ศิลปะป๊อปเป็นขบวนการศิลปะที่เกิดขึ้นในสหราชอาณาจักรและสหรัฐอเมริกาในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ1950 ^{[ 1 ] [ 2 ]}ขบวนการนี้ท้าทายขนบธรรมเนียมของศิลปะชั้นสูงโดยการนำภาพจาก วัฒนธรรม ยอดนิยมและวัฒนธรรมมวลชน มาใช้ ซึ่งรวม ถึง โฆษณาการ์ตูนบรรจุภัณฑ์สินค้าคนดังและสินค้าอุปโภคบริโภคในชีวิตประจำวัน เข้าสู่การวาดภาพ ประติมากรรม และการพิมพ์ โดยการยกระดับสิ่งธรรมดา สิ่งที่ไร้รสนิยมและสิ่งที่ผลิตจำนวนมากให้มีสถานะเป็นศิลปะชั้นสูง ศิลปะป๊อปจึงทำให้ขอบเขตระหว่าง วัฒนธรรม ชั้นสูงและ วัฒนธรรม ชั้นต่ำ เลือนหายไป ^{[ 3 ]}นอกจากนี้ยังเกี่ยวข้องกับการที่ศิลปินใช้เครื่องมือเชิงกลในการผลิตซ้ำหรือเทคนิคการสร้างภาพ ในศิลปะป๊อป บางครั้งวัสดุจะถูกแยกออกจากบริบทที่รู้จัก แยกเดี่ยว หรือรวมเข้ากับวัสดุที่ไม่เกี่ยวข้อง^{[ 2 ] [ 3 ]}

ขบวนการนี้เริ่มต้นขึ้นในอังกฤษโดยศิลปินอย่างEduardo PaolozziและRichard Hamiltonซึ่งสำรวจภาพลักษณ์ของผู้บริโภคชาวอเมริกันและ วัฒนธรรมสื่อ หลังสงครามผ่านงานคอลลาจและงานจิตรกรรม ในสหรัฐอเมริกา ศิลปินอย่างLarry Rivers , Ray Johnson , Robert RauschenbergและJasper Johnsได้วางรากฐานที่สำคัญโดยการนำวัตถุในชีวิตประจำวันและสัญลักษณ์ทางการค้ามาใช้ในผลงานของพวกเขา ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 บุคคลสำคัญอย่างAndy Warhol , Roy LichtensteinและTom Wesselmannได้นำพาขบวนการนี้ให้เป็นที่รู้จักในระดับนานาชาติ

ศิลปะป๊อปมีความเกี่ยวข้องกับความเย้ยหยันความคลุมเครือ และความตระหนักรู้เชิงวิพากษ์ต่อวัฒนธรรมผู้บริโภค ในขณะที่ผลงานบางชิ้นดูเหมือนจะเฉลิมฉลองพื้นผิวที่มันวาวและความอุดมสมบูรณ์ของระบบทุนนิยมหลังสงคราม ผลงานอื่นๆ กลับตั้งคำถามถึงผลกระทบที่ทำให้ทุกอย่างเหมือนกันหมดจากการผลิตจำนวนมากและการอิ่มตัวของสื่อ ศิลปะป๊อปได้รับการมองอย่างกว้างขวางว่าเป็นทั้งปฏิกิริยาต่อต้านและส่วนขยายของ ศิลปะ นามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชัน นิสม์ โดย เปลี่ยนความสนใจไปที่ภาพในชีวิตประจำวันและการออกแบบเชิงพาณิชย์^{[ 4 ]}ด้วยการนำภาพที่พบเจอและสุนทรียศาสตร์เชิงพาณิชย์มาใช้ ศิลปะป๊อปจึงดึงเอาแบบอย่างจาก ศิลปะ ดาดา มา ใช้ ในขณะเดียวกันก็คาดการณ์ถึงพัฒนาการในศิลปะโพสต์โมเดิร์น ในภายหลัง ด้วยการทำลายขอบเขตระหว่างวัฒนธรรมชั้นสูงและวัฒนธรรมยอดนิยม ความเป็นต้นฉบับและการทำซ้ำ และศิลปะและสินค้า มันจึงปรับเปลี่ยนภาษาภาพของศิลปะร่วมสมัย^{[ 5 ]}

จุดเริ่มต้นของศิลปะป๊อปในอเมริกาเหนือพัฒนาแตกต่างจากในสหราชอาณาจักร^{[ 3 ]}ในสหรัฐอเมริกา ศิลปะป๊อปเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาของศิลปิน โดยเป็นการกลับมาสู่ การจัดองค์ประกอบ ที่คมชัดและศิลปะแบบเหมือนจริง ศิลปินใช้ความเป็นจริงที่ไม่เป็นส่วนตัว ธรรมดาการเสียดสีและการล้อเลียนเพื่อ "ลดทอน" สัญลักษณ์ส่วนตัวและ " ความหลวมของการวาด ภาพ " ของศิลปะนามธรรม^{[ 4 ] [ 6 ]}ในสหรัฐอเมริกา ผลงานบางชิ้นของLarry Rivers , Alex KatzและMan Rayคาดการณ์ถึงศิลปะป๊อป^{[ 7 ]}

ในทางตรงกันข้าม ต้นกำเนิดของศิลปะป๊อปใน บริเตน หลังสงครามแม้จะใช้การเสียดสีและการล้อเลียน แต่ก็มีลักษณะเชิงวิชาการมากกว่า ศิลปินชาวอังกฤษมุ่งเน้นไปที่ภาพลักษณ์ที่เคลื่อนไหวและขัดแย้งกันของวัฒนธรรมป๊อป อเมริกัน ในฐานะเครื่องมือเชิงสัญลักษณ์ที่มีพลังและบิดเบือน ซึ่งส่งผลกระทบต่อรูปแบบชีวิตทั้งหมด ในขณะเดียวกันก็ช่วยปรับปรุงความเจริญรุ่งเรืองของสังคม^{[ 6 ]}ศิลปะป๊อปยุคแรกในบริเตนเป็นเรื่องของแนวคิดที่ได้รับแรงบันดาลใจจากวัฒนธรรมป๊อปอเมริกันเมื่อมองจากระยะไกล [ ^{4 ] ใน}ทำนองเดียวกัน ศิลปะป๊อปเป็นทั้งส่วนขยายและการปฏิเสธลัทธิดาดา [ ^{4 ] แม้ว่า}ศิลปะป๊อปและลัทธิดาดาจะสำรวจหัวข้อเดียวกันบ้าง แต่ศิลปะป๊อปได้แทนที่แรงกระตุ้นที่ทำลายล้าง เสียดสี และอนาธิปไตยของขบวนการดาดาด้วยการยืนยันอย่างไม่ยึดติดของสิ่งประดิษฐ์ของวัฒนธรรมมวลชน^{[ 4 ]}ในบรรดาศิลปินในยุโรปที่ถูกมองว่าสร้างผลงานที่นำไปสู่ศิลปะป๊อป ได้แก่ปาโบล ปิกัสโซ มาร์เซลดูชองป์และเคิร์ต ชวิตเตอร์ส

