ในอดีต การสอนศิลปะในยุโรปใช้วิธีการสอนแบบสตูดิโอ^{[ 12 ]}โดยศิลปินจะรับลูกศิษย์มาฝึกฝนทักษะในลักษณะเดียวกับสมาคมช่างฝีมือเช่นช่างหินหรือช่างทองในช่วงเวลาว่าง จะมีการฝึกฝนอย่างเป็นทางการในเวิร์คช็อปศิลปะ หรือบ่อยครั้งกว่านั้นคือในบ้านหรือฝึกฝนคนเดียวนอกบ้าน ในสตูดิโอเหล่านี้ ศิลปินจะได้เรียนรู้ทักษะผ่านการฝึกงานกับอาจารย์ ซึ่งเป็นความสัมพันธ์ที่อยู่ภายใต้การควบคุมของกฎเกณฑ์ของสมาคม สัญญา ของฟลอเรนซ์ที่เขียนขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 ระบุว่าอาจารย์จะต้องจัดหาเสื้อผ้าและอาหารให้แก่ลูกศิษย์ และลูกศิษย์จะต้องเป็นผู้รับใช้ที่ซื่อสัตย์ ลูกศิษย์มักจะจ่ายเงินให้อาจารย์ในช่วงปีแรก ๆ ของการศึกษา หากการฝึกงานนั้นได้ผลดี นักเรียนก็จะได้รับค่าตอบแทนในภายหลัง เวิร์คช็อปในยุโรปเหนือก็มีเงื่อนไขที่คล้ายคลึงกัน^{[ 13 ]}

ในขั้นต้น การเรียนรู้การวาดภาพเป็นสิ่งสำคัญอันดับแรกในระบบนี้มิเกลันเจโลแนะนำว่าจิตรกรหนุ่มควรใช้เวลาหนึ่งปีในการวาดภาพเพียงอย่างเดียว จากนั้นใช้เวลาหกปีในการบดสี เตรียมแผ่นไม้ และใช้แผ่นทองคำเปลว ซึ่งในระหว่างนั้นการศึกษาการวาดภาพก็จะดำเนินต่อไปอีก และต้องใช้เวลาอีกหกปีในการฝึกฝนการวาดภาพเฟรสโกและเทมเพราให้เชี่ยวชาญ^{[ 14 ]}

ในอดีต การออกแบบมีความสำคัญเหนือกว่าวิจิตรศิลป์โดย มีการก่อตั้ง โรงเรียนสอนการออกแบบขึ้นทั่วทวีปยุโรปในศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างทักษะและคุณค่าจากศิลปะยุโรปยุคแรก ๆ เหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้แก่คนรุ่นหลัง รวมถึงชาวอาณานิคมในอเมริกาในยุคแรกด้วย

บุคคลที่ใช้การลอกเลียนแบบทางวัฒนธรรมสามารถสร้างผลงานที่มีคุณค่าทางสุนทรียภาพอย่างมาก^{[ 15 ]}การใช้คุณสมบัติของศิลปะจากวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน เช่น การตกแต่งหรือการเลียนแบบกระบวนการสร้างสรรค์ สามารถส่งเสริมความเข้าใจและการชื่นชมงานฝีมือจากวัฒนธรรมที่แตกต่างกันได้มากขึ้น เทคนิคนี้สามารถชื่นชมได้ในการผลิตโครงการทำหน้ากากแอฟริกันหรือหน้ากากชนพื้นเมืองอเมริกัน ซึ่งนักเรียนเลียนแบบเทคนิคและสำรวจการใช้วัสดุและวิธีการก่อสร้างใหม่ๆ ซึ่งยกย่องการปฏิบัติของวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน^{[ 16 ]}

