ศิลปะนามธรรมใช้ภาษาภาพของรูปทรง สี และเส้นเพื่อสร้างองค์ประกอบที่อาจมีอยู่โดยมีความเป็นอิสระจากการอ้างอิงภาพในโลก^{[ 1 ]} ศิลปะนามธรรมศิลปะที่ไม่เป็นรูปธรรมศิลปะที่ไม่เป็นวัตถุและศิลปะที่ไม่เป็นตัวแทนล้วนเป็นคำที่เกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด มีความหมายคล้ายกัน แต่อาจไม่เหมือนกันเสียทีเดียว

ศิลปะตะวันตกตั้งแต่ยุคเรเนสซองส์จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 ได้รับการสนับสนุนจากตรรกะของทัศนียภาพและความพยายามที่จะสร้างภาพลวงตาของความเป็นจริงที่มองเห็นได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ศิลปินหลายคนรู้สึกถึงความจำเป็นในการสร้างศิลปะรูปแบบใหม่ที่จะครอบคลุมการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานที่เกิดขึ้นในด้านเทคโนโลยีวิทยาศาสตร์และปรัชญา แหล่งที่มาที่ศิลปินแต่ละคนดึงเอาข้อโต้แย้งเชิง ทฤษฎีของพวกเขามานั้นมีความหลากหลายและสะท้อนให้เห็นถึงความกังวลทางสังคมและทางปัญญาในทุกด้านของวัฒนธรรมตะวันตกในเวลานั้น^{[ 2 ]}

นามธรรมหมายถึงการเบี่ยงเบนจากความเป็นจริงในการแสดงภาพในงานศิลปะ การเบี่ยงเบนจากการแสดงภาพที่ถูกต้องแม่นยำนี้อาจเป็นเพียงเล็กน้อย บางส่วน หรือทั้งหมด นามธรรมมีอยู่บนเส้นต่อเนื่อง งานศิลปะที่ใช้เสรีภาพ เช่น การเปลี่ยนแปลงสีหรือรูปทรงในลักษณะที่เห็นได้ชัด อาจกล่าวได้ว่าเป็นนามธรรมบางส่วน นามธรรมโดยสมบูรณ์นั้นไม่มีร่องรอยของการอ้างอิงถึงสิ่งใดที่สามารถจดจำได้ ตัวอย่างเช่น ในนามธรรมเชิงเรขาคณิตเราไม่น่าจะพบการอ้างอิงถึงสิ่งต่างๆ ในธรรมชาติศิลปะเชิงรูปธรรมและนามธรรมโดยสมบูรณ์นั้นแทบจะแยกออกจากกันโดยสิ้นเชิงแต่ศิลปะเชิงรูปธรรมและ ศิลปะ เชิงแสดงภาพ (หรือ ศิลปะ เหมือนจริง ) มักจะมีนามธรรมบางส่วนอยู่ด้วย

ทั้งนามธรรมเชิงเรขาคณิตและนามธรรมเชิงบทกวีมักจะเป็นนามธรรมโดยสมบูรณ์ ในบรรดาขบวนการศิลปะ จำนวนมาก ที่ประกอบด้วยนามธรรมบางส่วน เช่นลัทธิฟอวิสม์ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงสีอย่างเห็นได้ชัดและจงใจเมื่อเทียบกับความเป็นจริง และลัทธิคิวบิสม์ซึ่งเปลี่ยนแปลงรูปทรงของสิ่งต่างๆ ในชีวิตจริงที่แสดง^{[ 3 ] [ 4 ]}

ในยุโรปศตวรรษที่ 19 การอุปถัมภ์จากศาสนจักรลดลง และการอุปถัมภ์ส่วนตัวจากสาธารณชนสามารถช่วยให้ศิลปินดำรงชีพได้มากขึ้น^{[ 7 ] [ 8 ]}ขบวนการศิลปะสาม ขบวนการ ที่ส่งเสริมการพัฒนาศิลปะนามธรรม ได้แก่โรแมน ติซิสซึม อิม เพรสชันนิสซึมและเอ็กซ์เพรสชันนิสซึมความเป็นอิสระทางศิลปะของศิลปินได้รับการพัฒนาในช่วงศตวรรษที่ 19 ความสนใจอย่างเป็นกลางในสิ่งที่มองเห็นสามารถสังเกตได้จากภาพวาดของจอห์น คอนสเตเบิลเจ เอ็มดับ บลิว เทอร์เนอร์ คามิลล์ โคโรต์และจากพวกเขาไปยังกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ที่ยังคง วาดภาพ กลางแจ้งแบบเดิมของโรงเรียนบาร์บิซงสัญญาณแรกของศิลปะรูปแบบใหม่เกิดขึ้นโดยเจมส์ แมคนีล วิสเลอร์ซึ่งในภาพวาดNocturne in Black and Gold: The Falling Rocket (1872) ของเขา ได้ให้ความสำคัญกับความรู้สึกทางสายตามากกว่าการพรรณนาถึงวัตถุ ก่อนหน้านั้นเสียอีกจอร์เจียน่า ฮอฟตันเลือกใช้รูปทรงนามธรรมในการวาดภาพ "จิตวิญญาณ" ซึ่งสอดคล้องกับลักษณะที่ไม่เป็นธรรมชาติของสิ่งที่เธอวาด ในช่วงเวลาที่แนวคิดเรื่องศิลปะนามธรรมยังไม่เป็นที่รู้จัก (เธอจัดนิทรรศการในปี 1871)

