ภาพวาดสีพื้น ( Color field paintingในภาษาอังกฤษแบบเครือจักรภพ ) เป็นรูปแบบการวาดภาพนามธรรมที่เกิดขึ้นในนครนิวยอร์กในช่วงทศวรรษ 1940 และ 1950 ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะสมัยใหม่ ของยุโรป และมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ในขณะที่ผู้สนับสนุนยุคแรกๆ ที่โดดเด่นหลายคนก็เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์เช่นกัน ลักษณะเด่นของภาพวาดสีพื้นคือการใช้สี ทึบขนาดใหญ่ กระจายอยู่ทั่วหรือซึมเข้าไปในผืนผ้าใบ ทำให้เกิดพื้นผิวที่ไม่ขาดตอนและระนาบภาพที่เรียบ การเคลื่อนไหวนี้ให้ความสำคัญกับท่าทาง ฝีแปรง และการกระทำน้อยลง แต่เน้นความสม่ำเสมอโดยรวมของรูปแบบและกระบวนการ ในภาพวาดสีพื้น "สีเป็นอิสระจากบริบทเชิงวัตถุและกลายเป็นหัวข้อในตัวเอง" ^{[ 1 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และทศวรรษ 1960 จิตรกรสีฟิลด์ปรากฏตัวขึ้นในบางส่วนของสหราชอาณาจักร แคนาดา ออสเตรเลีย และสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะนิวยอร์ก วอชิงตัน ดี.ซี. และที่อื่นๆ โดยใช้รูปแบบของลายเส้น เป้าหมาย รูปแบบเรขาคณิตที่เรียบง่าย และการอ้างอิงถึงภาพทิวทัศน์และธรรมชาติ^{[ 2 ]}

จุดสนใจในโลกของศิลปะร่วมสมัยเริ่มเปลี่ยนจากปารีสไปสู่นิวยอร์กหลังสงครามโลกครั้งที่สองและการพัฒนาของศิลปะนามธรรมแบบ อเมริกัน ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 เคลเมนต์ กรีนเบิร์กเป็นนักวิจารณ์ศิลปะคนแรกที่เสนอและระบุความแตกต่างระหว่างแนวโน้มต่างๆ ภายในกลุ่มศิลปะนามธรรมแบบแสดงออก โดยไม่เห็นด้วยกับแฮโรลด์ โรเซนเบิร์ก (อีกหนึ่งผู้สนับสนุนที่สำคัญของศิลปะนามธรรมแบบแสดงออก) ซึ่งเขียนถึงคุณธรรมของการวาดภาพแบบแอ็กชันเพนติ้ง ในบทความ "American Action Painters" ที่ตีพิมพ์ใน นิตยสาร ARTnewsฉบับเดือนธันวาคม 1952 [ ^{4 ] กรีนเบิร์กสังเกตเห็นแนวโน้มอีก อย่าง}หนึ่งคือการใช้สีทั่วทั้งภาพหรือสีพื้นในงานของศิลปินนามธรรมแบบแสดงออก "รุ่นแรก" หลายคน^{[ 5 ]}

มาร์ค รอธโกเป็นหนึ่งในจิตรกรที่กรีนเบิร์กกล่าวถึงว่าเป็นจิตรกรแนวสีสนาม (Color Field Painter) ซึ่งเห็นได้ชัดจากผลงานMagenta, Black, Green on Orangeแม้ว่ารอธโกเองจะปฏิเสธที่จะยึดติดกับป้ายกำกับใดๆ สำหรับรอธโก สีเป็นเพียง "เครื่องมือ" เท่านั้น ในแง่หนึ่ง ผลงานที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของเขา ได้แก่ "มัลติฟอร์ม" และภาพวาดที่เป็นเอกลักษณ์อื่นๆ ของเขา ล้วนเป็นการแสดงออกเดียวกัน เพียงแต่เป็นการแสดงออกด้วยวิธีการที่บริสุทธิ์กว่า (หรืออาจไม่เป็นรูปธรรมหรือนิยามได้ยากกว่า ขึ้นอยู่กับการตีความ) ซึ่งก็คือ "อารมณ์พื้นฐานของมนุษย์" เช่นเดียวกับภาพวาดเทพนิยายเหนือจริงในยุคแรกๆ ของเขา สิ่งที่เหมือนกันในนวัตกรรมทางสไตล์เหล่านี้คือความสนใจใน "โศกนาฏกรรม ความปีติยินดี และความหายนะ" ภายในปี 1958 ไม่ว่ารอธโกจะต้องการถ่ายทอดการแสดงออกทางจิตวิญญาณใดบนผืนผ้าใบ มันก็เริ่มมืดมนลงเรื่อยๆ สีแดง เหลือง และส้มสดใสของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ค่อยๆ เปลี่ยนไปเป็นสีน้ำเงินเข้ม เขียว เทา และดำ ภาพเขียนชุดสุดท้ายของเขาในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เป็นสีเทาและดำ มีขอบสีขาว ดูเหมือนจะเป็นภาพทิวทัศน์นามธรรมของดินแดนที่แห้งแล้งและกว้างใหญ่ไพศาลคล้ายทุ่งทุนดราที่ไม่รู้จัก

ในช่วงกลางทศวรรษ 1940 รอธโกอยู่ในช่วงเปลี่ยนผ่านที่สำคัญ และเขารู้สึกประทับใจกับภาพวาดนามธรรมสีสันสดใสของคลิฟฟอร์ด สติลล์ ซึ่งได้รับอิทธิพลส่วนหนึ่งจากภูมิทัศน์ของนอร์ทดาโคตา บ้านเกิดของสติลล์ ในปี 1947 ระหว่างภาคการศึกษาต่อมาที่เขาสอนอยู่ที่โรงเรียนวิจิตรศิลป์แคลิฟอร์เนีย (ปัจจุบันรู้จักกันในชื่อ สถาบันศิลปะซานฟรานซิสโก ) รอธโกและสติลล์ได้พูดคุยกันถึงแนวคิดที่จะก่อตั้งหลักสูตรหรือโรงเรียนของตนเอง สติลล์ได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งในจิตรกรสีสดใสชั้นนำ ภาพวาดนามธรรมของเขาส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการวางสีและพื้นผิวที่แตกต่างกันไว้ข้างๆ กัน แสงสีที่แหลมคมของเขาให้ความรู้สึกราวกับว่าชั้นสีหนึ่งถูก "ฉีก" ออกจากภาพวาด เผยให้เห็นสีที่อยู่ด้านล่าง ชวนให้นึกถึงหินงอก และถ้ำดึกดำบรรพ์ การจัดเรียงของสติลล์นั้นไม่สม่ำเสมอ แหลมคม และเป็นหลุมเป็นบ่อ มีพื้นผิวที่หนักแน่นและคอนทราสต์ของพื้นผิวที่คมชัด ดังที่เห็นในภาพ 1957D1ด้านบน

ศิลปินอีกคนหนึ่งที่มีผลงานเป็นที่รู้จักมากที่สุดซึ่งเกี่ยวข้องกับทั้งลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรมและจิตรกรรมสีพื้นคือโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ สไตล์ลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรมของมาเธอร์เวลล์ ซึ่งมีลักษณะเป็นพื้นที่เปิดโล่งหลวมๆ ของพื้นผิวการวาดภาพ พร้อมด้วยเส้นและรูปทรงที่วาดและวัดอย่างหลวมๆ ได้รับอิทธิพลจากทั้งโจน มิโร และ อองรี มาติส [ ^{6 ] ผล}งาน Elegy to the Spanish Republic No. 110 (1971) ของ มา เธอร์เวลล์ เป็นผลงานบุกเบิกทั้งลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรมและจิตรกรรมสีพื้น ในขณะที่ ชุด Elegyรวบรวมแนวโน้มทั้งสองไว้ด้วยกันชุด Open Series ของเขา ในช่วงปลายทศวรรษ 1960, 1970 และ 1980 ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มจิตรกรรมสีพื้นอย่างมั่นคง^{[ 7 ]}ในปี พ.ศ. 2513 Motherwell กล่าวว่า "ตลอดชีวิตของผม จิตรกรในศตวรรษที่ 20 ที่ผมชื่นชมมากที่สุดคือ Matisse" ^{[ 8 ]} ซึ่งหมายถึงภาพวาดชุดต่างๆ ของเขาเองที่สะท้อนอิทธิพลของ Matisse โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ชุด Open Seriesของเขาที่ใกล้เคียงกับภาพวาดสีแบบคลาสสิก มากที่สุด

