สตีฟ ไรช์
ไรช์ในงานเทศกาลฮอลแลนด์ประมาณเดือน มิถุนายน ปี 1976
เกิด	( 3 ตุลาคม 1936 )3 ตุลาคม พ.ศ. 2479 นครนิวยอร์ก รัฐนิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา
ยุค	ร่วมสมัย
ผลงานที่โดดเด่น	เปียโนเฟส เสียงปรบมือ การตีกลอง ดนตรีสำหรับนักดนตรี 18 คน รถไฟต่าง ๆ สามเรื่องเล่า เวิลด์เทรดเซ็นเตอร์ 9/11
เว็บไซต์	stevereich.com​

Stephen Michael Reich ( / r aɪ ʃ / RYSHE ; ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]}เกิด 3 ตุลาคม 1936) เป็นนักประพันธ์เพลงชาวอเมริกันที่รู้จักกันดีในฐานะผู้บุกเบิกดนตรีมินิมัลในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1960 ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]}ผลงานของ Reich โดดเด่นด้วยการใช้รูปแบบที่ซ้ำซ้อนจังหวะฮาร์โมนิกที่ช้าและแคนอน Reich อธิบายแนวคิดนี้ในบทความของเขาเรื่อง "ดนตรีในฐานะกระบวนการค่อยเป็นค่อยไป" โดยระบุว่า "ผมสนใจในกระบวนการที่รับรู้ได้ ผมต้องการที่จะได้ยินกระบวนการที่เกิดขึ้นตลอดทั้งดนตรีที่เปล่งเสียง" ตัวอย่างเช่น ผลงานในช่วงแรกของเขาได้ทดลองกับการเปลี่ยนเฟส ซึ่งวลีที่ซ้ำกันหนึ่งวลีหรือมากกว่านั้นจะเล่นช้าหรือเร็วกว่าวลีอื่นๆ ทำให้เกิด "การไม่ตรงเฟส" ซึ่งจะสร้างรูปแบบดนตรีใหม่ในกระแสที่รับรู้ได้^{[ 7 ]}

นวัตกรรมของเขารวมถึงการใช้เทปวนซ้ำเพื่อสร้าง รูปแบบ เฟสซิ่งดังเช่นในผลงานยุคแรกๆอย่าง It's Gonna Rain (1965) และCome Out (1966) และการใช้กระบวนการ ที่เรียบง่ายและได้ยินได้ ดังเช่นในPendulum Music (1968) และFour Organs (1970) ผลงานอย่างDrumming (1971) และMusic for 18 Musicians (1976) ซึ่งถือเป็นผลงานชิ้นสำคัญของดนตรีมินิมัลลิสต์และมีอิทธิพลสำคัญต่อดนตรีทดลองร็อกและดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ร่วมสมัย จะช่วยเสริมสร้างดนตรีมินิมัลลิสต์ให้เป็นกระแสหลัก^{[ 8 ]}ผลงานของไรช์มีลักษณะที่มืดมนมากขึ้นในช่วงทศวรรษ 1980 ด้วยการนำเอาธีมทางประวัติศาสตร์และธีมจากมรดกทางวัฒนธรรมยิวของเขามาใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งDifferent Trains (1988)

รูปแบบการประพันธ์เพลงของ Reich มีอิทธิพลต่อผู้ประพันธ์เพลงและวงดนตรีร่วมสมัยหลายวง โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร นักวิจารณ์ Andrew Clements ได้เสนอแนะว่า Reich เป็นหนึ่งใน "ผู้ประพันธ์เพลงที่ยังมีชีวิตอยู่เพียงไม่กี่คนที่สามารถอ้างได้อย่างถูกต้องว่าได้เปลี่ยนแปลงทิศทางของประวัติศาสตร์ดนตรี" ^{[ 9 ]}

ไรช์เกิดในนครนิวยอร์ก โดยมีพ่อแม่เป็นชาวยิว คือจูน ซิลล์ แมน นักแต่งเพลงบรอดเว ย์ และเลียวนาร์ด ไรช์ เมื่อเขาอายุได้หนึ่งขวบ พ่อแม่ของเขาก็หย่าร้างกัน และไรช์ก็แบ่งเวลาอยู่ระหว่างนิวยอร์กและแคลิฟอร์เนีย เขาเป็นพี่น้องต่างมารดาของนักเขียนโจนาธาน แคร์โรลล์^{[ 10 ]}เขาได้รับการเรียนเปียโนตั้งแต่เด็ก และบรรยายถึงการเติบโตมากับ "เพลงโปรดของชนชั้นกลาง" โดยไม่เคยได้สัมผัสกับดนตรีที่แต่งขึ้นก่อนปี 1750 หรือหลังปี 1900 เมื่ออายุ 14 ปี เขาเริ่มศึกษาดนตรีอย่างจริงจัง หลังจากได้ฟังดนตรีจากยุคบาโรกและก่อนหน้านั้น รวมถึงดนตรีในศตวรรษที่ 20 ^{[ 11 ]}ไรช์เรียนกลองกับโรแลนด์ โคห์ลอฟฟ์ เพื่อเล่นดนตรีแจ๊สขณะที่เรียนอยู่ที่มหาวิทยาลัยคอร์เนลล์เขาเรียนวิชาดนตรีเป็นวิชารอง และสำเร็จการศึกษาในปี 1957 ด้วยปริญญาตรีสาขาปรัชญา^{[ 12 ]}วิทยานิพนธ์ปริญญาตรีของไรช์เกี่ยวกับลุดวิก วิทเกนสไตน์^{[ 13 ]}ต่อมาเขาได้นำข้อความของนักปรัชญาผู้นั้นมาใส่ทำนองเพลงในสุภาษิต^{[ 14 ]} (1995) และYou Are (variations) (2006) ^{[ 15 ]}

หลังจากสำเร็จการศึกษาเป็นเวลาหนึ่งปี ไรช์ได้เรียนการประพันธ์เพลงเป็นการส่วนตัวกับฮอลล์ โอเวอร์ตันก่อนที่จะเข้าเรียนที่จูลิอาร์ด^{[ 16 ]}เพื่อเรียนกับวิลเลียม เบิร์กสมาและวินเซนต์ เพอร์ซิเชตติ (1958–1961) ต่อมา เขาได้เข้า เรียน ที่วิทยาลัยมิลส์ในโอ๊คแลนด์ รัฐแคลิฟอร์เนียซึ่งเขาได้เรียนกับลูเซียโน เบริโอและดาริอุส มิลฮาวด์ (1961–1963) และได้รับปริญญาโทสาขาการประพันธ์เพลง ที่มิลส์ ไรช์ได้ประพันธ์เพลง Melodicaสำหรับ เมโล ดิกาและเทปซึ่งปรากฏในอัลบั้มMusic from Mills ที่วางจำหน่ายในรูปแบบแผ่นเสียงสามแผ่นในปี 1986 ^{[ 17 ]}

ไรช์ทำงานร่วมกับศูนย์ดนตรีเทปซานฟรานซิสโกพร้อมกับพอลีน โอลิเวรอส รามอนเซนเดอร์ มอร์ ตันซูบอตนิคฟิล เลชและเทอร์รี ไรลีย์ [ ^{18 ] เขา}มีส่วนร่วมในรอบปฐมทัศน์ของIn C ของไรลีย์ และแนะนำให้ใช้จังหวะโน้ตตัวที่แปด ซึ่งปัจจุบันเป็นมาตรฐานในการแสดงชิ้นงานนี้