จิตรกรกลุ่ม เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ได้สำรวจการใช้พื้นผิวสีอย่างกล้าหาญ การวาดภาพที่บิดเบือนและเกินจริง และสีสันที่เข้มข้น กลุ่มเอ็กซ์เพรสชันนิสต์สร้างสรรค์ภาพวาดที่เต็มไปด้วยอารมณ์ ซึ่งเป็นการตอบสนองและการรับรู้ต่อประสบการณ์ร่วมสมัย และเป็นการตอบสนองต่อลัทธิอิมเพรสชันนิสม์และแนวทางการวาดภาพแบบอนุรักษ์นิยมอื่นๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 กลุ่มเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ได้เปลี่ยนจุดเน้นจากเนื้อหาไปสู่การพรรณนาถึงสภาวะทางจิตวิทยาอย่างมาก แม้ว่าศิลปินอย่างเอ็ดเวิร์ด มุนช์และเจมส์ เอนเซอร์จะได้รับอิทธิพลหลักจากผลงานของกลุ่มโพสต์อิมเพรสชันนิสต์ แต่ พวกเขาก็มีบทบาทสำคัญในการกำเนิดของศิลปะนามธรรมในศตวรรษที่ 20 พอล เซซานน์เริ่มต้นจากการเป็นอิมเพรสชันนิสต์ แต่จุดมุ่งหมายของเขา – ในการสร้างโครงสร้างเชิงตรรกะของความเป็นจริงโดยอิงจากมุมมองจากจุดเดียว^{[ 9 ]}ด้วยสีที่ปรับเปลี่ยนในพื้นที่ราบ – กลายเป็นพื้นฐานของศิลปะทัศนศิลป์รูปแบบใหม่ ซึ่งต่อมาได้พัฒนาเป็นลัทธิคิวบิสม์

Additionally in the late 19th century in Eastern Europe mysticism and early modernist religious philosophy as expressed by theosophistMme. Blavatsky had a profound impact on pioneer geometric artists like Hilma af Klint and Wassily Kandinsky. The mystical teaching of Georges Gurdjieff and P.D. Ouspensky also had an important influence on the early formations of the geometric abstract styles of Piet Mondrian and his colleagues in the early 20th century.^[10] The spiritualism also inspired the abstract art of Kasimir Malevich and František Kupka.^[11]

At the beginning of the 20th century Henri Matisse and several other young artists including the pre-cubist Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy and Jean Metzinger revolutionized the Paris art world with "wild", multi-colored, expressive landscapes and figure paintings that the critics called Fauvism. The raw language of color as developed by the Fauves directly influenced another pioneer of abstraction, Wassily Kandinsky.

Cubism, based on Cézanne's idea that all depiction of nature can be reduced to cube, sphere and cone became, along with Fauvism, the art movement that directly opened the door to abstraction in the early 20th century.

ในงาน Salon de la Section d'Or ปี 1912 ซึ่งFrantišek Kupka ได้จัด แสดงภาพวาดนามธรรมAmorpha, Fugue en deux couleurs ( ฟูเก้ในสองสี ) (1912) กวีGuillaume Apollinaireได้ตั้งชื่อผลงานของศิลปินหลายคนรวมถึงRobert Delaunayว่าOrphism ^{[ 12 ]}เขาให้คำจำกัดความว่า "ศิลปะแห่งการวาดโครงสร้างใหม่จากองค์ประกอบที่ไม่ได้ยืมมาจากโลกแห่งภาพ แต่สร้างขึ้นโดยศิลปินทั้งหมด...มันคือศิลปะที่บริสุทธิ์" ^{[ 13 ]}

นับตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมระหว่างศิลปินในเมืองใหญ่ๆ ของยุโรปมีความคึกคักอย่างมาก เนื่องจากพวกเขาพยายามสร้างสรรค์รูปแบบศิลปะที่ทัดเทียมกับความทะเยอทะยานอันสูงส่งของศิลปะสมัยใหม่แนวคิดต่างๆ สามารถหลอมรวมกันได้ผ่านทางหนังสือศิลปะ นิทรรศการ และแถลงการณ์ทำให้มีแหล่งข้อมูลมากมายเปิดกว้างสำหรับการทดลองและอภิปราย และเป็นพื้นฐานสำหรับรูปแบบนามธรรมที่หลากหลาย ข้อความที่ตัดตอนมาต่อไปนี้จากThe World Backwardsให้ความรู้สึกถึงความเชื่อมโยงกันของวัฒนธรรมในเวลานั้น: " ความรู้ของDavid Burliuk เกี่ยวกับขบวนการ ศิลปะสมัยใหม่ต้องทันสมัยมาก เพราะนิทรรศการ Knave of Diamonds ครั้งที่สอง ซึ่งจัดขึ้นในเดือนมกราคม พ.ศ. 2455 (ในมอสโก) ไม่เพียงแต่มีภาพวาดที่ส่งมาจากมิวนิกเท่านั้น แต่ยังมีสมาชิกบางคนจาก กลุ่ม Die Brücke ของเยอรมัน ในขณะที่จากปารีสมีผลงานของRobert Delaunay , Henri MatisseและFernand Légerรวมถึง Picasso ด้วย ในช่วงฤดูใบไม้ผลิ David Burliuk ได้บรรยายสองครั้งเกี่ยวกับคิวบิสม์และวางแผนที่จะตีพิมพ์บทความโต้แย้ง ซึ่ง Knave of Diamonds จะเป็นผู้ให้ทุนสนับสนุน เขาเดินทางไปต่างประเทศในเดือนพฤษภาคมและกลับมาด้วยความมุ่งมั่นที่จะแข่งขันกับปฏิทินDer Blaue Reiterซึ่งออกมาจากโรงพิมพ์ในขณะที่เขาอยู่ในเยอรมนี" ^{[ 14 ]}

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2452 ถึง พ.ศ. 2456 มีผลงานทดลองมากมายที่สร้างสรรค์ขึ้นเพื่อค้นหา 'ศิลปะบริสุทธิ์' นี้ ได้แก่ ผลงานของFrancis Picabia ชื่อ Caoutchoucประมาณปี พ.ศ. 2452 ^{[ 15 ]} The Springพ.ศ. 2455 ^{[ 16 ]} Dances at the Spring ^{[ 17 ]}และThe Procession, Sevilleพ.ศ. 2455 ^{[ 18 ]} Wassily Kandinskyชื่อUntitled (First Abstract Watercolor)พ.ศ. 2456 ^{[ 19 ]} Improvisation 21AชุดImpressionและPicture with a Circle (พ.ศ. 2454) ^{[ 20 ]} František Kupkaวาดภาพชุด Orphist ได้แก่Discs of Newton (Study for Fugue in Two Colors ) พ.ศ. 2455 ^{[ 21 ]}และAmorpha, Fugue en deux couleurs ( Fugue in Two Colors ) พ.ศ. 2455 Robert Delaunayวาดภาพชุดชื่อSimultaneous Windows and Formes Circulaires, Soleil n°2 (พ.ศ. 2455–2456); ^{[ 22 ]} Léopold Survageสร้างColored Rhythm (Study for the film) พ.ศ. 2456; ^{[ 23 ]} Piet MondrianวาดภาพTableau No. 1และComposition No. 11พ.ศ. 2456 ^{[ 24 ]}

ด้วยการใช้สีที่สื่ออารมณ์และการวาดภาพที่อิสระและเปี่ยมด้วยจินตนาการ อองรี มาติสส์จึงเข้าใกล้ศิลปะนามธรรมอย่างแท้จริงในผลงานFrench Window at Collioure (1914), View of Notre-Dame (1914) และThe Yellow Curtainจากปี 1915

และการค้นหายังคงดำเนินต่อไป: ภาพวาด แบบเรย์ลิสต์ (ลูชิซึม) ของนาตาเลีย กอนชาโรวาและมิคาอิล ลาริโอนอฟใช้เส้นสายราวกับลำแสงเพื่อสร้างโครงสร้างคาซิมีร์ มาเลวิช สร้าง ผลงานนามธรรมชิ้นแรกของเขาเสร็จสมบูรณ์ คือ ภาพ สี่เหลี่ยมสีดำแบบซูพรีมาติสต์ในปี 1915 อีกหนึ่งสมาชิกของกลุ่มซูพรีมาติสต์ คือลิวบอฟ โปโปวาสร้างผลงานโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมและโครงสร้างพลังแห่งพื้นที่ระหว่างปี 1916 ถึง 1921 ปีเอต มอนเดรียนพัฒนาภาษาศิลปะนามธรรมของเขา โดยใช้เส้นแนวนอนและแนวตั้งกับสี่เหลี่ยมผืนผ้าสีต่างๆ ระหว่างปี 1915 ถึง 1919 นีโอพลาสติซิสซึมเป็นสุนทรียศาสตร์ที่มอนเดรียน เทโอ ฟาน ดอสเบิร์ก และคนอื่นๆ ในกลุ่มเดอ สไตล์ตั้งใจที่จะปรับเปลี่ยนสภาพแวดล้อมในอนาคต