บาร์เน็ตต์ นิวแมนถือเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม และเป็นหนึ่งในจิตรกรสีพื้นชั้นนำ ผลงานในช่วงวัยผู้ใหญ่ของนิวแมนมีลักษณะเด่นคือ พื้นที่สีที่บริสุทธิ์และเรียบแบน คั่นด้วยเส้นแนวตั้งบางๆ หรือ "ซิป" ตามที่นิวแมนเรียก ตัวอย่างเช่นVir Heroicus SublimisในคอลเลกชันของMoMAนิวแมนเองคิดว่าเขาได้บรรลุรูปแบบที่สมบูรณ์แล้วใน ชุด Onement (ตั้งแต่ปี 1948) ดังที่เห็นในภาพนี้^{[ 9 ]}ซิปเหล่านี้กำหนดโครงสร้างเชิงพื้นที่ของภาพวาด ในขณะเดียวกันก็แบ่งและรวมองค์ประกอบเข้าด้วยกัน แม้ว่าภาพวาดของนิวแมนจะดูเหมือนเป็นนามธรรมล้วนๆ และหลายภาพเดิมทีไม่มีชื่อ แต่ชื่อที่เขาตั้งให้ในภายหลังนั้นบ่งบอกถึงหัวข้อเฉพาะที่กล่าวถึง ซึ่งมักจะมีธีมเกี่ยวกับชาวยิว ตัวอย่างเช่น ภาพเขียนสองภาพจากช่วงต้นทศวรรษ 1950 มีชื่อว่าอดัมและอีฟ (ดูอดัมและอีฟ ) และยังมีภาพ ยูริเอล (1954) และอับราฮัม (1949) ซึ่งเป็นภาพเขียนที่มืดมาก และนอกจากจะเป็นชื่อของบรรพบุรุษในพระคัมภีร์แล้ว ยังเป็นชื่อของบิดาของนิวแมนซึ่งเสียชีวิตในปี 1947 อีกด้วย ผลงานในช่วงปลายของนิวแมน เช่น ชุดภาพ ใครกลัวสีแดง สีเหลือง และสีน้ำเงินใช้สีสันสดใสบริสุทธิ์ บ่อยครั้งบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่มาก

Jackson Pollock , Adolph Gottlieb , Hans Hofmann , Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad ReinhardtและArshile Gorky (ในผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา) เป็นหนึ่งในจิตรกรแนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียงซึ่ง Greenberg ระบุว่ามีความเชื่อมโยงกับการวาดภาพสีในทศวรรษ 1950 และ 1960 ^{[ 10 ]}

แม้ว่าพอลล็อกจะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะแอ็กชันเพนดิงเนื่องจากสไตล์ เทคนิค และ "สัมผัส" ทางการวาดภาพ รวมถึงการลงสีด้วยมือของเขา แต่ก็มีนักวิจารณ์ศิลปะหลายคนเปรียบเทียบผลงานของพอลล็อกกับทั้งแอ็กชันเพนดิงและคัลเลอร์ฟิลด์เพนดิง มุมมองเชิงวิจารณ์อีกประการหนึ่งที่เสนอโดยเคลเมนต์ กรีนเบิร์ก เชื่อมโยงภาพเขียนบนผืนผ้าใบของพอลล็อกกับภาพดอกบัว ขนาดใหญ่ ของโคลด โมเนต์ที่สร้างขึ้นในช่วงทศวรรษ 1920 กรีนเบิร์ก นักวิจารณ์ศิลปะไมเคิล ฟรีดและคนอื่นๆ สังเกตว่าความรู้สึกโดยรวมในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของพอลล็อก ซึ่ง ก็คือภาพเขียนแบบ หยดสีนั้น ให้ความรู้สึกเหมือนเป็นผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่ประกอบด้วยองค์ประกอบเชิงเส้นที่สร้างขึ้น มักให้ความรู้สึกเหมือนเป็นกลุ่มสีที่มีค่าใกล้เคียงกันจำนวนมาก ซึ่งให้ความรู้สึกเหมือนเป็นผืนผ้าใบสีและการวาดเส้นที่ปกคลุมไปทั่ว และมีความเกี่ยวข้องกับภาพเขียนขนาดใหญ่ของโมเนต์ในช่วงปลายชีวิต ซึ่งสร้างขึ้นจากส่วนต่างๆ ของรอยแปรงและรอยขูดที่มีค่าใกล้เคียงกัน ซึ่งให้ความรู้สึกเหมือนเป็นผืนผ้าใบสีและการวาดเส้นที่มีค่าใกล้เคียงกันที่โมเนต์ใช้ในการสร้างพื้นผิวภาพของเขา การใช้เทคนิคการจัดองค์ประกอบแบบเต็มพื้นที่ของพอลล็อก ทำให้เกิดความเชื่อมโยงทั้งในเชิงปรัชญาและทางกายภาพกับวิธีการสร้างพื้นผิวที่ต่อเนื่องและในกรณีของสติลล์ คือพื้นผิวที่แตกหัก ในภาพเขียนหลายภาพที่พอลล็อกวาดหลังจาก ช่วงการวาดภาพ แบบหยดสี อันเป็นเอกลักษณ์ของเขา ในปี 1947–1950 เขาใช้เทคนิคการหยดสีน้ำมันเหลวและสีทาบ้านลงบนผ้าใบดิบ ในปี 1951 เขาได้สร้างชุดภาพเขียนแบบหยดสีดำกึ่งรูปทรง และในปี 1952 เขาได้สร้างภาพเขียนแบบหยดสีโดยใช้สี ในนิทรรศการเดือนพฤศจิกายนปี 1952 ที่หอศิลป์ซิดนีย์ จานิสในนิวยอร์กซิตี้ พอลล็อกได้แสดง ภาพเขียน หมายเลข 12 ปี 1952ซึ่งเป็นภาพเขียนแบบหยดสีขนาดใหญ่และยอดเยี่ยมที่คล้ายกับภูมิทัศน์ที่เปื้อนสีสดใส (โดยมีสีเข้มหยดทับอยู่ด้านบนอย่างกว้างขวาง) ภาพเขียนนี้ถูกซื้อจากนิทรรศการโดยเนลสัน ร็อกกีเฟลเลอร์เพื่อเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวของเขา ในปี พ.ศ. 2503 ภาพวาดได้รับความเสียหายอย่างหนักจากเหตุเพลิงไหม้ในคฤหาสน์ผู้ว่าการรัฐในอัลบานี ซึ่งยังสร้างความเสียหายอย่างหนักให้กับภาพวาดของอาร์ชิล กอร์กี และผลงานอื่นๆ อีกหลายชิ้นในคอลเลกชันของร็อกกีเฟลเลอร์ อย่างไรก็ตาม ในปี พ.ศ. 2542 ภาพวาดได้รับการบูรณะและติดตั้งในเอ็มไพร์สเตทพลาซา^{[ 11 ] [ 12 ]}

ในขณะที่อาร์ชิล กอร์กี ได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งในบิดาผู้ก่อตั้งลัทธิแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ และเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสม์ เขายังเป็นหนึ่งในจิตรกรกลุ่มแรกๆ ของนิวยอร์กสคูลที่ใช้เทคนิค "การลงสีแบบไล่เฉด" กอร์กีสร้างพื้นที่สีสดใส เปิดกว้าง และต่อเนื่องกันอย่างกว้างขวาง ซึ่งเขาใช้เป็นพื้นหลัง ในภาพวาดหลายๆ ภาพของเขา ในภาพวาดที่ทรงประสิทธิภาพและสมบูรณ์ที่สุดของกอร์กีระหว่างปี 1941 ถึง 1948 เขาใช้พื้นที่สีที่เข้มข้นอย่างต่อเนื่อง โดยมักปล่อยให้สีไหลและหยดลงมาใต้และรอบๆ รูปทรงอินทรีย์และชีวภาพที่คุ้นเคยของเขา รวมถึงเส้นสายที่ละเอียดอ่อน อีกหนึ่งศิลปินแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ที่มีผลงานในช่วงทศวรรษ 1940 ซึ่งชวนให้นึกถึงภาพวาดแบบไล่เฉดในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 คือเจมส์ บรูคส์ บรูคส์มักใช้เทคนิคการลงสีแบบไล่เฉดในภาพวาดของเขาตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1940 บรูคส์เริ่มเจือจางสีน้ำมัน ของเขา เพื่อให้ได้สีที่เหลวซึ่งสามารถเท หยด และไล่เฉดลงบนผ้าใบดิบที่เขาใช้ ผลงานเหล่านี้มักผสมผสานการเขียนพู่กันและรูปทรงนามธรรม ในช่วงสามทศวรรษสุดท้ายของอาชีพการงาน สไตล์ศิลปะนามธรรมแบบแสดงออกขนาดใหญ่และสดใสของ แซม ฟรานซิสมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับจิตรกรรมสีพื้น (Color Field Painting) ภาพวาดของเขาอยู่กึ่งกลางระหว่างสองแนวทางของศิลปะนามธรรมแบบแสดงออก ได้แก่ จิตรกรรมแอ็กชัน (Action Painting) และจิตรกรรมสีพื้น (Color Field Painting)

หลังจากได้เห็นภาพวาดของพอลล็อกในปี 1951 ที่ใช้สีน้ำมันดำเจือจางทาลงบนผ้าใบดิบเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์จึงเริ่มสร้างภาพวาดสีน้ำมันหลากหลายสีบนผ้าใบดิบในปี 1952 ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเธอในช่วงเวลานั้นคือMountains and Sea (ดังที่เห็นด้านล่าง) เธอเป็นหนึ่งในผู้ริเริ่มขบวนการสีฟิลด์ที่เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ^{[ 13 ]}แฟรงเคนธาเลอร์ยังได้เรียนกับฮันส์ ฮอฟมันน์ ภาพวาดของฮอฟมันน์เป็นซิมโฟนีแห่งสีสันดังที่เห็นในThe Gateปี 1959–1960 ฮอฟมันน์มีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฐานะศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นครูสอนศิลปะทั้งในประเทศเยอรมนีบ้านเกิดของเขาและต่อมาในสหรัฐอเมริกา ฮอฟมันน์ซึ่งเดินทางมายังสหรัฐอเมริกาจากเยอรมนีในช่วงต้นทศวรรษ 1930 ได้นำมรดกของศิลปะสมัยใหม่ มาด้วย ฮอฟมันน์เป็นศิลปินหนุ่มที่ทำงานในปารีสและวาดภาพที่นั่นก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1 ฮอฟมันน์ทำงานในปารีสกับโรเบิร์ต เดลาเนย์และเขารู้จักผลงานนวัตกรรมของทั้งปาโบล ปิกัสโซและอองรี มาติสส์โดยตรง ผลงานของมาติสส์มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา และต่อความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับภาษาการแสดงออกของสีและศักยภาพของนามธรรม ฮอฟมันน์เป็นหนึ่งในนักทฤษฎีคนแรกๆ ของจิตรกรรมสีฟิลด์ และทฤษฎีของเขามีอิทธิพลต่อศิลปินและนักวิจารณ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเคลเมนต์ กรีนเบิร์ก รวมถึงคนอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1930 และ 1940 ในปี 1953 มอร์ริส หลุยส์และเคนเนธ โนแลนด์ต่างได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจิตรกรรมสีสเตนของแฟรงเคนธาเลอร์หลังจากไปเยี่ยมสตูดิโอของเธอในนิวยอร์กซิตี้ เมื่อกลับมาที่วอชิงตัน ดี.ซี. พวกเขาเริ่มสร้างผลงานชิ้นสำคัญที่ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวของสีฟิลด์ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ^{[ 14 ]}

