คาบาเรต์โวลแตร์ก่อตั้งขึ้นในซูริคประเทศสวิตเซอร์แลนด์ โดยคู่สามีภรรยาฮูโก บอล ล์ และเอ็มมี เฮนนิงส์ เพื่อจุดประสงค์ทางศิลปะและการเมือง และเป็นสถานที่ที่สำรวจแนวโน้มใหม่ๆ ตั้งอยู่บนชั้นบนของโรงละคร ซึ่งพวกเขาได้ล้อเลียนนิทรรศการของโรงละครนั้นในรายการของพวกเขา ผลงานที่นำมาตีความในคาบาเรต์นั้นเป็นศิลปะแนวหน้าและทดลอง เชื่อกันว่าขบวนการดาดาถือกำเนิดขึ้นในสถานที่ขนาดสิบตารางเมตรแห่งนี้^{[ 29 ] [ 30 ]}ยิ่งไปกว่านั้น กลุ่มเซอร์เรียลลิสต์ ซึ่งขบวนการของพวกเขาสืบทอดมาจากดาดาโดยตรง เคยมาพบปะกันที่คาบาเรต์แห่งนี้ ในช่วงเวลาสั้นๆ ที่เปิดทำการ—เพียงหกเดือน ปิดตัวลงในฤดูร้อนปี 1916—มีการอ่านแถลงการณ์ดาดา และมีการจัดกิจกรรมดาดา การแสดง และบทกวีผสมผสาน ศิลปะพลาสติก ดนตรี และการนำเสนอการกระทำซ้ำๆ ครั้งแรก ผู้ก่อตั้งเช่นRichard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara , Sophie Taeuber-ArpและJean Arpได้เข้าร่วมในเหตุการณ์ที่ยั่วยุและอื้อฉาวซึ่งเป็นพื้นฐานและเป็นรากฐานของขบวนการอนาธิปไตยที่เรียกว่า Dada ^{[ 31 ]}

ลัทธิดาดาถือกำเนิดขึ้นด้วยเจตนาที่จะทำลายระบบหรือบรรทัดฐานที่กำหนดไว้ในโลกศิลปะ^{[ 32 ]}มันเป็นขบวนการต่อต้านศิลปะ ต่อต้านวรรณกรรม และต่อต้านบทกวี ที่ตั้งคำถามถึงการดำรงอยู่ของศิลปะ วรรณกรรม และบทกวีเอง ไม่เพียงแต่เป็นวิธีการสร้างสรรค์ แต่ยังเป็นวิธีการใช้ชีวิต มันสร้างอุดมการณ์ใหม่ทั้งหมด^{[ 33 ]}มันต่อต้านความงามอันเป็นนิรันดร์ ความเป็นนิรันดร์ของหลักการ กฎของตรรกะ ความนิ่งเฉยของความคิด และต่อต้านสิ่งที่เป็นสากลอย่างชัดเจน มันส่งเสริมการเปลี่ยนแปลง ความเป็นธรรมชาติ ความฉับพลัน ความขัดแย้ง ความสุ่ม และการปกป้องความโกลาหลจากความเป็นระเบียบ และความไม่สมบูรณ์จากความสมบูรณ์แบบ ซึ่งเป็นแนวคิดที่คล้ายคลึงกับศิลปะการแสดง พวกเขายืนหยัดเพื่อการยั่วยุ การประท้วงต่อต้านศิลปะ และเรื่องอื้อฉาว ผ่านวิธีการแสดงออกที่เสียดสีและประชดประชันอยู่บ่อยครั้ง ความไร้สาระหรือการขาดคุณค่าและความโกลาหลเป็นตัวเอกในการกระทำที่แหวกแนวจากรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิม^{[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ] [ 35 ]}

โรงละครคาบาเรต์โวลแตร์ปิดตัวลงในปี 1916 แต่ได้กลับมาเปิดใหม่ในศตวรรษที่ 21

ลัทธิฟิวเจอริสม์เป็นขบวนการศิลปะแนวหน้าซึ่งปรากฏขึ้นในปี 1909 ในตอนแรกเริ่มเป็นขบวนการทางวรรณกรรม แม้ว่าผู้เข้าร่วมส่วนใหญ่จะเป็นจิตรกรก็ตาม ในช่วงเริ่มต้นยังรวมถึงประติมากรรม ภาพถ่าย ดนตรี และภาพยนตร์ด้วย สงครามโลกครั้งที่หนึ่งทำให้ขบวนการนี้สิ้นสุดลง แม้ว่าในอิตาลีจะยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทศวรรษ 1930 ประเทศหนึ่งที่ได้รับผลกระทบมากที่สุดคือรัสเซีย^{[ 36 ]}ในปี 1912 มีแถลงการณ์ต่างๆ เช่นแถลงการณ์ประติมากรรมฟิวเจอริสม์และสถาปัตยกรรมฟิว เจอริสม์ เกิดขึ้น และในปี 1913 แถลงการณ์ความปรารถนาฟิวเจอริสม์โดยวาเลนไทน์ เดอ แซงต์-ปวงต์นักเต้น นักเขียน และศิลปินชาวฝรั่งเศส พวกฟิวเจอริสม์เผยแพร่ทฤษฎีของพวกเขาผ่านการพบปะ การประชุม และสัมมนาในพื้นที่สาธารณะ ซึ่งใกล้เคียงกับแนวคิดของการรวมตัวทางการเมือง ด้วยบทกวีและโรงละครดนตรี ซึ่งเป็นการคาดการณ์ถึงศิลปะการแสดง^{[ 36 ] [ 37 ] [ 38 ]}

บาวเฮาส์โรงเรียนศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในเมืองไวมาร์ในปี 1919 ได้รวมเอาเวิร์กช็อปศิลปะการแสดงเชิงทดลองไว้ด้วย โดยมีเป้าหมายเพื่อสำรวจความสัมพันธ์ระหว่างร่างกาย พื้นที่ เสียง และแสง วิทยาลัยแบล็กเมาน์เทนซึ่งก่อตั้งขึ้นในสหรัฐอเมริกาโดยอาจารย์จากบาวเฮาส์ดั้งเดิมที่ถูกเนรเทศโดยพรรคนาซี ได้สานต่อการผสมผสานศิลปะการแสดงเชิงทดลองเข้ากับการฝึกอบรมศิลปะการแสดงบนเวที ยี่สิบปีก่อนเหตุการณ์ที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์การแสดงในช่วงทศวรรษ 1960 ^{[ 39 ]}ชื่อบาวเฮาส์มาจากคำภาษาเยอรมัน Bau ซึ่งหมายถึง การก่อสร้างและ Haus ซึ่ง หมายถึง บ้านน่าเสียดายที่แม้จะมีชื่อและข้อเท็จจริงที่ว่าผู้ก่อตั้งเป็นสถาปนิก แต่บาวเฮาส์ก็ไม่มีแผนกสถาปัตยกรรมในช่วงปีแรก ๆ ของการก่อตั้ง^{[ 40 ] [ 41 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1940 และ 1950 เทคนิคหรือขบวนการแอ็กชันเพนติ้งทำให้ศิลปินสามารถตีความผืนผ้าใบเป็นพื้นที่สำหรับการแสดง โดยสร้างภาพวาดเป็นร่องรอยของการแสดงของศิลปินในสตูดิโอ^{[ 42 ]}ตามที่นักวิจารณ์ศิลปะHarold Rosenberg กล่าวไว้ มันเป็นหนึ่งในกระบวนการเริ่มต้นของศิลปะการแสดงควบคู่ไปกับศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์Jackson Pollockเป็นแอ็กชันเพนติ้งที่โดดเด่นที่สุด ซึ่งได้แสดงแอ็กชันของเขาแบบสดๆ หลายครั้ง^{[ 43 ]}ในยุโรปYves Kleinได้สร้างผลงาน Anthropométries โดยใช้ร่างกาย (ของผู้หญิง) ในการวาดภาพบนผืนผ้าใบเป็นการแสดงต่อสาธารณะ ชื่อที่ควรเน้นคือWillem de KooningและFranz Klineซึ่งผลงานของพวกเขารวมถึงแอ็กชันเพนติ้งและแอ็กชันเพนติ้ง^{[ 42 ] [ 44 ] [ 45 ]}

นูโว เรียลิสม์ (Nouveau réalisme)เป็นอีกหนึ่งขบวนการทางศิลปะที่ถูกกล่าวถึงในช่วงเริ่มต้นของศิลปะการแสดง เป็นขบวนการจิตรกรรมที่ก่อตั้งขึ้นในปี 1960 โดยนักวิจารณ์ศิลปะปิแอร์ เรสตานี (Pierre Restany)และจิตรกร อีฟส์ ไคลน์ (Yves Klein ) ในระหว่างนิทรรศการกลุ่มครั้งแรกที่หอศิลป์อพอลลิแนร์ (Apollinaire Gallery) ในมิลาน นูโว เรียลิสม์ เป็นหนึ่งในกระแสศิลปะแนวหน้าของยุค 1960 ร่วมกับฟลักซัส (Fluxus) และกลุ่มอื่นๆ ปิแอร์ เรสตานี ได้สร้างการแสดงศิลปะต่างๆ ขึ้นที่เทต โมเดิร์น (Tate Modern) และ สถานที่อื่นๆ^{[ 46 ]}อีฟส์ ไคลน์ เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกหลักของขบวนการนี้ เขาเป็นผู้ริเริ่มศิลปะการแสดงอย่างชัดเจน ด้วยผลงานเชิงแนวคิด เช่นZone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959–62), Anthropométries (1960) และภาพตัดต่อSaut dans le vide ^{[ 47 ] [ 48 ]}ผลงานทั้งหมดของเขามีความเชื่อมโยงกับศิลปะการแสดง เนื่องจากผลงานเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบการแสดงสด เช่น ผลงานภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ร่างกายของผู้หญิง สมาชิกของกลุ่มมองโลกเป็นภาพ ซึ่งพวกเขาได้นำส่วนต่างๆ มาใช้และรวมเข้าไว้ในผลงานของพวกเขา พวกเขาพยายามที่จะนำชีวิตและศิลปะมาใกล้ชิดกันมากขึ้น^{[ 49 ] [ 50 ] [ 51 ]}

หนึ่งในขบวนการอื่นๆ ที่คาดการณ์ถึงศิลปะการแสดงคือขบวนการกูไต ของญี่ปุ่น ซึ่งสร้างศิลปะการกระทำหรือการแสดงสด ขบวนการ นี้เกิดขึ้นในปี 1955 ในภูมิภาคคันไซ ( เกียวโตโอซาก้าโกเบ ) ผู้เข้าร่วมหลัก ได้แก่จิโร โยชิฮาระ ซาดามาสะ โมโตนางะ โชโซ ชิมาโมโตะ ซาบุโร มูราคามิ คัตสึโอ ชิรากะ เซอิจิ ซาโตะ อากิระ กานายามะ และอัตสึโกะ ทานากะ^{[ 52 ]}กลุ่มกูไตเกิดขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง พวกเขาปฏิเสธลัทธิบริโภคนิยมแบบทุนนิยม โดยดำเนินการกระทำการเสียดสีด้วยความก้าวร้าวแฝงเร้น (การทำลายวัตถุ การกระทำกับควัน) พวกเขามีอิทธิพลต่อกลุ่มต่างๆ เช่น ฟลักซัส และศิลปินอย่างโจเซฟ บอยส์และวูล์ฟ วอสเทลล์^{[ 52 ] [ 53 ] [ 54 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ศิลปิน ศิลปะบนผืนดิน หลากหลายกลุ่ม เช่นโรเบิร์ต สมิธสันหรือเดนนิส ออปเพนไฮม์ได้สร้างผลงานศิลปะเชิงสิ่งแวดล้อมที่มาก่อนศิลปะการแสดงในทศวรรษ 1970 ผลงานของศิลปินเชิงแนวคิดในช่วงต้นทศวรรษ 1980 เช่นโซล เลวิตต์ผู้ซึ่งเปลี่ยนการวาดภาพฝาผนังให้เป็นการแสดง ได้รับอิทธิพลจากอีฟส์ ไคลน์และศิลปินศิลปะบนผืนดินคนอื่นๆ^{[ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]}ศิลปะบนผืนดินเป็น ขบวนการ ศิลปะร่วมสมัยที่ภูมิทัศน์และงานศิลปะมีความเชื่อมโยงกันอย่างลึกซึ้ง โดยใช้ธรรมชาติเป็นวัสดุ (ไม้ ดิน หิน ทราย ลม ไฟ น้ำ ฯลฯ) เพื่อแทรกแซงตัวเอง งานศิลปะถูกสร้างขึ้นโดยมีสถานที่นั้นเป็นจุดเริ่มต้น ผลลัพธ์ที่ได้บางครั้งเป็นการผสมผสานระหว่างประติมากรรมและสถาปัตยกรรม และบางครั้งเป็นการผสมผสานระหว่างประติมากรรมและภูมิทัศน์ ซึ่งมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในพื้นที่สาธารณะร่วมสมัย เมื่อรวมร่างกายของศิลปินเข้าในกระบวนการสร้างสรรค์ ก็จะมีความคล้ายคลึงกับจุดเริ่มต้นของศิลปะการแสดง