การประพันธ์เพลงในช่วงแรกของไรช์เกี่ยวข้องกับการทดลองประพันธ์เพลงแบบสิบสองโทนแต่เขาพบว่าลักษณะจังหวะของเลขสิบสองน่าสนใจกว่าลักษณะระดับเสียง^{[ 19 ]}ไรช์ยังประพันธ์เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่องPlastic Haircut (1963), Oh Dem Watermelons (1965) และThick Pucker (1965) ซึ่งเป็นภาพยนตร์สามเรื่องของโรเบิร์ต เนลสันเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่องPlastic Haircut ซึ่งประพันธ์ในปี 1963 เป็นเพลงประกอบสั้นๆ ที่รวบรวมจากเทป ซึ่งอาจเป็นผลงานชิ้นแรกของไรช์ เพลงประกอบภาพยนตร์ เรื่อง Watermelons ใช้ทำนอง เพลงมินสเตรลในศตวรรษที่ 19 สอง เพลง เป็นพื้นฐาน และใช้การเรียบเรียงซ้ำๆ เข้าด้วยกันในรูปแบบ แคนอนขนาดใหญ่ห้าส่วน เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่องThick Puckerเกิดจากการบันทึกเสียงบนท้องถนนที่ไรช์ทำขณะเดินไปรอบๆ ซานฟรานซิสโกกับเนลสัน ซึ่งถ่ายทำด้วยฟิล์มขาวดำ 16 มม. ฟิล์มนี้ไม่เหลืออยู่แล้ว ภาพยนตร์เรื่องที่สี่จากปี 1965 ความยาวประมาณ 25 นาที และตั้งชื่อไว้ชั่วคราวว่า "Thick Pucker II" นั้น เนลสันได้รวบรวมขึ้นจากฟุตเทจที่ไม่ได้ใช้จากการถ่ายทำครั้งนั้น และเสียงดิบเพิ่มเติมที่ไรช์บันทึกไว้ เนลสันไม่พอใจกับภาพยนตร์ที่ได้ และไม่เคยฉายให้ชมเลย

ไรช์ได้รับอิทธิพลจากเทอร์รี ไรลีย์ นักดนตรีมินิมัลลิสต์รุ่นเดียวกัน ซึ่งผลงานIn C ของเขา ผสมผสานรูปแบบดนตรีที่เรียบง่าย สลับเวลากัน เพื่อสร้างความเป็นหนึ่งเดียวที่ค่อยๆ เปลี่ยนแปลงไป ไรช์นำแนวทางนี้มาใช้ในการประพันธ์ผลงานชิ้นเอกชิ้นแรกของเขาคือIt's Gonna Rainซึ่งประพันธ์ขึ้นในปี 1965 โดยใช้ส่วนหนึ่งของคำเทศนาเกี่ยวกับการสิ้นสุดของโลกที่กล่าวโดย นักเทศน์ข้างถนน นิกายเพนเตโคสต์ ผิวดำ ที่รู้จักกันในชื่อบราเดอร์ วอลเตอร์ ไรช์สร้างต่อยอดจากงานเทปในช่วงแรกของเขา โดยถ่ายโอนสามคำสุดท้ายของส่วนนั้น "it's gonna rain!" ไปยังลูปเทปหลายๆ ลูปที่ค่อยๆ เคลื่อนออกจากเฟสซึ่งกันและกัน^{[ 20 ]}

เพลง Come Out (1966) ความยาว 13 นาที ใช้การบันทึก เสียงตัดต่อที่คล้ายคลึงกันจากประโยคพูดเพียงประโยคเดียวของ Daniel Hamm หนึ่งในHarlem Six ที่ถูกกล่าวหาอย่างไม่เป็นธรรม ซึ่งได้รับบาดเจ็บสาหัสจากตำรวจ^{[ 21 ]}ผู้รอดชีวิตซึ่งถูกทำร้าย ได้เจาะรอยช้ำบนร่างกายของตนเองเพื่อโน้มน้าวให้ตำรวจอนุญาตให้เขาได้รับการรักษาพยาบาลจากบาดแผลที่เกิดจากการถูกตำรวจทำร้าย จากประโยคพูดของ Hamm ที่ว่า "ฉันต้องเปิดรอยช้ำออกและปล่อยให้เลือดจากรอยช้ำไหลออกมาให้พวกเขาเห็น" Reich ได้บันทึกเสียงส่วน "ออกมาให้พวกเขาเห็น" ซ้ำในสองช่องสัญญาณ ซึ่งในตอนแรกเล่นพร้อมกัน จากนั้นเสียงทั้งสองจะค่อยๆ ไม่ตรงกัน ความไม่ตรงกันค่อยๆ ขยายวงกว้างขึ้นและกลายเป็นเสียงสะท้อน จากนั้นเสียงทั้งสองจะแยกออกเป็นสี่ส่วน วนซ้ำอย่างต่อเนื่อง จากนั้นเป็นแปดส่วน และแยกออกไปเรื่อยๆ จนกระทั่งคำพูดที่แท้จริงฟังไม่รู้เรื่อง เหลือเพียงรูปแบบจังหวะและโทนเสียงของคำพูดเท่านั้น

ในMelodica (1966) ไรช์ได้นำแนวทางการวนซ้ำเฟสจากผลงานก่อนหน้าของเขามาใช้กับเครื่องดนตรี เขาเริ่มต้นด้วยการเล่นและบันทึกทำนองง่ายๆ บนเมโลดิกา จากนั้นเขานำการบันทึกนั้นไปไว้ในสองช่องสัญญาณที่แยกจากกัน และโดยการค่อยๆ ขยับเฟสของเสียงทั้งสอง ทำให้เกิดทำนองที่ซับซ้อนและประสานกัน ผลงานชิ้นนี้มีโครงสร้างจังหวะคล้ายกับCome Out มาก และเป็นตัวอย่างของกระบวนการจังหวะหนึ่งๆ ที่สามารถนำไปใช้ในเสียงที่แตกต่างกันเพื่อสร้างดนตรีสองชิ้นที่แตกต่างกัน ไรช์ได้รับแรงบันดาลใจในการประพันธ์ผลงานชิ้นนี้จากความฝันที่เขาฝันเมื่อวันที่ 22 พฤษภาคม 1966 และประพันธ์ผลงานชิ้นนี้เสร็จภายในวันเดียวMelodicaเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายที่ไรช์ประพันธ์ขึ้นสำหรับเทปโดยเฉพาะ และเขาถือว่ามันเป็นการเปลี่ยนผ่านจากดนตรีเทปไปสู่ดนตรีบรรเลง^{[ 22 ]}

ความพยายามครั้งแรกของไรช์ในการถ่ายทอดเทคนิคการเรียงจังหวะนี้จากเทปบันทึกเสียงมาสู่การแสดงสดคือผลงานPiano Phase ในปี 1967 สำหรับเปียโนสองตัว ในPiano Phase ผู้เล่นจะเล่น ทำนอง 12 โน้ตอย่างรวดเร็วซ้ำกันโดยเริ่มแรกเล่นพร้อมกัน ขณะที่ผู้เล่นคนหนึ่งรักษาจังหวะด้วยความแม่นยำราวกับหุ่นยนต์ อีกคนหนึ่งจะเร่งจังหวะขึ้นเล็กน้อยจนกระทั่งทั้งสองส่วนตรงกันอีกครั้ง แต่ห่างกัน 1 ใน 16 โน้ต จากนั้นผู้เล่นคนที่สองจะกลับไปใช้จังหวะเดิม วงจรของการเร่งจังหวะแล้วล็อคจังหวะนี้จะดำเนินต่อไปตลอดทั้งเพลง วงจรนี้จะวนครบสามครั้ง โดยรอบที่สองและสามจะใช้ทำนองเริ่มต้นในเวอร์ชันที่สั้นกว่าViolin Phaseซึ่งเขียนขึ้นในปี 1967 เช่นกัน สร้างขึ้นบนพื้นฐานเดียวกันนี้Piano PhaseและViolin Phaseเปิดตัวครั้งแรกในคอนเสิร์ตชุดหนึ่งที่จัดขึ้นในหอศิลป์ในนิวยอร์ก