แม้ว่าศิลปะป๊อปของอังกฤษและอเมริกาจะเริ่มต้นในช่วงทศวรรษ 1950 แต่Marcel Duchampและศิลปินคนอื่นๆ ในยุโรป เช่นFrancis PicabiaและMan Rayก็มีมาก่อนการเคลื่อนไหวนี้ นอกจากนี้ยังมี ต้นกำเนิดของศิลปะ ป๊อปแบบ อเมริกันในยุคแรกๆ ที่ใช้วัตถุทางวัฒนธรรมที่ "พบเจอ" ^{[ 4 ]}ในช่วงทศวรรษ 1920 ศิลปินชาวอเมริกันPatrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles DemuthและStuart Davisได้สร้างภาพวาดที่มีภาพวัฒนธรรมป๊อป (วัตถุธรรมดาที่คัดมาจากผลิตภัณฑ์เชิงพาณิชย์และการออกแบบโฆษณาของอเมริกา) ซึ่งเกือบจะ "เป็นต้นแบบ" ของการเคลื่อนไหวศิลปะป๊อป^{[ 8 ] [ 9 ]}

กลุ่มอิสระ (Independent Group หรือ IG) ซึ่งก่อตั้งขึ้นในลอนดอนในปี 1952 ถือเป็นผู้บุกเบิกของขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ต^{[ 2 ] [ 10 ]}พวกเขาเป็นกลุ่มของจิตรกร ประติมากร สถาปนิก นักเขียน และนักวิจารณ์รุ่นใหม่ที่ท้าทายแนวทางสมัยใหม่ที่แพร่หลายในด้านวัฒนธรรม ตลอดจนมุมมองแบบดั้งเดิมเกี่ยวกับวิจิตรศิลป์ การอภิปรายของกลุ่มมุ่งเน้นไปที่ผลกระทบของวัฒนธรรมป๊อปจากองค์ประกอบต่างๆ เช่น การโฆษณาขนาดใหญ่ ภาพยนตร์ การออกแบบผลิตภัณฑ์ การ์ตูน นิยายวิทยาศาสตร์ และเทคโนโลยี ในการประชุมกลุ่มอิสระครั้งแรกในปี 1952 เอดูอาร์โด ปาโอโลซซี ศิลปินและประติมากรผู้ร่วมก่อตั้ง ได้ นำเสนอการบรรยายโดยใช้ภาพตัดปะ ชุดหนึ่ง ชื่อBunk!ซึ่งเขารวบรวมไว้ระหว่างที่เขาอยู่ในปารีสระหว่างปี 1947 ถึง 1949 ^{[ 2 ] [ 10 ]}วัสดุ "วัตถุที่พบ" เหล่านี้ เช่น โฆษณา ตัวละครในหนังสือการ์ตูน ปกนิตยสาร และกราฟิกที่ผลิตจำนวนมากต่างๆ ส่วนใหญ่เป็นตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อปอเมริกันหนึ่งในภาพตัดปะในการนำเสนอนั้นคือผลงานI was a Rich Man's Plaything (1947) ของ Paolozzi ซึ่งรวมถึงการใช้คำว่า "pop" เป็นครั้งแรก โดยปรากฏในกลุ่มควันออกมาจากปืนพก^{[ 2 ] [ 11 ]}หลังจากการนำเสนอครั้งสำคัญของ Paolozzi ในปี 1952 IG มุ่งเน้นไปที่ภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมป๊อปอเมริกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการโฆษณามวลชน^{[ 6 ]}

ตามคำกล่าวของลูกชายของจอห์น แมคเฮลคำว่า "ป๊อปอาร์ต" ถูกบัญญัติขึ้นครั้งแรกโดยพ่อของเขาในปี 1954 ในการสนทนากับ^{แฟรงค์}คอร์เดลล์ [ ^{12 ]}แม้ว่าแหล่งข้อมูลอื่นจะระบุว่าต้นกำเนิดมาจากนักวิจารณ์ชาวอังกฤษลอว์เรนซ์ อัลโลเวย์ [ ^{13 ] [ 14 ] (}ทั้งสองเวอร์ชันเห็นพ้องกันว่าคำนี้ถูกใช้ใน การอภิปราย ของกลุ่มอิสระในช่วงกลางปี ​​1955)

คำว่า "ป๊อปอาร์ต" ถูกนำมาใช้ในการอภิปรายโดยสมาชิก IG ในการประชุมครั้งที่สองของ IG ในปี 1955 และคำว่า "ป๊อปอาร์ต" ปรากฏครั้งแรกในสิ่งพิมพ์ในบทความ "But Today We Collect Ads" โดยสมาชิก IG อลิสันและปีเตอร์ สมิธสันในนิตยสาร Ark ในปี 1956 ^{[ 15 ]}อย่างไรก็ตาม คำนี้มักถูกยกเครดิตให้กับนักวิจารณ์ศิลปะ / ภัณฑารักษ์ชาวอังกฤษลอว์เรนซ์ อัลโลเวย์สำหรับบทความของเขาในปี 1958 ที่ชื่อว่าThe Arts and the Mass Mediaแม้ว่าภาษาที่เขาใช้อย่างแม่นยำคือ "วัฒนธรรมมวลชนที่เป็นที่นิยม" ^{[ 16 ]} “ยิ่งไปกว่านั้น สิ่งที่ฉันหมายถึงในตอนนั้นไม่ใช่สิ่งที่หมายถึงในตอนนี้ ฉันใช้คำนี้ และคำว่า 'วัฒนธรรมป๊อป' เพื่ออ้างถึงผลิตภัณฑ์ของสื่อมวลชน ไม่ใช่งานศิลปะที่ดึงเอาวัฒนธรรมยอดนิยมมาใช้ ไม่ว่าในกรณีใดก็ตาม ในช่วงระหว่างฤดูหนาวปี 1954–55 และปี 1957 วลีนี้เริ่มเป็นที่นิยมในการสนทนา...” ^{[ 17 ]}ถึงกระนั้น อัลโลเวย์ก็เป็นหนึ่งในนักวิจารณ์ชั้นนำที่ปกป้องการรวมภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมมวลชนไว้ในวิจิตรศิลป์ อัลโลเวย์ได้ชี้แจงคำศัพท์เหล่านี้ในปี 1966 ซึ่งในเวลานั้น ศิลปะป๊อปได้เปลี่ยนผ่านจากโรงเรียนศิลปะและหอศิลป์ขนาดเล็กไปสู่พลังสำคัญในวงการศิลปะแล้ว แต่ความสำเร็จของมันไม่ได้เกิดขึ้นในอังกฤษ ในเวลาเดียวกันและโดยอิสระ นครนิวยอร์กได้กลายเป็นแหล่งรวมของศิลปะป๊อป^{[ 17 ]}