• 
  ภาพเหมือนของวาเลนไทน์ เดอ แซงต์-ปวงต์ในพื้นที่แห่งการสร้างสรรค์
• 
  การแทรกแซงโดยนักอนาคตนิยมชาวรัสเซีย Olga Rozanova (1912)
• 
  ภาพเหมือนของวิลเลม เดอ คูนิงจิตรกรแนวแอ็กชันเพนติ้ง ในสตูดิโอของเขา
• 
  ผลงานจัดแสดงโดยกลุ่ม Gutai ในงานเวนิสเบียนนาเล่ ปี 2009
• 
  ผลงานจัดแสดงโดยเดนนิส ออปเพนไฮม์ในรัฐเฮสเซ ประเทศเยอรมนี
• 
  ผลงาน ศิลปะจัดวางบนผืนดินโดยโรเบิร์ต สมิธสัน
• 
  ภาพเหมือนของปิแอร์ เรสตานีในงานเปิดตัวนิทรรศการครั้งหนึ่งของเขา
• 
  การปล่อยลูกโป่งสีฟ้า 1,001 ลูก "ประติมากรรมอากาศ" โดยอีฟส์ ไคลน์

คำว่าViennese Actionism ( Wiener Aktionismus ) ครอบคลุมถึงขบวนการศิลปะที่สั้นและเป็นที่ถกเถียงกันในศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นที่จดจำในเรื่องความรุนแรง ความแปลกประหลาด และภาพลักษณ์ของผลงานศิลปะ^{[ 59 ]}ขบวนการนี้อยู่ในกลุ่มแนวหน้าของออสเตรียในช่วงทศวรรษ 1960 และมีเป้าหมายที่จะนำศิลปะไปสู่พื้นฐานของศิลปะการแสดง และเชื่อมโยงกับ Fluxus และ Body Art ในบรรดาผู้บุกเบิกหลัก ได้แก่Günter Brus , Otto MuehlและHermann Nitschซึ่งพัฒนาผลงานแอคชั่นนิสต์ส่วนใหญ่ระหว่างปี 1960 ถึง 1971 Hermann ผู้บุกเบิกศิลปะการแสดง ได้นำเสนอTheatre of Orgies and Mysteries (Orgien und Mysterien Theater) ในปี 1962 ^{[ 60 ] [ 61 ] [ 62 ]} Marina Abramovićได้เข้าร่วมเป็นผู้แสดงในหนึ่งในการแสดงของเขาในปี 1975

ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 นครนิวยอร์กเป็นแหล่งรวมการเคลื่อนไหว เหตุการณ์ และความสนใจมากมายเกี่ยวกับศิลปะการแสดง ในบรรดาบุคคลเหล่านั้นแอนดี้ วอร์ฮอลเริ่มสร้างภาพยนตร์และวิดีโอ^{[ 63 ]}และในช่วงกลางทศวรรษ เขาได้ให้การสนับสนุนวง The Velvet Undergroundและจัดงานและกิจกรรมการแสดงในนิวยอร์ก เช่นExploding Plastic Inevitable (1966) ซึ่งรวมถึงดนตรีร็อคสด แสงไฟระเบิด และภาพยนตร์^{[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ] [ 67 ]}ในบรรดาศิลปินการแสดงแนวหน้าของนิวยอร์กโจอี้ สแกกส์ปรากฏตัวขึ้นในช่วงทศวรรษ 1960 ด้วยการแทรกแซงสาธารณะที่ยั่วยุซึ่งเสียดสีอำนาจของสถาบันและการแสดงของสื่อ ผลงานในช่วงแรกของเขา ได้แก่The Crucifixion (1966–1969) ซึ่งเป็นประติมากรรมขนาดเท่าคนจริงของพระคริสต์ ที่กำลังเสื่อมโทรม จัดแสดงในสวนสาธารณะเพื่อประท้วงความหน้าซื่อใจคดทางศาสนา และHippie Bus Tour to Queens (1968) ซึ่ง ศิลปินจาก East Villageล้อเลียนรถทัวร์ท่องเที่ยวแบบแอบดูโดยการไปเยือนย่านชานเมือง^{[ 68 ]}

รูปแบบละครใหม่ ๆ ซึ่งแสดงโดยคณะละครใบ้ซานฟรานซิสโกและคณะละคร Living Theatre มีอิทธิพลทางอ้อมต่อการแสดงในวงการศิลปะ โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกา และจัดแสดงในโรงละครนอกกระแสในโซโหและที่ La MaMa ในนิวยอร์กซิตี้ คณะละคร Living Theatre เป็นคณะละครที่ก่อตั้งขึ้นในปี 1947 ในนิวยอร์ก เป็นคณะละครทดลอง ที่เก่าแก่ที่สุด ในสหรัฐอเมริกา^{[ 69 ]}ตลอดประวัติศาสตร์ คณะละครนี้ได้รับการนำโดยผู้ก่อตั้ง ได้แก่ นักแสดงหญิงJudith Malinaผู้ซึ่งศึกษาละครกับErwin Piscatorซึ่งเธอได้ศึกษา ทฤษฎีของ Bertolt BrechtและMeyerholdและจิตรกรและกวีJulian Beckหลังจาก Beck เสียชีวิตในปี 1985 Hanon Reznikov สมาชิกของคณะละครได้เป็นผู้กำกับร่วมกับ Malina

เนื่องจากเป็นหนึ่งในกลุ่มละครเร่หรือละครสดที่เก่าแก่ที่สุดในปัจจุบัน จึงได้รับการยกย่องจากกลุ่มอื่นๆพวกเขาเข้าใจว่าละครเป็นวิถีชีวิต และนักแสดงอาศัยอยู่ในชุมชนภายใต้หลักการเสรีนิยม เป็นการรณรงค์ทางละครที่อุทิศให้กับการเปลี่ยนแปลงองค์กรอำนาจของสังคมเผด็จการและโครงสร้างลำดับชั้น โรงละครมีชีวิตส่วนใหญ่ออกทัวร์ในยุโรประหว่างปี 1963 ถึง 1968 และในสหรัฐอเมริกาในปี 1968 ผลงานในช่วงนี้คือParadise Nowซึ่งมีชื่อเสียงในด้านการมีส่วนร่วมของผู้ชมและฉากที่นักแสดงท่องรายชื่อข้อห้ามทางสังคมซึ่งรวมถึงการเปลือยกายในขณะที่ถอดเสื้อผ้า^{[ 70 ]}

ฟลักซัส (Fluxus ) เป็นคำภาษาละตินที่แปลว่าการไหลเป็นขบวนการศิลปะทัศนศิลป์ที่เกี่ยวข้องกับดนตรี วรรณกรรม และการเต้นรำ ช่วงเวลาที่คึกคักที่สุดคือช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 พวกเขาประกาศต่อต้านวัตถุทางศิลปะแบบดั้งเดิมในฐานะสินค้า และประกาศตนเองว่าเป็นขบวนการศิลปะเชิงสังคมวิทยา ฟลักซัสได้รับการจัดตั้งอย่างไม่เป็นทางการในปี 1962 โดยจอร์จ มาซิอูนาส (George Maciunas ) (1931–1978) ขบวนการนี้มีตัวแทนอยู่ในยุโรป สหรัฐอเมริกา และญี่ปุ่น^{[ 71 ]}ขบวนการฟลักซัส ซึ่งส่วนใหญ่พัฒนาขึ้นในอเมริกาเหนือและยุโรปภายใต้แรงกระตุ้นของจอห์น เคจ (John Cage ) ไม่ได้มองว่าศิลปะแนวหน้าเป็นการปรับปรุงทางภาษา แต่พยายามที่จะใช้ช่องทางศิลปะหลักที่แตกต่างออกไปจากภาษาเฉพาะ โดยพยายามที่จะเป็นสหวิทยาการและนำสื่อและวัสดุจากสาขาต่างๆ มาใช้ ภาษาไม่ใช่เป้าหมาย แต่เป็นวิธีการสำหรับการปรับปรุงศิลปะ ซึ่งมองว่าเป็นศิลปะระดับโลก^{[ 72 ]}เช่นเดียวกับDada , Fluxus หลีกเลี่ยงความพยายามใดๆ ในการให้คำจำกัดความหรือจัดหมวดหมู่ ดังที่ Dick Higginsหนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการกล่าวไว้ว่า:

ฟลักซัสเริ่มต้นด้วยผลงาน แล้วจึงรวมตัวกัน โดยนำชื่อฟลักซัสมาใช้กับผลงานที่มีอยู่แล้ว ราวกับว่ามันเริ่มต้นขึ้นท่ามกลางสถานการณ์ มากกว่าที่จะเริ่มต้นตั้งแต่แรก^{[ 73 ] [ 74 ]}

โรเบิร์ต ฟิลลิอูวางฟลักซัสไว้ตรงข้ามกับศิลปะเชิงแนวคิด เนื่องจากมีการอ้างอิงถึงชีวิตประจำวันโดยตรง ทันที และเร่งด่วน และพลิกกลับข้อเสนอของดูชองป์ ซึ่งเริ่มต้นจากReady-made โดยนำชีวิตประจำวันเข้ามาสู่ศิลปะ ในขณะที่ฟลักซัสหลอมรวมศิลปะเข้ากับชีวิตประจำวัน หลายครั้งด้วยการกระทำหรือการแสดงเล็กๆ น้อยๆ^{[ 75 ]}

จอห์น เคจเป็นนักแต่งเพลง นักทฤษฎีดนตรี ศิลปิน และนักปรัชญาชาวอเมริกัน เขาเป็นผู้บุกเบิกด้านความไม่แน่นอนในดนตรีดนตรีอิเล็กโทรอะคูสติกและการใช้เครื่องดนตรีที่ไม่เป็นไปตามมาตรฐานเคจเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของกลุ่มศิลปะแนวหน้า หลังสงคราม นักวิจารณ์ยกย่องเขาว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในศตวรรษที่ 20 ^{[ 76 ] [ 77 ] [ 78 ] [ 79 ]}เขายังมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการเต้นรำสมัยใหม่โดยส่วนใหญ่ผ่านความสัมพันธ์กับนักออกแบบท่าเต้นเมอร์ซ คันนิงแฮมซึ่งเป็นคู่รักของเคจเกือบตลอดชีวิตของพวกเขา^{[ 80 ] [ 81 ]}

ซารี ดีเนสเพื่อนของเค จ ถือเป็นตัวเชื่อมที่สำคัญระหว่างกลุ่มAbstract Expressionists , ศิลปิน Neo- Dadaอย่างโรเบิร์ต เราเชนเบิร์กและเรย์ จอห์นสันและกลุ่ม Fluxus ดีเนสเป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินเหล่านี้ผสมผสานเส้นแบ่งระหว่างชีวิต เซน เทคนิคการสร้างงานศิลปะเชิงการแสดง และ "เหตุการณ์" ทั้งในรูปแบบที่วางแผนไว้ล่วงหน้าและแบบที่เกิดขึ้นเองโดยธรรมชาติ^{[ 82 ]}

ศิลปะกระบวนการ (Process art)เป็นขบวนการทางศิลปะที่ผลผลิตสุดท้ายของศิลปะและงานฝีมือ ซึ่งก็ คือ objet d'art ( งานศิลปะ / วัตถุที่พบ ) ไม่ใช่จุดสนใจหลัก แต่กระบวนการสร้างสรรค์เป็นแง่มุมที่เกี่ยวข้องมากที่สุด หากไม่ใช่แง่มุมที่สำคัญที่สุด ได้แก่ การรวบรวม การคัดแยก การจัดเรียง การเชื่อมโยง การสร้างรูปแบบ และยิ่งไปกว่านั้นคือการเริ่มต้นการกระทำและกระบวนการต่างๆ ศิลปินกระบวนการมองว่าศิลปะคือการแสดงออกของมนุษย์อย่างแท้จริง ศิลปะกระบวนการสนับสนุนแนวคิดที่ว่ากระบวนการสร้างสรรค์งานศิลปะสามารถเป็นงานศิลปะชิ้นหนึ่งได้ ศิลปินRobert Morrisให้ความสำคัญกับ "รูปแบบต่อต้าน" กระบวนการและเวลามากกว่าผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปที่เป็นวัตถุ^{[ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]}