ประเทศชั้นนำในการพัฒนาศิลปะในละตินอเมริกาในปีพ.ศ. 2418 ได้ก่อตั้งสมาคมแห่งชาติเพื่อการกระตุ้นศิลปะ (Sociedad Nacional para Estímulo de las Artes) ก่อตั้งโดยจิตรกรEduardo Schiaffino , Eduardo Sívoriและศิลปินคนอื่นๆ ในปีพ.ศ. 2448 สมาคมของพวกเขาได้รับการจดทะเบียนใหม่เป็นสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งชาติ (Academia Nacional de Bellas Artes) จากนั้นในปี พ.ศ. 2466 ตามความคิดริเริ่มของจิตรกรและนักวิชาการErnesto de la Cárcovaได้กลายเป็นแผนกในมหาวิทยาลัยบัวโนสไอเรสภายใต้ชื่อ Superior Art School of the Nation (Escuela Superior Nacional de Bellas Artes) ปัจจุบัน องค์กรการศึกษาด้านศิลปะชั้นนำของประเทศคือUNA Universidad Nacional de las Artes ^{[ 17 ]}

มหาวิทยาลัยในออสเตรเลียที่มีภาควิชาหรือหลักสูตรศิลปะ/วิจิตรศิลป์ภายในสถาบัน ได้เปลี่ยนจากรูปแบบการสอนแบบเน้นการปฏิบัติในสตูดิโอ ซึ่งมักพบในโรงเรียนศิลปะ มาเป็นการเน้นทฤษฎีและปฏิบัติแบบบูรณาการมากขึ้น ตัวอย่างเช่น มหาวิทยาลัยเวสเทิร์นออสเตรเลีย ได้เปลี่ยนจากปริญญาโทที่เน้นทฤษฎี มาเป็นปริญญาตรีศิลปะที่เน้นทฤษฎีแทน

โครงการริเริ่มการสอนในสตูดิโอที่บูรณาการองค์ประกอบบริบทและสื่อต่างๆ ได้รับการนำไปใช้เป็นส่วนหนึ่งของโครงการสอนในสตูดิโอระดับชาติ^{[ 18 ]}ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากสภาการเรียนการสอนแห่งออสเตรเลีย (ALTC) ตั้งแต่ปี 2550

โรงเรียนศิลปะสมัยใหม่แห่งแรกในอียิปต์เปิดขึ้นในปี พ.ศ. 2451 ในชื่อวิทยาลัยวิจิตรศิลป์ไคโร^{[ 19 ]}โรงเรียนศิลปะในยุคแรกเหล่านี้ส่วนใหญ่สอนประเพณีสุนทรียศาสตร์แบบตะวันตก ส่งผลให้หลังจากการได้รับเอกราช มีความพยายามที่จะผสมผสานประเพณีของอียิปต์และตะวันออกกลางเข้ากับหลักสูตรศิลปะและการชื่นชมศิลปะ^{[ 20 ]}อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้เป็นไปอย่างช้าๆ นักศึกษาที่วิทยาลัยวิจิตรศิลป์ไคโรไม่สามารถเรียนวิชาเอกประวัติศาสตร์ศิลปะที่ไม่ใช่ยุโรปได้จนกระทั่งปี พ.ศ. 2542 ^{[ 20 ]}

สถาบันการศึกษาแห่งแรกคือAcadémie royale de peinture et de Sculptureก่อตั้งขึ้นในปี 1648

ปัจจุบัน การศึกษาศิลปะ ซึ่งรวมถึงการ ศึกษาศิลปะทัศนศิลป์ เป็นส่วนหนึ่งของการศึกษาภาคบังคับตั้งแต่ระดับชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น^{[ 21 ]} (อายุ 6 ปี) และดำเนินไปจนถึงสิ้นสุดระดับมัธยมศึกษาตอนต้น( college )

ในบางโรงเรียน มีชั้นเรียนที่เน้นศิลปะ( classes à horaires aménagés )ซึ่งให้การศึกษาด้านศิลปะขั้นสูงควบคู่ไปกับการศึกษาตามปกติในระดับประถมศึกษาหรือมัธยมศึกษาตอนต้น ในโรงเรียนมัธยมศึกษาตอนปลายสามารถเตรียมสอบเพื่อรับประกาศนียบัตรวิชาชีพ ชั้น สูงด้านวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีการออกแบบและศิลปะประยุกต์ (STD2A หรือ F12 เดิม) ได้