ในลอนดอน นิทรรศการประจำปีของสมาคมศิลปินอังกฤษ (RBA)ที่จัดแสดงผลงานของศิลปินรุ่นใหม่ในปี 1960 เป็นครั้งแรกที่แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของศิลปะป๊อปอเมริกัน ในเดือนมกราคม 1961 นิทรรศการ RBA- Young Contemporaries ที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้นำเสนอDavid Hockney , RB Kitaj ชาวอเมริกัน, Billy Appleชาวนิวซีแลนด์, Allen Jones , Derek Boshier , Joe Tilson , Patrick Caulfield , Peter Phillips , Pauline BotyและPeter Blakeสู่สายตาชาวโลก Apple ออกแบบโปสเตอร์และบัตรเชิญสำหรับนิทรรศการ Young Contemporaries ทั้งในปี 1961 และ 1962 ^{[ 18 ]} Hockney, Kitaj และ Blake ได้รับรางวัลจากนิทรรศการ John Moores ในลิเวอร์พูลในปีเดียวกัน Apple และ Hockney เดินทางไปนิวยอร์กด้วยกันในช่วงปิดเทอมฤดูร้อนของ Royal College ในปี 1961 ซึ่งเป็นช่วงที่ Apple ได้ติดต่อกับ Andy Warhol เป็นครั้งแรก ทั้งคู่ย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาในภายหลัง และ Apple ก็เข้าไปมีส่วนร่วมกับวงการศิลปะป๊อปในนิวยอร์ก^{[ 18 ]}

แม้ว่าศิลปะป๊อปจะเริ่มต้นในช่วงต้นทศวรรษ 1950 แต่ในอเมริกา ศิลปะป๊อปได้รับการผลักดันอย่างมากในช่วงทศวรรษ 1960 ในบทวิจารณ์นิทรรศการที่Wadsworth Atheneumในฮาร์ตฟอร์ด เมื่อเดือนสิงหาคม 1962 หนังสือพิมพ์ The New York Timesได้กล่าวถึงการเกิดขึ้นของสิ่งที่ในขณะนั้นเรียกว่า "ศิลปะป๊อป" หรือ "ศิลปะสิ่งแวดล้อม" ภายในงานร่วมสมัยของอเมริกาที่รวบรวมมาจากคอลเลกชันสำคัญๆ ในรัฐคอนเนตทิคัต^{[ 19 ] [ 20 ]}บทวิจารณ์เน้นภาพการ์ตูนของRoy Lichtenstein ภาพวาดที่ได้แรงบันดาลใจจากป้ายโฆษณาของ James Rosenquistและกระป๋องซุปCampbellซ้ำๆ ของAndy Warhol ^{[ 19 ]}บทวิจารณ์นี้กล่าวถึงพัฒนาการเหล่านี้ไม่ใช่เพียงแค่การยั่วยุชั่วคราว แต่เป็น "ก้าวสำคัญสู่ศิลปะที่ตรงประเด็นทางสังคม" ซึ่งบ่งชี้ถึงการยอมรับเชิงวิจารณ์ในยุคแรกๆ ของศิลปะป๊อปที่ท้าทายลัทธิ Abstract Expressionism และการยอมรับวัฒนธรรมมวลชน^{[ 19 ]}

คำว่า "ป๊อปอาร์ต" ได้รับการนำเสนออย่างเป็นทางการในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2505 ในโอกาส "การประชุมสัมมนาเกี่ยวกับป๊อปอาร์ต" ซึ่งจัดโดย พิพิธภัณฑ์ ศิลปะสมัยใหม่^{[ 21 ]}ในเวลานั้น การโฆษณาของอเมริกาได้นำเอาองค์ประกอบหลายอย่างของศิลปะสมัยใหม่มาใช้และทำงานในระดับที่ซับซ้อนมาก ดังนั้น ศิลปินชาวอเมริกันจึงต้องค้นหารูปแบบที่โดดเด่นยิ่งขึ้นเพื่อสร้างความแตกต่างระหว่างศิลปะกับวัสดุเชิงพาณิชย์ที่ออกแบบมาอย่างดีและชาญฉลาด^{[ 6 ]}เนื่องจากชาวอังกฤษมองภาพลักษณ์วัฒนธรรมยอดนิยมของอเมริกาจากมุมมองที่ค่อนข้างห่างไกล มุมมองของพวกเขาจึงมักเต็มไปด้วยความโรแมนติก ความรู้สึก และอารมณ์ขัน ในทางตรงกันข้าม ศิลปินชาวอเมริกันซึ่งถูกโจมตีด้วยภาพที่ผลิตจำนวนมากหลากหลายรูปแบบทุกวัน จึงสร้างผลงานที่โดยทั่วไปแล้วมีความกล้าหาญและก้าวร้าวมากกว่า^{[ 10 ]}

ตามที่ เฮ นรี เกลด์ซาห์เลอร์ นักประวัติศาสตร์ ภัณฑารักษ์ และนักวิจารณ์กล่าวไว้ว่า " ภาพตัดปะของ เรย์ จอห์นสัน เรื่อง เอลวิส เพรสลีย์ หมายเลข 1และเจมส์ ดีนเปรียบเสมือนพลีมัธ ร็อก แห่งขบวนการป๊อป" ^{[ 22 ]}ลูซี ลิปปาร์ดผู้เขียนกล่าวว่า "ภาพตัดปะของเอลวิส... และมาริลีน มอนโร... เป็นการประกาศถึงป๊อปแบบวอร์ฮอล" ^{[ 23 ]}จอห์นสันทำงานเป็นนักออกแบบกราฟิก และต่อมาเป็นที่รู้จักในฐานะบิดาแห่งศิลปะทางไปรษณีย์ในฐานะผู้ก่อตั้ง "โรงเรียนการติดต่อสื่อสารนิวยอร์ก" โดยทำงานขนาดเล็กด้วยการยัดภาพตัดปะและภาพวาดลงในซองจดหมาย แทนที่จะทำงานขนาดใหญ่เหมือนศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ^{[ 24 ]} หมายเหตุเกี่ยวกับภาพปกใน นิตยสาร Art Newsฉบับเดือนมกราคม พ.ศ. 2491 ชี้ให้เห็นว่า "[นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของแจสเปอร์] จอห์นส์... ทำให้เขาอยู่เคียงข้างเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงมากกว่า เช่น ราวเชนเบิร์ก ทวอมบลี คาพราว และเรย์ จอห์นสัน" ^{[ 25 ]}