Wardrip-FruinและMontfortในThe New Media Readerกล่าวว่า "คำว่า 'Happening' ถูกใช้เพื่ออธิบายการแสดงและกิจกรรมมากมายที่จัดโดย Allan Kaprow และคนอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 รวมถึงการผลิตละครจำนวนหนึ่งที่เขียนบทไว้แบบดั้งเดิมและเชิญชวนให้ผู้ชมมีปฏิสัมพันธ์เพียงเล็กน้อย" ^{[ 86 ]} Happening ช่วยให้ศิลปินสามารถทดลองกับการเคลื่อนไหวของร่างกาย เสียงที่บันทึกไว้ ข้อความที่เขียนและพูด และแม้แต่กลิ่น หนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของ Kaprow คือHappenings in the New York Sceneซึ่งเขียนขึ้นในปี 1961 ^{[ 87 ]} Happening ของ Allan Kaprow เปลี่ยนสาธารณชนให้กลายเป็นผู้ตีความ บ่อยครั้งที่ผู้ชมกลายเป็นส่วนหนึ่งของการแสดงโดยไม่รู้ตัว นักแสดงคนอื่นๆ ที่สร้างHappeningได้แก่Jim Dine , Al Hansen , Claes Oldenburg , Robert WhitmanและWolf Vostell : Theater is in the Street (ปารีส, 1958) ^{[ 88 ] [ 89 ]}

ผลงานของศิลปินการแสดงหลังปี 1968 มักแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลจากสถานการณ์ทางการเมืองและวัฒนธรรมในปีนั้นบาร์บารา ที. สมิธกับผลงาน Ritual Meal (1969) เป็นผู้นำทางด้านศิลปะเฟมินิสต์ที่ใช้ร่างกายและฉากในยุค 70 ซึ่งรวมถึงศิลปินคนอื่นๆ เช่นคาโรลี ชไนแมนน์และโจน โจนาส ศิลปิน เหล่านี้ รวมถึงโยโกะ โอโนะ , โจเซฟ บอยส์ , นัม จุน ไพค์ , วูล์ฟ วอสเทลล์ , อัลลัน คาพราว , วิโต อัคคอนซี , คริส เบอร์เดนและเดนนิส ออปเพนไฮม์เป็นผู้บุกเบิกความสัมพันธ์ระหว่างศิลปะร่างกายและศิลปะการแสดง เช่นเดียวกับ กลุ่ม Zajในสเปนกับเอสเธอร์ เฟอร์เรอร์และฮวน ฮิดัลโก

บาร์บารา สมิธเป็นศิลปินและนักเคลื่อนไหวชาวสหรัฐอเมริกา เธอเป็นหนึ่งในผู้สนับสนุนหลักของลัทธิสตรีนิยมและ การเคลื่อนไหวเพื่อสิทธิ LGBTในสหรัฐอเมริกา ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เธอทำงานเป็นครู นักเขียน และผู้ปกป้องกระแสสตรีนิยมผิวดำ^{[ 90 ]}เธอสอนในวิทยาลัยและมหาวิทยาลัยหลายแห่งในช่วงห้าปีที่ผ่านมา บทความ บทวิจารณ์ บทความสั้น และงานวิจารณ์วรรณกรรม ของสมิธ ได้รับการตีพิมพ์ในสิ่งพิมพ์ต่างๆ มากมาย รวมถึงThe New York Times , The Guardian , The Village VoiceและThe Nation ^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]}

Carolee Schneemann ^{[ 94 ]}เป็นศิลปินทดลองด้านทัศนศิลป์ชาว อเมริกัน ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานมัลติมีเดียเกี่ยวกับร่างกาย การเล่าเรื่องเพศวิถีและเพศสภาพ [ ^{95 ] เธอ}สร้างสรรค์ผลงานต่างๆ เช่นMeat Joy (1964) และInterior Scroll (1975) ^{[ 96 ]} Schneemann ถือว่าร่างกายของเธอเป็นพื้นผิวสำหรับการทำงาน^{[ 97 ]}เธออธิบายตัวเองว่าเป็น "จิตรกรที่ละทิ้งผืนผ้าใบเพื่อกระตุ้นพื้นที่จริงและเวลาที่ใช้ชีวิตอยู่" ^{[ 98 ]}

โจแอน โจนาส (เกิด 13 กรกฎาคม 1936) เป็นศิลปินทัศนศิลป์ชาวอเมริกันและผู้บุกเบิกศิลปะวิดีโอและศิลปะการแสดง ซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินหญิงที่สำคัญที่สุดที่ปรากฏตัวในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 99 ]}โครงการและการทดลองของโจนาสเป็นรากฐานที่ศิลปะการแสดงวิดีโอจำนวนมากจะยึดถือ อิทธิพลของเธอยังขยายไปถึงศิลปะเชิงแนวคิด ละคร ศิลปะการแสดง และสื่อทัศนศิลป์อื่นๆ เธออาศัยและทำงานในนิวยอร์กและโนวาสโกเชีย ประเทศแคนาดา^{[ 100 ] [ 101 ]}โจนาสได้ศึกษาศิลปะในย่านดาวน์ทาวน์ของนิวยอร์กในช่วงทศวรรษ 1960 กับนักออกแบบท่าเต้นทริชา บราวน์เป็นเวลาสองปี^{[ 102 ]} โจนาสยังทำงานร่วมกับนักออกแบบท่าเต้น อีวอนน์ ไรเนอร์ และ สตีฟ แพ็กซ์ตัน^{[ 103 ]}

โยโกะ โอโนะเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการศิลปะแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1960 เธอเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการฟลักซัส^{[ 104 ]}เธอเป็นที่รู้จักจากผลงานศิลปะการแสดงในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เช่น ผลงานCut Pieceซึ่งผู้เข้าชมสามารถเข้าไปแทรกแซงร่างกายของเธอได้จนกระทั่งเธอเปลือยเปล่า^{[ 105 ]}หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเธอคือWall piece สำหรับวงออร์เคสตรา (1962) ^{[ 106 ] [ 107 ]}

โจเซฟ บอยส์เป็นศิลปินชาวเยอรมันในกลุ่มฟลักซัสศิลปินการแสดงสด จิตรกร ประติมากร นักทำ เหรียญและศิลปินจัดวางในปี 1962 การกระทำของเขาร่วมกับขบวนการนีโอดาดาอิสต์ฟลักซัสเริ่มต้นขึ้น ซึ่งในที่สุดเขาก็กลายเป็นสมาชิกที่สำคัญที่สุดของกลุ่ม ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของเขาคือการทำให้ศิลปะเข้าถึงได้ง่ายขึ้นสำหรับสาธารณชนทุกประเภท^{[ 108 ]}ใน ผลงาน How to Explain Pictures to a Dead Hare (1965) เขาใช้น้ำผึ้งและแผ่นทองคำเปลวปิดหน้าของเขา และอธิบายผลงานของเขาให้กับกระต่ายที่ตายแล้วซึ่งนอนอยู่ในอ้อมแขนของเขา ในผลงานชิ้นนี้ เขาเชื่อมโยงปัจจัยเชิงพื้นที่และประติมากรรม ภาษา และเสียง เข้ากับรูปร่างของศิลปิน ท่าทางของร่างกาย และจิตสำนึกของผู้สื่อสารที่มีสัตว์เป็นผู้รับสาร^{[ 109 ]}บอยส์ทำหน้าที่เสมือนหมอผีที่มีพลังในการรักษาและช่วยเหลือสังคมที่เขาคิดว่าตายไปแล้ว^{[ 110 ]}ในปี 1974 เขาได้ทำการแสดงI Like America and America Likes Meโดยใช้ Beuys, หมาป่าโคโยตี้ และวัสดุต่างๆ เช่น กระดาษ สักหลาด และฟาง เป็นพาหนะในการสร้างสรรค์ผลงาน เขาอาศัยอยู่กับหมาป่าโคโยตี้เป็นเวลาสามวัน เขากองหนังสือพิมพ์ของสหรัฐอเมริกา ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของทุนนิยม^{[ 111 ]}เมื่อเวลาผ่านไป ความอดทนอดกลั้นระหว่าง Beuys กับหมาป่าโคโยตี้ก็เพิ่มมากขึ้น และในที่สุดเขาก็กอดสัตว์ตัวนั้น Beuys ทำซ้ำองค์ประกอบหลายอย่างที่ใช้ในผลงานอื่นๆ ของเขา^{[ 112 ]}วัตถุเหล่านี้แตกต่างจาก ready-mades ของ Duchamp ไม่ใช่เพราะความยากจนและความไม่ยั่งยืน แต่เพราะเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตของ Beuys เอง ซึ่งเขานำมาวางไว้หลังจากใช้ชีวิตอยู่กับมันและทิ้งร่องรอยไว้ หลายชิ้นมีความหมายเชิงอัตชีวประวัติ เช่น น้ำผึ้งหรือไขมันที่ชาวทาร์ทาร์ใช้ในการช่วยเหลือในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ในปี 1970 เขาได้สร้างFelt Suit ของ เขา นอกจากนี้ในปี 1970 Beuys ยังสอนประติมากรรมที่ Kunstakademie Düsseldorf อีกด้วย^{[ 113 ]}ในปี 1979 พิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheimในนครนิวยอร์กได้จัดแสดงผลงานย้อนหลังของเขาตั้งแต่ช่วงปี 1940 ถึง 1970 ^{[ 114 ] [ 115 ] [ 116 ]}

• 
  ภาพเหมือนของบาร์บารา สมิธ
• 
  การบรรยายโดยโยโกะ โอโนะในงานเวียนนาเบียนนาเล่ ปี 2012
• 
  ภาพเหมือนของโยโกะ โอโนะ
• 
  วิดีโออาร์ตจากพิพิธภัณฑ์บรู๊คลิน พร้อมบทสัมภาษณ์กับแคโรลี ชไนแมนน์
• 
  ภาพของโจแอน โจนาสระหว่างการแสดง ถูกบันทึกเป็นวิดีโอและจัดแสดงไว้ในปี 1972
• 
  ภาพเหมือนของศิลปินโจน โจนาส
• 
  ภาพเหมือนของโจเซฟ บอยส์ในการแสดงระหว่างการประชุม ปี 1978
• 
  โจเซฟ บอยส์ในผลงานศิลปะวิดีโอ

นัม จุน ไพค์เป็นศิลปินการแสดง นักแต่งเพลง และศิลปินวิดีโอชาวเกาหลีใต้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เขาศึกษาดนตรีและประวัติศาสตร์ศิลปะที่มหาวิทยาลัยโตเกียว ต่อมาในปี 1956 เขาเดินทางไปเยอรมนี ที่นั่นเขาศึกษาทฤษฎีดนตรีในมิวนิก จากนั้นก็ศึกษาต่อที่วิทยาลัยดนตรีไฟรบูร์กในโคโลญจน์ ขณะศึกษาอยู่ในเยอรมนี ไพค์ได้พบกับนักแต่งเพลงคาร์ลไฮนซ์ สต็อกเฮาเซนและจอห์น เคจและศิลปินเชิงแนวคิดชารอน เกรซรวมถึงจอร์จ มาซิอูนาส โจเซฟ บอยส์และวูล์ฟ โวสเทลล์และตั้งแต่ปี 1962 เป็นต้นมา เขาเป็นสมาชิกของขบวนการศิลปะทดลองฟลักซัส [ ^{117 ] [ 118 ] จาก}นั้นนัม จุน ไพค์ ก็เริ่มเข้าร่วมใน ขบวนการศิลปะ นีโอ-ดาดา หรือที่รู้จักกันในชื่อฟลักซัส ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากนักแต่งเพลง จอห์น เคจ และการใช้เสียงและเสียงรบกวนในชีวิตประจำวันในดนตรีของเขา^{[ 119 ]}เขาเป็นเพื่อนกับโยโกะ โอโนะในฐานะสมาชิกของฟลักซัส^{[ 120 ]}

Wolf Vostellเป็นศิลปินชาวเยอรมัน ซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดยเขาทำงานด้วยสื่อและเทคนิคที่หลากหลาย เช่น การวาดภาพ ประติมากรรมการติดตั้งการตัดแปะวิดีโออาร์ตการแสดง สด และฟลักซัส^{[ 121 ]}