ศิลปินนามธรรมหลายคนในรัสเซียกลายเป็นพวกคอนสตรัคติวิสต์โดยเชื่อว่าศิลปะไม่ใช่สิ่งไกลตัวอีกต่อไป แต่เป็นชีวิตนั่นเอง ศิลปินต้องกลายเป็นช่างเทคนิค เรียนรู้การใช้เครื่องมือและวัสดุของการผลิตสมัยใหม่ “ ศิลปะสู่ชีวิต!”คือสโลแกนของวลาดิมีร์ ทัตลิน และพวกคอนสตรัคติวิสต์รุ่นหลังทุกคนวาร์วารา สเตปาโนวา อเล็กซานเดอร์ เอ็กซ์เตอร์ และคนอื่นๆ ละทิ้งการวาดภาพบนขาตั้ง และหันไปทุ่มเทพลังงานให้กับการออกแบบละครและงานกราฟิก ในอีกด้านหนึ่งคือคาซิมีร์ มาเลวิชแอนตัน เพฟสเนอร์และนาอุม กาโบพวกเขาโต้แย้งว่าศิลปะเป็นกิจกรรมทางจิตวิญญาณโดยพื้นฐาน เพื่อสร้างที่ยืนของแต่ละบุคคลในโลก ไม่ใช่เพื่อจัดระเบียบชีวิตในแง่ของวัตถุและประโยชน์ใช้สอย ในช่วงเวลานั้น ตัวแทนของกลุ่มศิลปะแนวหน้าของรัสเซียได้ร่วมมือกับศิลปินคอนสตรัคติวิสต์จากยุโรปตะวันออกคนอื่นๆ รวมถึง วลาดิสลาฟ สตรเซมิน สกี คาตาร์ซีนา โคโบรและเฮนริก สตาเชฟสกี

ศิลปินหลายคนที่ต่อต้านแนวคิดการผลิตศิลปะแบบวัตถุนิยมได้ออกจากรัสเซียไป Anton Pevsner ไปฝรั่งเศส Gabo ไปเบอร์ลินก่อน จากนั้นไปอังกฤษ และสุดท้ายไปอเมริกา Kandinsky ศึกษาที่มอสโกแล้วจึงไปBauhaus ในช่วงกลางทศวรรษ 1920 ช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติ (ค.ศ. 1917 ถึง 1921) ที่ศิลปินมีอิสระในการทดลองได้สิ้นสุดลง และในทศวรรษ 1930 มีเพียง ลัทธิสัจนิยมสังคมนิยมเท่านั้นที่ได้รับอนุญาต^{[ 25 ]}

เมื่อศิลปะทัศนศิลป์มีความเป็นนามธรรมมากขึ้น ก็จะพัฒนาลักษณะบางอย่างของดนตรีขึ้นมา นั่นคือรูปแบบศิลปะที่ใช้องค์ประกอบนามธรรมของเสียงและการแบ่งเวลาวาสซิลี คันดินสกีซึ่งเป็นนักดนตรีสมัครเล่น^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}ได้รับแรงบันดาลใจจากความเป็นไปได้ของร่องรอยและสีที่เชื่อมโยงกันซึ่งดังก้องอยู่ในจิตวิญญาณแนวคิดนี้ได้รับการเสนอโดยชาร์ลส์ บอเดแลร์ที่ว่าประสาทสัมผัสทั้งหมดของเราตอบสนองต่อสิ่งเร้าต่างๆ แต่ประสาทสัมผัสเหล่านั้นเชื่อมโยงกันในระดับสุนทรียศาสตร์ที่ลึกซึ้งกว่า

แนวคิดที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเรื่องนี้คือ ความคิดที่ว่าศิลปะมีมิติทางจิตวิญญาณและสามารถก้าวข้ามประสบการณ์ในชีวิตประจำวันไปสู่ระดับจิตวิญญาณได้สมาคมเทโอโซฟีได้เผยแพร่ภูมิปัญญาโบราณจากคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ของอินเดียและจีนในช่วงต้นศตวรรษ ในบริบทนี้เองที่ปีเอต มอนเดรียน วาสซิลี คันดินสกี ฮิลมา อัฟ คลินต์และศิลปินคนอื่นๆ ที่ทำงานเพื่อ "สภาวะไร้วัตถุ" เริ่มสนใจในเรื่องลึกลับในฐานะวิธีการสร้าง "วัตถุภายใน" รูปทรงสากลและเหนือกาลเวลาที่พบในเรขาคณิตเช่น วงกลม สี่เหลี่ยม และสามเหลี่ยม กลายเป็นองค์ประกอบเชิงพื้นที่ในศิลปะนามธรรม พวกมันเป็นเหมือนสี ซึ่งเป็นระบบพื้นฐานที่อยู่เบื้องหลังความเป็นจริงที่มองเห็นได้