ตัวอย่างที่คล้ายกันแต่ไม่ค่อยเป็นที่รู้จักของ ดนตรีประเภทนี้คือPendulum Music (1968) ซึ่งประกอบด้วยเสียงของไมโครโฟนหลายตัวที่แกว่งไปมาเหนือลำโพงที่ติดอยู่ ทำให้เกิดเสียงสะท้อนขณะที่แกว่งไปมา Reich ไม่เคยบันทึกเสียง "Pendulum Music" ด้วยตัวเอง แต่ได้รับการแนะนำให้ผู้ชมเพลงร็อกรู้จักโดยวง Sonic Youthในช่วงปลายทศวรรษ 1990

ไรช์ยังพยายามสร้างเอฟเฟกต์เฟสซิ่งในชิ้นงาน "ที่ไม่จำเป็นต้องใช้เครื่องดนตรีใดๆ นอกเหนือจากร่างกายมนุษย์" เขาพบว่าแนวคิดเรื่องเฟสซิ่งไม่เหมาะสมกับวิธีการง่ายๆ ที่เขากำลังทดลองเพื่อสร้างเสียง ดังนั้น เขาจึงแต่งเพลง Clapping Music (1972) แทน ซึ่งผู้เล่นไม่ได้เล่นเฟสซิ่งเข้าและออกพร้อมกัน แต่ผู้เล่นคนหนึ่งจะเล่นบรรทัดหนึ่งของวลีที่มีความยาว 12 โน้ตตัวที่แปด (12 โน้ตตัวที่สี่) และผู้เล่นอีกคนจะเปลี่ยนจังหวะไปหนึ่งโน้ตตัวที่แปดทุกๆ 12 บาร์ จนกระทั่งผู้เล่นทั้งสองกลับมาเล่นพร้อมกันอีกครั้งใน 144 บาร์ต่อมา^{[ 23 ]}

ผลงานต้นแบบSlow Motion Sound ในปี 1967 ไม่เคยถูกนำมาแสดงจริง แม้ว่าChris Hughesจะนำมาแสดงในอีก 27 ปีต่อมาในชื่อSlow Motion Blackbird ในอัลบั้ม Shiftปี 1994 ซึ่งได้รับอิทธิพลจาก Reich ผลงานชิ้นนี้ได้นำเสนอแนวคิดของการลดความเร็วของเสียงที่บันทึกไว้จนกลายเป็นหลายเท่าของความยาวเดิมโดยไม่เปลี่ยนแปลงระดับเสียงหรือโทนเสียง ซึ่ง Reich ได้นำไปประยุกต์ใช้กับFour Organs (1970) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเพิ่มความเร็วของเสียงโดยเฉพาะ ในชิ้นงานนี้มีมาราคัสเล่นจังหวะโน้ตตัวที่แปด อย่างรวดเร็ว ในขณะที่ออร์แกนทั้งสี่เน้นโน้ตตัวที่แปดบางตัวโดยใช้คอร์ดตัวที่ 11 ดังนั้นงานนี้จึงเกี่ยวข้องกับการทำซ้ำและการเปลี่ยนแปลงจังหวะอย่างละเอียดอ่อน ตรงกันข้ามกับโครงสร้างแบบวนซ้ำทั่วไปของ Reich Four Organsมีความโดดเด่นในบรรดาผลงานของเขาตรงที่ใช้โครงสร้างเชิงเส้น—Phase Patterns ที่ดูคล้ายกันอย่างผิวเผิน ซึ่งก็ใช้กับออร์แกนสี่ตัวเช่นกันแต่ไม่มีมาราคัส (ดังชื่อที่บ่งบอก) เป็นชิ้นงานเฟสแบบวนซ้ำคล้ายกับงานอื่นๆ ที่แต่งขึ้นในช่วงเวลานั้น ผลงาน Four Organsได้รับการบรรเลงเป็นส่วนหนึ่งของ โปรแกรมการแสดง ของวง Boston Symphony Orchestraและเป็นผลงานประพันธ์ชิ้นแรกของ Reich ที่ได้รับการบรรเลงในสถานที่จัดแสดงขนาดใหญ่แบบดั้งเดิม

ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2513 ไรช์เดินทางไปมหาวิทยาลัยกานาเพื่อศึกษา ดนตรี โพลีริธึมเป็นเวลาห้าสัปดาห์กับกิเดีย น อาลอร์โวยี ปรมาจารย์กลองชาว อีเว ^{[ 24 ]}จากประสบการณ์นี้ รวมถึงการศึกษาดนตรีแอฟริกันของเอเอ็ม โจนส์เกี่ยวกับดนตรีของชาวอีเวไรช์ได้รับแรงบันดาลใจสำหรับผลงานชิ้นเอกของเขาเรื่อง Drumming (พ.ศ. 2513–2514) ซึ่งเขาเริ่มประพันธ์หลังจากกลับมาไม่นาน ผลงาน Drummingซึ่งประพันธ์ขึ้นสำหรับวงดนตรีเครื่องเคาะเก้าชิ้นพร้อมเสียงร้องหญิงและปิคโคโลถือเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงใหม่ในอาชีพของเขา เพราะในช่วงเวลานี้เขาได้ก่อตั้งวงดนตรีของเขาเองSteve Reich and Musiciansและมุ่งเน้นไปที่การประพันธ์และการแสดงกับพวกเขามากขึ้น Steve Reich and Musicians เป็นวงดนตรีเพียงวงเดียวที่ตีความผลงานของเขาเป็นเวลาหลายปี^{[ 25 ]}และพวกเขายังคงเป็น "ห้องปฏิบัติการที่มีชีวิต" สำหรับดนตรีของเขา^{[ 26 ]}วงดนตรียังคงดำเนินกิจกรรมอยู่โดยมีสมาชิกดั้งเดิมหลายคน^{[ 27 ]}

หลังจากDrummingแล้ว Reich ก็ได้ละทิ้งเทคนิค "การเปลี่ยนเฟส" ที่เขาเป็นผู้บุกเบิก และเริ่มเขียนชิ้นงานที่ซับซ้อนมากขึ้น เขาเริ่มสำรวจกระบวนการทางดนตรีอื่นๆ เช่นการยืดเวลา (การยืดวลีและส่วนของทำนองเพลง) ในช่วงฤดูร้อนปี 1973 และ 1974 เขาได้ศึกษาดนตรีบาหลีกาเมลันsemar pegulinganและgambang ^{[ 28 ]} (ที่ซีแอตเทิลและเบิร์กลีย์ ) ^{[ 24 ] [ 29 ]}ประสบการณ์นี้มีอิทธิพลต่อการประพันธ์เพลง Music for Mallet Instruments, Voices and Organ (1973) ^{[ 28 ]}ผลงานอีกชิ้นจากช่วงเวลานี้คือSix Pianos (1973)