Vito Acconci ^{[ 122 ] [ 123 ]}เป็นศิลปินชาวอเมริกันที่มีอิทธิพลในด้านการแสดง วิดีโอ และการติดตั้งซึ่งการปฏิบัติที่หลากหลายของเขาในที่สุดก็รวมถึงประติมากรรม การออกแบบสถาปัตยกรรม และการออกแบบภูมิทัศน์ ศิลปะการแสดงและวิดีโอที่เป็นรากฐานของเขา^{[ 124 ]}มีลักษณะเฉพาะด้วย "ความไม่สบายใจในเชิงอัตถิภาวะ" การแสดงออก ความไม่สบายใจ การละเมิด และการยั่วยุ ตลอดจนไหวพริบและความกล้าหาญ^{[ 123 ]}และมักเกี่ยวข้องกับการข้ามขอบเขต เช่น สาธารณะ-ส่วนตัว ยินยอม-ไม่ยินยอม และโลกแห่งความเป็นจริง-โลกแห่งศิลปะ^{[ 125 ] [ 126 ]}ผลงานของเขาถือว่ามีอิทธิพลต่อศิลปินหลายคน รวมถึงLaurie Anderson , Karen Finley , Bruce NaumanและTracey Eminเป็นต้น^{[ 125 ]}ในตอนแรก Acconci สนใจในบทกวีหัวรุนแรง แต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เขาเริ่มสร้าง การแสดงที่ได้รับอิทธิพล จาก Situationistบนท้องถนนหรือสำหรับผู้ชมกลุ่มเล็กๆ ที่สำรวจร่างกายและพื้นที่สาธารณะ ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดสองชิ้นของเขาคือFollowing Piece (1969) ซึ่งเขาเลือกคนสัญจรไปมาแบบสุ่มบนถนนในเมืองนิวยอร์กและติดตามพวกเขาให้นานที่สุดเท่าที่จะทำได้ และSeedbed (1972) ซึ่งเขาอ้างว่าเขาสำเร็จความใคร่ด้วยตนเองขณะอยู่ใต้พื้นชั่วคราวที่หอศิลป์ซอนนาเบนด์ขณะที่ผู้เข้าชมเดินอยู่ด้านบนและได้ยินเขาพูด^{[ 127 ]}

คริส เบอร์เดนเป็นศิลปินชาวอเมริกันที่ทำงานด้านศิลปะการแสดง ประติมากรรม และศิลปะจัดวางเบอร์เดนเป็นที่รู้จักในช่วงทศวรรษ 1970 จากผลงานศิลปะการแสดงของเขา รวมถึงShoot (1971) ซึ่งเขาจัดให้เพื่อนยิงเขาที่แขนด้วยปืนไรเฟิลขนาดเล็ก เบอร์เดนเป็นศิลปินที่มีผลงานมากมาย เขาสร้างผลงานจัดวาง งานศิลปะสาธารณะ และประติมากรรมที่มีชื่อเสียงมากมายก่อนเสียชีวิตในปี 2015 ^{[ 128 ] [ 129 ] [ 130 ]}เบอร์เดนเริ่มทำงานด้านศิลปะการแสดงในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เขาสร้างการแสดงที่ก่อให้เกิดข้อถกเถียงหลายชุด โดยมีแนวคิดเรื่องอันตรายส่วนบุคคลเป็นการแสดงออกทางศิลปะเป็นหัวใจสำคัญ ผลงานการแสดงชิ้นแรกที่สำคัญของเขาคือFive Day Locker Piece (1971) ซึ่งสร้างขึ้นสำหรับวิทยานิพนธ์ปริญญาโทของเขาที่มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนีย เออร์ไวน์^{[ 128 ]}และเกี่ยวข้องกับการที่เขาถูกขังอยู่ในล็อกเกอร์เป็นเวลาห้าวัน^{[ 131 ]}

เดนนิส ออปเพนไฮม์เป็นศิลปินแนวคิดศิลปินการแสดง ศิลปิน ธรรมชาติ ประติมากรและช่างภาพชาวอเมริกัน การปฏิบัติทางศิลปะในช่วงแรกของเดนนิส ออปเพนไฮม์ เป็นการตั้งคำถามเชิงญาณวิทยาเกี่ยวกับธรรมชาติของศิลปะ การสร้างศิลปะ และนิยามของศิลปะ: ศิลปะเชิงอภิปรัชญาซึ่งเกิดขึ้นเมื่อกลยุทธ์ของกลุ่มมินิมัลลิสต์ได้รับการขยายให้มุ่งเน้นไปที่สถานที่และบริบท นอกเหนือจากวาระด้านสุนทรียศาสตร์แล้ว ผลงานยังก้าวหน้าจากการรับรู้คุณสมบัติทางกายภาพของแกลเลอรีไปสู่บริบททางสังคมและการเมือง โดยส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของประติมากรรมสาธารณะถาวรในช่วงสองทศวรรษสุดท้ายของอาชีพที่สร้างสรรค์อย่างมาก ซึ่งความหลากหลายของผลงานอาจทำให้ผู้ที่วิพากษ์วิจารณ์เขาไม่พอใจ^{[ 132 ]}

ยาโยอิ คุซามะเป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่ตลอดอาชีพการงานของเธอได้ทำงานกับสื่อที่หลากหลาย รวมถึงประติมากรรม งานติดตั้ง จิตรกรรม การแสดง ภาพยนตร์ แฟชั่น บทกวี นิยาย และศิลปะแขนงอื่นๆ โดยส่วนใหญ่แสดงให้เห็นถึงความสนใจของเธอในเรื่องไซคีเดเลีย การทำซ้ำ และรูปแบบต่างๆ คุซามะเป็นผู้บุกเบิกศิลปะป๊อป มินิมัลลิสต์ และศิลปะสตรีนิยม และมีอิทธิพลต่อศิลปินร่วมสมัยอย่างแอนดี้ วอร์ฮอลและแคลส์ โอลเดนเบิร์ก [ ^{133 ] เธอ}ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีชีวิตอยู่ที่สำคัญที่สุดของญี่ปุ่นและเป็นเสียงที่สำคัญมากในศิลปะแนวหน้า^{[ 134 ] [ 135 ]}

• 
  การแสดงวิดีโอจัดแสดงโดยนัม จุน ไพค์ในปี 2008
• 
  การแสดงวิดีโอจัดแสดงโดยนัม จุน ไพค์ในเมืองดุสเซลดอร์ฟ
• 
  ภาพเหมือนของวูล์ฟ โวสเทลล์ในปี 1980
• 
  ภาพเหมือนของอัลลัน คาโปรว์ในปี 1973
• 
  Vito Acconciระหว่างการแสดงวิดีโอในปี 1973
• 
  การติดตั้งโดยVito Acconciในศูนย์ศิลปะร่วมสมัย Luigi Pecci
• 
  ผลงานจัดแสดงของเดนนิส ออปเพนไฮม์ในงานประติมากรรมนานาชาติแวนคูเวอร์

ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 การใช้รูปแบบวิดีโอโดยศิลปินการแสดงเริ่มเป็นที่ยอมรับมากขึ้น นิทรรศการบางส่วนของJoan JonasและVito Acconciสร้างขึ้นจากวิดีโอทั้งหมด โดยมีการกระตุ้นกระบวนการแสดงก่อนหน้านั้น ในทศวรรษนี้ มีหนังสือหลายเล่มที่กล่าวถึงการใช้สื่อการสื่อสาร วิดีโอ และภาพยนตร์โดยศิลปินการแสดง เช่นExpanded Cinemaโดย Gene Youngblood ได้รับการตีพิมพ์ หนึ่งในศิลปินหลักที่ใช้ทั้งวิดีโอและการแสดง โดยเฉพาะอย่างยิ่งงานติดตั้งภาพและเสียงที่มีชื่อเสียง คือศิลปินชาวเกาหลีใต้Nam June Paikซึ่งในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เคยอยู่ในขบวนการ Fluxus มาก่อน จนกระทั่งกลายเป็นศิลปินสื่อและพัฒนาไปสู่งานติดตั้งภาพและเสียงที่เขาเป็นที่รู้จักในปัจจุบัน

ผลงานของ Carolee Schneemannและ Robert Whitman ในช่วงทศวรรษ 1960 เกี่ยวกับการแสดงวิดีโอของพวกเขาก็ควรนำมาพิจารณาด้วยเช่นกัน ทั้งคู่เป็นผู้บุกเบิกศิลปะการแสดง โดยเปลี่ยนให้เป็นรูปแบบศิลปะอิสระในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 136 ]}

โจแอน โจนาสเริ่มนำวิดีโอมาใช้ในการแสดงเชิงทดลองของเธอในปี 1972 ในขณะที่บรูซ นาวแมนจัด ฉาก การแสดงของเขาให้บันทึกเป็นวิดีโอโดยตรง^{[ 137 ]}นาวแมนเป็นศิลปินมัลติมีเดียชาวอเมริกัน ซึ่งประติมากรรม วิดีโอ งานกราฟิก และการแสดงของเขาได้ช่วยสร้างความหลากหลายและพัฒนาวัฒนธรรมตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา ผลงานศิลปะที่ชวนให้รู้สึกไม่สบายใจของเขาเน้นย้ำถึงธรรมชาติเชิงแนวคิดของศิลปะและกระบวนการสร้างสรรค์^{[ 138 ]}เขาให้ความสำคัญกับแนวคิดและกระบวนการสร้างสรรค์มากกว่าผลลัพธ์ ศิลปะของเขาใช้วัสดุที่หลากหลายอย่างเหลือเชื่อ โดยเฉพาะอย่างยิ่งร่างกายของเขาเอง^{[ 139 ] [ 140 ]}

กิลเบิร์ตและจอร์จคือศิลปินชาวอิตาลี กิลเบิร์ต โพรเอช และศิลปินชาวอังกฤษ จอร์จ พาสมอร์ ผู้ซึ่งพัฒนาผลงานของพวกเขาในด้านศิลปะเชิงแนวคิด ศิลปะการแสดง และศิลปะร่างกาย พวกเขาเป็นที่รู้จักกันดีที่สุดจากผลงานประติมากรรมมีชีวิต^{[ 141 ] [ 142 ]}หนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของพวกเขาคือThe Singing Sculptureซึ่งศิลปินทั้งสองร้องเพลงและเต้นรำเพลง "Underneath the Arches" ซึ่งเป็นเพลงจากยุค 1930 นับตั้งแต่นั้นมา พวกเขาก็สร้างชื่อเสียงที่มั่นคงในฐานะประติมากรรมมีชีวิต โดยทำให้ตัวเองเป็นผลงานศิลปะที่จัดแสดงต่อหน้าผู้ชมในช่วงเวลาต่างๆ พวกเขามักจะปรากฏตัวในชุดสูทและเนคไท โดยใช้ท่าทางต่างๆ ที่พวกเขารักษาไว้โดยไม่ขยับเขยื้อน แม้ว่าบางครั้งพวกเขาจะขยับเขยื้อนและอ่านข้อความ และบางครั้งพวกเขาก็ปรากฏตัวในงานชุมนุมหรือการติดตั้งงานศิลปะ^{[ 143 ]}นอกเหนือจากประติมากรรมแล้ว กิลเบิร์ตและจอร์จยังสร้างผลงานภาพวาด ภาพตัดปะ และภาพตัดต่อ โดยพวกเขาถ่ายภาพตัวเองข้างๆ วัตถุต่างๆ จากสภาพแวดล้อมโดยรอบ พร้อมอ้างอิงถึงวัฒนธรรมเมืองและเนื้อหาที่เข้มข้น พวกเขาพูดถึงหัวข้อต่างๆ เช่น เพศ เชื้อชาติ ความตายและเอชไอวี ศาสนา หรือการเมือง^{[ 144 ]}ซึ่งหลายครั้งเป็นการวิพากษ์วิจารณ์รัฐบาลอังกฤษและอำนาจที่จัดตั้งขึ้น ผลงานที่โดดเด่นและทะเยอทะยานที่สุดของกลุ่มคือJack Freak Picturesซึ่งพวกเขาใช้สีแดง ขาว และน้ำเงินในธงยูเนี่ยนแจ็กอย่างต่อเนื่อง กิลเบิร์ตและจอร์จได้จัดแสดงผลงานของพวกเขาในพิพิธภัณฑ์และหอศิลป์ทั่วโลก เช่น Stedelijk van Abbemuseum แห่งไอนด์โฮเฟน (1980) Hayward Gallery ในลอนดอน (1987) และTate Modern (2007) พวกเขายังเข้าร่วมในงานเวนิสเบียนนาเล่ และได้รับรางวัลเทอร์เนอร์ในปี 1986 ^{[ 145 ]}