อันที่จริง ศิลปินสำคัญอีกสองคนในการสร้างคำศัพท์ศิลปะป๊อปของอเมริกาคือจิตรกรJasper JohnsและRobert Rauschenberg [ ^{10 ] Rauschenberg}ได้รับอิทธิพลจากผลงานก่อนหน้าของKurt Schwittersและ ศิลปิน Dada คนอื่นๆ และความเชื่อของเขาที่ว่า "การวาดภาพมีความสัมพันธ์ทั้งกับศิลปะและชีวิต" ได้ท้าทายมุมมองสมัยใหม่ที่โดดเด่นในยุคของเขา^{[ 26 ]}การใช้วัตถุสำเร็จรูปที่ถูกทิ้งในงาน Combines ของเขา และภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมป๊อปในภาพวาดของเขาเชื่อมโยงผลงานของเขากับเหตุการณ์ปัจจุบันในชีวิตประจำวันของอเมริกา^{[ 10 ] [ 27 ] [ 28 ]}ภาพวาดในช่วงปี 1962–64 ผสมผสานฝีแปรงที่แสดงออกถึงอารมณ์เข้ากับการตัดแปะภาพจากนิตยสารLife , NewsweekและNational Geographicที่พิมพ์ด้วยระบบซิลค์สกรีนภาพวาดของ Johns เกี่ยวกับธง เป้าหมาย ตัวเลข และแผนที่ของสหรัฐอเมริกา รวมถึงภาพสามมิติของกระป๋องเบียร์ ดึงดูดความสนใจไปที่คำถามเกี่ยวกับการเป็นตัวแทนในงานศิลปะ^{[ 29 ]}ผลงานของ Johns และ Rauschenberg ในช่วงทศวรรษ 1950 มักถูกเรียกว่าNeo-Dadaและมีความแตกต่างทางภาพจากศิลปะป๊อปอเมริกันต้นแบบที่เฟื่องฟูในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ^{[ 30 ] [ 31 ]}

รอย ลิชเทนสไตน์มีความสำคัญเท่าเทียมกันต่อศิลปะป๊อปอาร์ตของอเมริกา ผลงานของเขาและการใช้การล้อเลียนอาจนิยามหลักการพื้นฐานของศิลปะป๊อปอาร์ตได้ดีกว่าสิ่งอื่นใด^{[ 10 ]}ลิชเทนสไตน์เลือกการ์ตูนช่องแบบเก่าเป็นหัวข้อหลัก สร้างองค์ประกอบที่คมชัดและแม่นยำ ซึ่งบันทึกและล้อเลียนไปพร้อมๆ กันอย่างนุ่มนวล ลิชเทนสไตน์ใช้สีน้ำมันและสีแม็กน่าในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา เช่นDrowning Girl (1963) ซึ่งดัดแปลงมาจากเรื่องหลักในSecret Hearts #83 ของDC Comics ^{[ 32 ]}ผลงานของเขามีเส้นขอบหนา สีสันสดใส และจุดเบน-เดย์เพื่อแสดงสีบางสี ราวกับสร้างขึ้นจากการทำสำเนาภาพถ่าย ลิชเทนสไตน์กล่าวว่า "[ศิลปินแนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์] วางสิ่งต่างๆ ลงบนผืนผ้าใบและตอบสนองต่อสิ่งที่พวกเขาทำ ต่อตำแหน่งและขนาดของสี สไตล์ของผมดูแตกต่างอย่างสิ้นเชิง แต่ธรรมชาติของการวางเส้นนั้นค่อนข้างเหมือนกัน เพียงแต่ของผมไม่ได้ออกมาดูเหมือนลายมือเขียนแบบพอลล็อกหรือไคลน์" ^{[ 33 ]}

แอนดี้ วอร์ฮอล ได้รับการขนานนามว่าเป็น "ผู้ริเริ่มศิลปะป๊อป" โดยThe Observerในปี 1964 และได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นบุคคลสำคัญของขบวนการนี้^{[ 34 ]}นักวิจารณ์ศิลปะอาร์เธอร์ แดนโตเคยเรียกเขาว่า "บุคคลที่ใกล้เคียงกับอัจฉริยะทางปรัชญามากที่สุดเท่าที่ประวัติศาสตร์ศิลปะเคยมีมา" ^{[ 21 ]}วอร์ฮอลผลักดันศิลปะป๊อปให้ก้าวข้ามรูปแบบภาพไปสู่ปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม โดยผสมผสานศิลปะ ชื่อเสียง และการค้าเข้าด้วยกันผ่าน สตู ดิโอ Factoryและตัวตนสาธารณะ ของเขา ^{[ 35 ]}วอร์ฮอลเป็นนักวาดภาพประกอบเชิงพาณิชย์ ที่ประสบความสำเร็จ โดยทำโฆษณา ปกหนังสือ และปกแผ่นเสียง ก่อนที่เขาจะเริ่มสร้างภาพวาดป๊อปอาร์ตและภาพยนตร์ใต้ดินในช่วงทศวรรษ 1960 ^{[ 36 ] [ 37 ]}ภาพพิมพ์ซิลค์สกรีนของเขาเกี่ยวกับบุคคลสำคัญ เช่นมาริลีน มอนโรและเอลวิส เพรสลีย์ได้เปลี่ยนภาพจากสื่อมวลชนให้กลายเป็นผลงานที่โดดเด่นและต่อเนื่อง ซึ่งสำรวจชื่อเสียงและวัฒนธรรมผู้บริโภค^{[ 38 ]}แม้แต่ฉลากบนด้านนอกของกล่องจัดส่งสินค้าปลีกก็กลายเป็นหัวข้อ ดังที่เห็นได้จากกล่องน้ำมะเขือเทศแคมป์เบลล์ ของเขา ซึ่งเน้นย้ำถึงการยอมรับภาพเชิงพาณิชย์ในชีวิตประจำวันของศิลปะป๊อป วอร์ฮอลมีอิทธิพลและเป็นที่ปรึกษาให้กับศิลปินป๊อปรุ่นใหม่ในช่วงทศวรรษ 1980 รวมถึงคีธ แฮริงและเคนนี ชาร์ฟ^{[ 39 ] [ 40 ]}

ศิลปะป๊อปอาร์ตถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ผ่านนิทรรศการและการนำเสนอผลงานในแกลเลอรี่ที่สำคัญหลายชุด ซึ่งถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญจากศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ในปี 1959 และ 1960 Claes Oldenburg , Jim DineและTom Wesselmannได้จัดแสดงผลงานในช่วงแรกๆ ที่ Judson Gallery ในนิวยอร์ก^{[ 41 ] [ 42 ]}ในช่วงเวลาเดียวกันMartha Jackson Galleryได้นำเสนอผลงานการประกอบและการติดตั้งเชิงทดลองในนิทรรศการ New Media – New Forms (1960) ซึ่งมีศิลปินเช่นHans Arp , Kurt Schwitters , Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Oldenburg และ Dine ^{[ 43 ]}ในปี 1961 Jackson ได้จัดนิทรรศการEnvironments, Situations, Spacesซึ่งเป็นการพัฒนาแนวทางการสร้างสรรค์งานศิลปะแบบดื่มด่ำและเน้นวัตถุ ซึ่งช่วยปูทางให้ศิลปะป๊อปอาร์ตยอมรับวัสดุในชีวิตประจำวันและภาพลักษณ์ของผู้บริโภค^{[ 41 ]}

ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2504 โอลเดนเบิร์กเปิดThe Storeบนฝั่งตะวันออกตอนล่าง ของแมนฮัตตัน ซึ่งเป็นการจัดแสดงประติมากรรมทำมือที่มีลักษณะคล้ายสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นเวลาหนึ่งเดือน^{[ 44 ]}เหตุการณ์ "Ray Gun Theater" ที่เกี่ยวข้องของเขาซึ่งเกี่ยวข้องกับศิลปินเช่นLucas Samaras , Tom Wesselmann, Carolee Schneemann , Öyvind FahlströmและRichard Artschwagerได้ท้าทายการแบ่งแยกแบบดั้งเดิมระหว่างศิลปะและชีวิตประจำวัน^{[ 44 ]}พัฒนาการเหล่านี้บ่งชี้ถึงการเคลื่อนตัวออกจากจริยธรรมแบบพิจารณาตนเองของการวาดภาพแอ็กชันไปสู่การมีส่วนร่วมกับวัฒนธรรมมวลชนที่มุ่งเน้นภายนอกมากขึ้น

ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2505 แอนดี้ วอร์ฮอลได้จัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกที่Ferus Gallery ของเออร์วิง บลัม ในลอสแอนเจลิส โดยจัดแสดงกระป๋อง ซุปแคมป์เบลล์ 32 กระป๋อง^{[ 45 ]}ในเดือนเดียวกันนั้น นิทรรศการAmerican Painting and Sculpture from Connecticut Collectionsที่ Wadsworth Atheneum ในฮาร์ตฟอร์ด ได้รวมผลงานของศิลปินป๊อปอาร์ต เช่น วอร์ฮอล และโอลเดนเบิร์ก^{[ 46 ] [ 20 ]}ไม่กี่เดือนต่อ มา วอล เตอร์ ฮอปส์ได้จัดนิทรรศการ New Painting of Common Objectsที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะพาซาดีนาซึ่งได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ครั้งแรกที่อุทิศให้กับศิลปะป๊อปอาร์ตของอเมริกา โดยมีผลงานของรอย ลิชเทนสไตน์วอร์ฮอล จิม ไดน์ เวย์น เธียโบด์เอ็ด รูชาและคนอื่นๆ^{[ 47 ]}นอกจากนี้ ในปี พ.ศ. 2505 Sidney Janis Galleryในนิวยอร์ก ได้จัดนิทรรศการInternational Exhibition of the New Realistsซึ่งเป็นนิทรรศการสำคัญที่รวบรวมศิลปินป๊อปอาร์ตชาวอเมริกันเข้ากับศิลปินแนวสัจนิยมใหม่ชาว ยุโรป ^{[ 48 ]}การแสดงดังกล่าวได้ยืนยันถึงความรุ่งเรืองของศิลปะป๊อปอาร์ต แม้กระทั่งกระตุ้นให้ศิลปินแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์หลายคน รวมถึงมาร์ค รอธโกและโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ออกจากแกลเลอรี่^{[ 49 ]}

ภายในปี 1963 สถาบันสำคัญๆ ในนิวยอร์กได้ยอมรับการเคลื่อนไหวนี้พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์นำเสนอSix Painters and the Objectซึ่งดูแลโดยLawrence Allowayโดยมีผลงานของ Dine, Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, Rosenquist และ Warhol ^{[ 50 ]} แกล เลอรี่เชิงพาณิชย์ต่างๆ นำเสนอศิลปินป๊อปอาร์ตมากขึ้นเรื่อยๆ เช่นGreen Galleryนำเสนอ Rosenquist, George Segal , Oldenburg และ Wesselmann; Leo Castelliนำเสนอ Rauschenberg, Johns และ Lichtenstein; และ Ferus Gallery ยังคงส่งเสริม Warhol และ Ruscha ในฝั่งตะวันตก^{[ 51 ] [ 52 ] [ 53 ]}

ในปี พ.ศ. 2507 หอศิลป์ Bianchini ได้จัดแสดง นิทรรศการ The American Supermarketโดยเปลี่ยนพื้นที่จัดแสดงให้กลายเป็นร้านขายของชำที่ใช้งานได้จริง ซึ่งเต็มไปด้วยสินค้าอุปโภคบริโภคที่สร้างสรรค์โดยศิลปินอย่าง Warhol, Lichtenstein, Oldenburg, Wesselmann และคนอื่นๆ ซึ่งเป็นการสาธิตที่ดื่มด่ำของการผสมผสานระหว่างศิลปะและการค้าของป๊อปอาร์ต^{[ 54 ]}ในช่วงกลางทศวรรษ พ.ศ. 2503 ศิลปินป๊อปอาร์ตได้รับการสนับสนุนทางการค้าและสถาบันอย่างต่อเนื่อง และในปี พ.ศ. 2511 นิทรรศการEnvironment USA: 1957–1967 ที่เซาเปาโลได้นำเสนอการสำรวจที่ครอบคลุมของบุคคลสำคัญของขบวนการนี้ ซึ่งบ่งชี้ถึงการรวมตัวกันเป็นพลังที่โดดเด่นในศิลปะร่วมสมัย^{[ 55 ]}

Nouveau réalismeหมายถึงขบวนการศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในปี 1960 โดยนักวิจารณ์ศิลปะ Pierre Restany ^{[ 56 ]}และศิลปิน Yves Kleinระหว่างนิทรรศการกลุ่มครั้งแรกที่หอศิลป์ Apollinaire ในมิลาน Pierre Restany เขียนแถลงการณ์ฉบับดั้งเดิมของกลุ่ม ซึ่งมีชื่อว่า "ปฏิญญาการก่อตั้งของลัทธิสัจนิยมใหม่" ในเดือนเมษายน 1960 โดยประกาศว่า "Nouveau Réalisme—วิธีการใหม่ในการรับรู้ความจริง" ^{[ 57 ]}ปฏิญญาร่วมนี้ลงนามเมื่อวันที่ 27 ตุลาคม 1960 ในเวิร์คช็อปของ Yves Klein โดยบุคคลเก้าคน ได้แก่ Yves Klein, Arman , Martial Raysse , Pierre Restany, Daniel Spoerri , Jean Tinguelyและ Ultra-Lettrists , Francois Dufrêne , Raymond Hains , Jacques de la Villeglé ; ในปี พ.ศ. 2504เซซาร์มิมโม โรเทลลาจากนั้นนิกิ เดอ แซงต์ ฟาลล์และเจอราร์ด เดส์ชองส์ ก็เข้าร่วมด้วย ศิลปินคริสโตได้แสดงผลงานร่วมกับกลุ่มนี้ กลุ่มนี้ถูกยุบในปี พ.ศ. 2513 ^{[ 57 ]}

ลัทธิสัจนิยมใหม่ ซึ่งร่วมสมัยกับศิลปะป๊อปของอเมริกา—มักถูกมองว่าเป็นการถ่ายทอดในฝรั่งเศส—เป็นหนึ่งในแนวโน้มมากมายของศิลปะแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1960 ร่วมกับกลุ่ม ฟลักซัส และกลุ่มอื่นๆ กลุ่มนี้เลือก เมืองนีซบนริเวียราฝรั่งเศส เป็นฐานที่มั่นในตอนแรก เนื่องจากไคลน์และอาร์มันต่างก็มีถิ่นกำเนิดที่นั่น ดังนั้น นักประวัติศาสตร์จึงมักพิจารณาลัทธิสัจนิยมใหม่ย้อนหลังว่าเป็นตัวแทนยุคแรกๆ ของขบวนการโรงเรียนนีซ^{[ 58 ]}แม้ว่าภาษาทางศิลปะของพวกเขาจะมีความหลากหลาย แต่พวกเขาก็มองเห็นพื้นฐานร่วมกันสำหรับงานของพวกเขา นั่นคือวิธีการนำความเป็นจริงมาใช้โดยตรง ซึ่งเทียบเท่ากับ "การนำความเป็นจริงในเมือง อุตสาหกรรม และการโฆษณามาใช้ใหม่ในเชิงกวี" ตามที่เรสตานีใช้^{[ 59 ]}

