นีโอคลาสสิก

ภาพบน: ไซคีฟื้นคืนชีพด้วยจุมพิตของคิวปิดโดยอันโตนิโอ คาโนวาปี 1787 ทำจากหินอ่อน พิพิธภัณฑ์ ลูฟร์ ภาพที่สอง: คิวปิดขับรถม้าที่ลากโดยกริฟฟินโดยมิเกลันเจโล มาเอสตรีประมาณปี 1800 ภาพที่สาม: การอาบน้ำของนโปเลียนที่ปราสาทแรมบูเยต์ประเทศฝรั่งเศส วาดโดย โกดาร์ด และ ฌอง วาสเซโรต์ ปี 1806 ภาพล่าง: รายละเอียดรูปหงส์และลูกเกดบนแจกัน ผลิตโดยอองตวน เบรังเฌร์ , อเล็กซานเดอร์-เธโอโดร์ บรองนิ อาร์ต และโรงงานผลิตเครื่องลายครามเซฟร์เครื่องลายครามเนื้อแข็งพร้อมส่วนประกอบทองสัมฤทธิ์ชุบทอง พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ลัทธินี โอ คลาสสิ ก (Neoclassicism)หรือสะกดว่าNeo-classicism เกิดขึ้นในฐานะ ขบวนการทางวัฒนธรรมตะวันตกในด้านศิลปะการตกแต่งและทัศนศิลป์วรรณกรรมละครดนตรีและสถาปัตยกรรมซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะและวัฒนธรรมของยุคโบราณคลาสสิกลัทธินีโอคลาสสิกถือกำเนิดขึ้นในกรุงโรมส่วนใหญ่เนื่องมาจากงานเขียนของโยฮันน์ โยอาคิม วิงเคลมันน์ในช่วงการค้นพบเมืองปอมเปอีและเฮอร์คิวเลเนียมอีกครั้ง ความนิยมของลัทธินี้แพร่กระจายไปทั่วยุโรป เมื่อนักศึกษาศิลปะชาวยุโรปรุ่นหนึ่งเสร็จสิ้นการเดินทางท่องเที่ยวครั้งใหญ่ (Grand Tour)และกลับจากอิตาลีสู่ประเทศบ้านเกิดพร้อมกับอุดมคติแบบกรีก-โรมันที่ค้นพบใหม่^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]} ขบวนการนีโอคลาสสิกหลักเกิดขึ้นจาก ยุคแห่งการตรัสรู้ในศตวรรษที่ 18 และถึงจุดสูงสุดในช่วงต้นถึงกลางศตวรรษที่ 19 ในที่สุดก็แข่งขันกับลัทธิโรแมนติซิสม์ในด้านสถาปัตยกรรม รูปแบบนี้คงอยู่ตลอดศตวรรษที่ 19, 20 และเข้าสู่ศตวรรษที่ 21 ^{[ 5 ] [ 6 ]}

ลัทธิคลาสสิกใหม่ในยุโรปในด้านทัศนศิลป์เริ่มต้นขึ้นราวปี ค.ศ. 1760โดยเป็นการต่อต้านลัทธิโรโกโก ที่ครอบงำอยู่ สถาปัตยกรรมโรโกโกเน้นความสง่างามการประดับประดาและความไม่สมมาตร ในขณะที่สถาปัตยกรรมคลาสสิกใหม่นั้นยึดหลักความเรียบง่ายและความสมมาตร ซึ่งถือเป็นคุณธรรมของศิลปะในสมัยโรมันโบราณและกรีกโบราณและได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากลัทธิคลาสสิกในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ ศตวรรษที่ 16 แต่ละขบวนการ "คลาสสิกใหม่" จะเลือกแบบจำลองบางส่วนจากแบบคลาสสิกที่มีอยู่ และละเลยแบบอื่นๆ ระหว่างปี ค.ศ. 1765 ถึง 1830 ผู้สนับสนุนลัทธิคลาสสิกใหม่ ไม่ว่าจะเป็นนักเขียน นักพูด ผู้อุปถัมภ์ นักสะสม ศิลปิน และประติมากร ต่างยกย่องแนวคิดของยุคศิลปะที่เกี่ยวข้องกับฟิดิอัส แต่ตัวอย่างประติมากรรมที่พวกเขานำมาใช้จริงนั้นมักจะเป็นงานลอกเลียนแบบประติมากรรม เฮลเลนิสติกของโรมันมากกว่าพวกเขาละเลยทั้ง ศิลปะ กรีกยุคอาร์เคอิกและงานศิลปะในยุคโบราณตอนปลายการค้นพบศิลปะแบบ "โรโกโก" ของเมืองปาล มีราโบราณผ่านภาพแกะสลักใน หนังสือ "ซากปรักหักพังของปาลมีรา"ของโรเบิร์ต วูดถือเป็นการเปิดเผยครั้งสำคัญ เนื่องจากกรีซยังไม่ได้รับการสำรวจอย่างกว้างขวางและถือเป็นดินแดนอันตรายของจักรวรรดิออตโตมันการชื่นชมสถาปัตยกรรมกรีกของกลุ่มนีโอคลาสสิกจึงส่วนใหญ่ถ่ายทอดผ่านภาพวาดและภาพแกะสลักซึ่งมีการปรับแต่งและทำให้เป็นระเบียบเรียบร้อยอย่างละเอียดอ่อน "แก้ไข" และ "บูรณะ" อนุสาวรีย์ของกรีซ โดยไม่ได้ทำอย่างตั้งใจเสมอไป

สไตล์เอ็มไพร์ซึ่งเป็นระยะที่สองของลัทธินีโอคลาสสิกในสถาปัตยกรรมและศิลปะการตกแต่งมีศูนย์กลางทางวัฒนธรรมอยู่ที่ปารีสในยุคของนโปเลียนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านสถาปัตยกรรม แต่ก็รวมถึงสาขาอื่นๆ ด้วย ลัทธินีโอคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลอย่างมากหลังจากต้นศตวรรษที่ 19 โดยมีการฟื้นฟูเป็นระยะๆ จนถึงศตวรรษที่ 20 และแม้กระทั่งศตวรรษที่ 21 โดยเฉพาะในสหรัฐอเมริกาและรัสเซีย

นีโอคลาสสิกคือการฟื้นฟูรูปแบบและจิตวิญญาณของยุคโบราณคลาสสิกที่ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากยุคคลาสสิก^{[ 7 ]}ซึ่งสอดคล้องและสะท้อนถึงพัฒนาการในปรัชญาและด้านอื่นๆ ของยุคแห่งการตรัสรู้ และในตอนแรกเป็นการตอบโต้ต่อความเกินเลยของรูปแบบโรโคโค ก่อนหน้านี้ ^{[ 8 ]}แม้ว่าการเคลื่อนไหวนี้มักถูกอธิบายว่าเป็นคู่ตรงข้ามของโรแมนติซิสซึมแต่นี่เป็นการทำให้ง่ายเกินไปซึ่งมักจะไม่ยั่งยืนเมื่อพิจารณาถึงศิลปินหรือผลงานเฉพาะเจาะจง กรณีของอิงเกรส ผู้ซึ่งถูกมองว่าเป็นผู้สนับสนุนหลักของนีโอคลาสสิกตอนปลาย แสดงให้เห็นถึงสิ่งนี้ได้เป็นอย่างดี^{[ 9 ]}การฟื้นฟูนี้สามารถสืบย้อนไปถึงการก่อตั้งโบราณคดี เชิงรูปแบบ ได้^{[ 10 ] [ 11 ]}

นักโบราณคดีและนักทฤษฎีศิลปะชาวอิตาลีGiovanni Pietro Belloriถือเป็นผู้บุกเบิกของลัทธินีโอคลาสสิก ในปี ค.ศ. 1664 เขาได้บรรยายเรื่อง 'อุดมคติ' ในศิลปะที่Accademia di San Lucaในกรุงโรม ซึ่งกลายเป็นคำแถลงที่สำคัญของทฤษฎีศิลปะแบบอุดมคติ^{[ 12 ]}การบรรยายของ Bellori มีอิทธิพลอย่างมากต่อทฤษฎีทางวิชาการของยุโรป และต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานทางทฤษฎีของลัทธินีโอคลาสสิกที่เผยแพร่โดย Winckelmann ^{[ 13 ]}

งานเขียนของโยฮันน์ โยอาคิม วิงเคลมันน์มีความสำคัญในการกำหนดรูปแบบการเคลื่อนไหวนี้ทั้งในด้านสถาปัตยกรรมและศิลปะทัศนศิลป์ หนังสือของเขาเรื่อง Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1755) และGeschichte der Kunst des Alterthums ("ประวัติศาสตร์ศิลปะโบราณ", 1764) เป็นหนังสือเล่มแรกที่แยกแยะความแตกต่างระหว่างศิลปะกรีกและโรมันโบราณอย่างชัดเจน และกำหนดช่วงเวลาต่างๆ ภายในศิลปะกรีก โดยติดตามเส้นทางจากการเติบโตไปสู่ความสมบูรณ์ และจากนั้นการเลียนแบบหรือความเสื่อมถอย ซึ่งยังคงมีอิทธิพลมาจนถึงปัจจุบัน วิงเคลมันน์เชื่อว่าศิลปะควรมีเป้าหมายที่ "ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความยิ่งใหญ่ที่สงบ" ^{[ 15 ]}และยกย่องอุดมคติของศิลปะกรีก ซึ่งเขากล่าวว่าเราพบ "ไม่เพียงแต่ธรรมชาติที่สวยงามที่สุดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบางสิ่งที่อยู่เหนือธรรมชาติ นั่นคือรูปแบบอุดมคติบางอย่างของความงาม ซึ่งตามที่นักตีความโบราณของเพลโตสอนเรา มาจากภาพที่สร้างขึ้นโดยจิตใจเท่านั้น" ทฤษฎีนี้ไม่ใช่เรื่องใหม่ในศิลปะตะวันตก แต่การเน้นย้ำเรื่องการลอกเลียนแบบแบบอย่างของกรีกอย่างใกล้ชิดของเขาก็คือ: "หนทางเดียวที่เราจะยิ่งใหญ่หรือหากเป็นไปได้ก็คือไม่มีใครเลียนแบบได้ คือการเลียนแบบคนโบราณ" ^{[ 16 ]}

การปฏิวัติอุตสาหกรรมทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจของมนุษย์ไปทั่วโลก โดยมุ่งไปสู่กระบวนการผลิตที่มีประสิทธิภาพและมั่นคงมากขึ้น^{[ 17 ]}ความก้าวหน้าทางวัตถุและความมั่งคั่งที่เพิ่มขึ้นอย่างมหาศาล^{[ 18 ]}ด้วยการมาถึงของแกรนด์ทัวร์ ทำให้เกิด กระแสการสะสมโบราณวัตถุซึ่งวางรากฐานให้กับคอลเลกชันที่ยิ่งใหญ่มากมาย และแพร่กระจายการฟื้นฟูศิลปะนีโอคลาสสิกไปทั่วยุโรป^{[ 19 ]} "ศิลปะนีโอคลาสสิก" ในแต่ละศิลปะหมายถึงหลักเกณฑ์เฉพาะของแบบจำลอง "คลาสสิก"

ในภาษาอังกฤษ คำว่า "นีโอคลาสสิก" ส่วนใหญ่ใช้กับศิลปะทัศนศิลป์ ส่วนขบวนการที่คล้ายคลึงกันในวรรณกรรมอังกฤษซึ่งเริ่มต้นก่อนหน้านั้นมาก เรียกว่าวรรณกรรมออกัสตันซึ่งเคยมีอิทธิพลมาหลายทศวรรษ แต่ก็เริ่มเสื่อมถอยลงเมื่อนีโอคลาสสิกในศิลปะทัศนศิลป์เริ่มเป็นที่นิยม แม้ว่าคำศัพท์จะแตกต่างกัน แต่สถานการณ์ในวรรณกรรมฝรั่งเศสก็คล้ายคลึงกัน ในด้านดนตรี ช่วงเวลานี้ได้เห็นการเกิดขึ้นของดนตรีคลาสสิกและคำว่า "นีโอคลาสสิก" ใช้กับพัฒนาการในศตวรรษที่ 20อย่างไรก็ตาม โอเปร่าของคริสตอฟ วิลลิบัลด์ กลุคแสดงให้เห็นถึงแนวทางนีโอคลาสสิกโดยเฉพาะ ซึ่งระบุไว้ในคำนำของเขาสำหรับโน้ตเพลงที่ตีพิมพ์ของAlceste (1769) ซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อปฏิรูปโอเปร่าโดยการลบการตกแต่งเพิ่มบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงให้สอดคล้องกับโศกนาฏกรรมกรีกและใช้ทำนองที่เรียบง่ายและไม่ประดับประดา^{[ 20 ]}

คำว่า "นีโอคลาสสิก" ไม่ได้ถูกคิดค้นขึ้นจนกระทั่งกลางศตวรรษที่ 19 และในเวลานั้น รูปแบบดังกล่าวถูกอธิบายด้วยคำต่างๆ เช่น "รูปแบบที่แท้จริง" "ปฏิรูป" และ "ฟื้นฟู" โดยสิ่งที่ถือว่าเป็นการฟื้นฟูนั้นมีความแตกต่างกันอย่างมาก แบบจำลองโบราณมีส่วนเกี่ยวข้องอย่างแน่นอน แต่รูปแบบนี้ยังสามารถถือได้ว่าเป็นการฟื้นฟูยุคเรเนสซองส์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฝรั่งเศส เป็นการกลับไปสู่บาโรก ที่เคร่งขรึมและสง่างามมากขึ้น ในยุคของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14ซึ่ง เกิด ความโหยหา อย่างมาก เมื่อสถานะทางทหารและการเมืองที่โดดเด่นของฝรั่งเศสเริ่มเสื่อมถอยลงอย่างจริงจัง^{[ 21 ]}ภาพเหมือนการราชาภิเษกของนโปเลียนโดยอิงเกรสยังยืมมาจากภาพเขียนคู่ของกงสุลในยุคโบราณตอนปลายและการฟื้นฟูของราชวงศ์แคโรลิงซึ่งทำให้ถูกวิพากษ์วิจารณ์

ลัทธินีโอคลาสสิกมีความแข็งแกร่งที่สุดในด้านสถาปัตยกรรมประติมากรรมและศิลปะการตกแต่ง โดยที่แบบจำลองคลาสสิ กในสื่อเดียวกันมีจำนวนมากและเข้าถึงได้ง่าย ตัวอย่างจากภาพวาดโบราณที่แสดงให้เห็นถึงคุณสมบัติที่งานเขียนของวิงเคลมันน์พบในประติมากรรมนั้นขาดหายไป วิงเคลมันน์มีส่วนร่วมในการเผยแพร่ความรู้เกี่ยวกับภาพวาดโรมันขนาดใหญ่ภาพแรกที่ถูกค้นพบที่ปอมเปอีและเฮอร์คิวเลเนียมและเช่นเดียวกับคนร่วมสมัยส่วนใหญ่ ยกเว้นกาวิน แฮมิลตันเขาไม่ประทับใจกับภาพเหล่านั้น โดยอ้างถึง ความคิดเห็นของ พลินีผู้เยาว์เกี่ยวกับการเสื่อมถอยของการวาดภาพในยุคของเขา^{[ 22 ]}

ส่วนการวาดภาพนั้น การวาดภาพแบบกรีกสูญหายไปอย่างสิ้นเชิง จิตรกรนีโอคลาสสิกได้ฟื้นฟูมันขึ้นมาใหม่ด้วยจินตนาการ ส่วนหนึ่งผ่านทางภาพ นูนต่ำ ภาพโมเสก และการวาดภาพบน เครื่องปั้นดินเผาและอีกส่วนหนึ่งผ่านทางตัวอย่างการวาดภาพและการตกแต่งใน ยุคเรเน สซองส์ตอนปลายของ คนรุ่น ราฟาเอลเช่น ภาพเฟรสโกในโดมุส ออเรียของเนโรปอมเปอี และเฮอร์คิวเลเนียม และผ่านทางความชื่นชมในนิโคลัส ปูแซงอีกครั้ง การวาดภาพแบบ "นีโอคลาสสิก" ส่วนใหญ่มีลักษณะเป็นคลาสสิกมากกว่าในด้านเนื้อหา ข้อพิพาทที่ดุเดือด แต่บ่อยครั้งที่ขาดข้อมูลที่ถูกต้อง ได้เกิดขึ้นเป็นเวลาหลายทศวรรษเกี่ยวกับคุณค่าสัมพัทธ์ของศิลปะกรีกและโรมัน โดยที่วิงเคลมันน์และเพื่อนนักวิชาการด้านกรีกของเขามักจะเป็นฝ่ายชนะ^{[ 23 ]}

• 
  ภาพทิวทัศน์ในจินตนาการพร้อมวิหารแพนธีออนและอนุสรณ์สถานอื่นๆ ของกรุงโรมโบราณโดย โจวันนี เปาโล ปานินีปี 1737 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 98.9 x 137.49 ซม. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ ฮิวสตันสหรัฐอเมริกา
• 
  ภาพอาคารรัฐสภาโบราณที่ทอดยาวขึ้นไปประมาณหนึ่งร้อยขั้น...โดยโจวันนี บาติสตา พิราเนซี ; ประมาณปี 1750; ภาพพิมพ์กัดกรด; ขนาดแผ่นกระดาษทั้งหมด: 33.5 × 49.4 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน , นครนิวยอร์ก
• 
  นักปรัชญาบรรยายเกี่ยวกับระบบสุริยะจำลองโดยโจเซฟ ไรท์ แห่งเดอร์บีประมาณปี 1766 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 1.47 x 2.03 เมตรพิพิธภัณฑ์และหอศิลป์เดอร์บี ประเทศอังกฤษ ^{[ 24 ]}
• 
  คุณลักษณะของศิลปะโดยแอนน์ วัลลาเยอร์-คอสเตอร์ 1769 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 90 x 121 ซม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 25 ]}
• 
  เอเรียดเนละทิ้ง ; โดย แองเจลิกา คอฟฟ์มันน์ ; ก่อนปี พ.ศ. 2325; สีน้ำมันบนผ้าใบ 88 x 70.5 ซม. Gemäldegalerie Alte Meister , เดรสเดน, เยอรมนี^{[ 26 ]}
• 
  คำสาบานของโฮราติ ; โดยฌาคส์-หลุยส์ ดาวิด ; 1784; สีน้ำมันบนผ้าใบ; 3.3 x 4.27 ม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ^{[ 27 ]}
• 
  ภาพเหมือนตนเองกับพิณโดยโรส-อาเดเลด ดูเครอซ์ปี 1791 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 193 x 128.9 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  อคิลลีสโศกเศร้ากับปาโตรคลีส ; ตามแบบของจอห์น แฟลกซ์แมน ; ปี 1795; ภาพพิมพ์แกะสลักจากภาพวาด; ขนาดไม่ทราบ; สถานที่จัดแสดงไม่ทราบ
• 
  ภาพเหมือนของฌอง-แบปติสต์ เบลเลย์อดีตผู้แทนอาณานิคม โดยแอนน์-หลุยส์ จิโรเดต์ 1796–1797 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 1.59 x 1.11 เมตรพระราชวังแวร์ซายประเทศฝรั่งเศส ^{[ 28 ]}
• 
  คิวปิดและไซคี ; โดย ฟรองซัวส์ เฌราร์ด ; 1798; สีน้ำมันบนผ้าใบ; 186 x 132 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ^{[ 29 ]}
• 
  ภาพวาด "จูลี เลอบรุน ในบทบาทฟลอร่า"โดยเอลิซาเบธ วีเฌ เลอบรุนประมาณปี 1799 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 129.5 x 97.8 ซม. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก รัฐฟลอริดา)สหรัฐอเมริกา
• 
  ภาพเหมือนของหญิงผิวดำโดยมารี-กิลเลมีน เบอนัวต์ ; ปี 1800; สีน้ำมันบนผ้าใบ; 81 x 65 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 30 ]}
• 
  เศร้าโศก ; โดยคอนสแตนซ์ มารี ชาร์ป็องตีเย ; 1801; สีน้ำมันบนผ้าใบ 130 x 165; Musée de Picardie , อาเมียง, ฝรั่งเศส^{[ 31 ]}
• 
  ภาพเหมือนของ Charlotte du Val d'Ognesโดย Marie-Denise Villersปี 1801 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 161.3 x 128.6 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน ^{[ 32 ]}
• 
  โบนาปาร์ตเยี่ยมเยียนผู้ป่วยโรคระบาดที่จาฟฟาโดยอองตวน-ฌอง กรอสปี 1804 สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 5.2 x 7.2 เมตร พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ^{[ 33 ]}
• 
  ภาพเหมือนของจักรพรรดินีโจเซฟีน; โดยปิแอร์-พอล พรูดฮอน ; 1805; สีน้ำมันบนผ้าใบ 244 x 179 ซม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 34 ]}
• 
  นโปเลียนที่ 1 บนบัลลังก์จักรพรรดิโดยฌอง-ออกุสต์-โดมินิก อิงเกรส ; 1806; สีน้ำมันบนผ้าใบ; 2.62 x 1.62 ม.; พิพิธภัณฑ์กองทัพบก (ปารีส) ^{[ 27 ]}
• 
  อัจฉริยภาพแห่งศิลปะ; โดยคาร์ล บริอูลลอฟ ; ค.ศ. 1819–1821; กระดาษสีเทา, ดินสอ, ชอล์ก, ถ่าน และสีพาสเทล; ขนาด 65.2 x 62.2 เซนติเมตร; พิพิธภัณฑ์รัสเซีย , เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
• 
  แทนทาลัสและซิซิฟัสในยมโลก; โดยออกัสต์ ธีโอดอร์ คาเซโลว์สกี ; ประมาณปี 1850; ภาพเขียนฝาผนัง; ขนาดไม่ทราบแน่ชัด; บนผนังห้องนิโอบิดส์พิพิธภัณฑ์นอยส์เบอร์ลิน