ศิลปะการแสดงแบบอดทนสำรวจธีมต่างๆ เช่น ภวังค์ ความเจ็บปวด ความโดดเดี่ยว การถูกลิดรอนอิสรภาพ การแยกตัว และความเหนื่อยล้า^{[ 146 ]}ผลงานที่ดำเนินไปในช่วงเวลาที่ยาวนานมักถูกจัดประเภทเป็นการแสดงแบบยาวนาน^{[ 147 ]}หนึ่งในบุคคลผู้บุกเบิกแนวทางนี้คือคริส เบอร์เดนซึ่งมีบทบาทในศิลปะการแสดงรูปแบบนี้ในช่วงทศวรรษ 1970 ^{[ 148 ]}ในผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาFive Day Locker Piece (1971) เขาอยู่ภายในล็อกเกอร์ของโรงเรียนเป็นเวลาห้าวัน ในShoot (1971) เขาถูกยิงด้วยอาวุธปืน และในBed Piece (1972) เขานอนอยู่บนเตียงในหอศิลป์เป็นเวลา 22 วันติดต่อกัน^{[ 149 ]}อีกตัวอย่างหนึ่งของศิลปินแบบอดทนคือ เทห์ชิง เซียะ ในระหว่างการแสดงที่สร้างขึ้นในปี 1980–1981 ( Time Clock Piece ) เซียะถ่ายรูปตัวเองข้างนาฬิกาที่ติดตั้งอยู่ในสตูดิโอของเขาทุกชั่วโมงเป็นเวลาหนึ่งปีเต็ม Hsieh ยังเป็นที่รู้จักจากผลงานการแสดงเกี่ยวกับการถูกจำกัดเสรีภาพ โดยเขาถูกกักขังอยู่เป็นเวลาหนึ่งปีเต็ม^{[ 150 ]}ศิลปินอีกคนหนึ่งที่สร้างสรรค์การแสดงแบบต่อเนื่องยาวนานคือBryan Lewis Saunders ซึ่งโปรเจกต์ Under the Influence (1995–ปัจจุบัน) ของเขา เกี่ยวข้องกับการสร้างภาพเหมือนตนเองทุกวันในระหว่างสภาวะการรับรู้ที่เปลี่ยนแปลงไป ^{[ 151 ]}และในผลงาน30 Days Totally Blind (2018) เขาใช้เวลาหนึ่งเดือนในการปิดตาตัวเองอย่างสมบูรณ์ โดยในระหว่างนั้นเขายังคงสร้างภาพเหมือนตนเองทุกวัน^{[ 152 ]}ในผลงาน The House With the Ocean View (2003) Marina Abramovićใช้ชีวิตอย่างเงียบๆ เป็นเวลาสิบสองวันโดยไม่กินอาหาร^{[ 153 ]} The Nine Confinements or The Deprivation of Libertyเป็นชุดการแสดงแบบอดทนเชิงแนวคิดโดยศิลปินAbel Azconaซึ่งสร้างขึ้นระหว่างปี 2013 ถึง 2016 โดยแต่ละผลงานกล่าวถึงการถูกจำกัดเสรีภาพอย่างไม่ชอบธรรม

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 ภายใต้ม่านเหล็ก ในเมืองใหญ่ๆ ของยุโรปตะวันออก เช่นบูดาเปสต์คราคอฟเบลเกรด ซาเกร็บโนวีซาดและอื่นๆ ศิลปะการแสดงที่มีเนื้อหาเชิงทดลองมากขึ้นเฟื่องฟูขึ้น ภายใต้การควบคุมทางการเมืองและสังคม ศิลปินหลายคนที่สร้างการแสดงที่มีเนื้อหาทางการเมืองก็เกิดขึ้นชุดการแสดงของOrshi Drozdik ที่มีชื่อว่า Individual Mythology 1975–77 และNudeModel 1976–77 การกระทำทั้งหมดของเธอเป็นการวิพากษ์วิจารณ์วาทกรรมแบบปิตาธิปไตยในศิลปะและโครงการปลดปล่อยที่ถูกบังคับซึ่งสร้างขึ้นโดยรัฐที่เป็นปิตาธิปไตยเช่นกัน^{[ 154 ]} Drozdik แสดงให้เห็นถึงจุดยืนที่เป็นผู้บุกเบิกและสตรีนิยมในทั้งสองเรื่อง กลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะเชิงวิพากษ์ประเภทนี้ในยุโรปตะวันออก^{[ 155 ]}ในช่วงทศวรรษ 1970 ศิลปะการแสดงเนื่องจากความไม่ยั่งยืน จึงมีบทบาทสำคัญในกลุ่มศิลปะแนวหน้าของยุโรปตะวันออก โดยเฉพาะในโปแลนด์และยูโกสลาเวีย ซึ่งมีศิลปินหลายสิบคนที่สำรวจร่างกายในเชิงแนวคิดและวิพากษ์วิจารณ์

ในช่วงกลางทศวรรษ 1976 UlayและMarina Abramovićได้ก่อตั้งกลุ่ม The Other ในเมืองอัมสเตอร์ดัมเมื่อ Abramović และ Ulay ^{[ 156 ]}เริ่มทำงานร่วมกัน แนวคิดหลักที่พวกเขาสำรวจคืออัตตาและเอกลักษณ์ทางศิลปะ นี่คือจุดเริ่มต้นของการทำงานร่วมกันเป็นเวลาหนึ่งทศวรรษ^{[ 157 ]}ศิลปินทั้งสองต่างสนใจในประเพณีมรดกทางวัฒนธรรมและความปรารถนาของแต่ละบุคคลที่มีต่อพิธีกรรม^{[ 158 ]}ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงก่อตั้งกลุ่มที่ชื่อว่าThe Otherพวกเขาแต่งกายและประพฤติตนเป็นหนึ่งเดียวกัน และสร้างความสัมพันธ์ที่ไว้วางใจกันอย่างแท้จริง พวกเขาสร้างผลงานชุดหนึ่งที่ร่างกายของพวกเขาสร้างพื้นที่เพิ่มเติมสำหรับการมีปฏิสัมพันธ์ของผู้ชม ในผลงานRelation in Spaceพวกเขาวิ่งไปรอบห้อง ร่างกายสองร่างเปรียบเสมือนดาวเคราะห์สองดวง ผสานพลังงานชายและหญิงเข้าด้วยกันเป็นองค์ประกอบที่สามที่พวกเขาเรียกว่า "ตัวตนนั้น" ^{[ 159 ]}ในผลงาน Relation in Movement (1976) คู่รักคู่นี้ขับรถของพวกเขาภายในพิพิธภัณฑ์ หมุน 365 รอบ ของเหลวสีดำหยดลงมาจากรถ ก่อตัวเป็นประติมากรรม และแต่ละรอบแทนหนึ่งปี^{[ 160 ]}หลังจากนั้น พวกเขาสร้างผลงาน Breathing In/Breathing Outโดยที่ทั้งสองคนนำริมฝีปากมาประกบกันและสูดอากาศที่อีกฝ่ายหายใจออกเข้าไปจนกระทั่งออกซิเจนหมด 17 นาทีหลังจากเริ่มการแสดง ทั้งสองคนก็หมดสติเนื่องจากปอดเต็มไปด้วยคาร์บอนไดออกไซด์ ผลงานชิ้นนี้สำรวจแนวคิดเกี่ยวกับความสามารถของคนคนหนึ่งในการดูดซับชีวิตจากอีกคนหนึ่ง เปลี่ยนแปลงและทำลายพวกเขา ในปี 1988 หลังจากความสัมพันธ์ที่ตึงเครียดมาหลายปี อับราโมวิชและอูเลย์ตัดสินใจเดินทางทางจิตวิญญาณที่จะยุติความสัมพันธ์แบบกลุ่ม พวกเขาเดินไปตามกำแพงเมืองจีน โดยเริ่มจากปลายด้านตรงข้ามและพบกันครึ่งทาง อับราโมวิชได้แรงบันดาลใจจากความฝัน และมันทำให้เธอเห็นว่าเป็นการจบความสัมพันธ์ที่เหมาะสมและโรแมนติก เต็มไปด้วยความลึกลับ พลัง และแรงดึงดูด^{[ 161 ]}อูลายเริ่มต้นที่ทะเลทรายโกบี และอับราโมวิชที่ทะเลเหลือง แต่ละคนเดินเป็นระยะทาง 2500 กิโลเมตร พบกันกลางทางและกล่าวอำลากัน

ในปี 1973 ลอรี แอนเดอร์สันได้ตีความผลงานDuets on Iceบนท้องถนนในนิวยอร์กมารินา อับราโมวิชในการแสดงRhythm 10ได้รวมเอาแนวคิดเรื่องการละเมิดร่างกายไว้ด้วย^{[ 162 ]}สามสิบปีต่อมา หัวข้อเรื่องการข่มขืน ความอับอาย และการแสวงประโยชน์ทางเพศ จะถูกนำมาตีความใหม่ในผลงานของศิลปินร่วมสมัย เช่นคลิฟฟอร์ด โอเวนส์ [ ^{163 ]}จิลเลียน วอลช์แพท โอเลสโก^และ รีเบคก้า พาเท ค เป็นต้น^{[ 164 ]}ศิลปินหน้าใหม่ที่มีการกระทำที่รุนแรงได้สร้างความแข็งแกร่งให้กับตนเองในฐานะผู้บุกเบิกหลักของศิลปะการแสดง เช่นคริส เบอร์เดนกับผลงานShoot ในปี 1971 ซึ่งผู้ช่วยยิงเขาที่แขนจากระยะห้าเมตร และวิโต อัคคอนซีในปีเดียวกันกับSeedbedผลงานEye Body (1963) โดยคาโรลี ชไนมันน์ ในปี 1963 ถือเป็นต้นแบบของศิลปะการแสดงแล้ว ในปี 1975 ชไนมานน์หวนกลับมาสร้างผลงานเดี่ยวที่แปลกใหม่ เช่นInterior Scrollซึ่งแสดงให้เห็นถึงเรือนร่างของผู้หญิงในฐานะสื่อทางศิลปะ

หนึ่งในศิลปินหลักคือจีน่า พาเน [ ^{165 ] ศิลปิน}ชาวฝรั่งเศสเชื้อสายอิตาลี เธอศึกษาที่École nationale supérieure des Beaux-Artsในปารีสตั้งแต่ปี 1960 ถึง 1965 ^{[ 166 ]}และเป็นสมาชิกของขบวนการศิลปะการแสดงในช่วงทศวรรษ 1970 ในฝรั่งเศส ซึ่งเรียกว่า "Art Corporel" ^{[ 167 ]}ควบคู่ไปกับงานศิลปะของเธอ พาเนสอนที่ Ecole des Beaux-Arts ในเมืองม็องส์ตั้งแต่ปี 1975 ถึง 1990 และกำกับสตูดิโอที่อุทิศให้กับศิลปะการแสดงในศูนย์ปอมปิโดตั้งแต่ปี 1978 ถึง 1979 ^{[ 167 ]}หนึ่งในผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของเธอคือThe Conditioning (1973) ซึ่งเธอถูกนอนลงบนสปริงเตียงโลหะเหนือบริเวณที่มีเทียนจุดไฟผลงาน The Conditioningสร้างขึ้นเพื่อเป็นการแสดงความเคารพต่อMarina Abramovićซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของSeven Easy Pieces (2005) ของเธอที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ Solomon R. Guggenheimในนครนิวยอร์กในปี 2005 ผลงานส่วนใหญ่ของเธอเน้นไปที่ความเจ็บปวดที่เธอสร้างขึ้นเอง ซึ่งทำให้เธอแตกต่างจากศิลปินหญิงคนอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1970 ผ่านความรุนแรงของการกรีดผิวหนังด้วยมีดโกนหรือการดับไฟด้วยมือและเท้าเปล่า Pane มีเจตนาที่จะกระตุ้นประสบการณ์ที่แท้จริงในผู้เข้าชม ซึ่งจะรู้สึกสะเทือนใจกับความไม่สบายใจนั้น^{[ 165 ]}ลักษณะที่ทรงพลังของผลงานศิลปะการแสดงหรือการกระทำชิ้นแรกๆ เหล่านี้ ตามที่เธอชอบเรียก มักจะบดบังผลงานภาพถ่ายและประติมากรรมอันมากมายของเธอ อย่างไรก็ตาม ร่างกายยังคงเป็นประเด็นหลักในผลงานของ Pane ไม่ว่าจะในเชิงรูปธรรมหรือเชิงแนวคิด

• 
  ภาพเหมือนของอูเลย์ในปี 1972
• 
  ฟูร์โกเน่ของอับราโมวิชและอูเลย์
• 
  นิทรรศการแสดงผลงานชุดแรกของมารินา อับราโมวิชในสตอกโฮล์ม
• 
  ผลงานจัดแสดงโดยบรูซ นาวแมนในประเทศเยอรมนี
• 
  วิดีโอจัดแสดงโดยนัม จุน ไพค์
• 
  กิลเบิร์ตและจอร์จในการนำเสนอ
• 
  ออร์ชี โดรซดิก ในนิทรรศการครั้งหนึ่งของเธอ