ในปี 1974 ไรช์เริ่มประพันธ์เพลงสำหรับนักดนตรี 18 คน (Music for 18 Musicians ) ชิ้นงานนี้ประกอบด้วยแนวคิดใหม่ ๆ มากมาย แม้ว่าจะยังคงรักษาเอกลักษณ์ของผลงานก่อนหน้าเอาไว้ โดยมีพื้นฐานมาจากวงจรของคอร์ด 11 คอร์ดที่นำเสนอในตอนต้น (เรียกว่า "Pulses") ตามด้วยส่วนดนตรีเล็ก ๆ ที่อิงตามคอร์ด แต่ละคอร์ด ("Sections I-XI") และสุดท้ายคือการกลับไปสู่วงจรเดิม ("Pulses II") นี่เป็นความพยายามครั้งแรกของไรช์ในการประพันธ์เพลงสำหรับวงดนตรี ขนาดใหญ่ จำนวนนักดนตรีที่เพิ่มขึ้นส่งผลให้มีโอกาสมากขึ้นสำหรับผลกระทบทางด้านเสียง ซึ่งทำให้ไรช์รู้สึกทึ่ง และเขากล่าวว่าเขาต้องการ "สำรวจแนวคิดนี้ต่อไป" ไรช์กล่าวว่าผลงานชิ้นนี้มีท่วงทำนองที่เคลื่อนไหวมากกว่าผลงานอื่น ๆ ที่เขาเคยประพันธ์มาในช่วงห้านาทีแรก สตีฟ ไรช์และนักดนตรีได้ บันทึกเสียง ผลงานชิ้นนี้เป็นครั้งแรก กับค่ายเพลง ECM Records

หนึ่งในกลยุทธ์การประพันธ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของ Reich สำหรับงานมินิมัลลิสต์ของเขาคือการละเว้นโน้ตเบสเพื่อหลีกเลี่ยงโครงสร้างโทนเสียง “เหตุผลมาจากความไม่ชอบหน้าที่ของเบส ซึ่ง Reich คิดว่าเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ในการกำหนดและอธิบายศูนย์กลางโทนเสียงและความสัมพันธ์ที่พัฒนาขึ้นรอบๆ สิ่งนี้” “Music for 18 Musicians” ยังคงรักษาความรู้สึกแบบมินิมัลลิสต์ของเขาไว้ผ่าน “ช่วง” และการเปลี่ยนแปลงฮาร์โมนิกเหล่านี้ ชิ้นงานที่มีการสำรวจโทนเสียงที่หลากหลายซึ่งมีความยาวประมาณหนึ่งชั่วโมงนั้นสามารถให้โอกาสทางทำนองได้เพียงจำกัด ดังนั้นโครงสร้างจังหวะที่ซ้ำๆ จึงมีบทบาทสำคัญในเรื่องนี้ด้วย^{[ 30 ]}

ไรช์ได้สำรวจแนวคิดเหล่านี้เพิ่มเติมในผลงานที่บันทึกไว้บ่อยครั้งของเขา ได้แก่Music for a Large Ensemble (1978) และOctet (1979) ในผลงานทั้งสองชิ้นนี้ ไรช์ได้ทดลองกับ “ลมหายใจของมนุษย์เป็นมาตรวัดระยะเวลาของดนตรี ... คอร์ดที่เล่นโดยทรัมเป็ตถูกเขียนขึ้นเพื่อให้ใช้ลมหายใจเพียงครั้งเดียวในการเล่นได้อย่างสบาย” ^{[ 31 ]}เสียงของมนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของจานสีดนตรีในMusic for a Large Ensembleแต่ส่วนเสียงร้องที่ไม่มีเนื้อร้องเป็นเพียงส่วนหนึ่งของพื้นผิว (เช่นเดียวกับในDrumming ) ด้วยOctetและผลงานออร์เคสตราชิ้นแรกของเขาVariations for Winds, Strings and Keyboards (ปี 1979 เช่นกัน) ดนตรีของไรช์แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของการขับร้องบทสวด ในพระคัมภีร์ ซึ่งเขาได้ศึกษาในอิสราเอลตั้งแต่ฤดูร้อนปี 1977 หลังจากนั้น เสียงของมนุษย์ที่ร้องเพลงตามเนื้อร้องจะมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในดนตรีของไรช์

เทคนิคนี้...ประกอบด้วยการนำรูปแบบทำนองที่มีอยู่แล้วมาเรียงต่อกันเพื่อสร้างทำนองที่ยาวขึ้นเพื่อใช้ประกอบกับข้อความศักดิ์สิทธิ์ หากคุณนำข้อความออกไป คุณจะเหลือเพียงแนวคิดของการนำแรงจูงใจเล็กๆ มาประกอบกันเพื่อสร้างทำนองที่ยาวขึ้น ซึ่งเป็นเทคนิคที่ฉันไม่เคยพบมาก่อน^{[ 32 ]}

ในปี 1974 ไรช์ได้ตีพิมพ์หนังสือWritings About Musicซึ่งรวบรวมบทความเกี่ยวกับปรัชญา สุนทรียศาสตร์ และโครงการทางดนตรีของเขาที่เขียนขึ้นระหว่างปี 1963 ถึง 1974 ต่อมาในปี 2002 ได้มีการตี พิมพ์ฉบับปรับปรุงและครอบคลุมมากขึ้นใน ชื่อ Writings On Music (1965–2000)

งานของไรช์เริ่มมีลักษณะที่มืดมนขึ้นในทศวรรษ 1980 ด้วยการนำเอาธีมทางประวัติศาสตร์รวมถึงธีมจากมรดกทางศาสนายิวของเขาเข้ามาใช้Tehillim (1981) ซึ่งเป็นภาษาฮีบรูแปลว่าบทเพลงสดุดี เป็นงานชิ้นแรกของไรช์ที่ดึงเอาภูมิหลังทางศาสนายิวของเขามาใช้โดยตรง งานชิ้นนี้แบ่งออกเป็นสี่ส่วน และประพันธ์ขึ้นสำหรับวงดนตรีประกอบด้วยเสียงร้องหญิงสี่คน ( โซปราโน สูงหนึ่งคน โซปราโนเสียงใสสองคน และอัลโต หนึ่งคน ) ปิคโคโล ฟลุต โอโบฮอร์นอังกฤษ คลา ริเน็ต สอง ตัว เครื่องเคาะหกชิ้น (เล่นแทมบูรีน ขนาดเล็กที่ปรับเสียงได้ โดยไม่มีกระดิ่ง การปรบมือมาราคัส มาริมบาไวบราโฟนและโครทาเลส ) ออร์แกนไฟฟ้าสองตัว ไวโอลินสองตัว วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส พร้อมด้วยเสียงร้อง เครื่องสาย และเครื่องเป่าที่ขยายเสียงTehillimเป็นการนำข้อความจากสดุดี 19:2–5 (19:1–4 ในฉบับแปลคริสเตียน), 34:13–15 (34:12–14), 18:26–27 (18:25–26) และ 150:4–6 มา เรียบเรียง ซึ่งแตกต่างจากงานอื่นๆ ของ Reich ในด้านโครงสร้างรูปแบบ การนำข้อความที่มีความยาวหลายบรรทัดมาเรียบเรียง แทนที่จะใช้ข้อความสั้นๆ เหมือนในงานก่อนหน้านี้ ทำให้ทำนองกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญ การใช้การประสานเสียง แบบเป็นทางการ และความกลมกลืน เชิงหน้าที่ ยังแตกต่างจากงานมินิมัลลิสต์ที่มีโครงสร้างหลวมๆ ที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้ นักดนตรีวิทยา Ronit Seter อธิบายว่าเป็น "หนึ่งในงานที่ไม่ใช่ของอิสราเอลเพียงไม่กี่ชิ้นที่การนำข้อความภาษาฮีบรูมาเรียบเรียงให้ความรู้สึกเป็นธรรมชาติ" ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงการวิจัยอย่างกว้างขวางของ Reich เกี่ยวกับภาษาพูดภาษาฮีบรู-อิสราเอลสมัยใหม่ ฉันทลักษณ์สดุดีโบราณ และประเพณีการขับร้องของชาวยิว^{[ 33 ]}