โรงเรียนBauhausที่เมืองไวมาร์ ประเทศเยอรมนี ก่อตั้งขึ้นในปี 1919 โดยWalter Gropius [ ^{29 ] ปรัชญา}พื้นฐานของหลักสูตรการสอนคือความเป็นเอกภาพของศิลปะทัศนศิลป์และศิลปะประติมากรรมทั้งหมด ตั้งแต่สถาปัตยกรรมและการวาดภาพ ไปจนถึงการทอผ้าและกระจกสี ปรัชญานี้เติบโตมาจากแนวคิดของขบวนการ Arts and CraftsในอังกฤษและDeutscher Werkbundอาจารย์ผู้สอน ได้แก่Paul Klee , Wassily Kandinsky , Johannes Itten , Josef Albers , Anni AlbersและLászló Moholy-Nagyในปี 1925 โรงเรียนได้ย้ายไปที่เมืองเดสเซา และเมื่อพรรคนาซีเข้าควบคุมอำนาจในปี 1932 โรงเรียน Bauhaus ก็ถูกปิดลง ในปี 1937 นิทรรศการศิลปะเสื่อมโทรม 'Entartete Kunst' ประกอบด้วยศิลปะ แนวหน้าทุกประเภทที่ไม่ได้รับการอนุมัติจากพรรคนาซี จากนั้นการอพยพก็เริ่มต้นขึ้น ไม่ใช่แค่จาก Bauhaus เท่านั้น แต่จากยุโรปโดยทั่วไปด้วย ไปยังปารีส ลอนดอน และอเมริกา พอล คลี ไปสวิตเซอร์แลนด์ แต่ศิลปินหลายคนจากโรงเรียนเบาเฮาส์ไปอเมริกา

ในช่วงทศวรรษ 1930 ปารีสกลายเป็นสถานที่ต้อนรับศิลปินจากรัสเซีย เยอรมนี เนเธอร์แลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรปที่ได้รับผลกระทบจากการเพิ่มขึ้นของระบอบเผด็จการโซฟี ทอเบอร์และฌอง อาร์ปร่วมมือกันสร้างสรรค์ภาพวาดและประติมากรรมโดยใช้รูปแบบอินทรีย์/เรขาคณิตคาตาร์ซีนา โคโบร ศิลปินชาวโปแลนด์ นำแนวคิดทางคณิตศาสตร์มาประยุกต์ใช้กับประติมากรรม ความหลากหลายของศิลปะนามธรรมที่อยู่ใกล้เคียงกันในปัจจุบัน นำไปสู่ความพยายามของศิลปินในการวิเคราะห์กลุ่มแนวคิดและสุนทรียศาสตร์ต่างๆ นิทรรศการของสมาชิก 46 คนจาก กลุ่ม Cercle et Carréซึ่งจัดโดยJoaquín Torres-García ^{[ 30 ]} โดยมี Michel Seuphor ^{[ 31 ]}เป็นผู้ช่วยประกอบด้วยผลงานของกลุ่มนีโอพลาสติซิสต์ รวมถึงศิลปินนามธรรมที่หลากหลาย เช่น คันดินสกี แอนตัน เพฟสเนอร์ และเคิร์ต ชวิตเตอร์สธีโอ ฟาน ดอส เบิร์ก วิพากษ์วิจารณ์ว่าเป็นการรวบรวมที่ไม่ชัดเจนเกินไป เขาจึงตีพิมพ์วารสารArt Concretซึ่งกำหนดนิยามของศิลปะนามธรรม โดยมีเพียงเส้น สี และพื้นผิวเท่านั้นที่เป็นความจริงที่เป็นรูปธรรม^{[ 32 ]} Abstraction-Créationก่อตั้งขึ้นในปี 1931 ในฐานะกลุ่มที่เปิดกว้างมากขึ้น โดยเป็นจุดอ้างอิงสำหรับศิลปินนามธรรม เนื่องจากสถานการณ์ทางการเมืองเลวร้ายลงในปี 1935 และศิลปินได้รวมกลุ่มกันอีกครั้ง โดยส่วนใหญ่อยู่ในลอนดอน นิทรรศการศิลปะนามธรรมของอังกฤษครั้งแรกจัดขึ้นในอังกฤษในปี 1935 ปีต่อมา นิทรรศการ Abstract and Concrete ที่มีความเป็นสากลมากขึ้น ถูกจัดขึ้นโดยNicolete Grayซึ่งรวมถึงผลงานของPiet Mondrian , Joan Miró , Barbara HepworthและBen Nicholson Hepworth, Nicholson และ Gabo ย้ายไปที่St. Ivesใน Cornwall เพื่อทำงานศิลปะแบบคอนสตรัคติวิสต์ ต่อไป ^{[ 33 ]}