ในปี 1972 Henry Geldzahler ภัณฑารักษ์ ของพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทร โพลิตัน กล่าวว่า:

Clement Greenberg ได้รวมผลงานของ Morris Louis และ Kenneth Noland ไว้ในนิทรรศการที่เขาจัดขึ้นที่ Kootz Gallery ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 Clem เป็นคนแรกที่มองเห็นศักยภาพของพวกเขา เขาเชิญพวกเขาไปที่นิวยอร์กในปี 1953 ฉันคิดว่าอย่างนั้น ไปที่สตูดิโอของ Helen เพื่อชมภาพวาดที่เธอเพิ่งวาดเสร็จชื่อMountains and Seaซึ่งเป็นภาพวาดที่สวยงามมาก ๆ ในแง่หนึ่ง มีกลิ่นอายของ Pollock และ Gorky อยู่ด้วย นอกจากนี้ยังเป็นหนึ่งในภาพวาดแบบสเตน (stain picture) ภาพขนาดใหญ่ภาพแรก ๆ ที่ใช้เทคนิคการสเตน อาจจะเป็นภาพแรกเลยด้วยซ้ำ Louis และ Noland เห็นภาพวาดที่คลี่ออกบนพื้นสตูดิโอของเธอแล้วกลับไปที่วอชิงตัน ดี.ซี. และทำงานร่วมกันอยู่พักหนึ่ง โดยศึกษาถึงนัยยะของภาพวาดประเภทนี้^{[ 15 ] [ 16 ]}

ภาพเขียน Whereของมอร์ริส หลุยส์ในปี 1960 เป็นนวัตกรรมสำคัญที่ผลักดันภาพเขียนแนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ไปในทิศทางใหม่สู่ศิลปะสีพื้นและ ศิลปะ มินิมัลลิสต์ ผลงานชิ้นเอกของหลุยส์ ได้แก่ ภาพเขียนสีพื้นชุดต่างๆ ชุดที่รู้จักกันดีที่สุด ได้แก่Unfurleds , Veils , FloralsและStripes or Pillarsระหว่างปี 1929 ถึง 1933 หลุยส์ศึกษาที่สถาบันวิจิตรศิลป์และศิลปะประยุกต์แมริแลนด์ (ปัจจุบันคือวิทยาลัยศิลปะแมริแลนด์ ) เขาทำงานรับจ้างทั่วไปเพื่อเลี้ยงชีพขณะวาดภาพ และในปี 1935 ดำรงตำแหน่งประธานสมาคมศิลปินบัลติมอร์ ระหว่างปี 1936 ถึง 1940 เขาอาศัยอยู่ในนิวยอร์กและทำงานในแผนกภาพเขียนของ โครงการศิลปะของรัฐบาลกลางภายใต้ การบริหารงานความก้าวหน้า (Works Progress Administration Federal Art Project) ในช่วงเวลานี้ เขารู้จักกับอาร์ชิล กอร์กี, เดวิด อัลฟาโร ซิเคโรสและแจ็ค ทวอร์คอฟ ก่อนจะกลับไปบัล ติมอร์ในปี 1940 ในปี 1948 เขาเริ่มใช้สีMagnaซึ่งเป็นสีอะคริลิกแบบน้ำมันในปี 1952 หลุยส์ย้ายไปอยู่ที่วอชิงตัน ดี.ซี. ใช้ชีวิตอยู่ที่นั่นค่อนข้างแยกตัวออกจากแวดวงศิลปะในนิวยอร์ก และทำงานอย่างโดดเดี่ยว เขาและกลุ่มศิลปินที่รวมถึงเคนเนธ โนแลนด์ มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะสีพื้น (Color Field Painting) จุดสำคัญพื้นฐานของงานของหลุยส์และจิตรกรสีพื้นคนอื่นๆ ซึ่งบางครั้งรู้จักกันในชื่อ " โรงเรียนสีวอชิงตัน" (Washington Color School ) ซึ่งแตกต่างจากแนวทางใหม่ๆ ส่วนใหญ่ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 คือ พวกเขาได้ลดทอนความซับซ้อนของแนวคิดเกี่ยวกับลักษณะของภาพวาดที่เสร็จสมบูรณ์ลงอย่างมาก

โนแลนด์ ซึ่งทำงานในวอชิงตัน ดี.ซี. ยังเป็นผู้บุกเบิกขบวนการสีฟิลด์ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 โดยใช้ชุดภาพเป็นรูปแบบสำคัญสำหรับภาพวาดของเขา ชุดภาพสำคัญบางชุดของโนแลนด์มีชื่อว่าTargets , ChevronsและStripes โนแลนด์เข้าเรียนที่ วิทยาลัยแบล็กเมาน์เทนซึ่งเป็นวิทยาลัยทดลองและศึกษาศิลปะในรัฐนอร์ทแคโรไลนาซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา โนแลนด์เรียนกับศาสตราจารย์อิลยา โบโลต อฟสกี ผู้แนะนำให้เขารู้จักกับ ลัทธินี โอพลาสติซิซึมและผลงานของปีเอต มอนเดรียนที่นั่นเขายังได้ศึกษาทฤษฎีเบาเฮาส์ และสีกับ โจเซฟ อัลเบอร์ส^{[ 17 ]}และเขาสนใจพอล คลีโดยเฉพาะอย่างยิ่งความละเอียดอ่อนของเขาต่อสี^{[ 18 ]}ในปี 1948 และ 1949 เขาทำงานกับออสซิป ซาดคีนในปารีส และในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ได้พบกับมอร์ริส หลุยส์ในวอชิงตัน ดี.ซี. ^{[ 19 ]}

ในปี 1970 นักวิจารณ์ศิลปะ เคลเมนต์ กรีนเบิร์ก กล่าวไว้ว่า:

ผมคิดว่าพอลล็อกอยู่ในระดับเดียวกับฮอฟมันน์และมอร์ริส หลุยส์ ในบรรดาจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งยุคนี้ของประเทศนี้ ที่จริงแล้วผมคิดว่าไม่มีใครในรุ่นเดียวกันในยุโรปที่จะเทียบเท่าพวกเขาได้เลย พอลล็อกไม่ชอบภาพวาดของฮอฟมันน์ เขาดูไม่ออก เขาไม่คิดจะดูด้วยซ้ำ และฮอฟมันน์ก็ไม่ชอบภาพวาดแบบระบายสีทั่วทั้งภาพของพอลล็อกเช่นกัน และเพื่อนศิลปินส่วนใหญ่ของพอลล็อกก็ดูไม่ออกเช่นกัน ผลงานที่เขาทำระหว่างปี 1947 ถึง 1950 แต่ภาพวาดของพอลล็อกจะคงอยู่หรือล่มสลายก็อยู่ในบริบทเดียวกันกับภาพ วาดของ เรมแบรนด์ทิเชียนเวลาสเกซ โกยาดาวิดหรือ...หรือมาเนต์รูเบนหรือมิเกลันเจโลไม่มีการหยุดชะงัก ไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลง พอลล็อกขอให้ได้รับการทดสอบโดยสายตาเดียวกันกับที่มองเห็นว่าราฟาเอลหรือปิเอโร เก่งแค่ไหน ในตอนที่เขาเก่ง^{[ 20 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ศิลปินรุ่นใหม่เริ่มแยกตัวออกจากรูปแบบศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ โดยทดลองวิธีการสร้างภาพแบบใหม่ๆ และวิธีการใช้สีและเทคนิคการระบายสีแบบใหม่ๆ ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ขบวนการใหม่ๆ ในงานจิตรกรรมนามธรรมหลายขบวนการมีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด และถูกจัดอยู่ในหมวดหมู่เดียวกันอย่างผิวเผิน แม้ว่าในระยะยาวแล้วจะพบว่ามีความแตกต่างกันอย่างมากก็ตาม รูปแบบและขบวนการใหม่ๆ บางส่วนที่ปรากฏขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เพื่อตอบสนองต่อศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ได้แก่Washington Color School , hard-edge painting , geometric abstraction , minimalismและ color field