เป็นการยากที่จะถ่ายทอดลักษณะที่รุนแรงและน่าตื่นเต้นของภาพวาดนีโอคลาสสิกยุคแรกให้กับผู้ชมร่วมสมัย ปัจจุบันแม้แต่นักเขียนที่ชื่นชอบภาพวาดเหล่านี้ก็ยังมองว่ามัน "จืดชืด" และ "แทบจะไม่น่าสนใจสำหรับเราเลย" ซึ่งเป็นความคิดเห็นบางส่วนของKenneth Clark เกี่ยวกับภาพวาด Parnassus at the Villa AlbaniอันทะเยอทะยานของAnton Raphael Mengs [ ^{35 ] โดยศิลปินที่เพื่อนของเขา Winckelmann บรรยายว่าเป็น "ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาเอง และอาจจะ เป็น}ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคต่อมาด้วย" ^{[ 36 ]}ภาพวาดของJohn Flaxman ซึ่งต่อมาได้กลายเป็น ภาพพิมพ์ใช้การวาดเส้นที่เรียบง่ายมาก (ซึ่งถือว่าเป็นสื่อคลาสสิกที่บริสุทธิ์ที่สุด^{[ 37 ]} ) และภาพบุคคลส่วนใหญ่ในมุมมองด้านข้างเพื่อแสดง เรื่อง The Odysseyและเรื่องอื่นๆ ซึ่งครั้งหนึ่งเคย "จุดประกายเยาวชนศิลปะของยุโรป" แต่ปัจจุบันกลับ "ถูกละเลย" ^{[ 38 ]}ในขณะที่ภาพวาดประวัติศาสตร์ของAngelica Kauffmanซึ่งส่วนใหญ่เป็นจิตรกรภาพเหมือน ถูกFritz Novotnyอธิบาย ว่ามี "ความนุ่มนวลที่เยิ้มและน่าเบื่อ" ^{[ 39 ]}ความฟุ่มเฟือยแบบโรโคโคและการเคลื่อนไหวแบบบาโรกถูกลอกออกไปแล้ว แต่ศิลปินหลายคนก็พยายามดิ้นรนที่จะหาอะไรมาแทนที่ และในกรณีที่ไม่มีตัวอย่างโบราณสำหรับภาพวาดประวัติศาสตร์ นอกเหนือจากแจกันกรีกที่ Flaxman ใช้Raphaelจึงมักถูกนำมาใช้เป็นแบบจำลองทดแทน ตามที่ Winckelmann แนะนำ

ผลงานของศิลปินคนอื่นๆ ที่ไม่สามารถอธิบายได้ง่ายๆ ว่าจืดชืดนั้น ผสมผสานแง่มุมของลัทธิโรแมนติกเข้ากับรูปแบบนีโอคลาสสิกโดยทั่วไป และเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ของทั้งสองขบวนการ จิตรกรชาวเยอรมัน-เดนมาร์กAsmus Jacob Carstensวาดภาพเทพนิยายขนาดใหญ่ที่เขาวางแผนไว้ได้น้อยมาก โดยส่วนใหญ่เหลือเพียงภาพวาดและการศึกษาเรื่องสี ซึ่งมักจะประสบความสำเร็จในการเข้าใกล้คำแนะนำของ Winckelmann ที่ว่า "ความเรียบง่ายอันสูงส่งและความยิ่งใหญ่ที่สงบ" ^{[ 40 ]}ต่างจากแผนการที่ Carstens ไม่ได้ทำสำเร็จ ภาพพิมพ์กัดกรดของGiovanni Battista Piranesiมีจำนวนมากและทำกำไรได้ดี และถูกนำกลับไปโดยผู้ที่เดินทางท่องเที่ยวไปทั่วทุกส่วนของยุโรป หัวข้อหลักของเขาคืออาคารและซากปรักหักพังของกรุงโรม และเขาได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งโบราณมากกว่าสิ่งสมัยใหม่ บรรยากาศที่น่ากังวลใจเล็กน้อยของภาพทิวทัศน์ (Vedute) จำนวนมากของเขา กลายเป็นสิ่งที่เด่นชัดในชุดภาพพิมพ์ 16 ภาพของCarceri d'invenzione ("คุกในจินตนาการ") ซึ่ง "สถาปัตยกรรมไซคลอปส์ที่กดดัน" สื่อถึง "ความฝันแห่งความกลัวและความคับข้องใจ" ^{[ 41 ]}เฮนรี ฟูเซลี ศิลปินชาวสวิส ใช้เวลาส่วนใหญ่ในอาชีพการงานของเขาในอังกฤษ และในขณะที่รูปแบบพื้นฐานของเขามีพื้นฐานมาจากหลักการนีโอคลาสสิก แต่หัวข้อและการนำเสนอของเขามักสะท้อนถึงกระแส "โกธิก" ของโรแมนติซิสซึมและมุ่งหวังที่จะปลุกเร้าอารมณ์และความตื่นเต้น

ลัทธินีโอคลาสสิกในงานจิตรกรรมได้รับทิศทางใหม่ด้วยความสำเร็จอย่างล้นหลามของภาพเขียน " คำสาบานของเหล่าโฮราติ" โดยฌาคส์-หลุยส์ดา วิด ในงานปารีสซาลอนปี 1785 แม้ว่าภาพนี้จะสื่อถึงคุณธรรมของสาธารณรัฐ แต่ก็เป็นงานที่ได้รับมอบหมายจากรัฐบาล ซึ่งดาวิดยืนยันที่จะวาดในกรุงโรม ดาวิดสามารถผสมผสานสไตล์อุดมคติเข้ากับความดราม่าและความแข็งแกร่งได้ มุมมองแบบศูนย์กลางตั้งฉากกับระนาบภาพ ซึ่งยิ่งเน้นย้ำด้วยซุ้มประตูมืดๆ ด้านหลัง ซึ่งเป็นฉากหลังของตัวละครวีรบุรุษราวกับภาพนูนต่ำพร้อมด้วยแสงไฟประดิษฐ์และการจัดฉากแบบโอเปร่าและสีสันแบบคลาสสิกของนิโคลัส ปูแซงดาวิดกลายเป็นผู้นำของศิลปะฝรั่งเศสอย่างรวดเร็ว และหลังจากการปฏิวัติฝรั่งเศสเขากลายเป็นนักการเมืองที่มีอำนาจควบคุมการอุปถัมภ์ศิลปะของรัฐบาลเป็นอย่างมาก เขาสามารถรักษาอิทธิพลของเขาไว้ได้ใน ช่วงยุค นโปเลียนโดยหันไปสร้างผลงานโฆษณาชวนเชื่ออย่างเปิดเผย แต่ต้องออกจากฝรั่งเศสไปลี้ภัยที่บรัสเซลส์ในช่วงการฟื้นฟูราชวงศ์บูร์บง^{[ 42 ]}

ลูกศิษย์จำนวนมากของเดวิด ได้แก่ฌอง-ออกุสต์-โดมินิก อิงเกรสผู้ซึ่งมองตัวเองว่าเป็นนักคลาสสิกตลอดอาชีพการงานอันยาวนานของเขา แม้ว่ารูปแบบที่เติบโตเต็มที่ของเขาจะมีความสัมพันธ์ที่คลุมเครือกับกระแสหลักของนีโอคลาสสิก และมีการเบี่ยงเบนไปสู่ลัทธิโอเรียนทัลลิสม์และสไตล์ทรอบาดูร์ ในภายหลัง ซึ่งยากที่จะแยกแยะออกจากผลงานของศิลปินร่วมสมัยแนวโรแมนติกอย่างเปิดเผยของเขา ยกเว้นเพียงการให้ความสำคัญกับการวาดภาพในผลงานของเขาเสมอ เขาจัดแสดงผลงานที่ซาลอนเป็นเวลากว่า 60 ปี ตั้งแต่ปี 1802 จนถึงช่วงเริ่มต้นของอิมเพรสชันนิสม์แต่รูปแบบของเขาเมื่อก่อตัวขึ้นแล้วก็เปลี่ยนแปลงเพียงเล็กน้อย^{[ 43 ]}