จนกระทั่งถึงทศวรรษ 1980 ศิลปะการแสดงได้ทำลายความลับของความเชี่ยวชาญซึ่งเป็นหนึ่งในลักษณะสำคัญของมัน อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา ศิลปะการแสดงเริ่มนำเอาความเก่งกาจทางเทคนิคมาใช้บ้าง^{[ 168 ]}อ้างอิงถึงผลงานPresence and Resistance ^{[ 169 ]}โดย Philip Auslander นักวิจารณ์การเต้นรำ Sally Banes เขียนว่า "...เมื่อถึงปลายทศวรรษ 1980 ศิลปะการแสดงเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายจนไม่จำเป็นต้องมีการนิยามอีกต่อไป วัฒนธรรมมวลชน โดยเฉพาะโทรทัศน์ ได้เข้ามาให้ทั้งโครงสร้างและเนื้อหาสำหรับศิลปะการแสดงจำนวนมาก และศิลปินการแสดงหลายคน รวมถึง Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe และ Ann Magnuson ได้กลายเป็นศิลปินข้ามสายในวงการบันเทิงกระแสหลักอย่างแท้จริง" ^{[ 170 ]}ในทศวรรษนี้ พารามิเตอร์และเทคนิคที่สร้างขึ้นเพื่อชำระล้างและทำให้ศิลปะการแสดงสมบูรณ์แบบได้รับการกำหนดขึ้น

แม้ว่าการแสดงหลายอย่างจะจัดขึ้นภายในกลุ่มศิลปินขนาดเล็ก แต่โรสลี โกลด์เบิร์กตั้งข้อสังเกตในหนังสือPerformance Art: From Futurism to the Presentว่า "ศิลปะการแสดงเป็นวิธีการดึงดูดความสนใจของสาธารณชนในวงกว้างโดยตรง รวมถึงการสร้างความตกใจให้ผู้ชมได้ทบทวนความคิดของตนเองเกี่ยวกับศิลปะและความสัมพันธ์กับวัฒนธรรม ในทางกลับกัน ความสนใจของสาธารณชนในสื่อนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในทศวรรษ 1980 เกิดจากความปรารถนาอย่างชัดเจนของสาธารณชนที่จะเข้าถึงโลกศิลปะ เป็นผู้ชมพิธีกรรมและชุมชนที่โดดเด่น และประหลาดใจกับการนำเสนอที่ไม่คาดคิดและแหวกแนวเสมอที่ศิลปินคิดค้นขึ้น" ในทศวรรษนี้ มีสิ่งพิมพ์และหนังสือรวบรวมเกี่ยวกับศิลปะการแสดงและศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดเกิดขึ้นมากมาย

ในทศวรรษ 1980 บริบททางการเมืองมีบทบาทสำคัญต่อการพัฒนาทางศิลปะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศิลปะการแสดง เนื่องจากผลงานเกือบทุกชิ้นที่สร้างขึ้นด้วยวาทกรรมเชิงวิพากษ์และทางการเมืองล้วนอยู่ในสาขานี้ จนกระทั่งการเสื่อมถอยของกลุ่มประเทศยุโรปตะวันออกในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ศิลปะการแสดงถูกปฏิเสธอย่างแข็งขันโดยรัฐบาลคอมมิวนิสต์ส่วนใหญ่ ยกเว้นโปแลนด์และยูโกสลาเวีย ศิลปะการแสดงถูกห้ามในประเทศที่เกรงกลัวต่อกิจกรรมสาธารณะอิสระใดๆ ในเยอรมนีตะวันออก เชโกสโลวาเกีย ฮังการี และลัตเวีย ศิลปะการแสดงเกิดขึ้นในอพาร์ตเมนต์ ในการรวมตัวกันอย่างไม่เป็นทางการในสตูดิโอของศิลปิน ในสถานที่ที่ควบคุมโดยโบสถ์ หรือถูกปกปิดในฐานะกิจกรรมอื่น เช่น การถ่ายภาพ เมื่อแยกตัวออกจากบริบททางความคิดแบบตะวันตก ในสภาพแวดล้อมที่แตกต่างกัน มันอาจเป็นการประท้วงอย่างสนุกสนานหรือเป็นการแสดงความคิดเห็นที่ขมขื่น โดยใช้คำอุปมาอุปไมยที่บ่อนทำลายเพื่อแสดงความไม่เห็นด้วยกับสถานการณ์ทางการเมือง^{[ 171 ]}ในบรรดาผลงานศิลปะการแสดงที่มีเนื้อหาทางการเมืองที่โดดเด่นที่สุดในช่วงเวลานี้ ได้แก่ ผลงานของTehching Hsiehระหว่างเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2526 ถึงกรกฎาคม พ.ศ. 2527 เรื่อง ศิลปะ/ชีวิต: การแสดงหนึ่งปี (ชิ้นงานเชือก) ^{[ 172 ]}

ในปี 1982 คำว่า "กวีนิพนธ์" และ "การแสดง" ถูกนำมาใช้ร่วมกันเป็นครั้งแรกกวีนิพนธ์เชิงการแสดงปรากฏขึ้นเพื่อแยกแยะการแสดงด้วยเสียงที่ใช้เนื้อหาออกจากศิลปะการแสดง โดยเฉพาะอย่างยิ่งงานของศิลปินการแสดงบนเวทีและดนตรี เช่น ลอรี แอนเดอร์สัน ซึ่งทำงานด้านดนตรีในเวลานั้น กวีนิพนธ์เชิงการแสดงพึ่งพาการแสดงออกทางวาทศิลป์และปรัชญาในบทกวีของพวกเขามากกว่าศิลปินการแสดง ซึ่งเกิดขึ้นจากประเภทศิลปะทัศนศิลป์ เช่น จิตรกรรมและประติมากรรม ศิลปินหลายคนนับตั้งแต่จอห์น เคจได้ผสมผสานการแสดงเข้ากับพื้นฐานทางกวีนิพนธ์

นับตั้งแต่ปี 1973 เวิร์คช็อปสตูดิโอเฟมินิสต์ในอาคารสตรีแห่งลอสแอนเจลิสได้ส่งผลกระทบต่อกระแสการเคลื่อนไหวเพื่อสิทธิสตรี แต่จนกระทั่งปี 1980 การผสมผสานระหว่างสิทธิสตรีและศิลปะการแสดงจึงยังไม่สมบูรณ์ การผสานกันระหว่างสิทธิสตรีและศิลปะการแสดงได้พัฒนาไปอย่างต่อเนื่องในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา ในสองทศวรรษแรกของการพัฒนาศิลปะการแสดง ผลงานที่ไม่ได้ถูกมองว่าเป็นงานเพื่อสิทธิสตรีในตอนแรก กลับถูกมองว่าเป็นเช่นนั้นในปัจจุบัน

ถึงกระนั้น จนกระทั่งปี 1980 ศิลปินจึงเริ่มนิยามตนเองว่าเป็นเฟมินิสต์ กลุ่มศิลปินหญิงที่ได้รับอิทธิพลจากขบวนการนักศึกษาปี 1968 และขบวนการเฟมินิสต์ก็โดดเด่นขึ้นมา^{[ 173 ]}ความเชื่อมโยงนี้ได้รับการกล่าวถึงในการวิจัยประวัติศาสตร์ศิลปะร่วมสมัย ผู้หญิงบางคนที่มีส่วนร่วมอย่างสร้างสรรค์ในการนำเสนอและนิทรรศการที่เกี่ยวข้องมากที่สุดคือPina BauschและGuerrilla Girlsซึ่งปรากฏตัวขึ้นในปี 1985 ในนิวยอร์กซิตี้^{[ 174 ]}กลุ่มศิลปะเฟมินิสต์และต่อต้านการเหยียดเชื้อชาติที่ไม่เปิดเผยตัวตน^{[ 175 ] [ 176 ] [ 177 ] [ 178 ]}พวกเขาเลือกชื่อนั้นเพราะพวกเขาใช้กลยุทธ์แบบกองโจรในการเคลื่อนไหว^{[ 175 ]}เพื่อประณามการเลือกปฏิบัติทางเพศต่อผู้หญิงในวงการศิลปะผ่านศิลปะการเมืองและศิลปะการแสดง^{[ 179 ] [ 180 ] [ 181 ] [ 182 ]}การแสดงครั้งแรกของพวกเขาคือการติดโปสเตอร์และปรากฏตัวต่อสาธารณะในพิพิธภัณฑ์และหอศิลป์ในนิวยอร์ก เพื่อวิพากษ์วิจารณ์ข้อเท็จจริงที่ว่าคนบางกลุ่มถูกเลือกปฏิบัติเนื่องจากเพศหรือเชื้อชาติของพวกเขา^{[ 183 ]}ทั้งหมดนี้ทำโดยไม่เปิดเผยตัวตน ในการปรากฏตัวทั้งหมดนี้ พวกเขาปิดบังใบหน้าด้วยหน้ากากกอริลลา (เนื่องจากคำว่า "กอริลลา" และ "กองโจร" มีการออกเสียงคล้ายกัน) พวกเขาใช้ชื่อของศิลปินหญิงที่เสียชีวิตไปแล้วเป็นชื่อเล่น^{[ 184 ]}ตั้งแต่ทศวรรษ 1970 จนถึงทศวรรษ 1980 ในบรรดาผลงานที่ท้าทายระบบและกลยุทธ์การนำเสนอแบบเดิม ๆ ผลงานหลัก ๆ จะเน้นที่ร่างกายของผู้หญิง เช่น ผลงานของ Ana Mendietaในนิวยอร์กซิตี้ ที่ร่างกายของเธอถูกทำร้ายและทารุณ หรือการนำเสนอทางศิลปะของLouise Bourgeoisด้วยวาทกรรมแบบมินิมัลลิสต์ที่ปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 และ 1980 ขอชื่นชมเป็นพิเศษกับผลงานที่สร้างสรรค์ด้วยเรือนร่างของผู้หญิงและแนวคิดสตรีนิยมเช่น ผลงานของ Lynda Benglisและการแสดงออกเชิงสัญลักษณ์ของอวัยวะเพศชาย ซึ่งได้สร้างภาพลักษณ์ของผู้หญิงขึ้นใหม่ให้มีความหมายมากกว่าแค่ความลุ่มหลง ผ่านศิลปะการแสดงเชิงสตรีนิยม ร่างกายกลายเป็นพื้นที่สำหรับการพัฒนาวาทกรรมและความหมายใหม่ๆ เหล่านี้ ศิลปินEleanor Antinผู้สร้างสรรค์ผลงานในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 ได้ทำงานในหัวข้อเรื่องเพศ เชื้อชาติ และชนชั้นCindy Shermanในผลงานชิ้นแรกๆ ของเธอในช่วงทศวรรษ 1970 และในผลงานที่แสดงถึงวุฒิภาวะทางศิลปะของเธอในช่วงทศวรรษ 1980 ยังคงสานต่อแนวทางการวิพากษ์วิจารณ์ในการล้มล้างตัวตนที่ถูกกำหนดไว้ ผ่านการใช้ร่างกายเป็นวัตถุแห่งอภิสิทธิ์

ซินดี้ เชอร์แมนเป็นช่างภาพและศิลปินชาวอเมริกัน เธอเป็นหนึ่งในศิลปินหลังสงครามที่เป็นตัวแทนมากที่สุด และจัดแสดงผลงานมากกว่าสามทศวรรษในพิพิธภัณฑ์ ศิลปะสมัยใหม่ (MoMA ) แม้ว่าเธอจะปรากฏตัวในภาพถ่ายเชิงการแสดงส่วนใหญ่ของเธอ แต่เธอก็ไม่ได้ถือว่าภาพเหล่านั้นเป็นภาพเหมือนตนเอง เชอร์แมนใช้ตัวเองเป็นสื่อกลางในการนำเสนอหัวข้อต่างๆ มากมายในโลกปัจจุบัน เช่น บทบาทของผู้หญิงในสังคมของเรา และวิธีที่พวกเธอถูกนำเสนอในสื่อ ตลอดจนธรรมชาติของการสร้างสรรค์งานศิลปะ ในปี 2020 เธอได้รับรางวัลWolf Prize สาขาศิลปะ^{[ 185 ]}

จูดี้ ชิคาโกเป็นศิลปินและผู้บุกเบิกศิลปะเฟมินิสต์และศิลปะการแสดงในสหรัฐอเมริกา ชิคาโกเป็นที่รู้จักจากผลงานศิลปะจัดวางขนาดใหญ่ที่ทำร่วมกับผู้อื่น โดยใช้ภาพเกี่ยวกับการเกิดและการสร้างสรรค์ เพื่อสำรวจบทบาทของผู้หญิงในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม ในช่วงทศวรรษ 1970 ชิคาโกได้ก่อตั้งโครงการศิลปะเฟมินิสต์แห่งแรกในสหรัฐอเมริกา ผลงานของชิคาโกผสมผสานทักษะทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น การเย็บปักถักร้อย ซึ่งแตกต่างจากทักษะที่ต้องใช้แรงงานจำนวนมาก เช่น การเชื่อมโลหะและการจุดพลุ ผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของชิคาโกคือThe Dinner Partyซึ่งได้รับการจัดแสดงอย่างถาวรในศูนย์ศิลปะเฟมินิสต์ Elizabeth A. Sackler ในพิพิธภัณฑ์บรูคลิน The Dinner Party เป็นการเฉลิมฉลองความสำเร็จของผู้หญิงตลอดประวัติศาสตร์ และได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นงานศิลปะเฟมินิสต์ชิ้นเอกชิ้นแรก โครงการที่โดดเด่นอื่นๆ ได้แก่International Honor Quilt , The Birth Project, ^{[ 186 ]} Powerplay, ^{[ 187 ]}และThe Holocaust Project ^{[ 188 ]}