Gene Davisเป็นจิตรกรที่มีชื่อเสียงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านภาพวาดลายเส้นแนวตั้งสีต่างๆ เช่นBlack Grey Beat (1964) และเขายังเป็นสมาชิกของกลุ่มจิตรกรนามธรรมในวอชิงตัน ดี.ซี.ในช่วงทศวรรษ 1960 ซึ่งรู้จักกันในชื่อWashington Color Schoolจิตรกรกลุ่มวอชิงตันเหล่านี้เป็นหนึ่งในกลุ่มจิตรกรสีสันสดใสที่โดดเด่นที่สุดในยุคกลางศตวรรษ

ศิลปินที่เกี่ยวข้องกับขบวนการสีพื้น (Color Field Movement) ในช่วงทศวรรษ 1960 กำลังหันเหออกจากการแสดงออกทางอารมณ์และความวิตกกังวลไปสู่พื้นผิวที่ชัดเจนและภาพรวมในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษ 1960 คำว่า "สีพื้น" (Color Field Painting) ใช้เรียกผลงานของศิลปิน เช่นแอนน์ ทรูอิตต์ , จอห์น แมคลา ฟลิน , แซม ฟรานซิส, แซม กิลเลียม, โทมัส ดาวนิง , เอล ส์เวิร์ธ เคลลี , พอล ฟี ลีย์, ฟรีเดล ซูบาส, แจ็ค บุช , โฮเวิร์ด เมห์ริง , จีน เดวิส , แมรี พินชอต เมเยอร์ , ​​จูลส์ โอลิทสกี , เคนเนธ โนแลนด์, เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ , โรเบิร์ต กู๊ ดนอห์ , เรย์ พาร์คเกอร์ , อัล เฮลด์ , เอเมอร์สัน โวล เฟอร์ , เดวิด ซิมป์สัน , วาซา เวลิซาร์ มิฮิชและคนอื่นๆ ที่ผลงานของพวกเขาเคยเกี่ยวข้องกับลัทธิแสดงออกทางนามธรรมรุ่นที่สอง (Abstract Expressionism) และยังรวมถึงศิลปินรุ่นใหม่ เช่นแลร์รี พูนส์ , โรนัลด์ เดวิส , แลร์รี ซ็อกซ์ , จอห์น ฮอยแลนด์ , วอลเตอร์ ดาร์บี แบนนาร์ดและแฟรงค์ สเตลลาด้วย ทั้งหมดกำลังเคลื่อนไปในทิศทางใหม่ที่ห่างไกลจากความรุนแรงและความวิตกกังวลของศิลปะแอ็กชั่นเพนติ้ง ไปสู่ ภาษาแห่งสีสัน ที่ดูสงบกว่าเดิม

แม้ว่าคำว่า "color field" จะเกี่ยวข้องกับ Clement Greenberg แต่จริงๆ แล้ว Greenberg ชอบใช้คำว่า " post-painterly abstraction " มากกว่า ในปี 1964 Clement Greenberg ได้จัดนิทรรศการที่มีอิทธิพลซึ่งเดินทางไปทั่วประเทศในชื่อPost-Painterly Abstraction [ ^{22 ] นิทรรศการ}นี้ได้ขยายความหมายของภาพวาดสีฟิลด์ ภาพวาดสีฟิลด์ชี้ให้เห็นทิศทางใหม่ในการวาดภาพของอเมริกาอย่างชัดเจน ซึ่งห่างไกลจากลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม ในปี 2007 Karen Wilkinได้จัดนิทรรศการชื่อColor As Field: American Painting 1950–1975ซึ่งเดินทางไปจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วสหรัฐอเมริกา นิทรรศการนี้ได้นำเสนอศิลปินหลายคนที่เป็นตัวแทนของจิตรกรสีฟิลด์สองรุ่น^{[ 23 ]}

ในปี 1970 จิตรกรจูลส์ โอลิทสกีกล่าวไว้ว่า:

ฉันไม่รู้ว่าภาพวาด Color Field หมายถึงอะไร ฉันคิดว่ามันน่าจะถูกคิดค้นโดยนักวิจารณ์บางคน ซึ่งก็ไม่เป็นไร แต่ฉันไม่คิดว่าวลีนี้มีความหมายอะไรเลย ภาพวาด Color Field? ฉันหมายถึง สีคืออะไร? การวาดภาพเกี่ยวข้องกับหลายสิ่งหลายอย่าง สีก็เป็นหนึ่งในสิ่งเหล่านั้น มันเกี่ยวข้องกับพื้นผิว มันเกี่ยวข้องกับรูปทรง มันเกี่ยวข้องกับความรู้สึกซึ่งยากที่จะเข้าถึง^{[ 24 ]}

รอนนี่ แลนด์ฟิลด์ , พิธีกรรมแห่งฤดูใบไม้ผลิ , 1985 ผลงานของแลนด์ฟิลด์ปรากฏขึ้นในช่วงทศวรรษ 1960 ผลงานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงทั้งภาพวาดทิวทัศน์จีนและรูปแบบสีฟิลด์ ภาพวาดของเขาเชื่อมโยงภาพวาดสีฟิลด์เข้ากับนามธรรมเชิงบทกวี^{[ 25 ]}

แจ็ค บุชเป็น จิตรกร แนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชัน นิสต์ชาวแคนาดา เกิดที่เมืองโทรอนโต รัฐออนแทรีโอ ในปี 1909 เขาเป็นสมาชิกของPainters Elevenซึ่งเป็นกลุ่มที่ก่อตั้งโดยวิลเลียม โรนัลด์ในปี 1954 เพื่อส่งเสริมการวาดภาพแบบนามธรรมในแคนาดา และในไม่ช้าเขาก็ได้รับการสนับสนุนในงานศิลปะของเขาจากนักวิจารณ์ศิลปะชาวอเมริกันเคลเมนต์ กรีนเบิร์กด้วยการสนับสนุนจากกรีนเบิร์ก บุชจึงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสองขบวนการที่เติบโตขึ้นจากความพยายามของศิลปินแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ ได้แก่ การวาดภาพสีพื้น (color field painting) และนามธรรมเชิงบทกวี (lyrical abstraction ) ภาพวาด Big Aของเขาเป็นตัวอย่างหนึ่งของการวาดภาพสีพื้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ^{[ 21 ] [ 27 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 แฟรงค์ สเตลลาเป็นบุคคลสำคัญในการกำเนิดของศิลปะมินิมัลลิส ต์ ศิลปะ นามธรรมหลังยุคจิตรกรรมและจิตรกรรมสีพื้น ภาพเขียนบนผ้าใบรูปทรงต่างๆ ของเขา ในทศวรรษ 1960 เช่นHarran II (1967) ได้ปฏิวัติวงการจิตรกรรมนามธรรม ลักษณะสำคัญอย่างหนึ่งของภาพเขียนของสเตลลาคือการใช้การซ้ำซ้อน ภาพเขียนลายเส้นสีดำของเขาในปี 1959 สร้างความตกตะลึงให้กับวงการศิลปะที่ไม่คุ้นเคยกับการเห็นภาพขาวดำและภาพซ้ำๆ ที่วาดแบบเรียบๆ โดยแทบไม่มีการขึ้นลงของสี ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 สเตลลาได้สร้างชุดภาพเขียนบนอะลูมิเนียม ที่มีรอยบาก และภาพเขียนบนทองแดง รูปทรง ต่างๆ ก่อนที่จะสร้างภาพเขียนบนผ้าใบรูปทรงต่างๆ หลากสีและไม่สมมาตรในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แนวทางและความสัมพันธ์ของแฟรงค์ สเตลลากับจิตรกรรมสีพื้นไม่ได้คงอยู่ถาวรหรือเป็นศูนย์กลางของผลงานสร้างสรรค์ของเขา เนื่องจากผลงานของเขากลายเป็นสามมิติมากขึ้นเรื่อยๆ หลังจากปี 1980

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ริชาร์ด ไดเบนคอร์นเริ่มสร้าง ชุดภาพ เขียนโอเชียนพาร์คซึ่งสร้างขึ้นในช่วง 25 ปีสุดท้ายของอาชีพการงานของเขา ภาพเขียนเหล่านี้เป็นตัวอย่างสำคัญของภาพเขียนสีพื้น (Color Field Painting) ชุดภาพเขียน โอเชียนพาร์คซึ่งมีตัวอย่างที่โดดเด่นคือโอเชียนพาร์ค หมายเลข 129เชื่อมโยงผลงานแนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ในยุคแรกๆ ของเขากับภาพเขียนสีพื้น ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ริชาร์ด ไดเบนคอร์น เป็นที่รู้จักในฐานะศิลปินแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ และภาพเขียนนามธรรมแบบใช้ท่าทางของเขามีความใกล้เคียงกับกลุ่มศิลปินนิวยอร์กในแง่ของความรู้สึก แต่มีรากฐานที่มั่นคงจากความรู้สึกของศิลปะแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ในซานฟรานซิสโก ซึ่งเป็นสถานที่ที่คลิฟฟอร์ด สติลล์มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินรุ่นใหม่ผ่านการสอนที่สถาบันศิลปะซานฟรานซิสโก

ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ริชาร์ด ดีเบนคอร์น ร่วมกับเดวิด พาร์คเอลเมอร์ บิสชอฟฟ์และคนอื่นๆ อีกหลายคน ได้ก่อตั้งBay Area Figurative School ขึ้น โดยกลับมาใช้การวาดภาพแบบรูปธรรมอีกครั้ง ระหว่างฤดูใบไม้ร่วงปี 1964 ถึงฤดูใบไม้ผลิปี 1965 ดีเบนคอร์นได้เดินทางไปทั่วยุโรป เขาได้รับวีซ่าทางวัฒนธรรมเพื่อไปเยี่ยมชมและชมภาพวาดของอองรี มาติสในพิพิธภัณฑ์สำคัญของสหภาพโซเวียต ผลงานเหล่านี้ไม่ค่อยมีใครได้เห็นนอกสหภาพโซเวียต เมื่อเขากลับมาวาดภาพใน Bay Area ในช่วงกลางปี ​​1965 ผลงานของเขาสรุปสิ่งที่เขาได้เรียนรู้จากประสบการณ์กว่าทศวรรษในฐานะจิตรกรรูปธรรมชั้นนำ^{[ 28 ] [ 29 ]}เมื่อเขากลับมาสู่ศิลปะนามธรรมในปี 1967 ผลงานของเขามีความคล้ายคลึงกับขบวนการต่างๆ เช่น ขบวนการสีสนามและศิลปะนามธรรมเชิงบทกวีแต่เขายังคงเป็นอิสระจากทั้งสองขบวนการ

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แลร์รี พูนส์ ซึ่งภาพวาด จุดก่อนหน้านี้ของเขาเกี่ยวข้องกับศิลปะออปอาร์ตเริ่มสร้างภาพวาดที่หลวมและมีรูปแบบอิสระมากขึ้น ซึ่งถูกเรียกว่า ภาพวาด รูปวงรีและรูปทรงสี่เหลี่ยมขนมเปียกปูน ของเขา ในปี 1967–1968 พร้อมกับจอ ห์ นฮอยแลนด์วอลเตอร์ ดาร์บี แบนนาร์ด แลร์รี ซ็อกซ์โรนัลด์ เดวิสรอนนี แลนด์ฟิลด์จอห์น ซีรีแพท ลิปสกี แดน ค ริส เตนเซน^{[ 30 ]}และจิตรกรหนุ่มคนอื่นๆ อีกหลายคน การเคลื่อนไหวใหม่ที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดสีพื้นเริ่มก่อตัวขึ้น ในที่สุดก็เป็นที่รู้จักในชื่อนามธรรมเชิงบทกวี [ ^{31 ] [ 32 ] [ 33 ] ใน}ช่วงปลายทศวรรษ 1960 จิตรกรหันมาสนใจการเน้นพื้นผิว การแสดงภาพพื้นที่ลึก การสัมผัสแบบจิตรกร และการจัดการสีที่ผสานเข้ากับภาษาของสี ในบรรดาจิตรกรนามธรรมรุ่นใหม่ที่เกิดขึ้นโดยผสมผสานภาพวาดสีพื้นเข้ากับลัทธิแสดงออก จิตรกรรุ่นเก่าก็เริ่มผสมผสานองค์ประกอบใหม่ๆ ของพื้นที่และพื้นผิวที่ซับซ้อนลงในผลงานของพวกเขาด้วย ในช่วงทศวรรษ 1970 Poons ได้สร้างภาพวาดที่มีผิวหนา แตก และหนัก ซึ่งเรียกว่า ภาพวาด ผิวช้าง Christensen ได้พ่นสีเป็นวงกลม ใยแมงมุมสี และอักษรวิจิตรลงบนพื้นผิวที่ละเอียดอ่อนหลากสีสัน ภาพวาดแถบสีของ Ronnie Landfield สะท้อนให้เห็นถึงทั้งภาพวาดทิวทัศน์จีนและสำนวนสีแบบ Color Field และ John Seery ได้สร้างภาพวาดสีของเขา ดังเช่นภาพEast, 1973จากหอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox และศิลปินอีกหลายคนได้สร้างภาพวาดที่เชื่อมโยง Color Field กับนามธรรมเชิงบทกวีและเน้นย้ำถึงการให้ความสำคัญกับทิวทัศน์ ท่าทาง และสัมผัสอีก ครั้ง ^{[ 26 ] [ 34 ] [ 35 ]}

จิตรกรรมสีพื้น (Color field painting) มีความเกี่ยวข้องกับ ศิลปะนามธรรมหลังยุคจิตรกรรม ( post-painterly abstraction) , สุพรีมาติส ม์ (Suprematism) , ลัทธิแสดงออกทางนามธรรม (Abstract expressionism) , จิตรกรรมขอบคม (Hard-edge painting)และ ศิลปะนามธรรมเชิง พรรณนา (Lyrical abstraction ) ในตอนแรกนั้น หมายถึงลัทธิแสดงออกทางนามธรรม ประเภทหนึ่งโดย เฉพาะ โดยเฉพาะผลงานของมาร์ค รอธโก (Mark Rothko) , คลิฟฟอ ร์ด สติลล์ (Clyfford Still) , บาร์เน็ตต์ นิวแมน (Barnett Newman) , โรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ (Robert Motherwell) , อดอล์ฟ ก็อตต์ ลีบ (Adolph Gottlieb)และชุดภาพเขียนหลายชุดของโจน มิโร (Joan Miró ) นักวิจารณ์ศิลปะเคลเมนต์ กรีนเบิร์ก (Clement Greenberg)มองว่าจิตรกรรมสีพื้นมีความเกี่ยวข้องแต่แตกต่างจากจิตรกรรมแอ็กชัน (Action painting )

ความแตกต่างที่สำคัญที่ทำให้ภาพวาดสีพื้นแตกต่างจากภาพวาดนามธรรมคือเทคนิคการลงสี เทคนิคพื้นฐานที่สุดของการวาดภาพคือการลงสี และจิตรกรกลุ่มสีพื้นได้ปฏิวัติวิธีการลงสีให้มีประสิทธิภาพยิ่งขึ้น

ภาพเขียนสีพื้นพยายามกำจัดวาทศิลป์ที่เกินความจำเป็นออกจากงานศิลปะ ศิลปินอย่างBarnett Newman , Mark Rothko , Clyfford Still , Adolph Gottlieb , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Friedel DzubasและFrank Stellaรวมถึงคนอื่นๆ มักใช้รูปแบบที่ลดทอนลงอย่างมาก โดยการวาดภาพนั้นเรียบง่าย เป็นระบบที่ซ้ำซากและเป็นระเบียบ มีการอ้างอิงถึงธรรมชาติขั้นพื้นฐาน และใช้สีอย่างมีมิติและเชิงจิตวิทยาโดยทั่วไปแล้ว ศิลปินเหล่านี้ได้กำจัดภาพที่สามารถจดจำได้อย่างชัดเจนออกไป เพื่อเน้นความนามธรรม ศิลปินบางคนอ้างอิงถึงงานศิลปะในอดีตหรือปัจจุบัน แต่โดยทั่วไปแล้ว ภาพเขียนสีพื้นนำเสนอความนามธรรมเป็นจุดหมายปลายทางในตัวเอง ในการดำเนินไปในทิศทางของศิลปะสมัยใหม่นี้ศิลปินเหล่านี้ต้องการนำเสนอภาพวาดแต่ละภาพเป็นภาพที่รวมเป็นหนึ่งเดียว สอดคล้องกัน และเป็นภาพเดียวขนาดใหญ่ มักอยู่ในชุดภาพประเภทที่เกี่ยวข้องกัน

แตกต่างจากพลังทางอารมณ์และร่องรอยบนพื้นผิว รวมถึงการใช้สีของศิลปินแนวแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์อย่างแจ็กสัน พอลล็อกและวิลเลม เดอ คูนิงภาพวาดสีพื้น (Color Field Painting) ในช่วงแรกดูเย็นชาและเคร่งขรึม ศิลปินแนวนี้ลบเลือนร่องรอยแต่ละจุด โดยเน้นไปที่พื้นที่สีขนาดใหญ่ แบนราบ ที่ถูกย้อมและชุ่มฉ่ำ ซึ่งถือเป็นแก่นแท้ของศิลปะนามธรรมควบคู่ไปกับรูปทรงของผืนผ้าใบ ซึ่งแฟรงค์ สเตลลาทำได้อย่างน่าทึ่งด้วยการผสมผสานเส้นโค้งและเส้นตรง อย่างไรก็ตาม ภาพวาดสีพื้นได้พิสูจน์แล้วว่าทั้งเย้ายวนและแสดงออกได้อย่างลึกซึ้ง แม้ว่าจะแตกต่างจากแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชัน นิสม์แบบใช้ท่าทางก็ตาม มาร์ค รอธโกกล่าวอย่างชัดเจนเกี่ยวกับภาพวาดของเขาในปี 1956 ว่า ไม่เกี่ยวข้องกับแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์หรือขบวนการศิลปะอื่นใด

ฉันไม่ใช่ศิลปินแนวนามธรรม... ฉันไม่สนใจความสัมพันธ์ของสีหรือรูปทรงหรือสิ่งอื่นใด... ฉันสนใจเพียงแค่การแสดงออกถึงอารมณ์พื้นฐานของมนุษย์ — โศกนาฏกรรม ความปีติยินดี ความหายนะ และอื่นๆ — และความจริงที่ว่าผู้คนจำนวนมากร้องไห้เมื่อเผชิญหน้ากับภาพวาดของฉันแสดงให้เห็นว่าฉันสื่อสารอารมณ์พื้นฐานของมนุษย์เหล่านั้นได้... ผู้คนที่ร้องไห้ต่อหน้าภาพวาดของฉันกำลังมีประสบการณ์ทางศาสนาแบบเดียวกับที่ฉันมีเมื่อฉันวาดภาพเหล่านั้น และถ้าคุณ อย่างที่คุณพูด รู้สึกประทับใจเฉพาะความสัมพันธ์ของสีเท่านั้น แสดงว่าคุณพลาดประเด็นไปแล้ว! ^{[ 36 ]}