ในสเปน การศึกษาศิลปะป๊อปอาร์ตนั้นเกี่ยวข้องกับ "ศิลปะรูปทรงใหม่" ซึ่งเกิดขึ้นจากรากฐานของวิกฤตการณ์ศิลปะแบบไม่เป็นทางการอาจ กล่าวได้ว่า เอดูอาร์โด อาร์โรโยเข้ากับกระแสศิลปะป๊อปอาร์ตได้ เนื่องจากความสนใจในสิ่งแวดล้อม การวิพากษ์วิจารณ์วัฒนธรรมสื่อของเราซึ่งรวมเอาสัญลักษณ์ของ การ สื่อสารมวลชนและประวัติศาสตร์การวาดภาพ และการดูหมิ่นรูปแบบศิลปะที่ได้รับการยอมรับเกือบทั้งหมด อย่างไรก็ตาม ศิลปินชาวสเปนที่อาจถือได้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของ "ศิลปะป๊อป" อย่างแท้จริงที่สุดคือ อัลเฟรโด อัลกาอิน เนื่องจากการใช้ภาพที่เป็นที่นิยมและพื้นที่ว่างในองค์ประกอบภาพของเขา

นอกจากนี้ ในหมวดหมู่ของศิลปะป๊อปสเปน ยังมี "ทีมบันทึกเหตุการณ์" ( El Equipo Crónica ) ซึ่งมีอยู่ในเมืองวาเลนเซียระหว่างปี 1964 ถึง 1981 ก่อตั้งโดยศิลปินมาโนโล วัลเดสและ ราฟาเอล โซลเบส ขบวนการของพวกเขาสามารถจัดอยู่ในประเภท "ป๊อป" ได้ เนื่องจากมีการใช้ภาพการ์ตูนและภาพโฆษณา รวมถึงการลดทอนภาพและองค์ประกอบภาพถ่ายให้เรียบง่ายผู้กำกับภาพยนตร์เปโดร อัลโมโดวาร์ถือกำเนิดขึ้นจากวัฒนธรรมย่อย "ลา โมวิดา" ของมาดริดในยุค 1970 โดยสร้างภาพยนตร์ป๊อปอาร์ตต้นทุนต่ำ ด้วยกล้อง ซูเปอร์ 8และต่อมาเขาถูกสื่อขนานนามว่าเป็น แอนดี้ วอร์ฮอล แห่งสเปน ในหนังสือAlmodovar on Almodovarมีการอ้างคำพูดของเขาว่า ภาพยนตร์เรื่อง "Funny Face" ในยุค 1950 เป็นแรงบันดาลใจสำคัญในผลงานของเขา เอกลักษณ์อย่างหนึ่งของภาพยนตร์ป๊อปของอัลโมโดวาร์คือ เขาจะสร้างโฆษณาปลอมแทรกเข้าไปในฉากเสมอ

ในนิวซีแลนด์ ศิลปะป๊อปเฟื่องฟูอย่างมากตั้งแต่ทศวรรษ 1990 และมักเชื่อมโยงกับKiwiana Kiwiana คือการนำเสนอภาพลักษณ์แบบอุดมคติของ สัญลักษณ์ Kiwi แบบดั้งเดิม เช่นพายเนื้อกีวีรถแทรกเตอร์รองเท้าแตะ ซูเปอร์มาร์เก็ตFour Square โดย มักพลิกผัน ความเป็นแคมป์ของสิ่งเหล่านี้เพื่อสื่อความหมายทางวัฒนธรรม^{[ 60 ]} Dick Frizzellเป็นศิลปินป๊อปชาวนิวซีแลนด์ที่มีชื่อเสียง ซึ่งเป็นที่รู้จักจากการใช้สัญลักษณ์ Kiwiana แบบเก่าในรูปแบบที่ล้อเลียนวัฒนธรรมสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่น Frizzell ชอบเลียนแบบผลงานของศิลปินต่างชาติ โดยให้ผลงานเหล่านั้นมีมุมมองหรืออิทธิพลแบบนิวซีแลนด์ที่เป็นเอกลักษณ์ เพื่อแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลที่นิวซีแลนด์มีต่อโลกในอดีตศิลปะแบบไร้เดียงสาจึงเชื่อมโยงกับศิลปะป๊อปของ Aotearoan ในลักษณะนี้^{[ 61 ]}

สิ่งนี้สามารถทำได้ในลักษณะที่หยาบคายและไร้อารมณ์ เช่นเดียวกับผลงานที่มีชื่อเสียงของMichel Tuffery เรื่อง Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) Tufferyซึ่ง มีเชื้อสาย ซามัวได้สร้างผลงานชิ้นนี้ซึ่งเป็นตัวแทนของวัวกระทิงจากกระป๋องอาหารแปรรูปที่เรียกว่าpisupoมันเป็นงานศิลปะป๊อปตะวันตกที่ไม่ธรรมดา เพราะ Tuffery ได้รวมเอาธีมของลัทธิล่าอาณานิคมใหม่และการเหยียดเชื้อชาติที่มีต่อวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ตะวันตก (ซึ่งแสดงให้เห็นได้จากกระป๋องอาหารที่ใช้ทำผลงาน ซึ่งเป็นตัวแทนของการพึ่งพาทางเศรษฐกิจที่ชาวซามัว ได้รับ จากตะวันตก) มุมมองของชนพื้นเมืองที่ไม่อาจปฏิเสธได้ทำให้ผลงานชิ้นนี้โดดเด่นจากงานศิลปะป๊อปทั่วไปที่ไม่ใช่ของชนพื้นเมือง^{[ 62 ] [ 63 ]}ศิลปินป๊อปชาวนิวซีแลนด์คนอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อที่คล้ายกัน ได้แก่ศิลปินชาวเมารีMichael ParekōwhaiและReuben Paterson

บิลลี่ แอปเปิลเป็นหนึ่งในศิลปินป๊อปอาร์ตยุคแรกๆ และมีชื่อเสียงของนิวซีแลนด์และเป็นหนึ่งในสมาชิกที่ไม่ใช่ชาวอังกฤษเพียงไม่กี่คนของราชสมาคมศิลปินอังกฤษ (Royal Society of British Artists ) ผลงานของเขาได้รับการนำเสนอร่วมกับศิลปินชื่อดังอย่างเดวิด ฮอกนีย์ , อาร์บี คิตาจ ศิลปินชาวอเมริกัน และปีเตอร์ เบลค ในนิทรรศการ Young Contemporariesของ RBA ในเดือนมกราคม ปี 1961 แอปเปิลกลายเป็นศิลปินระดับนานาชาติผู้โด่งดังในยุค 1960 อย่างรวดเร็ว นี่เป็นช่วงก่อนที่เขาจะใช้ชื่อเล่นว่า "บิลลี่ แอปเปิล" และผลงานของเขาถูกจัดแสดงภายใต้ชื่อเกิดของเขาคือ แบร์รี เบตส์ เขาพยายามสร้างความโดดเด่นให้กับตัวเองทั้งในด้านรูปลักษณ์และชื่อ ดังนั้นเขาจึงฟอกสีผมและคิ้วด้วยผลิตภัณฑ์ Lady Clairol Instant Creme Whip ต่อมา แอปเปิลได้มีส่วนเกี่ยวข้องกับขบวนการศิลปะเชิงแนวคิด (Conceptual Art ) ในยุค 1970 ^{[ 64 ]}