กลุ่มศิลปะเลสเบี้ยนชาวแคนาดาKiss & Tellซึ่งประกอบด้วยPersimmon Blackbridge (เกิดปี 1951), Lizard Jones (เกิดปี 1961) และSusan Stewart (เกิดปี 1952) แสดงออกถึงความเป็นเฟมินิสต์แบบเควียร์ตลอดการปฏิบัติงานสร้างสรรค์ของพวกเขา ซึ่งรวมถึงงานแสดงหลากหลายรูปแบบ^{[ 189 ] การแสดงของพวกเขารวมถึงบทพูดคนเดียว การสารภาพ และเรื่องเล่าตลกขบขัน นำ เสนอ}ผ่านการผสมผสานระหว่างการเล่าเรื่อง การถ่ายภาพ วิดีโอ และดนตรี เพื่อกระตุ้นและเชื่อมโยงกับผู้ชม Kiss & Tell ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินการแสดง เช่นEmmy Hennings , Carolee Schneemann , Martha RoslerและGuerilla Girls ^{[ 189} ]

• 
  นักเรียนในนิทรรศการของมาร์ธา รอสเลอ ร์
• 
  กลุ่มGuerrilla Girlsในงานเปิดตัวที่ลอนดอน
• 
  Works of the 'Guerrilla Girls' in an exhibition in the Museum of Modern Art, Manhattan, New York
• 
  Guerrilla Girls exhibition
• 
  Installation by Louise Bourgeois in a Brazilian museum
• 
  Portrait of Judy Chicago

In this decade performance art spread until reaching Latin America through the workshops and programmes that universities and academic institutions offered. It mainly developed in Mexico, Colombia -with artists such as Maria Teresa Hincapié—, in Brasil and in Argentina.^[190]

Ana Mendieta was a conceptual and performance artist born in Cuba and raised in the United States. She's mostly known for her artworks and performance art pieces in land art. Mendieta's work was known mostly in the feminist art critic environment. Years after her death, specially since the Whitney Museum of American Art retrospective in 2004^[191] and the retrospective in the Haywart Gallery in London in 2013^[192] she is considered a pioneer of performance art and other practices related to body art and land art, sculpture and photography.^[193] She described her own work as earth-body art.^[194][195]

Tania Bruguera is a Cuban artist specialized in performance art and political art. Her work mainly consists of her interpretation of political and social topics.^[196] She has developed concepts such as "conduct art" to define her artistic practices with a focus on the limits of language and the body confronted to the reaction and behavior of the spectators. She also came up with "useful art", that it ought to transform certain political and legal aspects of society. Brugera's work revolves around power and control topics, and a great portion of her work questions the current state of her home country, Cuba. In 2002 she created the Cátedra Arte de Conducta in La Habana.^{[197][198][199]}

เรจินา โฮเซ กาลินโดเป็นศิลปินชาวกัวเตมาลาที่เชี่ยวชาญด้านศิลปะการแสดง ผลงานของเธอมีลักษณะเด่นคือเนื้อหาทางการเมืองและการวิพากษ์วิจารณ์ที่ชัดเจน โดยใช้ร่างกายของเธอเองเป็นเครื่องมือในการเผชิญหน้าและการเปลี่ยนแปลงทางสังคม^{[ 200 ]}เส้นทางอาชีพศิลปะของเธอได้รับผลกระทบจากสงครามกลางเมืองกัวเตมาลาที่เกิดขึ้นระหว่างปี 1960 ถึง 1996 ซึ่งก่อให้เกิดการฆ่าล้างเผ่าพันธุ์ผู้คนกว่า 200,000 คน ซึ่งส่วนใหญ่เป็นชนพื้นเมือง เกษตรกร ผู้หญิง และเด็ก^{[ 190 ]}ด้วยผลงานของเธอ กาลินโดประณามความรุนแรง การเหยียดเพศ (หนึ่งในหัวข้อหลักของเธอคือการฆาตกรรมสตรี) มาตรฐานความงามแบบตะวันตก การกดขี่ชนชั้นสูง และการใช้อำนาจในทางที่ผิด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในบริบทของประเทศของเธอ แม้ว่าภาษาของเธอจะข้ามพรมแดนก็ตาม ตั้งแต่เริ่มต้น เธอใช้ร่างกายของเธอเป็นสื่อเท่านั้น ซึ่งบางครั้งเธอก็นำร่างกายไปสู่สถานการณ์สุดขั้ว (เช่นในHimenoplasty (2004) ที่เธอเข้ารับการผ่าตัดสร้างเยื่อพรหมจรรย์ใหม่ ซึ่งเป็นผลงานที่ได้รับรางวัล Golden Lyon ในงานVenice Biennale ) จากนั้นก็มีอาสาสมัครหรือคนรับจ้างมามีปฏิสัมพันธ์กับเธอ ทำให้เธอสูญเสียการควบคุมการกระทำ^{[ 201 ]}

ขณะที่กลุ่มประเทศโซเวียตล่มสลาย ศิลปะการแสดงบางประเภทที่เคยถูกห้ามก็เริ่มแพร่หลาย ศิลปินรุ่นใหม่จากอดีตกลุ่มประเทศตะวันออก รวมถึงรัสเซีย ต่างทุ่มเทให้กับศิลปะการแสดง ศิลปะการแสดงบนเวทีก็เกิดขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันในคิวบา แคริบเบียน และจีน “ในบริบทเหล่านี้ ศิลปะการแสดงกลายเป็นเสียงวิพากษ์วิจารณ์ใหม่ที่มีพลังทางสังคมคล้ายกับของยุโรปตะวันตก สหรัฐอเมริกา และอเมริกาใต้ในช่วงทศวรรษที่ 1960 และต้นทศวรรษที่ 1970 ต้องเน้นย้ำว่าการเติบโตของศิลปะการแสดงในช่วงทศวรรษที่ 1990 ในยุโรปตะวันออก จีน แอฟริกาใต้ คิวบา และสถานที่อื่นๆ ไม่ควรถูกมองว่าเป็นรองหรือเป็นการเลียนแบบตะวันตก” ^{[ 202 ]}

ในโลกตะวันตกในช่วงทศวรรษ 1990 ศิลปะการแสดงได้เข้ามาเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมกระแสหลัก ผลงานศิลปะการแสดงที่หลากหลาย ไม่ว่าจะเป็นการแสดงสด การถ่ายภาพ หรือการบันทึก เริ่มกลายเป็นส่วนหนึ่งของหอศิลป์และพิพิธภัณฑ์ที่เริ่มเข้าใจศิลปะการแสดงในฐานะสาขาวิชาศิลปะ^{[ 203 ]}อย่างไรก็ตาม กว่าจะมีการจัดตั้งสถาบันอย่างเป็นทางการก็ต้องรอจนถึงทศวรรษถัดมา เมื่อพิพิธภัณฑ์ทุกแห่งเริ่มนำผลงานศิลปะการแสดงมาไว้ในคอลเลกชัน และจัดนิทรรศการและนิทรรศการย้อนหลังครั้งใหญ่ เช่น พิพิธภัณฑ์Tate Modernในลอนดอน, MoMAในนิวยอร์กซิตี้ หรือศูนย์ Pompidouในปารีส ตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา ศิลปินการแสดงจำนวนมากได้รับเชิญให้เข้าร่วมงานเบียนนาเล่ที่สำคัญ เช่นเวนิสเบียน นาเล่ เซาเปาโลเบียนนาเล่และลียงเบียนนาเล่

ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ศิลปะร่วมสมัยและศิลปะการแสดงของจีนได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติอย่างมาก โดยมีศิลปินชาวจีน 19 คนได้รับเชิญให้เข้าร่วมงานเวนิสเบียนนาเล่^{[ 204 ] [ 205 ]}ศิลปะการแสดงในประเทศจีนและประวัติศาสตร์ของมันเติบโตขึ้นตั้งแต่ทศวรรษ 1970 เนื่องจากความสนใจระหว่างศิลปะ กระบวนการ และประเพณีในวัฒนธรรมจีน แต่ได้รับการยอมรับตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา^{[ 206 ] [ 202 ]}ในประเทศจีน ศิลปะการแสดงเป็นส่วนหนึ่งของหลักสูตรการศึกษาศิลปะ และกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ^{[ 206 ] [ 207 ]}ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ศิลปะการแสดงของจีนได้รับการยกย่องในเวทีศิลปะระดับนานาชาติแล้ว^{[ 208 ] [ 206 ] [ 209 ]}

• 
  ศิลปะการแสดงในงานเบียนนาเล่ลียง
• 
  ศิลปะการแสดงในงานเบียนนาเล่ลียง
• 
  การแสดงบริเวณทางเข้าศาลาโรมาเนียในงานเวนิสเบียนนาเล่
• 
  การจัดแสดงผลงานศิลปะเชิงการแสดงโดยโจเซฟ บอยส์ที่พิพิธภัณฑ์เทตโมเดิร์นในลอนดอน
• 
  ผลงานวิดีโอจัดแสดงร่วมกับศิลปินชาวจีนไอ เว่ยเว่ย
• 
  นิทรรศการ Tehching Hsiehในย่านใจกลางเมืองนิวยอร์ก
• 
  ศาลาแสดงสินค้าของจีนในงานเวนิสเบียนนาเล่
• 
  ภาพเหมือนของหวังเสี่ยวซวย
• 
  หลิว เสี่ยวตงระหว่างการแสดงศิลปะ

ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 และต้นทศวรรษ 2000 ศิลปินจำนวนมากได้นำเทคโนโลยีต่างๆ เช่น เครือข่ายเวิลด์ไวด์เว็บ วิดีโอดิจิทัล เว็บแคม และสื่อสตรีมมิ่ง มาใช้ในงานศิลปะการแสดง^{[ 210 ]}ศิลปินอย่างCoco Fusco , Shu Lea CheangและPrema Murthyได้สร้างงานศิลปะการแสดงที่ดึงดูดความสนใจไปที่บทบาทของเพศ เชื้อชาติ ลัทธิอาณานิคม และร่างกายที่เกี่ยวข้องกับอินเทอร์เน็ต^{[ 211 ]}ศิลปินอื่นๆ เช่นCritical Art Ensemble , Electronic Disturbance TheaterและYes Menได้ใช้เทคโนโลยีดิจิทัลที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางไซเบอร์และการแทรกแซงเพื่อหยิบยกประเด็นทางการเมืองเกี่ยวกับรูปแบบใหม่ของระบบทุนนิยมและการบริโภคนิยม^{[ 212 ] [ 213 ]}

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ ศิลปะการแสดงที่ใช้คอมพิวเตอร์ช่วยเริ่มเกิดขึ้น^{[ 214 ]}ผลงานเหล่านี้จำนวนมากนำไปสู่การพัฒนาศิลปะเชิงอัลกอริทึมศิลปะเชิงกำเนิดและศิลปะหุ่นยนต์ซึ่งคอมพิวเตอร์เองหรือหุ่นยนต์ที่ควบคุมด้วยคอมพิวเตอร์กลายเป็นผู้แสดง^{[ 215 ]}

Coco Fuscoเป็นศิลปิน นักเขียน และภัณฑารักษ์ชาวคิวบา-อเมริกันที่ทำงานแบบสหวิทยาการ โดยอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา อาชีพศิลปะของเธอเริ่มต้นในปี 1988 ในผลงานของเธอ เธอสำรวจหัวข้อต่างๆ เช่น อัตลักษณ์ เชื้อชาติ อำนาจ และเพศสภาพ ผ่านการแสดง นอกจากนี้เธอยังสร้างวิดีโอ การติดตั้งแบบอินเทอร์แอคทีฟ และงานเขียนเชิงวิพากษ์อีกด้วย^{[ 216 ] [ 22 ]}

ในช่วงทศวรรษ 2000 และ 2010 ศิลปินการแสดง เช่นPussy Riot , Tania BrugueraและPetr Pavlenskyถูกดำเนินคดีในข้อหาการกระทำทางศิลปะต่างๆ^{[ 217 ]}