ในช่วงที่นาซีกำลังขึ้นสู่อำนาจในทศวรรษ 1930 ศิลปินจำนวนมากได้หลบหนีออกจากยุโรปไปยังสหรัฐอเมริกา ในช่วงต้นทศวรรษ 1940 ขบวนการหลักๆ ในศิลปะสมัยใหม่ เช่น ลัทธิเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ลัทธิคิว บิสม์ ลัทธิแอ็ บส แตร็กต์ ลัทธิเซอร์เรียลลิสม์ และลัทธิดาดา ต่างก็ปรากฏให้เห็นในนิวยอร์ก ศิลปินชาวยุโรปผู้ลี้ภัยที่เดินทางมาถึงนิวยอร์ก ได้แก่ มาร์เซล ดูชองป์เฟอร์นันด์ เลเจอร์ ปีเอต์ มอนเดรียน ฌาคส์ ลิปชิตซ์ อองเดร มาสซง แม็กซ์ เอิร์นสต์ และอองเดร เบรอตง[ 35 ] อิทธิพลทางวัฒนธรรมอันอุดม^{สมบูรณ์ที่ศิลปิน}ชาวยุโรปนำมานั้น ได้ถูกกลั่นกรองและต่อยอดโดยจิตรกรท้องถิ่นในนิวยอร์ก บรรยากาศแห่งเสรีภาพในนิวยอร์กทำให้อิทธิพลเหล่านี้เจริญรุ่งเรือง หอศิลป์ที่เคยเน้นศิลปะยุโรปเป็นหลัก เริ่มหันมาสนใจชุมชนศิลปะท้องถิ่นและผลงานของศิลปินชาวอเมริกันรุ่นใหม่ที่เริ่มเติบโต ศิลปินบางคนในช่วงเวลานี้เริ่มสร้างผลงานที่เป็นนามธรรมอย่างชัดเจนในผลงานที่สมบูรณ์ของพวกเขา ในช่วงเวลานี้ ภาพเขียนComposition No. 10 ของปีเอต มอนเดรียน (Piet Mondrian ) ปี 1939–1942 ซึ่งมีลักษณะเด่นคือสีหลัก พื้นสีขาว และเส้นตารางสีดำ ได้กำหนดแนวทางที่แหวกแนวแต่ยังคงความเป็นคลาสสิกของเขาต่อรูปทรงสี่เหลี่ยมและศิลปะนามธรรมโดยทั่วไปอย่างชัดเจน ศิลปินบางคนในยุคนั้นยากที่จะจัดอยู่ในหมวดหมู่ใด ๆ เช่นจอร์เจีย โอ'คีฟฟ์ (George O'Keeffe ) ซึ่งแม้จะเป็นศิลปินนามธรรมสมัยใหม่ แต่ก็เป็นศิลปินนอกรีตอย่างแท้จริง เพราะเธอวาดภาพนามธรรมขั้นสูงโดยไม่เข้าร่วมกลุ่มใด ๆ ในยุคนั้น

ในที่สุด ศิลปินชาวอเมริกันที่ทำงานในหลากหลายสไตล์ก็เริ่มรวมตัวกันเป็นกลุ่มสไตล์ที่สอดคล้องกัน กลุ่มศิลปินชาวอเมริกันที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดคือกลุ่มศิลปะแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชัน นิสต์ และกลุ่มนิวยอร์กสคูลในนครนิวยอร์กมีบรรยากาศที่ส่งเสริมการอภิปรายและมีโอกาสใหม่สำหรับการเรียนรู้และการเติบโต ศิลปินและอาจารย์อย่างจอห์น ดี. เกรแฮมและฮันส์ ฮอฟมันน์กลายเป็นบุคคลสำคัญที่เชื่อมโยงระหว่างศิลปินสมัยใหม่ชาวยุโรปที่เพิ่งเข้ามากับศิลปินชาวอเมริกันรุ่นใหม่ที่กำลังเติบโตมาร์ค รอธโกเกิดในรัสเซีย เริ่มต้นด้วยภาพเหนือจริงอย่างเข้มข้น ซึ่งต่อมาได้พัฒนาไปสู่การใช้สีที่ทรงพลังในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ท่าทางแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสต์และการกระทำของการวาดภาพเองกลายเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับแจ็กสัน พอลล็อก โรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์และฟรานซ์ ไคลน์ในขณะที่ในช่วงทศวรรษ 1940 ผลงานเชิงรูปธรรมของ อาร์ชิล กอร์กีและวิลเลม เดอ คูนิงได้พัฒนาไปสู่ศิลปะนามธรรมในช่วงปลายทศวรรษ นครนิวยอร์กกลายเป็นศูนย์กลาง และศิลปินทั่วโลกต่างหลั่งไหลเข้ามา จากสถานที่อื่นๆ ในอเมริกาเช่นกัน^{[ 36 ]}