ในการศึกษาระดับอุดมศึกษาโรงเรียนเฉพาะทางจะเสนอหลักสูตร Diplôme National des métiers d'art et du design (DN MADE, ประกาศนียบัตรวิชาชีพด้านศิลปะและการออกแบบระดับชาติ) ร่วมกับDiplôme des métiers d'art หลายหลักสูตร (DMA, ปริญญาตรีสาขาวิชาชีพศิลปะ) และDiplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA, ปริญญาโทสาขาศิลปะประยุกต์)

โรงเรียนสอนศิลปะก่อตั้งขึ้นในอิตาลีตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 โดยเริ่มจากโรงเรียนสอนวาดภาพในเวนิสซึ่งก่อตั้งโดยจิตรกรชาวกรีกชื่อธีโอฟาเนสราวปี 1200 ^{[ 22 ]}

สมาคมครูสอนศิลปะแห่งเนเธอร์แลนด์ (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) ก่อตั้งขึ้นในปี 1880 และเริ่มตีพิมพ์นิตยสารรายเดือนในปี 1884 ^{[ 23 ]} ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 20 ความหลากหลายที่เพิ่มขึ้นของสังคมดัตช์ทำให้ศิลปะและการศึกษาศิลปะ ของเนเธอร์แลนด์มีความหลากหลายทางวัฒนธรรม มากขึ้น ^{[ 24 ]}

การศึกษาศิลปะอย่างเป็นทางการเกิดขึ้นในสหราชอาณาจักรในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 โดยมีแรงจูงใจส่วนหนึ่งมาจากความปรารถนาที่จะให้คุณภาพงานออกแบบเทียบเท่ากับงานที่ทำในฝรั่งเศส^{[ 25 ]}รูปแบบที่นำมาใช้ในตอนแรกคือรูปแบบของโรงเรียนพาณิชย์ของเยอรมัน^{[ 25 ]}เจ้าชายอัลเบิร์ตทรงมีอิทธิพลอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนศิลปะในสหราชอาณาจักร^{[ 26 ]}

ปัจจุบันในสหราชอาณาจักร หลักสูตรศิลปะได้รับการกำหนดโดยหลักสูตรแห่งชาติ ของรัฐบาล ยกเว้นใน โรงเรียน ของรัฐหรือโรงเรียนเอกชน^{[ 27 ]}เจ้าชายชาร์ลส์ทรงสร้างโรงเรียนสอนวาดภาพของเจ้าชายในฮอกซ์ตันเพื่อรักษาการสอนการวาดภาพเชิงวิชาการ

การศึกษาเกี่ยวกับการชื่นชมศิลปะในอเมริกาเริ่มต้นด้วยขบวนการศิลปินแห่งยุคปัจจุบันในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และเริ่มจางหายไปในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 การศึกษาภาพวาดเป็นส่วนสำคัญของหลักสูตรการศึกษาศิลปะ การให้ความสนใจกับสุนทรียศาสตร์ในห้องเรียนนำไปสู่ความสนใจของสาธารณชนในการตกแต่งโรงเรียน บ้าน และชุมชนให้สวยงาม ซึ่งเป็นที่รู้จักกันในชื่อ "ศิลปะในชีวิตประจำวัน" แนวคิดคือการนำวัฒนธรรมมาสู่เด็กเพื่อเปลี่ยนแปลงพ่อแม่^{[ 43 ]}ขบวนการศึกษาภาพวาดสิ้นสุดลงในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 อันเป็นผลมาจากแนวคิดใหม่เกี่ยวกับการเรียนรู้การชื่นชมศิลปะผ่านการทำงานในสตูดิโอซึ่งได้รับความนิยมมากขึ้นในสหรัฐอเมริกา

จอห์น ดิวอีย์นักปรัชญาการศึกษาและนักปฏิรูปโรงเรียน ชาวอเมริกันมีบทบาทสำคัญในการขยายโอกาสการเข้าถึงการศึกษาด้านศิลปะในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