ในญี่ปุ่น ศิลปะป๊อปพัฒนามาจากวงการ ศิลปะแนวหน้าที่โดดเด่นของประเทศการใช้ภาพของโลกสมัยใหม่ที่คัดลอกมาจากนิตยสารในภาพวาดสไตล์โฟโตมอนเทจที่ฮารุเอะ โคกะ สร้างขึ้น ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 และต้นทศวรรษ 1930 เป็นการปูทางให้กับองค์ประกอบของศิลปะป๊อป^{[ 65 ]}ขบวนการกูไตของญี่ปุ่นนำไปสู่นิทรรศการกูไตในปี 1958 ที่แกลเลอรี่ของมาร์ธา แจ็กสันในนิวยอร์ก ซึ่งจัดขึ้นก่อนนิทรรศการ New Forms New Media อันโด่งดังของเธอสองปี ซึ่งทำให้ศิลปะป๊อปเป็นที่รู้จัก^{[ 66 ]}ผลงานของยาโยอิ คุซามะมีส่วนช่วยในการพัฒนาศิลปะป๊อปและมีอิทธิพลต่อศิลปินคนอื่นๆ อีกมากมาย รวมถึงแอนดี้ วอร์ฮอล^{[ 67 ] [ 68 ]}ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 นักออกแบบกราฟิกทาดาโนริ โยโกโอ กลายเป็นหนึ่งในศิลปินป๊อปที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดและเป็นสัญลักษณ์ระดับนานาชาติของศิลปะป๊อปญี่ปุ่น เขาเป็นที่รู้จักกันดีในด้านโฆษณาและการสร้างสรรค์งานศิลปะให้กับบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมป๊อป เช่น งานที่ได้รับมอบหมายจากThe Beatles , Marilyn MonroeและElizabeth Taylorเป็นต้น^{[ 69 ]}ศิลปินป๊อปชั้นนำอีกคนในเวลานั้นคือKeiichi Tanaamiตัวละครที่เป็นสัญลักษณ์จากมังงะและอนิเมะ ของญี่ปุ่น ก็กลายเป็นสัญลักษณ์ของศิลปะป๊อปเช่นกัน เช่นSpeed ​​RacerและAstro Boyมังงะและอนิเมะของญี่ปุ่นยังมีอิทธิพลต่อศิลปินป๊อปรุ่นหลัง เช่นTakashi Murakamiและขบวนการ superflat ของเขา

ในอิตาลี ภายในปี 1964 ศิลปะป๊อปเป็นที่รู้จักและอยู่ในรูปแบบที่แตกต่างกัน เช่น "Scuola di Piazza del Popolo" ในโรม โดยมีศิลปินป๊อปเช่นMario Schifano , Franco Angeli , Giosetta Fioroni , Tano Festa , Claudio Cintoliและงานศิลปะบางชิ้นของPiero Manzoni , Lucio Del Pezzo , Mimmo RotellaและValerio Adami

ศิลปะป๊อปของอิตาลีถือกำเนิดขึ้นในวัฒนธรรมยุค 1950 โดย เฉพาะอย่างยิ่งผลงานของศิลปินอย่างEnrico BajและMimmo Rotella ซึ่งได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้บุกเบิกวงการนี้ อันที่จริงแล้ว ในช่วงปี 1958-1959 Baj และ Rotella ได้ละทิ้งอาชีพเดิมของพวกเขา (ซึ่งอาจนิยามได้ว่าเป็น ศิลปะนามธรรมแม้ว่าจะมีความเป็นศิลปะหลังยุคดาดาอย่างแท้จริง) เพื่อก้าวเข้าสู่โลกแห่งภาพและภาพสะท้อนที่เกิดขึ้นรอบตัวพวกเขา โปสเตอร์ฉีกขาดของ Rotella แสดงให้เห็นถึงรสนิยมเชิงรูปธรรมมากขึ้น โดยมักอ้างอิงถึงบุคคลสำคัญในยุคนั้นอย่างชัดเจนและจงใจ ส่วนผลงานของ Baj นั้นเต็มไปด้วยศิลปะคิทช์ ร่วมสมัย ซึ่งกลายเป็น "ขุมทรัพย์" แห่งภาพและเป็นแรงกระตุ้นสำหรับศิลปินรุ่นต่อมา

ความแปลกใหม่เกิดขึ้นจากทัศนียภาพใหม่ ทั้งภายใน "กำแพงบ้าน" และภายนอก รถยนต์ ป้ายจราจร โทรทัศน์ ทุกสิ่งทุกอย่างใน "โลกใหม่" สามารถเป็นส่วนหนึ่งของโลกแห่งศิลปะ ซึ่งตัวศิลปะเองก็เป็นสิ่งใหม่ ในแง่นี้ ศิลปะป๊อปของอิตาลีจึงดำเนินตามแนวทางอุดมการณ์เดียวกับวงการศิลปะสากล สิ่งเดียวที่เปลี่ยนแปลงคือสัญลักษณ์ และในบางกรณี การมีทัศนคติที่วิพากษ์วิจารณ์มากขึ้น แม้ในกรณีนี้ ต้นแบบก็สามารถสืบย้อนไปถึงผลงานของโรเทลลาและบาจ ซึ่งทั้งคู่ไม่ได้มีความเป็นกลางในความสัมพันธ์กับสังคม แต่สิ่งนี้ก็ไม่ใช่องค์ประกอบเดียวเท่านั้น มีศิลปินมากมายหลายรุ่น รวมถึงGianni Ruffi , Roberto Barni , Silvio Pasotti , Umberto BignardiและClaudio Cintoliที่มองความเป็นจริงเป็นของเล่น เป็นแหล่งภาพขนาดใหญ่ที่สามารถนำมาสร้างสรรค์ผลงานด้วยความผิดหวังและความสนุกสนาน โดยตั้งคำถามถึงแบบแผนทางภาษาแบบดั้งเดิมด้วยจิตวิญญาณแห่ง "ขอให้ฉันได้สนุก" ในแบบของAldo Palazzeschi [ ^{70 ] ศิลปะ} ป๊อปไม่เคยหายไปจากวงการศิลปะของอิตาลีอย่างสิ้นเชิง โดยมีการเปลี่ยนแปลงรูปแบบและเนื้อหาอยู่ตลอดเวลา^{[ 71 ]}ตัวอย่างเช่น ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ศิลปินชาวซิซิลีArrigo Mustiได้สร้าง Impopular Art ขึ้นมา เมื่อไม่นานมานี้ กระแสที่เรียกว่าPop Symbolismซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยศิลปะดิจิทัลได้เริ่มแพร่หลาย โดยเฉพาะในภาค เหนือ