• 
  Arch-Rascal (หมายเลข 33 ในซีรีส์หัวตัวละคร); โดยฟรานซ์ ซาเวอร์ เมสเซอร์ชมิดท์ ; หลังปี 1770; เศวตศิลา; ความสูง: 38 ซม.; Österreichische Galerie Belvedere , เวียนนา, ออสเตรีย^{[ 44 ]}
• 
  ดาวอังคารและดาวศุกร์ ; โดยโยฮัน โทเบียส เซอร์เกล ; ค.พ.ศ. 2318; หินอ่อน; ความสูง: 93 ซม.; พิพิธภัณฑ์แห่งชาติสตอกโฮล์ม สวีเดน^{[ 45 ]}
• 
  รูปปั้นเมอร์คิวรีหรือการค้าโดยออกัสติน ปาจูปี 1780 ทำจากหินอ่อน ความสูง 196 ซม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์
• 
  ฤดูหนาว ; โดยJean-Antoine Houdon ; 1783; หินอ่อน; ความสูง: 145 ซม.; พิพิธภัณฑ์ Fabre , มงเปลลิเยร์, ฝรั่งเศส^{[ 46 ]}
• 
  เซฟาลัสและออโรร่า ; โดยจอห์น แฟลกซ์แมน ; ค.ศ. 1789–1790; น่าจะทำจากหินอ่อน; ขนาดไม่ทราบแน่ชัด; หอศิลป์เลดี้ เลเวอร์ , เมอร์ซีย์ไซด์, อังกฤษ
• 
  เจ้าหญิงลุยซาและฟรีเดอริกาแห่งปรัสเซียโดยโยฮันน์ ก็อตต์ฟรีด ชาโดว์ ; 1795–1797; หินอ่อน; ความสูง: 172 ซม.; หอศิลป์แห่งชาติเก่าเบอร์ลิน ประเทศเยอรมนี^{[ 45 ]}
• 
  วีนัส วิคทริกซ์ ; โดยอันโตนิโอ คาโนวา ; 1804–1808; หินอ่อน; ความยาว: 200 ซม.;แกลเลอเรีย บอร์เกเซ โรม ^{[ 47 ]}
• 
  รูปปั้นครึ่งตัวของมาดามเรกามิเยร์ ผลงานของโจเซฟ ชินาร์ดปี ค.ศ. 1805 หรือ 1806 ทำจากหินอ่อน ขนาด 80 x 42 x 30 เซนติเมตร จัดแสดงอยู่ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งลียงประเทศฝรั่งเศส
• 
  เทพธิดาทั้งสามองค์ ; โดย อันโตนิโอ คาโนวา; 1813–1816; หินอ่อน; ความสูง: 1.82 เมตร;พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ , เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, รัสเซีย ^{[ 48 ]}
• 
  แกนีมีดและดาวพฤหัสบดี ; โดยแบร์เทล ธอร์วาลด์เซ่น ; 2360; หินอ่อน; ความสูง: 94 ซม.;พิพิธภัณฑ์ Thorvaldsenเมืองโคเปนเฮเกน ประเทศเดนมาร์ก ^{[ 45 ]}

หากภาพวาดนีโอคลาสสิกประสบปัญหาจากการขาดแคลนแบบจำลองโบราณ ประติมากรรมนีโอคลาสสิกกลับมีแนวโน้มที่จะประสบปัญหาจากการมีแบบจำลองมากเกินไป แม้ว่าตัวอย่างของประติมากรรมกรีกจริง ๆ ใน " ยุคคลาสสิก " ที่เริ่มต้นประมาณ 500 ปีก่อนคริสตกาลจะมีน้อยมาก แต่ผลงานที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดส่วนใหญ่เป็นงานลอกเลียนแบบของโรมัน^{[ 49 ]} ประติมาก รนีโอคลาสสิกชั้นนำมีชื่อเสียงอย่างมากในยุคของพวกเขา แต่ปัจจุบันได้รับการยกย่องน้อยลง ยกเว้นฌอง-อองตวน ฮูดงซึ่งผลงานของเขาส่วนใหญ่เป็นภาพเหมือน บ่อยครั้งเป็นรูปปั้นครึ่งตัว ซึ่งไม่ได้ลดทอนความประทับใจที่แข็งแกร่งของบุคลิกภาพของผู้ถูกปั้นเพื่ออุดมคติ สไตล์ของเขากลายเป็นแบบคลาสสิกมากขึ้นเมื่ออาชีพอันยาวนานของเขาดำเนินต่อไป และแสดงให้เห็นถึงความก้าวหน้าที่ค่อนข้างราบรื่นจากเสน่ห์แบบโรโคโคไปสู่ความสง่างามแบบคลาสสิก แตกต่างจากประติมากรนีโอคลาสสิกบางคน เขาไม่ได้ยืนกรานให้ผู้ถูกปั้นสวมชุดโรมันหรือเปลือยกาย เขาวาดภาพบุคคลสำคัญส่วนใหญ่ในยุคเรืองปัญญา และเดินทางไปอเมริกาเพื่อสร้างรูปปั้นของจอร์จ วอชิงตันรวมถึงรูปปั้นครึ่งตัวของโทมัส เจฟเฟอร์สัน เบนจามิน แฟรงคลินและผู้ก่อตั้งสาธารณรัฐใหม่คนอื่นๆ^{[ 50 ] [ 51 ]}

อันโตนิโอ คาโนวาและเบอร์เทล ธอร์วัลด์เซน ชาวเดนมาร์ก ต่างก็มีฐานอยู่ในกรุงโรม และนอกจากภาพเหมือนแล้ว พวกเขายังสร้างรูปปั้นและกลุ่มคนขนาดเท่าคนจริงที่มีความทะเยอทะยานมากมาย ทั้งคู่เป็นตัวแทนของแนวโน้มการสร้างอุดมคติอย่างแรงกล้าในประติมากรรมนีโอคลาสสิก คาโนวามีความเบาและสง่างาม ในขณะที่ธอร์วัลด์เซนมีความเคร่งขรึมกว่า ความแตกต่างนี้เห็นได้ชัดในกลุ่มเทพธิดาแห่งความงามทั้งสาม ของพวก เขา^{[ 52 ]}ทั้งหมดนี้ รวมถึงแฟลกซ์แมน ยังคงทำงานอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และลัทธิโรแมนติซิสซึมส่งผลกระทบต่อประติมากรรมอย่างช้าๆ โดยที่รูปแบบของนีโอคลาสสิกยังคงเป็นรูปแบบที่โดดเด่นตลอดช่วงศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่

โยฮัน โทเบียส เซอร์เกลชาวสวีเดน เป็นประติมากรแนวนีโอคลาสสิกยุคแรก^{[ 53 ]}จอห์น แฟลกซ์แมนก็เป็นประติมากรเช่นกัน หรือส่วนใหญ่เป็นประติมากร โดยส่วนใหญ่สร้างงานนูนต่ำแบบคลาสสิกที่เคร่งครัด ซึ่งมีรูปแบบคล้ายกับงานพิมพ์ของเขา นอกจากนี้เขายังออกแบบและปั้นเซรามิกแนวนีโอคลาสสิกให้กับโจไซอาห์ เวดจ์วูดเป็นเวลาหลายปีโยฮันน์ ก็อตต์ฟรีด ชาโดว์และรูดอล์ฟ บุตร ชายของเขา ซึ่งเป็นหนึ่งในประติมากรแนวนีโอคลาสสิกไม่กี่คนที่เสียชีวิตตั้งแต่อายุยังน้อย เป็นศิลปินชาวเยอรมันชั้นนำ^{[ 54 ]}ร่วมกับ ฟรานซ์ แอนตัน ฟอน ซาวเนอร์ ในออสเตรียฟรานซ์ ซาเวียร์เมสเซอร์ชมิดต์ประติมากรชาวออสเตรียในยุคบาโรกตอนปลาย หันมาสู่แนวนีโอคลาสสิกในช่วงกลางอาชีพ ไม่นานก่อนที่เขาจะประสบกับวิกฤตทางจิตใจบางอย่าง หลังจากนั้นเขาจึงเกษียณไปอยู่ชนบทและอุทิศตนให้กับ "หัวตัวละคร" ที่โดดเด่นอย่างมากของบุคคลหัวล้านที่แสดงออกทางสีหน้าอย่างสุดขั้ว^{[ 55 ]} เช่นเดียวกับ Carceriของ Piranesi สิ่งเหล่านี้ได้รับความสนใจอย่างมากอีกครั้งในช่วงยุคจิตวิเคราะห์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ประติมากรนีโอคลาสสิกชาวดัตช์Mathieu Kesselsศึกษากับ Thorvaldsen และทำงานเกือบทั้งหมดในกรุงโรม

เนื่องจากก่อนปี ค.ศ. 1830 สหรัฐอเมริกาไม่มีประเพณีประติมากรรมเป็นของตนเอง ยกเว้นในด้านหลุมศพ กังหันลม และหัวเรือ^{[ 56 ]}รูปแบบนีโอคลาสสิกของยุโรปจึงถูกนำมาใช้ที่นั่น และรูปแบบนี้ก็มีอิทธิพลมานานหลายทศวรรษ และเป็นตัวอย่างในประติมากรรมของHoratio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph RogersและWilliam Henry Rinehart

ศิลปะนีโอคลาสสิกเป็นทั้งแบบดั้งเดิมและแบบใหม่ เป็นทั้งประวัติศาสตร์และสมัยใหม่ เป็นทั้งอนุรักษ์นิยมและก้าวหน้าไปพร้อมๆ กัน^{[ 58 ]}

ลัทธิคลาสสิกใหม่เริ่มมีอิทธิพลในอังกฤษและฝรั่งเศส ผ่านกลุ่มนักศึกษาศิลปะชาวฝรั่งเศสรุ่นหนึ่งที่ได้รับการฝึกฝนในกรุงโรมและได้รับอิทธิพลจากงานเขียนของวินเคลมันน์ และในไม่ช้าก็ได้รับการยอมรับจากกลุ่มหัวก้าวหน้าในประเทศอื่นๆ เช่นสวีเดน โปแลนด์และรัสเซียในช่วงแรก การตกแต่งแบบคลาสสิกถูกนำมาผสมผสานกับรูปแบบยุโรปที่คุ้นเคย เช่นเดียวกับการตกแต่งภายในของ เคานต์ กริกอรี ออร์ลอฟคนรักของพระนางแคทเธอรีนที่ยิ่งใหญ่ซึ่งออกแบบโดยสถาปนิกชาวอิตาลีและทีมช่างปูนปั้น ชาวอิตาลี มีเพียงเหรียญรูปไข่ที่แยกออกมาคล้ายกับภาพนูนต่ำและ ภาพนูน ต่ำเหนือประตู เท่านั้น ที่บ่งบอกถึงลัทธิคลาสสิกใหม่ เฟอร์นิเจอร์ทั้งหมดเป็นสไตล์โรโคโคแบบอิตาลี

