประจำวัน ซึ่งมักเป็นวัสดุเหลือใช้ เช่น ดินและหนังสือพิมพ์ โดยมีเป้าหมายเพื่อต่อต้านการค้าเชิงพาณิชย์ของศิลปะ วลี "Arte Povera" เป็นภาษาอิตาลีและแปลตรงตัวว่า "ศิลปะที่ยากจน"

คำว่าTransavantgardeถูกบัญญัติโดยนักวิจารณ์ชาวอิตาลีAchille Bonito Olivaเขาให้คำจำกัดความของศิลปะ Transavantgarde ว่าเป็นศิลปะที่มีรูปแบบดั้งเดิม (ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรรมหรือประติมากรรม) ไม่เกี่ยวข้องกับการเมือง และเหนือสิ่งอื่นใดคือมีความหลากหลาย

ตามการแก้ไขเพิ่มเติมกฎหมายว่าด้วยทรัพย์สินทางวัฒนธรรมและภูมิทัศน์ ของอิตาลีในปี 2017 [ ^{20 ] [ 21 ]}งานศิลปะสามารถถูกกำหนดทางกฎหมายว่าเป็นงานที่มีคุณค่าต่อสาธารณะและวัฒนธรรมได้ หากสร้างเสร็จอย่างน้อย 70 ปีที่ผ่านมา ขีดจำกัดเดิมคือ 50 ปี เพื่ออำนวยความสะดวกในการส่งออกและการค้าระหว่างประเทศของงานศิลปะในฐานะ^{แหล่ง}เก็บรักษามูลค่าเจ้าของส่วนตัวและตัวแทนจำหน่ายของพวกเขาได้รับอนุญาตให้รับรองมูลค่าทางการค้าด้วยตนเองต่ำกว่า 13,500 ยูโร ทำให้พวกเขาสามารถขนส่งสินค้าข้ามพรมแดนของประเทศและเข้าสู่สหภาพยุโรปได้โดยไม่ต้องขออนุญาตจากหน่วยงานราชการสำหรับการทำธุรกรรมดังกล่าว^{[ 22 ] [ 23 ]}

ร่างกฎหมายนี้ผ่านและมีผลบังคับใช้เมื่อวันที่ 29 สิงหาคม พ.ศ. 2560 ^{[ 21 ]}ต้องได้รับอนุญาตจากสาธารณะสำหรับซากโบราณสถานใต้ดินหรือใต้น้ำ^{[ 20 ]}

• วรรณกรรมอิตาลี
• ประวัติศาสตร์ของอิตาลี
• วัฒนธรรมของอิตาลี

• ผลงานศิลปะจากศิลปินชาวอิตาลีชั้นนำ
• [2]ศิลปะอิตาลีkdfineart-italia.comเว็บ 5 ตุลาคม 2554
• [3] เก็บถาวรเมื่อวันที่ 15 มิถุนายน 2020 ที่Wayback Machineศิลปะชั้นสูงสไตล์อิตาลีและทัสคานitalianartstudio.comเว็บ 5 ตุลาคม 2011
• [4]บันทึกศิลปะอิตาลี