โจแอน มิโรเป็นหนึ่งในจิตรกรที่ใช้เทคนิคการย้อมสีคนแรกๆ และประสบความสำเร็จมากที่สุด แม้ว่าการย้อมสีด้วยสีน้ำมันจะถือว่าอันตรายต่อผ้าใบฝ้ายในระยะยาว แต่ตัวอย่างของมิโรในช่วงทศวรรษ 1920, 1930 และ 1940 ก็เป็นแรงบันดาลใจและอิทธิพลต่อคนรุ่นใหม่ หนึ่งในเหตุผลที่ทำให้ขบวนการสีพื้นประสบความสำเร็จคือเทคนิคการย้อมสี ศิลปินจะผสมและเจือจางสีในถังหรือกระป๋องกาแฟจนได้ของเหลว แล้วเทลงบนผ้าใบดิบที่ยังไม่ได้ลงสีรองพื้น ซึ่งโดยทั่วไปคือผ้าฝ้ายดัก สีอาจถูกทาด้วยแปรง ลูกกลิ้ง โยน เท หรือพ่นลงไป และจะกระจายไปตามเนื้อผ้าของผ้าใบ โดยทั่วไปแล้วศิลปินจะวาดรูปทรงและพื้นที่ต่างๆ ขณะที่ย้อมสี ศิลปินหลายคนเลือกใช้เทคนิคการย้อมสีเป็นเทคนิคหลักในการสร้างสรรค์ภาพวาดของพวกเขาเจมส์ บรูคส์ , แจ็กสัน พอลล็อก , เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ , มอร์ริส หลุยส์ , พอล เจนกินส์ และจิตรกรอีกหลายสิบคนพบว่า การเทและการย้อมสีเปิดประตูสู่นวัตกรรมและวิธีการวาดภาพและการแสดงความหมายในรูปแบบใหม่ที่ปฏิวัติวงการ จำนวนศิลปินที่ใช้วิธีการย้อมสีในช่วงทศวรรษ 1960 เพิ่มขึ้นอย่างมากเนื่องจากการมีสีอะคริลิก การย้อมสีอะคริลิกลงบนผ้าใบฝ้ายนั้นอ่อนโยนกว่าและทำลายผ้าใบน้อยกว่าการใช้สีน้ำมัน ในปี 1970 ศิลปินเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ได้แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการใช้วิธีการย้อมสีของเธอว่า:

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพด้วยสีย้อมครั้งแรก ฉันเว้นพื้นที่ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ไว้โดยไม่ลงสี ฉันคิดว่าเพราะผืนผ้าใบเองทำหน้าที่ได้อย่างทรงพลังและในเชิงบวกเช่นเดียวกับสีหรือเส้นหรือสี กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ พื้นผิวเป็นส่วนหนึ่งของสื่อ ดังนั้นแทนที่จะคิดว่ามันเป็นพื้นหลังหรือพื้นที่ว่างหรือจุดที่ว่างเปล่า พื้นที่นั้นจึงไม่จำเป็นต้องมีสีเพราะมีสีอยู่ข้างๆ สิ่งสำคัญคือต้องตัดสินใจว่าจะเว้นไว้ตรงไหน จะเติมสีตรงไหน และจะบอกว่าตรงนี้ไม่จำเป็นต้องมีเส้นหรือถังสีเพิ่มอีกแล้ว มันบอกออกมาในพื้นที่^{[ 37 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 มีศิลปินเพียงไม่กี่คนที่ใช้เทคนิคการพ่นสีเพื่อสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่และสีสันต่างๆ บนผืนผ้าใบ ศิลปินบางคนที่ใช้ เทคนิค การพ่นสี ได้อย่างมีประสิทธิภาพ ได้แก่จูลส์ โอลิทสกี้ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกเทคนิคการพ่นสีของเขา โดยพ่นสีทับซ้อนกันเป็นชั้นๆ บนภาพวาดขนาดใหญ่ ซึ่งมักจะค่อยๆ เปลี่ยนเฉดสีและค่าความสว่างอย่างละเอียดอ่อน นวัตกรรมที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งคือ การใช้เทคนิคการพ่นสีอย่างได้ผลของ แดน คริสเตนเซนในการสร้างลูปและริบบิ้นสีสันสดใส พ่นเป็นเส้นชัดเจนคล้ายลายมือบนภาพวาดขนาดใหญ่ของเขา วิลเลียม เพตเตต์ ริชาร์ด ซาบา และอัลเบิร์ต สแตดเลอร์ ใช้เทคนิคนี้เพื่อสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ที่มีสีสันหลากหลาย ในขณะที่เคนเนธ โชเวลล์ พ่นสีลงบนผืนผ้าใบที่ยับย่นและสร้างภาพลวงตาของภาพนิ่งนามธรรมภายในบ้าน ศิลปินที่ใช้เทคนิคการพ่นสีส่วนใหญ่มีผลงานโดดเด่นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970

ลายเส้นเป็นหนึ่งในวิธีการใช้สีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด โดยจิตรกรสีหลายคนใช้สีในรูปแบบต่างๆ กันบาร์เน็ตต์ นิวแมน , มอร์ริส หลุยส์ , แจ็ค บุช , จีน เดวิส , เคนเนธ โนแลนด์และเดวิด ซิมป์สัน ต่างก็สร้างผลงานภาพวาดลายเส้นชุดสำคัญๆ แม้ว่าเขาจะไม่ได้เรียกมันว่าลายเส้น แต่เรียกว่า "ซิป " ลายเส้นของบาร์เน็ตต์ นิวแมนส่วนใหญ่เป็นแนวตั้ง มีความกว้างแตกต่างกัน และใช้ในปริมาณน้อย ในกรณีของซิมป์สันและโนแลนด์ ภาพวาดลายเส้นของพวกเขาส่วนใหญ่เป็นแนวนอน ในขณะที่จีน เดวิส วาดภาพลายเส้นแนวตั้ง และมอร์ริส หลุยส์ วาดภาพลายเส้นแนวตั้งเป็นส่วนใหญ่ ซึ่งบางครั้งเรียกว่า"เสา " แจ็ค บุช มักจะวาดทั้งภาพวาดลายเส้นแนวนอนและแนวตั้ง รวมถึงลายเส้นที่เป็นมุมด้วย

สีอะคริลิก Magna ซึ่งเป็นสีอะคริลิกสำหรับศิลปิน โดยเฉพาะได้รับการพัฒนาโดยLeonard BocourและSam Goldenในปี 1947 และได้รับการปรับปรุงสูตรใหม่ในปี 1960 โดยเฉพาะสำหรับ Morris Louis และจิตรกรกลุ่มสี Color Field Movement ^{[ 38 ]}ใน Magna เม็ดสีจะถูกบดในเรซินอะคริลิกด้วยตัวทำละลายที่ มีแอลกอฮอล์เป็นส่วนประกอบ ^{[ 39 ]}แตกต่างจากสีอะคริลิกแบบน้ำในปัจจุบัน Magna สามารถผสมกับน้ำมันสนหรือน้ำมันแร่ได้ และแห้งเร็วจนได้ผิวสัมผัสแบบด้านหรือมันเงาMorris Louis , Friedel Dzubas และ Roy Lichtensteinศิลปินป๊อป อาร์ตได้ใช้สีนี้อย่างแพร่หลาย สี ^ของ Magna มีความสดใสและเข้มข้นกว่าสีอะคริลิกแบบน้ำทั่วไป Louis ใช้ Magna ได้อย่างมีประสิทธิภาพในชุด Stripe Series ของเขา [ ^{40 ]}โดยใช้สีที่ไม่เจือจางและเทลงมาจากกระป๋องโดยตรงโดยไม่ต้องผสม^{[ 41 ]}

ในปี 1972 อดีตภัณฑารักษ์พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน Henry Geldzahlerกล่าวว่า:

น่าแปลกใจหรืออาจจะไม่แปลกใจที่การวาดภาพสีกลายเป็นวิธีการวาดภาพที่ใช้ได้ผลในเวลาเดียวกับที่สีอะคริลิก ซึ่งเป็นสีพลาสติกชนิดใหม่ ถือกำเนิดขึ้น ราวกับว่าสีชนิดใหม่นี้เรียกร้องความเป็นไปได้ใหม่ในการวาดภาพ และจิตรกรก็ค้นพบมัน สีน้ำมันซึ่งมีตัวกลางที่แตกต่างกันมาก ซึ่งไม่ใช่สีที่ใช้น้ำเป็นส่วนประกอบ มักจะทิ้งคราบน้ำมันหรือแอ่งน้ำมันไว้รอบขอบสีเสมอ แต่สีอะคริลิกจะหยุดอยู่ที่ขอบของมันเอง การวาดภาพสีจึงเกิดขึ้นพร้อมกับการประดิษฐ์สีชนิดใหม่นี้^{[ 42 ]}