กระแสศิลปะนีโอคลาสสิกยุคที่สอง ซึ่งมีความเข้มงวดกว่า มีการศึกษาค้นคว้าอย่างพิถีพิถันมากขึ้น (ผ่านสื่อภาพพิมพ์แกะสลัก ) และมีความจงใจที่จะเลียนแบบโบราณวัตถุมากขึ้น เกิดขึ้นในช่วงที่จักรวรรดินโปเลียนรุ่งเรืองที่สุด ในฝรั่งเศส นีโอคลาสสิกยุคแรกแสดงออกในรูปแบบ " สไตล์หลุยส์ที่ 16 " และยุคที่สองในรูปแบบที่เรียกว่า " ไดเร็กตัวร์ " และ"จักรวรรดิ " ส่วนศิลปะโรโกโกยังคงได้รับความนิยมในอิตาลีจนกระทั่งระบอบนโปเลียนนำมาซึ่งศิลปะคลาสสิกแบบโบราณคดีรูปแบบใหม่ ซึ่งได้รับการยอมรับในฐานะการแสดงออกทางการเมืองโดยคนหนุ่มสาวชาวอิตาลีในเมืองที่มีแนวคิดก้าวหน้าและเอนเอียงไปทางสาธารณรัฐนิยม

ในด้านศิลปะการตกแต่ง ลัทธินีโอคลาสสิกปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในเฟอร์นิเจอร์แบบเอ็มไพร์ที่ผลิตในปารีส ลอนดอน นิวยอร์ก และเบอร์ลินเฟอร์นิเจอร์ แบบบีเดอร์ไมเออร์ ที่ผลิตในออสเตรียพิพิธภัณฑ์ของคาร์ล ฟรีดริช ชิงเคิล ในเบอร์ลิน ธนาคารแห่งอังกฤษของ เซอร์ จอห์น โซน ในลอนดอน และ อาคารรัฐสภาสหรัฐอเมริกาที่สร้างขึ้นใหม่ในวอชิงตัน ดี.ซี. รวมถึงงานแกะสลักนูนต่ำและแจกันหิน บะซอลต์สีดำ ของโจไซอาห์ เวดจ์วู ด รูปแบบนี้เป็นที่นิยมในระดับสากล สถาปนิกชาวสก็อต ชาร์ลส์ คาเมรอนออกแบบตกแต่งภายในสไตล์อิตาเลียนอันหรูหราให้กับแคทเธอรีน มหาราชินีแห่งเยอรมนี ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประเทศรัสเซีย

ภายในอาคาร ลัทธินีโอคลาสสิกได้ค้นพบการตกแต่งภายในแบบคลาสสิกอย่างแท้จริง โดยได้รับแรงบันดาลใจจากการค้นพบใหม่ที่ปอมเปอีและเฮอร์คิวเลเนียม การค้น พบเหล่านี้เริ่มต้นในช่วงปลายทศวรรษ 1740 แต่เพิ่งได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในทศวรรษ 1760 ^{[ 59 ]}ด้วยหนังสือชุดหรูหราเล่มแรกที่มีการจัดจำหน่ายอย่างเข้มงวดของLe Antichità di Ercolano ( โบราณวัตถุแห่งเฮอร์คิวเลเนียม ) โบราณวัตถุแห่งเฮอร์คิวเลเนียมแสดงให้เห็นว่าแม้แต่การตกแต่งภายในแบบคลาสสิกที่สุดของยุคบาโรกหรือห้องที่ "โรมัน" ที่สุดของวิลเลียม เคนต์ก็มีพื้นฐานมาจาก สถาปัตยกรรมภายนอก ของโบสถ์และวิหารที่พลิกกลับด้าน ดังนั้นจึงมักดูโอ่อ่าในสายตาของคนยุคใหม่ เช่น กรอบหน้าต่างทรง จั่วที่กลายเป็น กระจก ปิดทองเตาผิงที่มีส่วนหน้าวิหารอยู่ด้านบน การตกแต่งภายในแบบใหม่พยายามที่จะสร้างคำศัพท์การตกแต่งภายในแบบโรมันแท้ๆ ขึ้นมาใหม่

เทคนิคที่ใช้ในสไตล์นี้รวมถึงลวดลายที่แบนราบและเบาบางกว่า แกะสลักเป็น ลวดลายแบบ นูน ต่ำ คล้ายภาพนูนต่ำ หรือลงสีแบบโมโนโทนen camaïeu ("คล้ายภาพนูนต่ำ") เหรียญตราแจกันรูปปั้นครึ่งตัว หัวกะโหลก หรือลวดลายอื่นๆ ที่แยกออกมาต่างหาก แขวนอยู่บนพวงใบไม้หรือริบบิ้น พร้อมด้วยลวดลายอาหรับที่บอบบางบนพื้นหลัง อาจจะเป็นสีแดงแบบปอมเปอี หรือสีอ่อนๆ หรือสีหิน สไตล์นี้ในฝรั่งเศสในตอนแรกเป็นสไตล์ปารีส หรือGoût grec ("สไตล์กรีก") ไม่ใช่สไตล์ราชสำนัก เมื่อพระเจ้าหลุยส์ที่ 16ขึ้นครองราชย์ในปี 1774 พระนางมารี อองตัว เน็ต พระราชินีผู้ชื่นชอบแฟชั่น ได้นำสไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 มาสู่ราชสำนัก อย่างไรก็ตาม ไม่มีการพยายามนำรูปแบบพื้นฐานของเฟอร์นิเจอร์โรมันมาใช้จริงจนกระทั่งถึงช่วงเปลี่ยนผ่านเข้าสู่ศตวรรษที่ 19 และช่างทำเฟอร์นิเจอร์มักจะยืมมาจากสถาปัตยกรรมโบราณ เช่นเดียวกับช่างเงินที่มักจะนำมาจากเครื่องปั้นดินเผาและงานแกะสลักหินโบราณมากกว่างานโลหะ: "นักออกแบบและช่างฝีมือ...ดูเหมือนจะมีความสุขอย่างประหลาดในการถ่ายทอดลวดลายจากสื่อหนึ่งไปยังอีกสื่อหนึ่ง" ^{[ 60 ]}

ตั้งแต่ราวปี ค.ศ. 1800 การไหลเข้าของตัวอย่างสถาปัตยกรรมกรีกใหม่ๆ ที่เห็นได้จากสื่อภาพพิมพ์กัดกรดและภาพพิมพ์ ได้ให้แรงผลักดันใหม่แก่ลัทธินีโอคลาสสิก หรือการฟื้นฟูกรีกในขณะเดียวกันสไตล์เอ็มไพร์ก็เป็นกระแสที่ยิ่งใหญ่กว่าของลัทธินีโอคลาสสิกในด้านสถาปัตยกรรมและศิลปะการตกแต่ง โดยส่วนใหญ่มีพื้นฐานมาจากสไตล์จักรวรรดิโรมัน มีต้นกำเนิดและได้ชื่อมาจากการปกครองของนโปเลียนในจักรวรรดิฝรั่งเศสที่หนึ่ง ซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อยกย่องความเป็นผู้นำของนโปเลียนและรัฐฝรั่งเศส สไตล์นี้สอดคล้องกับ สไตล์บีเดอ ร์ไมเออร์ แบบชนชั้นกลาง ในดินแดนที่พูดภาษาเยอรมันสไตล์เฟเดอรัลในสหรัฐอเมริกา^{[ 59 ]}สไตล์รีเจนซีในบริเตน และสไตล์นโปเลียนในสวีเดน ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะฮิวจ์ ฮอนเนอร์กล่าวไว้ว่า "แทนที่จะเป็นจุดสูงสุดของขบวนการนีโอคลาสสิกอย่างที่บางครั้งเข้าใจกัน จักรวรรดิกลับแสดงให้เห็นถึงการเสื่อมถอยอย่างรวดเร็วและการเปลี่ยนแปลงกลับไปสู่การฟื้นฟูศิลปะโบราณธรรมดาๆ อีกครั้ง โดยปราศจากความคิดอันสูงส่งและพลังแห่งความเชื่อมั่นที่เคยเป็นแรงบันดาลใจให้กับผลงานชิ้นเอก" ^{[ 61 ]}ระยะก่อนหน้านี้ของรูปแบบนี้เรียกว่ารูปแบบอดัมในสหราชอาณาจักร

ลัทธินีโอคลาสสิกยังคงเป็นพลังสำคัญในศิลปะเชิงวิชาการตลอดศตวรรษที่ 19 และหลังจากนั้น—เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับลัทธิโรแมนติซิสม์หรือการฟื้นฟูศิลปะโกธิก อย่างต่อเนื่อง —ถึงแม้ว่าตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 เป็นต้นมา ลัทธินีโอคลาสสิกมักถูกมองว่าต่อต้านความทันสมัย ​​หรือแม้แต่เป็นปฏิกิริยาต่อต้านในแวดวงนักวิจารณ์ที่มีอิทธิพล ศูนย์กลางของเมืองต่างๆ ในยุโรปหลายแห่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมิวนิกมีลักษณะคล้ายพิพิธภัณฑ์สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิก

สถาปัตยกรรมแบบโกธิคฟื้นฟู (มักเชื่อมโยงกับขบวนการทางวัฒนธรรมโรแมนติก) ซึ่งเป็นรูปแบบที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 และได้รับความนิยมมากขึ้นตลอดศตวรรษที่ 19 นั้น แตกต่างจากสถาปัตยกรรมแบบนีโอคลาสสิก ในขณะที่สถาปัตยกรรมแบบนีโอคลาสสิกมีลักษณะเด่นคือรูปแบบที่ได้รับอิทธิพลจากกรีกและโรมัน เส้นสายเรขาคณิต และความเป็นระเบียบ สถาปัตยกรรมแบบโกธิคฟื้นฟูกลับเน้นอาคารที่มีลักษณะคล้ายยุคกลาง มักออกแบบให้มีลักษณะเรียบง่ายและ "โรแมนติก"