พุซซี่ ไรออต

เมื่อวันที่ 21 กุมภาพันธ์ 2555 ในฐานะส่วนหนึ่งของการประท้วงต่อต้านการเลือกตั้งใหม่ของวลาดิมีร์ ปูตินสมาชิกหญิงหลายคนของกลุ่มศิลปะ Pussy Riot ได้เข้าไปในมหาวิหารพระคริสต์ผู้ช่วยให้รอดแห่งมอสโกของคริสตจักรนิกายออร์โธดอกซ์รัสเซียพวกเธอทำเครื่องหมายกางเขน ก้มลงคำนับต่อหน้าศาลเจ้า และเริ่มแสดงการแสดงผสมผสานระหว่างเพลงและการเต้นรำภายใต้คำขวัญ "พระแม่มารี โปรดขับไล่ปูตินออกไป" เมื่อวันที่ 3 มีนาคม พวกเธอถูกจับกุม^{[ 218 ]}เมื่อวันที่ 3 มีนาคม 2555 มาเรีย อาลโยคินาและ นาเดจดา โทโล คอนนิโควา^{[ 219 ] [ 220 ]}สมาชิกของ Pussy Riot ถูกทางการรัสเซียจับกุมและถูกกล่าวหาว่าทำลายทรัพย์สิน ในตอนแรก พวกเธอทั้งสองปฏิเสธว่าไม่ได้เป็นสมาชิกของกลุ่มและเริ่มอดอาหารประท้วงการถูกคุมขังและถูกแยกจากลูกๆ จนกระทั่งการพิจารณาคดีเริ่มขึ้นในเดือนเมษายน^{[ 221 ]}เมื่อวันที่ 16 มีนาคม ผู้หญิงอีกคนหนึ่งชื่อ Yekaterina Samutsévitch ซึ่งก่อนหน้านี้เคยถูกสอบปากคำในฐานะพยาน ก็ถูกจับกุมและถูกกล่าวหาเช่นกัน

เมื่อวันที่ 5 กรกฎาคม มีการยื่นฟ้องอย่างเป็นทางการต่อกลุ่มดังกล่าว พร้อมด้วยคำฟ้องยาว 2,800 หน้า ^{[ 222 ]}ในวันเดียวกันนั้น พวกเขาได้รับแจ้งว่ามีเวลาถึงวันที่ 9 กรกฎาคมในการเตรียมการแก้ต่าง พวกเขาจึงประกาศอดอาหารประท้วง โดยอ้างว่าสองวันเป็นเวลาที่ไม่เหมาะสมในการเตรียมการแก้ต่าง^{[ 223 ]}เมื่อวันที่ 21 กรกฎาคม ศาลได้ขยายเวลาการคุมขังของพวกเขาออกไปอีกหกเดือน^{[ 224 ]}สมาชิกที่ถูกคุมขังทั้งสามคนได้รับการยอมรับว่าเป็นนักโทษการเมืองโดยสหภาพความสามัคคีกับนักโทษการเมือง^{[ 225 ]}แอมเนสตี้ อินเตอร์เนชั่นแนลถือว่าพวกเขาเป็นนักโทษทางความคิดเนื่องจาก "ความรุนแรงของการตอบโต้ของทางการรัสเซีย" ^{[ 226 ]}

นับตั้งแต่ทศวรรษ 2000 พิพิธภัณฑ์ สถาบัน และคอลเลกชันขนาดใหญ่ต่างให้การสนับสนุนศิลปะการแสดง ตั้งแต่เดือนมกราคม 2003 Tate Modernในลอนดอนได้จัดโปรแกรมศิลปะการแสดงสด^{[ 245 ]}โดยมีนิทรรศการของศิลปินเช่นTania BrugueraหรือAnne Imhof [ ^{246 ] ในปี 2012 The Tanks ที่ Tate Modern ได้เปิดทำการ ซึ่งเป็นพื้นที่เฉพาะแห่งแรกสำหรับการแสดง ภาพยนตร์ และ การ}ติดตั้งในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัยขนาดใหญ่

พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ได้จัดนิทรรศการย้อนหลังและการแสดงสดครั้งสำคัญของผลงานของมารินา อับราโมวิช ซึ่ง เป็นนิทรรศการศิลปะการแสดงที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของ MoMA ตั้งแต่วันที่ 14 ถึง 31 มีนาคม 2010 ^{[ 247 ] [ 248 ]}นิทรรศการประกอบด้วยผลงานของศิลปินมากกว่า 20 ชิ้น ส่วนใหญ่เป็นผลงานจากปี 1960–1980 ผลงานหลายชิ้นได้รับการสร้างสรรค์ใหม่โดยศิลปินรุ่นใหม่จากหลากหลายสัญชาติที่ได้รับเลือกให้เข้าร่วมแสดง^{[ 249 ]}ควบคู่ไปกับนิทรรศการ อับราโมวิชได้แสดงผลงานThe Artist is Presentซึ่งเป็นผลงานนิ่งเงียบยาว 726 ชั่วโมง 30 นาที โดยเธอจะนั่งนิ่งอยู่ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ ขณะที่ผู้ชมได้รับเชิญให้ผลัดกันนั่งตรงข้ามเธอ^{[ 250 ]}ผลงานชิ้นนี้เป็นการจำลองผลงานชิ้นหนึ่งจากปี 1970 ที่จัดแสดงในนิทรรศการ ซึ่งอับราโมวิชได้ใช้เวลาหลายวันอยู่ข้างๆ อูเลย์ ซึ่งเป็นเพื่อนสนิทของเธอ การแสดงดึงดูดเหล่าคนดังมากมาย เช่นBjörk , Orlando BloomและJames Franco ^{[ 251 ]}ซึ่งเข้าร่วมและได้รับความสนใจจากสื่อ^{[ 252 ]}

ภายใต้บริบทของการจัดตั้งสถาบันการแสดง โครงการริเริ่ม A Performance Affair ^{[ 253 ]} ที่ตั้งอยู่ในบรัสเซลส์ ซึ่งร่วมก่อตั้งโดยLiv Vaisberg และ Will Kerr และรูปแบบ Performance Exchange ^{[ 254 ]}ที่ตั้งอยู่ในลอนดอนได้สอบถามเกี่ยวกับการสะสมผลงานการแสดง ส่วนพิพิธภัณฑ์และศูนย์วัฒนธรรมOÖLKG/OK ของออสเตรีย ได้สะท้อนถึงพัฒนาการล่าสุดในการจัดตั้งสถาบันการแสดงผ่านรูปแบบเทศกาลเชิงอภิปราย ซึ่งนำเสนอเป็นครั้งแรกในเดือนมิถุนายน 2022

• 
  ด้านหน้าอาคารพิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในบิลบาโอพร้อมป้ายผ้า ของ โยโกะ โอโนะ
• 
  ผลงานของดอริส ซัลเซโด ที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์เทตโมเดิร์น กรุงลอนดอน ปี 2007
• 
  มารินา อับราโมวิชระหว่างการแสดงเจ็ดรอบในผลงานSeven Easy Pieces (2005) ที่พิพิธภัณฑ์โซโลมอน อาร์. กูเกนไฮม์
• 
  ภาพมุมสูงของการแสดง " The Artist Is Present"ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่
• 
  ผลงานของมารินา อับราโมวิชที่นำมาจัดแสดงในนิทรรศการย้อนหลังที่เมืองโบโลญญาประเทศอิตาลี ปี 2018
• 
  เฮอร์มันน์ นิทช์แสดงผลงานในพิพิธภัณฑ์ชื่อเดียวกันของเขา (ปี 2009)
• 
  การแสดงโดย ไบรอัน ซานิสนิก ชื่อ " เมื่อฉันยังเป็นเด็ก ฉันได้เห็นแวบหนึ่ง"ปี 2009
• 
  นิทรรศการที่อุทิศให้กับโยโกะ โอโนะณ ศูนย์วัฒนธรรมนครกีโต (2018)

ในปี 2014 ผลงานศิลปะการแสดงชื่อCarry That Weightหรือที่รู้จักกันในชื่อ "การแสดงบนที่นอน" ได้ถูกสร้างขึ้น ศิลปินผู้อยู่เบื้องหลังผลงานชิ้นนี้คือEmma Sulkowiczซึ่งในระหว่างการทำวิทยานิพนธ์จบการศึกษาด้านทัศนศิลป์ที่มหาวิทยาลัยโคลัมเบียในนครนิวยอร์ก ในเดือนกันยายน 2014 ผลงานของ Sulkowicz เริ่มต้นขึ้นเมื่อเธอเริ่มแบกที่นอนของตัวเองไปรอบๆ วิทยาเขตของมหาวิทยาลัยโคลัมเบีย^{[ 255 ]}ผลงานชิ้นนี้ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินโดยมีเป้าหมายเพื่อประณามการถูกข่มขืนบนที่นอนเดียวกันนั้นเมื่อหลายปีก่อน ในหอพักของเธอเอง ซึ่งเธอได้รายงานไปแล้วแต่ไม่ได้รับการรับฟังจากมหาวิทยาลัยหรือกระบวนการยุติธรรม^{[ 256 ]}ดังนั้นเธอจึงตัดสินใจแบกที่นอนไปกับเธอตลอดทั้งภาคการศึกษาโดยไม่ทิ้งมันไว้แม้แต่นาทีเดียว จนกระทั่งถึงพิธีสำเร็จการศึกษาในเดือนพฤษภาคม 2015 ผลงานชิ้นนี้ก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างมาก แต่ได้รับการสนับสนุนจากเพื่อนและนักกิจกรรมจำนวนมากที่เข้าร่วมกับ Sulkowicz หลายครั้งในการแบกที่นอน ทำให้ผลงานชิ้นนี้เป็นการเรียกร้องความยุติธรรมในระดับนานาชาติ นักวิจารณ์ศิลปะ Jerry Saltz ถือว่างานศิลปะชิ้นนี้เป็นหนึ่งในงานที่สำคัญที่สุดของปี 2014 ^{[ 257 ]}

ในปี 2019 กลุ่มเฟมินิสต์จาก เมืองวัลปาราอิโซประเทศชิลี ชื่อLastesisได้สร้างสรรค์ ผลงานศิลปะการแสดงร่วมกันชื่อ A Rapist in Your Pathซึ่งประกอบด้วยการประท้วงต่อต้านการละเมิดสิทธิสตรีในบริบทของการประท้วงในชิลีปี 2019–2020 [ ^{258 ] [ 259 ] [ 260 ] การ}แสดงครั้งแรกจัดขึ้นหน้าสถานีตำรวจที่สองของCarabineros de Chileในเมืองวัลปาราอิโซ เมื่อวันที่ 18 พฤศจิกายน 2019 ^{[ 261 ]}การแสดงครั้งที่สองซึ่งจัดโดยผู้หญิงชาวชิลี 2,000 คน เมื่อวันที่ 25 พฤศจิกายน 2019 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวันสากลเพื่อการยุติความรุนแรงต่อสตรีได้ถูกบันทึกภาพและแพร่กระจายอย่างรวดเร็วในโซเชียลมีเดีย^{[ 262 ]}ขอบเขตของมันกลายเป็นระดับโลก^{[ 263 ] [ 264 ]}หลังจากที่ขบวนการเฟมินิสต์ในหลายสิบประเทศนำการแสดงนี้ไปใช้และแปลเพื่อใช้ในการประท้วงและเรียกร้องการยุติและการลงโทษการฆาตกรรมสตรีและความรุนแรงทางเพศ เป็นต้น^{[ 265 ]}

• 
  เพื่อนๆ ของเอ็มมา ซุลโควิชและตัวศิลปินเอง ช่วยกันแบกที่นอนไปงานรับปริญญาเพื่อเป็นการประท้วง
• 
  ซัลโควิชได้รับคำแนะนำสำหรับการแสดงของเธอที่มหาวิทยาลัยโคลัมเบีย
• 
  ส่วนหนึ่งของการแสดงของ Sulkowicz คือการกระทำที่เรียกว่า "Llevemos el peso entre todas" ( แบกรับน้ำหนักนั้นไปด้วยกัน )
• 
  ภาพเหมือนของซุลโควิชในงานนำเสนอผลงานครั้งหนึ่ง
• 
  โรเบอร์ตา สมิธนักวิจารณ์ศิลปะจากนิวยอร์กไทมส์ (ซ้าย) กำลังพูดคุยเกี่ยวกับผลงาน Mattress Performanceกับซัลโควิชที่พิพิธภัณฑ์บรู๊คลินเมื่อวันที่ 14 ธันวาคม 2014
• 
  การแสดงละครเรื่อง " A Rapist in Your Path" ในเวอร์ชั่นเม็กซิกัน ที่เมืองโออาซากาวันที่ 27 พฤศจิกายน 2019
• 
  "A Rapist in Your Path"นำเสนอในบริบทของการประท้วงในชิลีปี 2019–2020
• 
  การแสดงละครเรื่อง " A Rapist in Your Path" ในเวอร์ชั่นชาวเปรู ณ กรุงลิมา วันที่ 12 ธันวาคม 2019
• 
  "A Rapist in Your Path"นำเสนอในบริบทของการประท้วงในชิลีปี 2019–2020
• 
  เด็กคนหนึ่งเข้าไปแทรกแซงระหว่างการแสดงละครเรื่อง"คนข่มขืนในเส้นทางของคุณ"