Different Trains (1988) สำหรับวงเครื่องสายสี่ชิ้นและเทปบันทึกเสียง ใช้เสียงพูดที่บันทึกไว้ เช่นเดียวกับผลงานก่อนหน้าของเขา แต่คราวนี้ใช้เป็นองค์ประกอบทางทำนองมากกว่าจังหวะ ใน Different Trainsไรช์เปรียบเทียบและเปรียบต่างความทรงจำในวัยเด็กของเขาเกี่ยวกับการเดินทางด้วยรถไฟระหว่างนิวยอร์กและแคลิฟอร์เนียในปี 1939–1941 กับรถไฟที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงซึ่งใช้ขนส่งเด็กชาวยุโรปในยุคนั้นไปสู่ความตายภายใต้การปกครองของนาซี การบันทึกเสียง Different Trainsของ Kronos Quartetได้รับรางวัลแกรมมีสาขาเพลงคลาสสิกร่วมสมัยยอดเยี่ยม ในปี 1990 ริชาร์ด ทารัสกินอธิบายผลงานชิ้นนี้ว่า "เป็นการตอบสนองทางดนตรีที่เหมาะสมเพียงอย่างเดียว—หนึ่งในการตอบสนองทางศิลปะที่เหมาะสมเพียงไม่กี่อย่างในสื่อใดๆ—ต่อเหตุการณ์ฆ่าล้างเผ่าพันธุ์ " และเขายกย่องผลงานชิ้นนี้ว่าทำให้ไรช์ได้รับตำแหน่งในหมู่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 ^{[ 34 ]}

ในปี 1993 ไรช์ได้ร่วมงานกับภรรยาของเขา เบอริล โครอทศิลปินวิดีโอในการสร้างโอเปร่าเรื่องThe Caveซึ่งสำรวจรากเหง้าของศาสนายูดาย ศาสนาคริสต์ และศาสนาอิสลาม ผ่านคำพูดของชาวอิสราเอลชาวปาเลสไตน์และชาวอเมริกัน ซึ่งสะท้อนออกมาเป็นดนตรีโดยวงดนตรี ผลงานชิ้นนี้ประกอบด้วยเครื่องเคาะจังหวะ เสียงร้อง และเครื่องสาย เป็นสารคดีดนตรีที่ตั้งชื่อตามถ้ำมัคเพลาห์ในเฮบรอนซึ่งปัจจุบันเป็นที่ตั้งของมัสยิด และ เชื่อกันว่า อับราฮัมถูกฝังไว้ที่นั่น ตามที่นักดนตรีวิทยา โรนิต เซเตอร์ กล่าวว่า ผลงานชิ้นนี้ "มีข้อความที่เผชิญหน้าแต่สงบสุข" เช่นเดียวกับที่นักประพันธ์เพลงชาวอิสราเอลร่วมสมัยถ่ายทอด^{[ 33 ]}

ไรช์และโคโรทได้ร่วมมือกันสร้างโอเปร่าเรื่องThree Talesซึ่งกล่าวถึงเหตุการณ์ภัยพิบัติฮินเดนเบิร์กการทดสอบอาวุธนิวเคลียร์ที่เกาะบิกินีและประเด็นร่วมสมัยอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเรื่องแกะดอลลี่การโคลนนิ่งและภาวะเอกภาพทางเทคโนโลยี

ไรช์ใช้เทคนิคการสุ่มตัวอย่างสำหรับชิ้นงานต่างๆ เช่นThree TalesและCity Lifeตั้งแต่ปี 1994 ไรช์กลับมาประพันธ์ผลงานบรรเลงล้วนๆ สำหรับคอนเสิร์ตฮอลล์ โดยเริ่มจากTriple Quartetในปี 1998 ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับ Kronos Quartet ซึ่งสามารถบรรเลงได้ทั้งแบบวงสตริงควอเต็ตและเทป วงสตริงควอเต็ตสามวง หรือวงออร์เคสตราเครื่องสาย 36 ชิ้น ตามที่ไรช์กล่าว ผลงานชิ้นนี้ได้รับอิทธิพลจาก สตริงควอเต็ตของ บาร์ต็อกและอัลเฟรด ชนิทเคและYo Shakespeareของไมเคิล กอร์ดอน^{[ 35 ]}

ชุดดนตรีบรรเลงสำหรับคอนเสิร์ตฮอลล์ยังคงดำเนินต่อไปด้วยDance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003) และผลงานหลายชิ้นที่เน้นการเปลี่ยนแปลง: You Are (Variations) (2004), Variations for Vibes, Pianos, and Strings (2005) และDaniel Variations (2006) You Areย้อนกลับไปสู่การประพันธ์เพลงร้องของTehillimและThe Desert Musicในขณะที่Daniel Variationsซึ่ง Reich เรียกว่า "มืดมนกว่ามาก ไม่ใช่สิ่งที่ฉันเป็นที่รู้จักเลย" ได้รับแรงบันดาลใจส่วนหนึ่งจากการเสียชีวิตของDaniel Pearl ^{[ 36 ]}

ในปี 2002 ไรช์ได้รับเชิญจากวอลเตอร์ ฟิงค์ ให้เข้าร่วม งาน Komponistenporträtประจำปีของเทศกาลดนตรีไรน์เกาในฐานะนักประพันธ์เพลงลำดับที่ 12

ในเดือนธันวาคม 2010 Nonesuch RecordsและIndaba Musicได้จัดการประกวดรีมิกซ์ชุมชน ซึ่งมีผู้ส่งผลงานเข้าร่วมกว่า 250 รายการ และ Steve Reich กับ Christian Carey เป็นกรรมการตัดสินรอบชิงชนะเลิศ Reich กล่าวในการสัมภาษณ์ BBC ที่เกี่ยวข้องว่า เมื่อเขาแต่งเพลงเสร็จแล้ว เขาจะไม่แก้ไขมันอีก “เมื่อเสร็จแล้วก็คือเสร็จแล้ว” เขากล่าว ในทางกลับกัน เขายอมรับว่าการรีมิกซ์มีประเพณีเก่าแก่ เช่น เพลงทางศาสนาที่มีชื่อเสียง ซึ่งมีการพัฒนาทำนองเพลงให้กลายเป็นเพลงใหม่^{[ 37 ]}

ไรช์ได้เปิดตัวผลงานชิ้นแรกคือWTC 9/11ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับวงสตริงควartet และเทป (เครื่องดนตรีที่คล้ายกับของDifferent Trains ) ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2554 ผลงานชิ้นนี้เป็นการตอบสนองต่อการโจมตีเมื่อวันที่ 11 กันยายนและใช้บันทึกเสียงจากหน่วยบริการฉุกเฉินและจากสมาชิกในครอบครัวที่อยู่ในนิวยอร์กในช่วงที่มีการโจมตี^{[ 38 ]}ผลงานชิ้นนี้ได้รับการแสดงรอบปฐมทัศน์โดยวงKronos Quartetที่มหาวิทยาลัย Dukeรัฐนอร์ทแคโรไลนา สหรัฐอเมริกา^{[ 39 ]}

เมื่อวันที่ 5 มีนาคม 2013 วง London Sinfonietta ซึ่งอำนวยเพลงโดย Brad Lubman ได้จัดการแสดงรอบปฐมทัศน์โลกของRadio Rewrite ที่ Royal Festival Hall ในลอนดอน ซึ่ง เป็นผลงานของ Reich ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากวงRadioheadโปรแกรมการแสดงยังรวมถึงDouble Sextet , Clapping Musicซึ่งมี Reich เองร่วมแสดงกับนักตีกลองColin Currie , Electric Counterpointซึ่งมีกีตาร์ไฟฟ้าโดยMats Bergströmรวมถึงผลงานสำหรับวงดนตรีอีกสองชิ้นของ Reich ^{[ 40 ]}