สี อะคริลิกเริ่มวางจำหน่ายในเชิงพาณิชย์ครั้งแรกในช่วงทศวรรษ 1950 ในรูปแบบสีที่ใช้ตัวทำละลายเป็นน้ำมันสน เรียกว่าMagna ^{[ 43 ]}ซึ่งจัดจำหน่ายโดยLeonard Bocourต่อมาสีอะคริลิกแบบน้ำถูกจำหน่ายในชื่อสีทาบ้าน "ลาเท็กซ์" แม้ว่าสารกระจายตัวของอะคริลิกจะไม่ได้ใช้ลาเท็กซ์ที่ได้จากต้นยางพารา สีทาบ้าน "ลาเท็กซ์" สำหรับใช้ภายในอาคารมักจะเป็นส่วนผสมของสารยึดเกาะ (บางครั้งเป็นอะคริลิกไวนิล พีวีเอและอื่นๆ) สารเติมเต็มเม็ดสีและน้ำสีทาบ้าน "ลาเท็กซ์" สำหรับใช้ภายนอกอาคารอาจเป็นส่วนผสมของ "โคพอลิเมอร์" ก็ได้ แต่สีทาบ้านภายนอกแบบน้ำที่ดีที่สุดคือสีอะคริลิก 100%

หลังจากที่สารยึดเกาะอะคริลิกชนิดน้ำถูกนำมาใช้เป็นสีทาบ้านไม่นาน ศิลปิน – โดยกลุ่มแรกคือจิตรกรฝาผนังชาวเม็กซิกัน – และบริษัทต่างๆ ก็เริ่มสำรวจศักยภาพของสารยึดเกาะชนิดใหม่นี้ สีอะคริลิกสำหรับศิลปินสามารถเจือจางด้วยน้ำและใช้เป็นสีรองพื้นแบบสีน้ำได้ แม้ว่าสีรองพื้นเหล่านี้จะติดทนนานและคงทนเมื่อแห้งแล้วก็ตาม สีอะคริลิกคุณภาพสูงที่ละลายน้ำได้เริ่มวางจำหน่ายในเชิงพาณิชย์ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 โดยบริษัท Liquitexและ Bocour ภายใต้ชื่อทางการค้าAquatecสี Liquitex และ Aquatec ที่ละลายน้ำได้พิสูจน์แล้วว่าเหมาะอย่างยิ่งสำหรับเทคนิคการลงสีแบบสเตน การลงสีแบบสเตนด้วยสีอะคริลิกที่ละลายน้ำได้ทำให้สีที่เจือจางแล้วซึมและยึดติดแน่นบนผืนผ้าใบดิบ จิตรกรอย่างKenneth Noland , Helen Frankenthaler , Dan Christensen , Sam Francis , Larry Zox , Ronnie Landfield , Larry Poons , Sherron Francis , Jules Olitski , Gene Davis , Ronald Davis , Georg Karl Pfahler , Sam Gilliamและคนอื่นๆ ประสบความสำเร็จในการใช้สีอะคริลิกแบบน้ำสำหรับภาพวาดสีแบบใหม่ของพวกเขา^{[ 44 ]}

มรดกทางศิลปะการวาดภาพในศตวรรษที่ 20 เป็นกระแสหลักที่ยาวนานและเกี่ยวพันกันของอิทธิพลและความสัมพันธ์ที่ซับซ้อน การใช้พื้นที่สีขนาดใหญ่ที่เปิดกว้างและแสดงออกอย่างชัดเจน โดยใช้สีในปริมาณมากควบคู่ไปกับการวาดเส้นแบบหลวมๆ (จุดเส้นที่ไม่ชัดเจนและ/หรือโครงร่างรูปทรง) สามารถพบเห็นได้ครั้งแรกในผลงานช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ของทั้งอองรี มาติสและโจน มิโรมาติสและมิโร รวมถึงปาโบล ปิกัสโซ , พอล คลี , วาสซิลี คันดินสกีและปีเอต มอนเด รี ยน มีอิทธิพลโดยตรงต่อกลุ่มศิลปินแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ กลุ่มศิลปินสีพื้นในยุคหลังแอ็บสแตร็กต์ และกลุ่มศิลปินลิริคัลแอ็บสแตร็กต์ ศิลปินชาวอเมริกันในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เช่นAugustus Vincent TackและAlbert Pinkham Ryderรวมถึงศิลปินสมัยใหม่ชาวอเมริกัน ยุคแรก เช่นGeorgia O'Keeffe , Marsden Hartley , Stuart Davis , Arthur Doveและภาพทิวทัศน์ของMilton Avery ก็เป็นต้นแบบที่สำคัญและมีอิทธิพลต่อศิลปินแนว Abstract Expressionism, ศิลปินแนว Color Field และศิลปินแนว Lyrical Abstractionism ภาพวาดของ Matisse เรื่อง French Window at CollioureและView of Notre-Dame ^{[ 45 ]}ซึ่งวาดในปี 1914 มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินแนว Color Field ชาวอเมริกันโดยทั่วไป (รวมถึงOpen SeriesของRobert Motherwell ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อ ภาพวาด Ocean ParkของRichard Diebenkornตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะ Jane Livingston กล่าว Diebenkorn ได้เห็นภาพวาดของ Matisse ทั้งสองภาพในนิทรรศการที่ลอสแอนเจลิสในปี 1966 และภาพเหล่านั้นมีผลกระทบอย่างมากต่อเขาและผลงานของเขา^{[ 46 ]}เจน ลิฟวิงสตัน กล่าวถึงนิทรรศการมาติสส์ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2509 ที่ไดเบนคอร์นได้ชมในลอสแอนเจลิสว่า:

เป็นการยากที่จะไม่ให้ความสำคัญอย่างมากกับประสบการณ์นี้ต่อทิศทางงานของเขาตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ภาพสองภาพที่เขาเห็นที่นั่นสะท้อนอยู่ใน ภาพวาด Ocean Park เกือบทุกภาพ ได้แก่ ภาพวิว Notre Dame และ French Window at Collioure ซึ่งวาดในปี 1914 และจัดแสดงเป็นครั้งแรกในสหรัฐอเมริกา^{[ 46 ]}

ลิฟวิงสตันกล่าวต่อไปว่า "ดีเบนคอร์นคงได้สัมผัสกับ French Window ที่ Collioure ราวกับเป็นการเปิดเผย" ^{[ 47 ]}

Miró was one of the most influential artists of the 20th century. He pioneered the technique of staining; creating blurry, multi-colored cloudy backgrounds in thinned oil paint throughout the 1920s and 1930s; on top of which he added his calligraphy, characters and abundant lexicon of words, and imagery. Arshile Gorky openly admired Miró's work and painted Miró-like paintings, before finally discovering his own originality in the early 1940s. During the 1960s Miró painted large (abstract expressionist scale) radiant fields of vigorously brushed paint in blue, in white, and other monochromatic fields of colors; with blurry black orbs and calligraphic stone-like shapes, floating at random. These works resembled the color field paintings of the younger generation. Biographer Jacques Dupin said this about Miró's work of the early 1960s:

These canvases disclose affinities – Miró does not in the least attempt to deny this – with the researches of a new generation of painters. Many of these, Jackson Pollock for one, have acknowledged their debt to Miró. Miró in turn displays lively interest in their work and never misses an opportunity to encourage and support them. Nor does he consider it beneath his dignity to use their discoveries on some occasions.^[48]

โดยยึดแบบอย่างจากศิลปินสมัยใหม่ชาวยุโรปคนอื่นๆ เช่น มิโร ขบวนการศิลปะสีพื้น (Color Field) ครอบคลุมหลายทศวรรษตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 20 จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 ที่จริงแล้ว ศิลปะสีพื้นประกอบด้วยจิตรกรสามรุ่นที่แยกจากกันแต่เกี่ยวข้องกัน คำที่ใช้เรียกกลุ่มทั้งสามกลุ่มนี้โดยทั่วไปคือ ลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม (Abstract Expressionism) , ลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม หลังยุคจิตรกรรม (Post-painterly Abstraction ) และลัทธิแสดงออกเชิงพรรณนา (Lyrical Abstraction ) ศิลปินบางคนสร้างผลงานในทั้งสามยุค ซึ่งเกี่ยวข้องกับทั้งสามรูปแบบ ผู้บุกเบิกศิลปะสีพื้น เช่นแจ็กสัน พอลล็อก , มาร์ค รอธโก , คลิฟฟอ ร์ด สติล ล์ , บาร์เน็ตต์ นิวแมน , จอห์น เฟอร์เรน , อดอล์ฟ ก็อตต์ลีบ และโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ส่วนใหญ่ถูกมองว่าเป็นศิลปินลัทธิแสดงออกเชิงนามธรรม ส่วนศิลปินอย่างเฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์,แซมฟรานซิส , ริชาร์ด ดีเบนคอร์น , จูลส์ โอลิทสกีและเคนเนธ โนแลนด์อยู่ในรุ่นที่อายุน้อยกว่าเล็กน้อย หรือในกรณีของมอร์ริส หลุยส์มีมุมมองทางสุนทรียศาสตร์ที่สอดคล้องกับรุ่นนั้น ซึ่งเริ่มต้นจากการเป็นศิลปะนามธรรมแบบเอ็กซ์เพรสชันนิสม์ แต่ก็พัฒนาไปสู่ศิลปะนามธรรมแบบโพสต์เพนเทอร์ลีอย่างรวดเร็ว ในขณะที่ศิลปินรุ่นใหม่ เช่นแฟรงค์ สเตลลา , โรนัลด์ เดวิส , แลร์รี ซ็อกซ์ , แล ร์รี พูนส์ , วอ ลเตอร์ ดาร์บี แบนนาร์ด , รอนนี แลนด์ฟิลด์และแดน คริสเตนเซนเริ่มต้นด้วยศิลปะนามธรรมแบบโพสต์เพนเทอร์ลี และในที่สุดก็พัฒนาไปสู่ศิลปะเอ็กซ์เพรสชันนิสม์รูปแบบใหม่ที่เรียกว่า ศิลปะนามธรรมเชิง抒情 ( Lyrical Abstraction ) ศิลปินหลายคนที่กล่าวถึง รวมถึงศิลปินอื่นๆ อีกมากมาย ได้ฝึกฝนทั้งสามรูปแบบนี้ในช่วงใดช่วงหนึ่งของอาชีพการงาน ในช่วงหลังของศิลปะคัลเลอร์ฟิลด์เพนติ้ง การสะท้อนถึงจิตวิญญาณแห่งยุคปลายทศวรรษ 1960 (ซึ่งทุกอย่างเริ่มหลวมโคร่ง ) และความวิตกกังวลของยุคสมัย (พร้อมกับความไม่แน่นอนทั้งหมดในเวลานั้น) ผสานเข้ากับภาพรวมของศิลปะนามธรรมแบบโพสต์เพนเทอร์ลีก่อให้เกิด ศิลปะ นามธรรมเชิง抒情ซึ่งผสมผสานความแม่นยำของศิลปะคัลเลอร์ฟิลด์เข้ากับความแปลกประหลาดของ ศิลปะนามธรรมแบบ เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ ในช่วงเวลาเดียวกันในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ในยุโรปGerhard RichterและAnselm Kiefer ^{[ 49 ]}และจิตรกรคนอื่นๆ อีกหลายคนก็เริ่มสร้างสรรค์ผลงานที่มีการแสดงออกอย่างเข้มข้น ผสานนามธรรมเข้ากับภาพ โดยนำภาพทิวทัศน์และภาพบุคคลมาใช้ ซึ่งในปลายทศวรรษ 1970 ได้ถูกเรียกว่าลัทธิแสดงออกใหม่ (Neo-expressionism )