นับตั้งแต่สงครามโลกครั้งที่สองการฝึกอบรมศิลปินได้ย้ายไปอยู่ในโรงเรียนประถมศึกษา และศิลปะร่วมสมัยได้กลายเป็นสาขาวิชาการและปัญญาชนมากขึ้นเรื่อยๆ ก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง ศิลปินโดยทั่วไปไม่จำเป็นต้องมีปริญญาจากวิทยาลัย แต่หลังจากนั้นปริญญาตรีศิลปกรรมศาสตร์และต่อมาปริญญาโทศิลปกรรมศาสตร์ได้กลายเป็นปริญญาที่แนะนำสำหรับศิลปินมืออาชีพ โดยได้รับการสนับสนุนจากการผ่านร่างกฎหมายGI Billในปี 1944 ซึ่งส่งผลให้ทหารผ่านศึกสงครามโลกครั้งที่สองจำนวนมากไปศึกษาต่อ รวมถึงโรงเรียนศิลปะด้วย ภาควิชาศิลปะในมหาวิทยาลัยขยายตัวอย่างรวดเร็ว ศิลปินชาวอเมริกันที่อาจเคยศึกษาในโรงเรียนที่มีบรรยากาศแบบโบฮีเมียนและเน้นงานฝีมือ เช่นArt Students League , Black Mountain CollegeหรือHans Hofmann School of Art ในGreenwich Villageเริ่มลงทะเบียนเรียนในมหาวิทยาลัยแทน ในช่วงทศวรรษที่ 60 โรงเรียนวิจิตรศิลป์สถาบันแพรตต์และคูเปอร์ยูเนียนในนิวยอร์กซิตี้ และโรงเรียนศิลปะอื่นๆ ทั่วประเทศ เช่นสถาบันศิลปะแคนซัสซิตี้ สถาบันศิลปะ ซานฟรานซิสโกโรงเรียนสถาบันศิลปะแห่งชิคาโกโรงเรียนพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตันพรินซ์ตันและเยลได้กลายเป็นหนึ่งในสถาบันศิลปะแห่งแรกๆ^{[ 44 ]}แนวโน้มนี้แพร่กระจายจากสหรัฐอเมริกาไปทั่วโลก

การลงทะเบียนเรียนวิชาศิลปะในระดับมัธยมปลายมีจำนวนสูงสุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ถึงต้นทศวรรษ 1970 ด้วยกฎหมาย No Child Left Behind (NCLB) (ซึ่งยังคงให้ศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของ "ชีวิตประจำวัน" แต่ไม่กำหนดให้มีการรายงานหรือประเมินข้อมูลในด้านนี้) ทำให้การศึกษาศิลปะในโรงเรียนรัฐบาลของอเมริกาลดลงอีก ปัจจุบัน กระทรวงศึกษาธิการของสหรัฐอเมริกาให้ทุนสนับสนุนโครงการพัฒนาและเผยแพร่รูปแบบการศึกษาศิลปะแก่องค์กรที่มีความเชี่ยวชาญด้านศิลปะในการพัฒนาหลักสูตรศิลปะ หลังจากปี 2010 คาดว่าโรงเรียนมัธยมปลายของรัฐประมาณ 25% จะยุติโครงการศิลปะทั้งหมดบริษัท "เทคโนโลยีการศึกษา" ต่างๆ เช่นKadenzeและedXได้พยายามบรรเทาความสูญเสียนี้ผ่านการศึกษาศิลปะออนไลน์^{[ 45 ]}

องค์กรระดับชาติที่ส่งเสริมการศึกษาศิลปะ ได้แก่ Americans for the Arts ^{[ 46 ]}รวมถึงArt. Ask For More. [ ^{47 ] ซึ่งเป็นแคมเปญสร้างความตระหนักรู้สาธารณะ เกี่ยว}กับการศึกษาศิลปะระดับชาติ; Association for the Advancement of Arts Education; Arts Education Partnership.; ^{[ 48 ]}

องค์กรวิชาชีพสำหรับนักการศึกษาศิลปะ ได้แก่สมาคมการศึกษาศิลปะแห่งชาติ [ ^{49 ]} ซึ่งตีพิมพ์วารสาร Art Educationที่เป็นมิตรกับผู้ปฏิบัติงานและวารสารวิจัยStudies in Art Education ; USSEA ( สมาคมสหรัฐอเมริกาเพื่อการศึกษาผ่านศิลปะ⁾และ InSEA (สมาคมระหว่างประเทศเพื่อการศึกษาผ่านศิลปะ^{[ 50 ]} )