• 
  ศาลากลางของÉcole militaire , ปารีส, 1752, โดยAnge-Jacques Gabriel ^{[ 62 ]}
• 
  Panthéon , ปารีส, โดยJacques-Germain SoufflotและJean-Baptiste Rondelet , 1758–1790 ^{[ 63 ]}
• 
  Hôtel de la Marine , ปารีส โดย Ange-Jacques Gabriel, 1761-1770 ^{[ 64 ]}
• 
  ด้านหน้าของPetit Trianon , แวร์ซาย, ฝรั่งเศส, โดย Ange-Jacques Gabriel, 1764 ^{[ 65 ]}
• 
  บันไดของเปอตีต์ ตรีอานง โดยอองฌ์-ฌาคส์ กาเบรียล ปี 1764 ^{[ 65 ]}
• 
  ภายในพระราชวังเปอตีตรีอานง โดยอองฌ์-ฌาคส์ กาเบรียล ปี 1764 ^{[ 65 ]}
• 
  ตู้ลิ้นชักของมาดามดูบาร์รีโดยมาร์ติน คาร์ลิน (สันนิษฐานว่าเป็นผลงานของเขา) ปี 1772 ฐานทำจากไม้โอ๊คปิดผิวด้วยไม้ลูกแพร์ ไม้โรสวูด และ ไม้ อะมารันท์ พอร์เซเลนเซฟร์เนื้ออ่อนชุบทองสัมฤทธิ์ หินอ่อนสีขาว ขนาด 87 x 119 ซม. พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 66 ]}
• 
  Hôtel du Châteletปารีส สถาปนิกไม่ทราบชื่อ พ.ศ. 1776 ^{[ 67 ]}
• 
  บันไดของโรงละครใหญ่แห่งบอร์โดซ์ บอร์โดซ์ ฝรั่งเศส โดยวิกเตอร์ หลุยส์ 1777-1780 ^{[ 68 ]}
• 
  ตู้เข้ามุมแบบปารีส; โดยJean Henri Riesener ; 1780–1790; ไม้โอ๊ค ไม้มะฮอกกานี หินอ่อน และส่วนประกอบโลหะชุบทอง; 94.3 × 81.3 × 55.9 ซม.; สถาบันศิลปะแห่งชิคาโกสหรัฐอเมริกา^{[ 69 ]}
• 
  แจกันขนาดใหญ่; ปี 1783; ทำจากพอร์เซลินแข็งและทองสัมฤทธิ์ชุบทอง ; ความสูง: 2 เมตร, เส้นผ่านศูนย์กลาง: 0.90 เมตร; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์
• 
  ห้องชุดสีทองของมารี อองตัวเน็ตต์ณพระราชวังแวร์ซายส์แวร์ซายส์ ประเทศฝรั่งเศส ออกแบบโดยพี่น้องรูสโซ ปี 1783 ^{[ 70 ]}
• 
  โต๊ะทำงานแบบม้วนปิดของมารี-อองตัวเน็ตต์; โดยฌอง-อองรี รีเซเนอร์ ; ปี 1784; โครงไม้โอ๊คและไม้สน, ไม้มะกรูด , ไม้อะมารันธ์ และไม้โรสวูด, ชุบทองสัมฤทธิ์; 103.6 x 113.4 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 71 ]}
• 
  โต๊ะเขียนหนังสือของมารี อองตัวเน็ตต์; โดยAdam Weisweiler ; 1784; ไม้โอ๊ค ไม้มะฮอกกานี และไม้มะฮอกกานีเคลือบแล็กเกอร์ญี่ปุ่น เหล็ก บรอนซ์ชุบทอง; 73.7 x 81.2 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 71 ]}
• 
  เหยือกน้ำ; ปี ค.ศ. 1784–1785; วัสดุ: เงิน; ความสูง: 32.9 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  เก้าอี้พับ (แบบอ่อนตัว); ปี 1786; ทำจากไม้บีชแกะสลักและลงสี หุ้มด้วยผ้าไหมสีชมพู; ขนาด 46.4 × 68.6 × 51.4 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  แจกันคู่; ปี 1789; เครื่องลายครามเนื้อแข็ง สัมฤทธิ์ชุบทอง หินอ่อน; ความสูง (แต่ละใบ): 23 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  เก้าอี้เท้าแขน (fauteuil) จากห้อง Salon des Jeux ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 ที่แซงต์-คลูด ; ปี 1788; ทำจากไม้วอลนัทแกะสลักและปิดทอง ผ้าไหมปักดิ้นทอง (ไม่ใช่ของเดิม); ขนาดโดยรวม: 100 × 74.9 × 65.1 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

เป็นการบ่งบอกถึงการเปลี่ยนผ่านจากสไตล์โรโคโคไปสู่สไตล์คลาสสิก แตกต่างจากสไตล์คลาสสิกในสมัยพระเจ้าหลุยส์ที่ 14ซึ่งเปลี่ยนเครื่องประดับให้เป็นสัญลักษณ์ สไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 กลับแสดงเครื่องประดับเหล่านั้นอย่างสมจริงและเป็นธรรมชาติที่สุด เช่น กิ่งลอเรลก็คือกิ่งลอเรล ดอกกุหลาบก็เช่นกัน เป็นต้น หลักการตกแต่งที่สำคัญอย่างหนึ่งคือความสมมาตร ในการตกแต่งภายใน สีที่ใช้จะสดใสมาก เช่น สีขาว สีเทาอ่อน สีฟ้าสดใส สีชมพู สีเหลือง สีม่วงอ่อนมาก และสีทอง หลีกเลี่ยงการตกแต่งที่มากเกินไป^{[ 72 ]}การกลับไปสู่ยุคโบราณมีความหมายเหมือนกันกับ การกลับไปสู่เส้นตรงเป็นหลัก เส้นแนวตั้งและแนวนอนที่เข้มงวดเป็นสิ่งที่ใช้กันทั่วไป เส้นโค้งงอไม่เป็นที่ยอมรับอีกต่อไป ยกเว้นครึ่งวงกลมหรือวงรีเป็นครั้งคราว การตกแต่งภายในยังให้ความสำคัญกับความเข้มงวดนี้ ส่งผลให้พื้นผิวเรียบและมุมฉากกลับมาเป็นที่นิยมอีกครั้ง เครื่องประดับถูกนำมาใช้เพื่อลดความเข้มงวดนี้ แต่จะไม่รบกวนเส้นพื้นฐานและจัดวางอย่างสมมาตรรอบแกนกลางเสมอ ถึงกระนั้นช่างทำเฟอร์นิเจอร์มักจะเอียงมุมด้านหน้าเพื่อหลีกเลี่ยงความแข็งทื่อมากเกินไป^{[ 73 ]}

ลวดลายประดับตกแต่งในสไตล์หลุยส์ที่ 16 ได้รับแรงบันดาลใจจากยุคโบราณสไตล์หลุยส์ที่ 14 และธรรมชาติ องค์ประกอบที่เป็นเอกลักษณ์ของสไตล์นี้ ได้แก่ คบเพลิงที่ไขว้กับฝักที่มีลูกศร วงกลมซ้อนกัน ลวดลายกิโยเช่ ปมโบว์คู่ กระถางไฟที่กำลังมีควัน การซ้ำกันเป็นเส้นตรงของลวดลายขนาดเล็ก ( ดอกกุหลาบลูกปัดรูปไข่) เหรียญ ตราถ้วยรางวัลหรือดอกไม้ที่ห้อยลงมาจากริบบิ้นผูก ปม ใบอะแคนทัส ลวดลาย หยัก ลวดลาย สาน ลวดลายคดเคี้ยวเขาสัตว์แห่งความอุดมสมบูรณ์ หน้ากาก โถโบราณ ขาตั้งสามขา กระถางน้ำหอม โลมา หัวแกะและสิงโตคิเมราและกริฟฟิน ลวดลายสถาปัตยกรรมกรีก-โรมันยังถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลาย ได้แก่ร่อง , เสาประดับ (มีร่องและไม่มีร่อง), เสาฐานมีร่อง (บิดและตรง), เสา ( แบบมีผนังและไม่มีผนัง บางครั้งถูกแทนที่ด้วยรูปปั้นหญิงแบกเสา ), คานยื่นรูปม้วน , สามเหลี่ยมประดับด้วยลูกปัด (ทั้งแบบนูนและแบบภาพลวงตา ) ^{[ 74 ]}

• 
  แผงภาพที่มีรูปสัตว์ประหลาดในโรงแรมกูติแยร์ กรุงปารีส สถาปนิกไม่ทราบชื่อ สร้างขึ้นเมื่อใดไม่ทราบแน่ชัด
• 
  เลขที่ 46 ถนนจาคอบ ปารีส สถาปนิกไม่ทราบชื่อ ปีที่สร้างไม่ทราบแน่ชัด
• 
  นาฬิกาดาราศาสตร์ โดยฟิลิปป์-ฌาคส์ คอร์นีเกต์ ; ค.พ.ศ. 2337; ใบหน้าสีบรอนซ์ทองและเคลือบฟัน มิติที่ไม่รู้จักMusée des Arts décoratifs ปารีส^{[ 75 ]}
• 
  พัด; โดยชาร์ลส์ แปร์ซิเยร์ , ปิแอร์-ฟรองซัวส์-เลโอนาร์ด ฟงแตนและอองตวน เดนิส โชเดต์ ; ประมาณปี 1797-1799; กระดาษ ไม้ และกระดูก; 23.5 x 43.8 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน (นครนิวยอร์ก)
• 
  เก้าอี้เท้าแขนของห้องนั่งเล่นของJuliette Récamier ; สันนิษฐานว่าเป็นผลงานของJacob Frères ; ประมาณปี 1798; ทำจากไม้หลายชนิด; ขนาด 84.5 x 62.2 x 62 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์^{[ 76 ]}