ศิลปะดิจิทัล , ภาพวาดเส้นคม , นามธรรมเชิงเรขาคณิต , มินิมัลลิสต์ , นามธรรม เชิงบทกวี, ศิลปะออปอาร์ต, ลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม, ภาพวาดสีพื้น, ภาพ วาดขาวดำ , การประกอบชิ้นส่วน , นีโอ-ดาดา, ภาพวาด บนผืนผ้าใบรูปทรงต่างๆเป็นเพียงบางส่วนของแนวทางที่เกี่ยวข้องกับศิลปะนามธรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

ในสหรัฐอเมริกาศิลปะในฐานะวัตถุดังที่เห็นได้ใน ประติมากรรม แบบมินิมัลลิสต์ของโดนัลด์ จัดด์และภาพวาดของแฟรงค์ สเตลลาในปัจจุบันถือเป็นรูปแบบใหม่ ตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีและการใช้สีอย่างมีอารมณ์ความรู้สึก ซึ่งเห็นได้ในผลงานของจิตรกรหลากหลายท่าน เช่นโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ , แพทริค เฮรอน , เคน เนธ โนแลนด์, แซม ฟรานซิส, ไซ ทวอมบลี, ริชาร์ด ดีเบนคอร์น, เฮเลนแฟรงเคนธาเลอร์ , โจน มิตเชลล์และเวโรนิกา รุยซ์ เดอ เวลาสโก

คำอธิบายทางสังคมและประวัติศาสตร์ข้อหนึ่งที่ถูกนำเสนอเพื่ออธิบายถึงความแพร่หลายที่เพิ่มขึ้นของศิลปะนามธรรมในศิลปะสมัยใหม่ ซึ่งเป็นคำอธิบายที่เชื่อมโยงกับชื่อของTheodor W. Adornoคือ ศิลปะนามธรรมดังกล่าวเป็นการตอบสนองต่อ (และเป็นการสะท้อน) ความสัมพันธ์ทางสังคมที่เป็นนามธรรมมากขึ้นในสังคมอุตสาหกรรม^{[ 37 ]}

Frederic Jamesonมองว่าศิลปะนามธรรมสมัยใหม่เป็นฟังก์ชันของพลังนามธรรมของเงินเช่นกัน โดยถือว่าทุกสิ่งมีค่าเท่าเทียมกันในฐานะมูลค่าแลกเปลี่ยน^{[ 38 ]}เนื้อหาทางสังคมของศิลปะนามธรรมจึงมีลักษณะนามธรรมของการดำรงอยู่ทางสังคมอย่างแท้จริง เช่น พิธีการทางกฎหมาย การลดทอนความเป็นบุคคลในระบบราชการ ข้อมูล/อำนาจ ในโลกของ ยุค สมัยใหม่ตอนปลาย^{[ 39 ]}

ในทางตรงกันข้ามนักคิดหลังจุงจะมองว่าทฤษฎีควอนตัมซึ่งทำลายแนวคิดดั้งเดิมของรูปแบบและสสารเป็นพื้นฐานของการแยกตัวของสิ่งที่เป็นรูปธรรมและนามธรรมในศิลปะสมัยใหม่^{[ 40 ]}

ศิลปินAl Cappเสนอคำอธิบายที่ง่ายกว่าว่าศิลปะนามธรรมคือ "ผลผลิตของผู้ไร้ความสามารถ ซึ่งขายโดยผู้ไร้หลักการให้กับผู้ที่งงงวยอย่างสิ้นเชิง" ^{[ 41 ]}