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2557 เนื่องในโอกาสครบรอบ 50 ปีของ Nonesuch Records ไรช์ได้กลับมาร่วมงานกับฟิลิป กลาสอีกครั้งที่ Brooklyn Academy of Music ^{[ 41 ] [ 42 ]}

ผลงานเพลงสำหรับวงออร์เคสตราได้รับการแสดงรอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 4 พฤศจิกายน 2018 โดยวงLos Angeles Philharmonicภายใต้การกำกับของSusanna Mälkkiที่Walt Disney Concert Hallซึ่งถือเป็นการกลับมาแต่งเพลงสำหรับวงออร์เคสตราอีกครั้งของ Reich หลังจากเว้นช่วงไปนานกว่าสามสิบปี^{[ 43 ] [ 44 ]}

ไรช์อาศัยอยู่กับภรรยาของเขา เบอริล โครอท ในบ้านที่ทางตอนเหนือของรัฐนิวยอร์กตั้งแต่ปี 2006 ^{[ 45 ]}

ในปี พ.ศ. 2548 ไรช์ได้รับเหรียญรางวัลเอ็ดเวิร์ด แมคโดเวลล์^{[ 46 ] [ 47 ]}

ไรช์ได้รับรางวัลPraemium Imperiale Award สาขาดนตรีในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2549 ^{[ 48 ]}

เมื่อวันที่ 25 มกราคม พ.ศ. 2550 Reich ได้รับการประกาศชื่อให้เป็นผู้รับรางวัล Polar Music Prize ประจำปี พ.ศ. 2550 ร่วมกับนักแซกโซโฟนแจ๊สSonny Rollins ^{[ 49 ]}

เมื่อวันที่ 20 เมษายน พ.ศ. 2552 ไรช์ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์สาขาดนตรี ประจำปี พ.ศ. 2552 จาก ผลงาน Double Sextetซึ่งแสดงครั้งแรกในริชมอนด์เมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2551 คำยกย่องกล่าวว่า "เป็นผลงานชิ้นเอกที่แสดงให้เห็นถึงความสามารถในการถ่ายทอดพลังงานที่พุ่งพล่านในช่วงเริ่มต้นไปสู่เหตุการณ์ทางดนตรีขนาดใหญ่ สร้างขึ้นด้วยการควบคุมอย่างเชี่ยวชาญและน่าสนใจสำหรับผู้ฟังอย่างต่อเนื่อง" ^{[ 50 ] [ 51 ]}

ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2554 สตีฟ ไรช์ ได้รับปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์จากวิทยาลัยดนตรีแห่งนิวอิงแลนด์^{[ 52 ]}

ในปี 2012 สตีฟ ไรช์ได้รับเหรียญทองสาขาดนตรีจากสถาบันศิลปะและวรรณกรรมแห่งอเมริกา^{[ 53 ]}

ในปี 2013 Reich ได้รับ รางวัล BBVA Foundation Frontiers of Knowledge Award มูลค่า 400,000 ดอลลาร์สหรัฐในสาขาดนตรีร่วมสมัยจากการนำเสนอแนวคิดใหม่เกี่ยวกับดนตรี โดยอิงจากการใช้องค์ประกอบที่สมจริงจากโลกแห่งชีวิตประจำวันและองค์ประกอบอื่นๆ ที่ดึงมาจากดนตรีดั้งเดิมของแอฟริกาและเอเชีย^{[ 54 ]}

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2557 ไรช์ได้รับรางวัล "Leone d'Oro" (สิงโตทองคำสำหรับความสำเร็จตลอดชีวิตในด้านดนตรี) จากเวนิสเบียนนาเล่^{[ 55 ]}

ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2559 ไรช์ได้รับปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์จากวิทยาลัยดนตรีหลวงแห่งลอนดอน^{[ 56 ]}

นักแต่งเพลงและนักวิจารณ์ชาวอเมริกันKyle Gannกล่าวว่า Reich "อาจ... ถือได้ว่านักแต่งเพลงที่ยังมีชีวิตอยู่ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอเมริกา" ^{[ 57 ]} Andrew Clements นักวิจารณ์ดนตรี เขียนในThe Guardianว่า Reich เป็นหนึ่งใน "นักแต่งเพลงที่ยังมีชีวิตอยู่เพียงไม่กี่คนที่สามารถอ้างได้อย่างถูกต้องว่าได้เปลี่ยนแปลงทิศทางของประวัติศาสตร์ดนตรี" ^{[ 9 ]}

รูปแบบการแต่งเพลงของ Reich มีอิทธิพลต่อผู้แต่งเพลงและวงดนตรีอื่นๆ อีกมากมาย รวมถึงJohn Adams , Michael Nyman , Aphex Twin , Björk , Sonic Youth , Brian Eno , ^{[ 58 ]} American Football , ^{[ 59 ]} Stereolab , ^{[ 60 ]} King Crimson , Autechre , Matmos , Michael Hedges , the Residents , Underworld , ผู้แต่งเพลงที่เกี่ยวข้องกับเทศกาล Bang on a Can (รวมถึงDavid Lang , Michael GordonและJulia Wolfe ), Sufjan Stevens , ^{[ 61 ] [ 62 ] [ 63 ]} Matthew Healy จากวงThe 1975 , ^{[ 64 ]} Tortoise , ^{[ 65 ] [ 66 ] [ 67 ]} The Mercury Program , ^{[ 68 ]} JG Thirlwell , ^{[ 69 ]} Godspeed You! จักรพรรดิดำ (ซึ่งตั้งชื่อเพลงที่ยังไม่เผยแพร่ว่า "Steve Reich") [ ^{70 ] และ} George Winston ^{[ 71 ] [ 72 ] [ 73 ]}

จอห์น อดัมส์ แสดงความคิดเห็นว่า "เขาไม่ได้คิดค้นล้อขึ้นมาใหม่ แต่เขาได้แสดงให้เราเห็นวิธีการขี่แบบใหม่" ^{[ 74 ]}เขายังมีอิทธิพลต่อศิลปินทัศนศิลป์ เช่นบรูซ นาวแมนและนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงหลายคนได้สร้างผลงานเต้นรำประกอบดนตรีของเขา เช่น เอเลียต เฟลด์ , จิริ คีเลียน , ดักลาส ลีและเจอโรม ร็อบบินส์เป็นต้น เขายังแสดงความชื่นชมเป็นพิเศษต่อผลงานของแอนน์ เทเรซา เดอ เคียร์สมาเกอร์ ที่ใช้ดนตรีประกอบผลงานของเขา

ในการนำเสนอตัวอย่างเพลงElectric Counterpoint (1987) ของ Reich ในเพลงLittle Fluffy Clouds ในปี 1990 วงดนตรีแอมเบียนต์เทคโนจากอังกฤษอย่างThe Orbได้เปิดเผยดนตรีของเขาให้ผู้ฟังรุ่นใหม่ได้รู้จัก^{[ 75 ]}ในปี 1999 อัลบั้มReich Remixedได้รวบรวมรีมิกซ์ผลงานของ Reich หลายชิ้นโดยโปรดิวเซอร์เพลงอิเล็กทรอนิกส์แดนซ์หลายคน เช่นDJ Spooky , Kurtis Mantronik , Ken IshiiและColdcutเป็นต้น^{[ 75 ]}

Cello Counterpointของ Reich (2003) เป็นแรงบันดาลใจให้กับชุดงานที่ได้รับมอบหมายสำหรับเชลโลเดี่ยวพร้อมเชลโลที่บันทึกไว้ล่วงหน้าซึ่งจัดทำโดยAshley Bathgateในปี 2017 รวมถึงผลงานใหม่ของEmily CooleyและAlex Weiser ^{[ 76 ]}