การศึกษาผ่านศิลปะทัศนศิลป์เป็นอิทธิพลที่สำคัญและมีประสิทธิภาพในการช่วยให้นักเรียนเข้าใจและนำกระบวนการประชาธิปไตยพื้นฐานที่เน้นย้ำในโครงสร้างสังคมของสหรัฐอเมริกาไปใช้ตั้งแต่อายุยังน้อย^{[ 51 ]}ในปี 2551 การประเมินความก้าวหน้าทางการศึกษาแห่งชาติ (NAEP) ได้ทำการศึกษานักเรียนชั้นมัธยมศึกษาปีที่ 8 จำนวน 7,900 คนในสาขาศิลปะและดนตรี ผลการศึกษาพบว่านักเรียนหญิงได้คะแนนสูงกว่านักเรียนชายทั้งในวิชาดนตรีและศิลปะทัศนศิลป์^{[ 52 ]}

โอลิเวีย กูเดผู้ได้รับทุนการบรรยายโลเวนเฟลด์ประจำปี 2009 จากสมาคมการศึกษาศิลปะแห่งชาติ ได้กล่าวถึงวิธีการมากมายที่การศึกษาศิลปะมีบทบาทสำคัญในการสร้างพลเมืองที่มีความรู้ความเข้าใจทั้งตนเองและโลก เธอเน้นย้ำว่า:

ผ่านการศึกษาศิลปะ นักเรียนจะพัฒนาทักษะที่เพิ่มขึ้นในการเข้าใจความหมายของผู้อื่น ผ่านการศึกษาศิลปะที่มีคุณภาพ เยาวชนจะพัฒนาความสามารถในการเรียนรู้งานหลายอย่างได้ง่ายกว่าคนอื่น ที่สำคัญที่สุด การมีส่วนร่วมกับศิลปะสอนให้เยาวชนรับรู้ความซับซ้อนเป็นความสุขและความเป็นไปได้ ไม่ใช่ความไม่แน่นอนที่น่ารำคาญ การตระหนักรู้ในตนเองที่สูงขึ้นจะขยายไปสู่การตระหนักรู้ในผู้อื่นที่สูงขึ้น . . . ^{[ 51 ]}

Michelle Marder Kamhiผู้เขียนเกี่ยวกับ การ ศึกษาศิลปะ^{[ 53 ]}วิจารณ์แนวโน้มล่าสุดในสาขานี้ในสหรัฐอเมริกาและที่อื่นๆ อย่างรุนแรง เธอปฏิเสธงานศิลปะร่วมสมัยจำนวนมากที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ใหญ่ๆ ว่าเป็นการแสดงออกทางการเมืองที่ไม่ใช่ศิลปะ^{[ 54 ]}ในบทที่ 8 ของหนังสือของเธอเรื่อง " ใครบอกว่านั่นคือศิลปะ? " ในหัวข้อ "การคิดใหม่เกี่ยวกับการศึกษาศิลปะ" เธอเน้นไปที่แนวโน้มสองประการในสาขานี้ที่เธอคิดว่า "ควรเป็นข้อกังวลสำหรับพลเมืองที่คิดไตร่ตรอง แม้แต่ผู้ที่มีความสนใจในศิลปะน้อยก็ตาม" ตัวอย่างเช่น บทความแสดงความคิดเห็นของเธอในWall Street Journalวิจารณ์ ผล งาน Brinco ของ Judi Werthein ซึ่งเป็น " ศิลปะการแสดง " ที่ประกอบด้วยการที่ Werthein แจกรองเท้าผ้าใบที่ติดตั้งอุปกรณ์พิเศษให้กับผู้อพยพผิดกฎหมาย ซึ่งได้รับการแนะนำให้ศึกษาโดยนักการศึกษาศิลปะที่มีชื่อเสียงในเซสชั่นการประชุม NAEA ^{[ 55 ]}