ในเบลเยียมศิลปะป๊อปอาร์ตได้รับการแสดงออกในระดับหนึ่งโดยพอล แวน โฮยดองค์ ซึ่งประติมากรรม " นักบินอวกาศตกสวรรค์" ของเขา ถูกทิ้งไว้บนดวงจันทร์ระหว่างภารกิจอะพอลโลครั้งหนึ่งรวมถึงศิลปินป๊อปอาร์ตที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ด้วย ศิลปินที่ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติ เช่นMarcel Broodthaers ( “vous êtes doll?” ), Evelyne AxellและPanamarenkoต่างก็ได้รับอิทธิพลจากขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ต โดย Broodthaers ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากGeorge Segalศิลปินที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งคือRoger Raveelได้นำกรงนกที่มีนกพิราบตัวเป็นๆ มาใส่ไว้ในภาพวาดของเขา ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 การอ้างอิงถึงศิลปะป๊อปอาร์ตได้หายไปจากผลงานของศิลปินเหล่านี้บางส่วน เมื่อพวกเขาเริ่มมีทัศนคติที่วิพากษ์วิจารณ์อเมริกามากขึ้นเนื่องจากสงครามเวียดนามที่โหดร้ายมากขึ้นเรื่อยๆ อย่างไรก็ตาม Panamarenko ยังคงรักษาความเสียดสีที่มีอยู่ในขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ตไว้จนถึงปัจจุบันEvelyne AxellจากNamurเป็นศิลปินป๊อปอาร์ตที่มีผลงานมากมายในช่วงปี 1964–1972 Axellเป็นหนึ่งในศิลปินป๊อปอาร์ตหญิงคนแรกๆ ได้รับการชี้แนะจากMagritteและภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเธอคือIce Cream ^{[ 72 ]}

แม้ว่าจะไม่มีขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ตอย่างเป็นทางการในเนเธอร์แลนด์แต่ก็มีกลุ่มศิลปินที่ใช้เวลาอยู่ในนิวยอร์กในช่วงปีแรก ๆ ของศิลปะป๊อปอาร์ต และได้รับแรงบันดาลใจจากขบวนการศิลปะป๊อปอาร์ตระดับนานาชาติ ตัวแทนของศิลปะป๊อปอาร์ตชาวดัตช์ ได้แก่Daan van Golden , Gustave Asselbergs , Jacques Frenken , Jan Cremer , Wim T. SchippersและWoody van Amenพวกเขาต่อต้าน ความคิดแบบ ชนชั้นกลางระดับล่าง ของชาวดัตช์ โดยการสร้างผลงานที่ตลกขบขันแต่แฝงไปด้วยความจริงจัง ตัวอย่างของผลงานประเภทนี้ ได้แก่Sex O'Clockโดย Woody van Amen และCrucifix / Targetโดย Jacques Frenken ^{[ 73 ]}

รัสเซียเข้าร่วมขบวนการนี้ช้ากว่า โดยผลงานแนวป๊อปอาร์ตเริ่มปรากฏขึ้นในช่วงทศวรรษ 1970 ซึ่งน่าจะเป็นผลมาจากสภาพแวดล้อมทางการเมืองหลังสงครามของรัสเซียที่ควบคุมการแสดงออกทางศิลปะอย่างใกล้ชิด ป๊อปอาร์ตในแบบฉบับของรัสเซียมี ธีมแบบ โซเวียตและถูกเรียกว่าSots Artเมื่อเทียบกับป๊อปอาร์ตตะวันตกแล้ว มันทำหน้าที่เป็นปฏิกิริยาต่อต้านวัฒนธรรมกระแสหลักต่อขบวนการศิลปะที่รัฐอนุมัติ หลังจากกำแพงเบอร์ลินพังทลาย ป๊อปอาร์ตของรัสเซียก็เปลี่ยนไปอีกรูปแบบหนึ่ง ซึ่งเห็นได้ชัดจากผลงานของ^Dmitri VrubelและภาพวาดMy God, Help Me to Survive This Deadly Love [ ^{74 ]}

• บล็อก, มาร์ค. เดอะ บรู๊คลิน เรล. "กูไต: 1953 –1959" , มิถุนายน 2018.
• ดิกกอรี่, เทเรนซ์ (2013) สารานุกรมกวีสำนักนิวยอร์ก (Facts on File Library of American Literature) ISBN 978-1-4381-4066-7
• ฟรานซิส, มาร์ค และ ฟอสเตอร์, ฮาล (2010) ป๊อปลอนดอนและนิวยอร์ก: ไพดอน
• Haskell, Barbara (1984) BLAM! การระเบิดของป๊อป มินิมัลลิสม์ และศิลปะการแสดง 1958–1964นิวยอร์ก: WW Norton & Company, Inc. ร่วมกับพิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์
• ลิฟชิตซ์, มิคาอิล, วิกฤตแห่งความน่าเกลียด: จากคิวบิสม์สู่ป๊อปอาร์ตแปลและเขียนคำนำโดย เดวิด ริฟฟ์ ไลเดน: BRILL, 2018 (ตีพิมพ์ครั้งแรกในภาษารัสเซียโดย Iskusstvo, 1968)
• Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, with contributions by Lawrence Alloway, Nancy Marmer, Nicolas Calas , Frederick A. Praeger, New York.
• เซลซ์, ปีเตอร์ (ผู้ดำเนินรายการ); แอชตัน, ดอร์ ; เกลด์ซาห์เลอร์, เฮนรี ; เครเมอร์, ฮิลตัน ; คูนิตซ์, สแตนลีย์และสไตน์เบิร์ก, ลีโอ (เมษายน 1963) "การสัมมนาเรื่องป๊อปอาร์ต" นิตยสารศิลปะหน้า 36–45 บันทึกการสัมมนาที่จัดขึ้น ณพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เมื่อวันที่ 13 ธันวาคม 1962

วิกิมีเดียคอมมอนส์มีสื่อที่เกี่ยวข้องกับศิลปะป๊อปอาร์ต

Wikiquote มีคำคมที่เกี่ยวข้องกับศิลปะป๊อปอาร์ต

• ศิลปะป๊อป: ประวัติโดยย่อ , MoMA Learning
• ศิลปะป๊อปในศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัย , พิพิธภัณฑ์เมโทรโพลิแทน
• นิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์บรู๊คลิน: การบิดเบือนที่เย้ายวน: ศิลปินหญิงแนวป๊อปอาร์ต ปี 1958–1968 ตุลาคม 2010 - มกราคม 2011
• พิพิธภัณฑ์บรู๊คลิน, วิกิ/ป๊อป (ศิลปินป๊อปหญิง)
• คำศัพท์ในพจนานุกรมของพิพิธภัณฑ์เทตสำหรับศิลปะป๊อปอาร์ต