ไรช์มักอ้างถึงเปโรแตง , เจ.เอส. บาค , เดบัสซี , บาร์ต็อกและสตราวินสกีในฐานะนักประพันธ์เพลงที่เขาชื่นชมและมีอิทธิพลอย่างมากต่อเขาเมื่อเขายังเด็ก^{[ 77 ]}ดนตรีแจ๊สเป็นส่วนสำคัญในการก่อตัวของรูปแบบดนตรีของไรช์ และอิทธิพลแรกเริ่มสองอย่างที่มีต่องานของเขาคือนักร้องเอลลา ฟิตซ์เจอรัลด์และอัลเฟรด เดลเลอร์ซึ่งเน้นย้ำถึงความสามารถทางศิลปะของเสียงเพียงอย่างเดียวโดยมีการสั่นสะเทือนหรือการเปลี่ยนแปลงอื่น ๆ น้อยมาก ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับงานแรก ๆ ของเขา สไตล์ของจอ ห์น โคลเทรนซึ่งไรช์ได้อธิบายว่า "เล่นโน้ตจำนวนมากโดยใช้ฮาร์โมนีน้อยมาก" ก็มีผลกระทบเช่นกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งอัลบั้มAfrica/Brassซึ่ง "โดยพื้นฐานแล้วเป็นเพลงครึ่งชั่วโมงในคีย์ E" ^{[ 78 ]}อิทธิพลของไรช์จากดนตรีแจ๊สยังรวมถึงรากฐานจากดนตรีแอฟริกาตะวันตกที่เขาศึกษาจากการอ่านและการไปเยือนกานาด้วย อิทธิพลสำคัญอื่นๆ ได้แก่Kenny ClarkeและMiles Davisรวมถึงเพื่อนศิลปินทัศนศิลป์อย่างSol LeWittและRichard Serraนอกจากนี้ Reich ยังกล่าวว่าเขาชื่นชมดนตรีของวงRadioheadซึ่งนำไปสู่การแต่งเพลงRadio Rewriteของ เขา ^{[ 79 ]}

• แผนภูมิระดับเสียงการปรับเครื่องดนตรีแบบแปรผัน (1963)
• เพลงประกอบภาพยนตร์Plastic Haircut (1963)
• ดนตรีสำหรับเปียโนสองตัวขึ้นไป (1964)
• การดำรงชีวิต (1964)
• เทปเพลง It's Gonna Rain (1965)
• เพลงประกอบ เทป Oh Dem Watermelons (1965)
• เทป Come Out (1966)
• Melodicaสำหรับเพลงและเทป (1966)
• Reed Phaseสำหรับแซกโซโฟนโซปราโนหรือเครื่องดนตรีประเภทเป่าลมที่มีลิ้นอื่นๆ และเทป หรือเครื่องดนตรีประเภทเป่าลมที่มีลิ้นสามชิ้น (1966)
• Piano Phaseสำหรับเปียโนสองตัว หรือมาริมบาสองตัว (1967)
• ผลงานแนวคิด เสียงสโลว์โมชั่น (ปี 1967)
• Violin Phaseสำหรับไวโอลินและเทป หรือไวโอลินสี่ตัว (1967)
• ชื่อของฉันคือสำหรับเครื่องบันทึกเทปและนักแสดงสามคน (1967)
• Pendulum Musicสำหรับไมโครโฟน 3 หรือ 4 ตัว เครื่องขยายเสียง และลำโพง (1968) (แก้ไขเพิ่มเติมในปี 1973) ^{[ 80 ]}

• ดนตรีพัลส์สำหรับเกตพัลส์เปลี่ยนเฟส (1969)
• ดรัมไม้สี่อันสำหรับดรัมไม้สี่อันและเกตพัลส์เปลี่ยนเฟส (1969)
• ออร์แกนสี่ตัวสำหรับออร์แกนไฟฟ้าสี่ตัวและมาราคัส (1970)
• รูปแบบเฟสสำหรับออร์แกนไฟฟ้าสี่ตัว (1970)
• การตีกลองสำหรับกลองบองโกปรับเสียง 4 คู่, มาริมบา 3 ตัว, กล็อกเคนสปีล 3 ตัว, เสียงร้องหญิง 2 เสียง, เสียงผิวปาก และปิคโคโล (1970/1971)
• เพลงประกอบการปรบมือสำหรับนักดนตรีสองคน (1972)
• ดนตรีสำหรับชิ้นไม้ สำหรับ เครื่องดนตรีคลาฟปรับเสียง 5 คู่(1973)
• Six Pianos (1973) – เรียบเรียงใหม่เป็น Six Marimbas (1986) และดัดแปลงเป็น Six Marimbas Counterpoint (2010) และ Piano Counterpoint (2011) โดยผู้เรียบเรียงคนอื่นๆ
• ดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีประเภทตี, เสียงร้อง และออร์แกน (1973)
• ดนตรีสำหรับนักดนตรี 18 คน (1974–76)
• ดนตรีสำหรับวงดนตรีขนาดใหญ่ (1978, ฉบับปรับปรุง 1979)
• Octet (1979) – ถูกถอนออกเพื่อใช้ฉบับปรับปรุงในปี 1983 แทน ซึ่งใช้กลุ่มนักดนตรีขนาดใหญ่ขึ้นเล็กน้อย ในชื่อEight Lines
• บทเพลงแปรผันสำหรับเครื่องเป่า เครื่องสาย และคีย์บอร์ดสำหรับวงออร์เคสตรา (1979)
• บทเพลงสดุดีสำหรับเสียงร้องและวงดนตรี (1981)
• Vermont Counterpointสำหรับฟลุตขยายเสียงและเทป (1982)
• บทเพลงแห่งทะเลทรายสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออร์เคสตรา หรือเสียงร้องและวงดนตรี (ปี 1983 เนื้อเพลงโดยวิลเลียม คาร์ลอส วิลเลียมส์ )
• บทเพลงสำหรับเครื่องเคาะและคีย์บอร์ด (1984, ฉบับปรับปรุง 1985)
• New York Counterpointสำหรับคลาริเน็ตที่ขยายเสียงและเทป หรือคลาริเน็ต 11 ตัวและคลาริเน็ตเบส (1985)
• สามท่วงทำนองสำหรับวงออร์เคสตรา (1986)
• Electric Counterpointสำหรับกีตาร์ไฟฟ้าหรือกีตาร์อะคูสติกที่ต่อกับแอมป์และเทป (ปี 1987 สำหรับ Pat Metheny )
• บทเพลงสี่ส่วนสำหรับวงออร์เคสตรา (1987)
• Different Trainsสำหรับวงเครื่องสายสี่ชิ้นและเทปบันทึกเสียง (1988)
• ถ้ำสำหรับเสียงร้องสี่เสียง วงดนตรี และวิดีโอ (ปี 1993 ร่วมกับเบอริล โคโรต์ )
• บทเพลงคู่สำหรับไวโอลินสองตัวและวงเครื่องสาย (ปี 1993 อุทิศแด่เยฮูดิ เมนูฮิน )
• Nagoya Marimbasสำหรับมาริมบา 2 ตัว (1994)
• ชีวิตในเมืองสำหรับวงดนตรีขยายเสียง (1995)
• สุภาษิตสำหรับเสียงร้องและวงดนตรี (1995, เนื้อเพลงโดยลุดวิก วิทเกนส ไตน์ )
• Triple Quartetสำหรับวงเครื่องสายสี่ชิ้นที่ใช้เครื่องขยายเสียง (พร้อมเทปบันทึกเสียงล่วงหน้า) หรือวงเครื่องสายสี่ชิ้นสามวง หรือวงออร์เคสตราเครื่องสาย (1998)
• Know What Is Above Youสำหรับเสียงร้องหญิง 4 คน และกลองแทมโบริม 2 ใบ (1999)
• สามนิทานสำหรับการฉายภาพวิดีโอ เสียงร้องห้าเสียง และวงดนตรี (ค.ศ. 1998–2002 ร่วมกับเบอริล โคโรต์)
• รูปแบบการเต้นรำสำหรับระนาด 2 ตัว, วิบราโฟน 2 ตัว และเปียโน 2 ตัว (2002)
• Cello Counterpointสำหรับเชลโลที่ขยายเสียงและเทปหลายช่องสัญญาณ (2003)
• You Are (Variations)สำหรับเสียงร้องและวงดนตรี (2004)
• สำหรับเครื่องสาย (พร้อมเครื่องเป่าลมและเครื่องทองเหลือง)สำหรับวงออร์เคสตรา (1987/2004)
• Variations for Vibes, Pianos, and Strings เป็นบทเพลงสำหรับเต้นรำที่บรรเลงด้วยวงเครื่องสายสี่ชิ้นสามวง ไวบราโฟนสี่ตัว และเปียโนสองตัว (ปี 2005)
• Daniel Variationsสำหรับเสียงร้องสี่เสียงและวงดนตรี (2006)
• Double Sextetสำหรับไวโอลิน 2 ตัว, เชลโล 2 ตัว, เปียโน 2 ตัว, ไวบราโฟน 2 ตัว, คลาริเน็ต 2 ตัว, ฟลุต 2 ตัว หรือวงดนตรีและเทปบันทึกเสียงล่วงหน้า (2007)
• 2×5สำหรับกลองชุด 2 ชุด, เปียโน 2 ตัว, กีตาร์ไฟฟ้า 4 ตัว และกีตาร์เบส 2 ตัว (2008) ^{[ 81 ]}
• Mallet Quartetสำหรับมาริมบา 2 ตัวและไวบราโฟน 2 ตัว หรือมาริมบา 4 ตัว (หรือเครื่องเคาะเดี่ยวและเทป) (2009)
• WTC 9/11สำหรับวงสตริงควอเต็ตและเทป (2010)
• การเรียบเรียงเพลง "Finishing the Hat"สำหรับเปียโนสองตัว (2011)
• การเขียนบทวิทยุใหม่สำหรับวงดนตรี (2012)
• วงควartetสำหรับไวบราโฟนสองตัวและเปียโนสองตัว (2013)
• จังหวะสำหรับเครื่องเป่าลม เครื่องสาย เปียโน และเบสไฟฟ้า (2015)
• Runnerสำหรับวงดนตรีขนาดใหญ่ (2016)
• สำหรับ Bob (เปียโน) (2017)
• ดนตรีสำหรับวงดนตรีและวงออร์เคสตรา (2018) ^{[ 82 ]}
• ไรช์/ริชเตอร์ สำหรับวงดนตรีขนาดใหญ่ (2019)
• บทเพลง Traveler's Prayerสำหรับนักร้องเสียงเทเนอร์ 2 คน, นักร้องเสียงโซปราโน 2 คน, ไวบราโฟน 2 ตัว, เปียโน 1 ตัว, ไวโอลิน 4 ตัว, วิโอลา 2 ตัว และเชลโล 2 ตัว (2020)
• บันไดของยาโคบสำหรับนักร้อง 4 คนและวงดนตรีขนาดใหญ่ (2023)