• 
  Albert Gleizes , Les Arbres (The Trees) , 1910–12, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 41 × 27 ซม. ทำซ้ำในDu "Cubisme" , 1912
• 
  อาเธอร์ โดฟ , อ้างอิงจากรูปทรงและช่องว่างของใบไม้ , 1911–12, สีพาสเทลบนวัสดุรองรับที่ไม่ทราบชนิด (ปัจจุบันสูญหายแล้ว)
• 
  Francis Picabia , Tarentelle , 1912, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 73.6 × 92.1 ซม., พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ , นิวยอร์ก ทำซ้ำในDu "Cubisme"
• 
  วาสซิลี คันดินสกี , การด้นสดหมายเลข 27 ( สวนแห่งความรัก II), ปี 1912, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 120.3 × 140.3 ซม., พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน , นิวยอร์ก จัดแสดงในงานอาร์มอรีโชว์ ปี 1913
• 
  ปาโบล ปิกัสโซ , ศีรษะ ( Tête ), 1913–14, กระดาษสีตัดแปะ, สี gouache และถ่านบนกระดาษแข็ง, 43.5 × 33 ซม., หอศิลป์แห่งชาติสกอตแลนด์ ศิลปะสมัยใหม่ , เอดินบะระ
• 
  Henri Matisseหน้าต่างฝรั่งเศสที่ Collioure , 1914, Centre Georges Pompidou , ปารีส
• 
  ฮิลมา อัฟ คลินต์ , สวาเนน ( หงส์ ), ตุลาคม 1914-มีนาคม 1915, หมายเลข 17, กลุ่ม IX, ชุด SUW (ผลงานนามธรรมชิ้นนี้ไม่เคยจัดแสดงในระหว่างที่อัฟ คลินต์ยังมีชีวิตอยู่)
• 
  ธีโอ ฟาน ดอสเบิร์ก , บทประพันธ์ที่ 7 ( เทพธิดาแห่ง ความงามทั้งสาม ), 1917, ลัทธิ นีโอพลาสติซิสม์
• 
  Fernand Léger, The Railway Crossing, 1919, oil on canvas, 53.8 × 64.8 cm, The Art Institute of Chicago
• 
  Joseph Csaky, Deux figures, 1920, relief, limestone, polychrome, 80 cm, Kröller-Müller Museum, Otterlo
• 
  Albert Gleizes, Composition bleu et jaune (Composition jaune), 1921, oil on canvas, 200.5 × 110 cm
• 
  Piet Mondrian, Composition with Yellow, Black, Blue, Red, and Gray, 1921, Art Institute of Chicago
• 
  Paul Klee, Fire in the Evening, 1929
• 
  Otto Gustaf Carlsund, Rapid, 1930, a concrete art restaurant mural, Stockholm
• 
  Barnett Newman, Onement 1, 1948, The Museum of Modern Art, New York
• 
  Sala Neoplastyczna (Neoplastic Room) designed in 1948 by Władysław Strzemiński at the Museum of Art in Łódź
• 
  Maria Jarema, Wyrazy. Kompozycja abstrakcyjna, 1956, tempera and monotype on paper, National Museum in Szczecin
• 
  Wojciech Fangor, Number 17, 1963, oil on canvas, The Museum of Modern Art, New York
• 
  Lee Krasner, Rising Green, 1972, oil on canvas, The Metropolitan Museum of Art, New York

In other media

• Absolute music
• Abstract animation
• Abstract comics
• Abstract photography
• Atonality
• Avant-garde music
• Bauhaus dances
• Concrete poetry
• Experimental film
• Indeterminacy
• Literary nonsense
• Minimal music
• Modern dance
• Modern art
• Musique concréte
• New Formalism
• Noise music
• Sound poetry

• ^คอมป์ตัน, ซูซาน (1978).โลกย้อนกลับ: หนังสือลัทธิอนาคตนิยมรัสเซีย ค.ศ. 1912–1916 . หอสมุดแห่งชาติอังกฤษ. ISBN 978-0-7141-0396-9.
• ↑สตางโกส, นิคอส, เอ็ด. (1981)แนวความคิดของศิลปะสมัยใหม่ เทมส์และฮัดสันไอเอสบีเอ็น 978-0-500-20186-2.
• ^กู๊ดดิง, เมล (2001).ศิลปะนามธรรมชุดการเคลื่อนไหวในศิลปะสมัยใหม่ สำนักพิมพ์เทต ISBN 978-1-85437-302-1.
• ^ Rump, Gerhard Charles (1985).วิธีการดูภาพวาดนามธรรม . Inter Nationes.

วิกิมีเดียคอมมอนส์มีสื่อที่เกี่ยวข้องกับศิลปะนามธรรม

Wikiquote มีคำคมที่เกี่ยวข้องกับศิลปะนามธรรม

• คำว่า "ศิลปะนามธรรม" ที่เนลสัน กู๊ดแมน จาก Grove Art Online กล่าวถึงในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่
• พิพิธภัณฑ์เทต สหราชอาณาจักร "ศิลปะนามธรรมคือ..."
• ศิลปะนามธรรมที่เข้าใจง่าย