• 
  กาน้ำกาแฟ; ค.ศ. 1797–1809; ทำจากเงินชุบทอง; ความสูง: 33.3 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน , นครนิวยอร์ก
• 
  ห้องนอนของ จักรพรรดินีโฌเซฟีนในChâteau de Malmaison , Rueil-Malmaison, ฝรั่งเศส โดยCharles PercierและPierre-François-Léonard Fontaine , 1800-1802 ^{[ 77 ]}
• 
  อ่างล้างหน้า (athénienne หรือ lavabo); ค.ศ. 1800–1814; ขา ฐาน และชั้นวางทำจากไม้สนชนิดหนึ่ง ตกแต่งด้วยทองสัมฤทธิ์ปิดทองมีแผ่นเหล็กอยู่ใต้ชั้นวาง; ความสูง: 92.4 ซม. ความกว้าง: 49.5 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  ระเบียงของพระราชวังบูร์บงปารีส โดยเบอร์นาร์ด ปัวเยต์ 1806-1808 ^{[ 78 ]}
• 
  La Madeleine, ปารีส , โดยPierre-Alexandre Vignon , 1807-1842 ^{[ 78 ]}
• 
  แจกัน; ปี ค.ศ. 1809; ทำจากพอร์เซลินเนื้อแข็งและหูจับทำจากทองสัมฤทธิ์ชุบทอง; ความสูง: 74.9 ซม., เส้นผ่านศูนย์กลาง: 35.6 ซม.; พิพิธภัณฑ์Wadsworth Atheneum , ฮาร์ตฟอร์ด, คอนเนตทิคัต, สหรัฐอเมริกา^{[ 79 ]}
• 
  ตู้เก็บเหรียญสไตล์อียิปต์โบราณ ผลงานของFrançois-Honoré-Georges Jacob-Desmalter ; 1809–1819; ทำจาก ไม้มะฮอกานี (น่าจะเป็นSwietenia mahagoni ) ตกแต่งด้วยเงินฝังลาย; ขนาด 90.2 x 50.2 x 37.5 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  นาฬิกาตั้งโต๊ะรูปดาวอังคารและดาวศุกร์ ; ประมาณปี 1810 ; ทำจากทองสัมฤทธิ์ชุบทองและลงยา; ความสูง: 90 ซม.; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์
• 
  เปลของกษัตริย์แห่งโรม; โดยPierre-Paul Prud'hon , Henri Victor Roguier , Jean-Baptiste-Claude OdiotและPierre-Philippe Thomire ; 1811; ไม้, เงินชุบทอง, มุก , แผ่นทองแดงหุ้มด้วยกำมะหยี่, ผ้าไหมและผ้าโปร่ง, ตกแต่งด้วยด้ายเงินและทอง; ความสูง: 216 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะประวัติศาสตร์เวียนนา, ออสเตรีย^{[ 80 ]}
• 
  พรม; ค.ศ. 1814–1830; ขนาด 309.9 × 246.4 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

ลัทธินีโอคลาสสิกเป็นตัวแทนของสังคมฝรั่งเศสใหม่หลังการปฏิวัติ ซึ่ง กำหนดทิศทางในทุกด้านของชีวิต รวมถึงศิลปะเครื่องจักรเย็บผ้าจาการ์ดถูกประดิษฐ์ขึ้นในยุคนี้ (ซึ่งปฏิวัติระบบการเย็บผ้าทั้งหมด จากเดิมที่ใช้แรงงานคน) สีที่โดดเด่นอย่างหนึ่งคือสีแดง ประดับด้วยทองสัมฤทธิ์ชุบทองนอกจากนี้ยังใช้สีสดใสอื่นๆ เช่น สีขาว สีครีม สีม่วง สีน้ำตาล สีน้ำเงิน สีแดงเข้ม พร้อมเครื่องประดับทองสัมฤทธิ์เล็กๆ สถาปัตยกรรมภายในประกอบด้วยแผ่นไม้ประดับด้วยลวดลาย ทอง (บนพื้นหลังสีขาวหรือสีต่างๆ) ลวดลายต่างๆ ถูกจัดวางอย่างเป็นเรขาคณิต ผนังถูกฉาบปูนและติดวอลเปเปอร์ หิ้งเตาผิงทำจากหินอ่อนสีขาว มีรูปปั้นหญิงแบกเสาอยู่ที่มุม หรือองค์ประกอบอื่นๆ เช่นเสาโอเบลิสก์ สฟิงซ์ สิงโตมีปีก เป็นต้น มีการวางวัตถุทองสัมฤทธิ์ไว้ด้านบน รวมถึงนาฬิกาตั้งโต๊ะประตูประกอบด้วยแผ่นสี่เหลี่ยมผืนผ้าเรียบง่าย ประดับด้วยรูปปั้นตรงกลางที่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะปอมเปอี ผ้าเอ็มไพร์ ได้แก่ ผ้าดามัสก์ที่มีพื้นหลังสีน้ำเงินหรือสีน้ำตาล ผ้าซาตินที่มีพื้นหลังสีเขียว สีชมพู หรือสีม่วง ผ้ากำมะหยี่สีเดียวกัน เข็มกลัดที่ประดับด้วยทองหรือเงิน และผ้าฝ้าย ทั้งหมดนี้ใช้ในการตกแต่งภายในสำหรับทำผ้าม่าน สำหรับหุ้มเฟอร์นิเจอร์บางชนิด สำหรับทำหมอนอิงหรือเบาะ (หนังก็ใช้สำหรับทำเบาะเช่นกัน) ^{[ 81 ]}

เครื่องประดับสไตล์เอ็มไพร์ทั้งหมดอยู่ภายใต้หลักการสมมาตรที่เข้มงวด ซึ่งชวนให้นึกถึงรูปแบบของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14โดยทั่วไปแล้ว ลวดลายบนด้านซ้ายและด้านขวาของชิ้นงานจะสอดคล้องกันในทุกรายละเอียด หากไม่สอดคล้องกัน ลวดลายแต่ละชิ้นก็จะต้องมีความสมมาตร โดยสมบูรณ์ เช่น หัวโบราณที่มีผมเหมือนกันตกลงมาบนไหล่ทั้งสองข้าง รูปปั้นเทพีแห่งชัยชนะที่สวมเสื้อคลุมอย่างสมมาตร ดอกกุหลาบหรือหงส์ที่เหมือนกันขนาบข้างแผ่นล็อค เป็นต้น เช่นเดียวกับพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นโปเลียนก็มีตราสัญลักษณ์ที่บ่งบอกถึงการปกครองของเขาอย่างชัดเจน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง นกอินทรี ผึ้ง ดาว และอักษรย่อI (สำหรับImperator ) และN (สำหรับNapoleon ) ซึ่งมักจะจารึกอยู่ภายในมงกุฎลอเรลของจักรพรรดิ ลวดลายที่ใช้ ได้แก่ รูปปั้นเทพีแห่งชัยชนะถือใบปาล์ม นักเต้นชาวกรีก สตรีเปลือยและสวมผ้าคลุม รูปปั้นรถม้าโบราณ เทวดาตัวเล็กมีปีกหน้ากากของอพอลโลเฮอร์มีสและ กอ ร์กอน หงส์ สิงโต หัววัว ม้า และสัตว์ป่า ผีเสื้อ กรงเล็บ คิเม รา มีปีก สฟิงซ์ กะโหลกหมู ม้าน้ำ พวงมาลัยโอ๊กที่ผูกด้วยริบบิ้นเส้นเล็ก เถาองุ่นเลื้อย พวงดอกป๊อปปี้ ดอกกุหลาบกิ่งปาล์มและลอเรล นอกจากนี้ยังมีลวดลายแบบกรีก-โรมันจำนวนมาก เช่นใบอะแคนทัส ที่แข็งและแบน ใบปาล์ม รูป ทรงเขาสัตว์ แห่งความอุดม สมบูรณ์ ลูกปัด แอ มโฟราขาตั้งสามขา แผ่นดิสก์ซ้อนกันคทาของเมอร์คิวรีแจกัน หมวกกันน็อก คบเพลิงที่กำลังลุกไหม้ นักเป่าแตรมีปีก และเครื่องดนตรีโบราณ (ทูบา ลูกกระดิ่ง และโดยเฉพาะอย่างยิ่งพิณ ) แม้ว่าจะมีต้นกำเนิดมาจากสมัยโบราณ แต่ลวดลายร่องและสามเหลี่ยมที่แพร่หลายในสมัยพระเจ้าหลุยส์ที่ 16 ก็ถูกละทิ้งไป ลวดลายแบบ อียิปต์โบราณพบเห็นได้ทั่วไปในช่วงต้นยุคนี้ เช่นแมลงปีกแข็งหัวเสารูปดอกบัว แผ่นดิสก์มีปีก เสาโอเบลิสก์พีระมิดรูปปั้นที่สวมเนเมส คา ร์ยาทิดเอน กานี ที่ยืนด้วยเท้าเปล่าและสวมเครื่องประดับศีรษะแบบอียิปต์ของผู้หญิง^{[ 82 ]}

• 
  ประตูบรันเดนบูร์กในกรุงเบอร์ลิน (ค.ศ. 1788–1791) โดยCarl Gotthard Langhans
• 
  พีระมิด (1823–1825) และโบสถ์ประจำเมือง (1807–1816) ในคาร์ลสรูเออโดยฟรีดริช ไวน์เบรนเนอร์
• 
  Konzerthaus Berlinในเบอร์ลิน (1818–1821) โดยKarl Friedrich Schinkel
• 
  พิพิธภัณฑ์ Altesในกรุงเบอร์ลิน (1825–1830) โดย Karl Friedrich Schinkel
• 
  Glyptothekในมิวนิก (1816–1830) โดยLeo von Klenze
• 
  วัลฮัลลา (1830–1842) โดย ลีโอ ฟอน เคลนซ์
• 
  โพรพิเลีย (มิวนิก) (ค.ศ. 1854–1862) โดย เลโอ ฟอน เคลนเซ
• 
  Alte Nationalgalerieในกรุงเบอร์ลิน (พ.ศ. 2405-2419) โดยฟรีดริช ออกัสต์ ชตูเลอร์และไฮน์ริช สตรัค

สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกแพร่หลายในฐานะสัญลักษณ์ของความมั่งคั่งและอำนาจในเยอรมนี โดยส่วนใหญ่ในดินแดนที่ในขณะนั้นคือปรัสเซียคาร์ล ฟรีดริช ชิงเคิลสร้างอาคารสำคัญหลายแห่งในสไตล์นี้ รวมถึงพิพิธภัณฑ์อัลเตสในเบอร์ลิน แม้ว่าเมืองจะยังคงถูกครอบงำด้วยการวางผังเมืองแบบบาโรก แต่สถาปัตยกรรมและรูปแบบการใช้งานของเขาได้มอบศูนย์กลางเมืองแบบนีโอคลาสสิกที่โดดเด่นให้กับเมือง