• ดนตรีสด/ดนตรีไฟฟ้า ( โคลัมเบีย มาสเตอร์เวิร์คส์ , 1968)
• Four Organsสำหรับออร์แกนไฟฟ้าสี่ตัวและมาราคัส ( Shandar , 1970; บันทึกเสียงอีกครั้งสำหรับ Angel , 1973)
• อัลบั้ม Music for 18 Musicians ( ECM , 1978); ต่อมา: Grand Valley State University New Music Ensemble ( Innova ), Ensemble Modern (RCA Red Seal); Ensemble Signal , Brad Lubman harmonia mundi
• Radio Rewrite , Ensemble Signal, Brad Lubman harmonia mundi
• Double Sextet , Ensemble Signal, Brad Lubman harmonia mundi
• การตีกลอง Steve Reich และนักดนตรี (บันทึกเสียงบางส่วน: John Gibson + Multiples, 1971; Deutsche GrammophonและNonesuch ) So Percussion ( Cantaloupe )
• ดนตรีสำหรับนักดนตรี 18 คนโดย สตีฟ ไรช์ และนักดนตรี (บันทึกเสียงสองครั้ง: ECM และ Nonesuch, 1978), วงดนตรี Grand Valley State University New Music Ensemble ( Innova ), วง Ensemble Modern (RCA Red Seal)
• อัลบั้ม Octet/Music for a Large Ensemble/Violin Phaseโดย Steve Reich และนักดนตรี (ECM, 1980)
• บทเพลงสำหรับเครื่องเป่า เครื่องสาย และคีย์บอร์ด/ดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีประเภทเคาะ เสียงร้อง และออร์แกน/เปียโนหกตัว วงออร์เคสตราซิมโฟนีซานฟรานซิสโก , เอโด เดอ วาร์ท , สตีฟ ไรช์ และนักดนตรี ( ฟิลิปส์ , 1984)
• Tehillim / The Desert Music (ECM Records, 1982); Alarm Will Soundและ OSSIA, Alan Pierson (Cantaloupe)
• Different Trains/Electric Counterpoint . Kronos Quartet, Pat Metheny (Elektra Nonesuch, 1989)
• Steve Reich: Works 1965–1995ผู้แสดงหลากหลายท่าน (Nonesuch, 1997)
• Piano Phaseเรียบเรียงสำหรับกีตาร์ โดย Alexandre Gérard (Catapult)
• Reich Remixed (Nonesuch, 1999)
• You Are (Variations)/Cello Counterpoint . Los Angeles Master Chorale , Grant Gershon, Maya Beiser (Nonesuch, 2005)
• Daniel Variationsพร้อมด้วย Variations สำหรับไวบราโฟน เปียโน และเครื่องสาย London Sinfonietta , Grant Gershon, Alan Pierson (Nonesuch, 2008)
• Double Sextet/2×5 , Eighth Blackbirdและ Bang on a Can (Nonesuch, 2010)
• Radio Rewrite , Alarm Will Sound , Jonny Greenwood , Vicky Chow (Nonesuch, 2014)
• Pulse – Quartet , International Contemporary Ensemble , Colin Currie Group (Nonesuch, 2018)

• Phase to Faceภาพยนตร์สารคดีเกี่ยวกับสตีฟ ไรช์ โดย เอริค ดาร์มอน และ ฟรังก์ มาเลต์ (EuroArts, 2011) ดีวีดี

• ไรช์, สตีฟ (1974). งานเขียนเกี่ยวกับดนตรี . ฮาลิแฟกซ์: สำนักพิมพ์วิทยาลัยศิลปะและการออกแบบโนวาสโกเชีย . ISBN 978-0-8147-7358-1.
• ไรช์, สตีฟ (1 เมษายน 2545). ฮิลเลียร์, พอล (บรรณาธิการ). งานเขียนเกี่ยวกับดนตรี, 1965–2000 . อ็อกซ์ฟอร์ด: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด. ISBN 978-0-19-511171-2.
• ไรช์, สตีฟ (2022). บทสนทนา . นครนิวยอร์ก: สำนักพิมพ์ฮาโนเวอร์สแควร์. ISBN 978-1-335-42572-0.