ต่อไปนี้คือรายชื่อจิตรกรแนวสีพื้น ศิลปินที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิด และอิทธิพลสำคัญบางส่วนของพวกเขา:

• ศิลปะนามธรรม
• อิมเมจิสต์นามธรรม
• ศิลปะคอนกรีต
• การวาดภาพแบบขอบคม
• นามธรรมเชิงบทกวี
• ศิลปะสมัยใหม่
• นามธรรมหลังยุคจิตรกรรม
• แถบแสดงค่าความอบอุ่น (เทคนิคการแสดงข้อมูลด้วยภาพโดยใช้แนวคิดฟิลด์สี)
• โรงเรียนสีวอชิงตัน
• ภาพวาดตะวันตก

• กรีนเบิร์ก, เคลเมนต์ . ศิลปะและวัฒนธรรม , สำนักพิมพ์บีคอน , 1961
• กรีนเบิร์ก, เคลเมนต์. งานเขียนช่วงปลายชีวิต , เรียบเรียงโดยโรเบิร์ต ซี. มอร์แกน , เซนต์พอล: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยมินนิโซตา , 2003.
• กรีนเบิร์ก, เคลเมนต์. สุนทรียศาสตร์แบบทำเอง: ข้อสังเกตเกี่ยวกับศิลปะและรสนิยม . สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ด , 1999.
• ไคลเนอร์, เฟร็ด เอส. และ มามิยะ, คริสติน เจ. ศิลปะของการ์ดเนอร์ผ่านยุคสมัย (2004) เล่มที่ 2 สำนักพิมพ์วาดส์เวิร์ธ ISBN 0-534-64091-5.
• Schwabsky, Barry. "เฉดสีที่หาที่เปรียบไม่ได้ – จิตรกรรมสีแบบฟิลด์" . ArtForum 1994. Look Smart 20 เมษายน 2007.
• Color As Field: American Painting, 1950–1975 , สืบค้นเมื่อ 7 ธันวาคม 2008
• วิลกิน, คาเรนและ เบลซ์, คาร์ล. สีสันในฐานะผืนผ้าใบ: จิตรกรรมอเมริกัน, 1950–1975 . จัดพิมพ์โดย: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล; ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 1 (29 พฤศจิกายน 2007). ISBN 0-300-12023-0, ISBN 978-0-300-12023-3
• ลิฟวิงสตัน, เจน. ศิลปะของริชาร์ด ดีเบนคอร์นพร้อมบทความโดยจอห์น เอลเดอร์ฟิลด์ , รูธ อี. ไฟน์ และเจน ลิฟวิงสตันพิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์ , 1997, ISBN 0-520-21257-6
• เดอ อันโตนิโอ, เอมิล และ ทัคแมน, มิทเชล. จิตรกรผู้สร้างสรรค์ประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่แบบตรงไปตรงมา, 1940–1970 , สำนักพิมพ์แอ็บบีวิลล์ 1984, ISBN 0-89659-418-1
• Jacques Dupin, Joan Miró Life and Work , Harry N. Abrams, Inc. , สำนักพิมพ์, นครนิวยอร์ก, 1962, หมายเลขบัตรแคตตาล็อกของหอสมุดแห่งชาติ: 62-19132
• ผู้เขียนหลายท่าน: Barbara Rose , Gerald Nordland, Walter Hopps , Hardy S. George; Breaking the Mold , Selections from the Washington Gallery of Modern Art, 1961–1968, แคตตาล็อกนิทรรศการ, พิพิธภัณฑ์ศิลปะโอคลาโฮมาซิตี 2007, ISBN 0-911919-05-8
• ซินเทีย กู๊ดแมน. ฮันส์ ฮอฟมันน์พร้อมบทความโดยเออร์วิง แซนด์เลอร์และเคลเมนต์ กรีนเบิร์ก ; แคตตาล็อกนิทรรศการ พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์ นิวยอร์ก ร่วมกับสำนักพิมพ์เพรสเทล มิวนิกISBN 0-87427-070-7
• เออร์วิง แซนด์เลอร์ . เดอะ นิวยอร์ก สคูล: จิตรกรและประติมากรแห่งทศวรรษ 1950 , สำนักพิมพ์ ฮาร์เปอร์ แอนด์ โรว์ , 1978 ISBN 0-06-438505-1
• อัลดริช, แลร์รี. จิตรกรหนุ่มผู้มีลีลาอันไพเราะ , ศิลปะในอเมริกา , เล่ม 57, ฉบับที่ 6, พฤศจิกายน-ธันวาคม 1969, หน้า 104–113.
• ปีเตอร์ ชเจลดาห์ล . จิตรกรรมนามธรรมแนวใหม่: ความหลากหลายของอารมณ์ความรู้สึก, บทวิจารณ์นิทรรศการ "ศิลปะนามธรรมต่อเนื่อง", พิพิธภัณฑ์วิทนีย์ สาขาดาวน์ทาวน์, 55 ถนนวอเตอร์, นิวยอร์กซิตี้. เดอะนิวยอร์กไทมส์ , 13 ตุลาคม 1974.
• เคอร์เทสส์, เคลาส์. ภาพเขียนของปีเตอร์ ยัง 1963–1980 . มูลนิธิปาร์ค. ISBN 978-1-931885-68-3
• เคอร์เทสส์, เคลาส์. ธรรมชาติของสี , รอนนี่ แลนด์ฟิลด์: สี่สิบปีแห่งนามธรรมสี , แคตตาล็อกนิทรรศการ, ISBN 978-0-9820841-2-0
• Carmean, EA Toward Color and Field, แคตตาล็อกนิทรรศการ, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ฮิวสตัน, 1971.
• Carmean, EA Helen Frankenthaler A Paintings Retrospective , แคตตาล็อกนิทรรศการ, Harry N. Abramsร่วมกับพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ฟอร์ตเวิร์ธ, ISBN 0-8109-1179-5
• Henning, Edward B. Color & Field, Art International พฤษภาคม 1971: 46–50.
• ทักเกอร์, มาร์เซีย . โครงสร้างของสี, นิวยอร์ก: พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์, นิวยอร์กซิตี้, 1971.
• ร็อบบินส์, แดเนียล. แลร์รี พูนส์ : การสร้างพื้นผิวที่ซับซ้อน, แคตตาล็อกนิทรรศการ, หอศิลป์ซาแลนเดอร์/โอไรลีย์, หน้า 9–19, 1990.
• ไมเคิล ฟรีด , มอร์ริส หลุยส์ , แฮร์รี เอ็น. เอบรามส์ , หมายเลขประจำหอสมุดแห่งชาติ: 79-82872

วิกิมีเดียคอมมอนส์มีสื่อที่เกี่ยวข้องกับภาพวาดสีพื้น (Color field painting )

Wikiquote มีคำคมที่เกี่ยวข้องกับสาขาสี

• มาร์ค เจนกินส์, การกลับมาพิจารณาผลงาน "สัมผัสที่เบาบางกว่าของมอร์ริส หลุยส์" (สืบค้นเมื่อ 8 ธันวาคม 2008)วอชิงตันโพสต์บทวิจารณ์นิทรรศการย้อนหลังของมอร์ริส หลุยส์ ที่พิพิธภัณฑ์และสวนประติมากรรมเฮิร์ชฮอร์น กันยายน 2007
• แกลเลอรี่ภาพวาดของมอร์ริส หลุยส์ บนเว็บไซต์ของวอชิงตันโพสต์
• พิพิธภัณฑ์ครีเกอร์ ; นิทรรศการที่ขยายใหญ่ขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับพิพิธภัณฑ์และหอศิลป์หลายแห่งในวอชิงตัน ดี.ซี. และพื้นที่โดยรอบ
• รูปแบบศิลปะ: จิตรกรรมสีพื้น (Color Field Painting) – ภาพรวมของกระแสศิลปะบนเว็บไซต์ The Art Story Foundation