สถาบันสถาปัตยกรรมของเขาได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ เนื่องจากด้านหน้าอาคาร ที่ดูเรียบง่ายและล้ำสมัยกว่าที่อื่น ๆ

• 
  Palazzo Grassiบนคลองแกรนด์ในเวนิสโดยGiorgio Massari , 1748–1772
• 
  โรงละครโอเปร่าLa Scala ใน เมืองมิลานโดยGiuseppe Piermariniสร้างเสร็จในปี 1778
• 
  Palazzo Belgioioso , มิลาน, โดยGiuseppe Piermarini , 1781
• 
  วิลลา เบลโจโจโซ โบนาปาร์เต , มิลาน, โดยเลโอปอลโด พอลแล็ค , ค.ศ. 1790–1796
• 
  Piazza del Plebiscito , เนเปิลส์, สถาปนิกนิรนาม, 1809–1846
• 
  Piazza del Popolo (โรม) ออกแบบใหม่ระหว่างปี 1811 ถึง 1822 โดยGiuseppe Valadier
• 
  การเลี้ยงดูทารกบัคคัส โดยนิคโคโล อมาสตินีครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 หินโอนิกซ์กรอบทอง ขนาดโดยรวม (รวมกรอบ): 6.5 x 4.8 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนนครนิวยอร์ก

ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 จนถึงศตวรรษที่ 19 อิตาลีเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและเศรษฐกิจมากมาย การรุกรานจากต่างชาติหลายครั้ง และการรวมชาติอิตาลีอันวุ่นวาย ซึ่งนำไปสู่การรวมชาติในปี 1861 ดังนั้น ศิลปะอิตาลีจึงมีการเปลี่ยนแปลงทั้งเล็กน้อยและสำคัญในด้านรูปแบบหลายครั้ง

ลัทธิคลาสสิกใหม่ของอิตาลีเป็นรูปแบบแรกสุดของยุคที่เรียกว่าลัทธิคลาสสิกใหม่ และคงอยู่ยาวนานกว่าลัทธิคลาสสิกใหม่ในรูปแบบอื่นๆ มันพัฒนาขึ้นเพื่อต่อต้านสไตล์บาโรกราวๆปี ค.ศ. 1750และคงอยู่จนถึง ราวๆ ปี ค.ศ. 1850ลัทธิคลาสสิกใหม่เริ่มต้นขึ้นในช่วงเวลาของการค้นพบเมืองปอมเปอีอีกครั้ง และแพร่กระจายไปทั่วยุโรปเมื่อกลุ่มนักศึกษาศิลปะรุ่นหนึ่งเดินทางกลับประเทศของตนจากการท่องเที่ยวครั้งใหญ่ในอิตาลีพร้อมกับอุดมคติแบบกรีก-โรมันที่ค้นพบใหม่ ในตอนแรกศูนย์กลางของลัทธิคลาสสิกใหม่อยู่ที่กรุงโรม ซึ่งศิลปินอย่างอันโตนิโอ คานโนวาและฌาคส์-หลุยส์ ดาวิด มีบทบาทสำคัญในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ก่อนที่จะย้ายไปปารีส จิตรกรที่วาดภาพทิวทัศน์เช่นคานาเลตโตและโจวันนี เปาโล ปานินีก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในช่วงการท่องเที่ยวครั้งใหญ่เช่นกัน สถาปัตยกรรมแบบคลาสสิกใหม่ได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานยุคเรเนสซองส์ของอันเดรีย ปัลลาดิโอและลุยจิ วานวิเตลลีเป็นผู้ตีความสไตล์นี้ที่สำคัญที่สุด

วรรณกรรมคลาสสิกมีอิทธิพลอย่างมากต่อขบวนการรวมชาติอิตาลี (Risorgimento): บุคคลสำคัญในยุคนั้น ได้แก่วิตตอริโอ อัลฟิเอรี , จูเซปเป ปารินี , วินเชนโซ มอนติและอูโก ฟอสโคโล , จาโคโม เลโอปาร์ ดี และอเลสซานโดร มันโซนี (หลานชายของเซซาเร เบคคาเรีย ) ซึ่งได้รับอิทธิพลจากยุคเรืองปัญญาของฝรั่งเศสและยุคโรแมนติกของเยอรมันด้วย นักไวโอลินผู้มีชื่อเสียงอย่างปาแกนินีและโอเปราของรอสซินี , ดอนนิเซตติ , เบลลินีและต่อมาคือเวอร์ดีครองวงการดนตรีคลาสสิกและโรแมนติกของอิตาลี

งานศิลปะของฟรานเชสโก ฮาเยซและโดยเฉพาะอย่างยิ่งของกลุ่มมัคคิอาโยลีแสดงถึงการแตกหักจากสำนักศิลปะคลาสสิก ซึ่งสิ้นสุดลงเมื่ออิตาลีรวมชาติ (ดู ศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัยของอิตาลี) ลัทธินีโอคลาสสิกเป็นรูปแบบศิลปะที่กำเนิดในอิตาลีรูปแบบสุดท้าย ต่อจากยุคเรเนสซองส์และบาโรก ที่แพร่กระจายไปยังศิลปะตะวันตกทั้งหมด

• 
  โบสถ์ทรงกลมเซนต์เดเมตริอุส เลต ชานี สถาปนิกไม่ทราบชื่อ ปี ค.ศ. 1795 ^{[ 83 ]}
• 
  พระราชวัง Știrbei (Calea Victoriei หมายเลข 107) บูคาเรสต์ ออกแบบโดยMichel Sanjouandประมาณปี 1835 โดยมีการเพิ่มชั้นใหม่ที่มีรูปปั้นคาร์ยาติดในปี 1882 โดยJoseph Hartmann ^{[ 84 ]}
• 
  อาคารเก่าของมหาวิทยาลัยบูคาเรสต์ออกแบบโดยAlexandru Orăscuและตกแต่งด้วยประติมากรรมโดยKarl Storckสร้างขึ้นระหว่างปี 1857–1864 ถูกทิ้งระเบิดในเดือนเมษายนหรือพฤษภาคม 1944 ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 และถูกทำลายบางส่วน ต่อมาได้รับการบูรณะบางส่วนในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ^{[ 85 ]}
• 
  Romanian AthenaeumบนCalea Victoriei , บูคาเรสต์, โดย Albert Galleron, 1886–1895 ^{[ 86 ]}
• 
  ส่วนบนของเตาผิงปูกระเบื้องในบ้านพักครูใหญ่ของโรงเรียนสตรีกลางบูคาเรสต์ ออกแบบโดยผู้ออกแบบนิรนาม ปี ค.ศ. 1890

ในช่วงศตวรรษที่ 19 รูปแบบสถาปัตยกรรมที่โดดเด่นในวาลลาเคียและมอลดาเวียซึ่งต่อมาคือราชอาณาจักรโรมาเนียคือสถาปัตยกรรมคลาสสิกซึ่งคงอยู่ยาวนานจนถึงศตวรรษที่ 20 แม้ว่าจะมีการอยู่ร่วมกับรูปแบบอื่นๆ ในช่วงเวลาสั้นๆ ก็ตาม สถาปนิกและวิศวกรชาวต่างชาติถูกเชิญมาที่นี่ตั้งแต่ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 สถาปนิกส่วนใหญ่ที่สร้างอาคารในช่วงต้นศตวรรษเป็นชาวต่างชาติ เนื่องจากชาวโรมาเนียยังขาดการฝึกอบรมที่จำเป็นสำหรับการออกแบบอาคารซึ่งแตกต่างจากประเพณีของโรมาเนียมาก โดยปกติแล้ว พวกเขาจะเริ่มสร้างอาคารโดยใช้สถาปัตยกรรมคลาสสิก ร่วมกับช่างฝีมือชาวโรมาเนีย ซึ่งมักได้รับการฝึกฝนจากโรงเรียนหรือสถาบันในต่างประเทศ สถาปนิกชาวโรมาเนียบางคนก็ศึกษาในโรงเรียนในยุโรปตะวันตกเช่นกัน ตัวอย่างเช่นอเล็กซานดรู โอราสคูหนึ่งในตัวแทนของสถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกในโรมาเนีย

ลัทธิคลาสสิกปรากฏให้เห็นทั้งในสถาปัตยกรรมทางศาสนาและทางโลก ตัวอย่างที่ดีของสถาปัตยกรรมทางโลกคือพระราชวัง Știrbei บนถนนCalea Victoriei ( บูคาเรสต์ ) ซึ่งสร้างขึ้นราวปี 1835 ตามแผนของสถาปนิกชาวฝรั่งเศสMichel Sanjouandพระราชวังแห่งนี้ได้รับการต่อเติมชั้นใหม่ในปี 1882 โดยสถาปนิกชาวออสเตรียJoseph Hartmann ^{[ 87 ] [ 88 ]}

• 
  อาคารห้องสมุดเก่า เมืองเคอร์ซอน
• 
  พัก "พรีมา", Kropyvnytskyi
• 
  ถนน Teatral'na (เดิมคือ Dvortsova) Kropyvnytskyi

ในบางเมืองของยูเครน มรดกทางสถาปัตยกรรมอันล้ำค่าจากยุคจักรวรรดิรัสเซียและออสเตรีย-ฮังการีได้รับการอนุรักษ์ไว้ ซึ่งสะท้อนให้เห็นว่าดินแดนของชาวยูเครนส่วนใหญ่ในประวัติศาสตร์อยู่ภายใต้การควบคุมของรัฐอื่น ตัวอย่างที่ชัดเจนคือถนน Teatralna ในเมืองKropyvnytskyiซึ่งอาคารทั้งหมดสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบนีโอคลาสสิกโดยสถาปนิกชาวยุโรปที่ได้รับเชิญ^{[ 89 ] [ 90 ]}

• 
  พระราชวัง Ostankinoกรุงมอสโก ประเทศรัสเซีย โดยFrancesco Camporesiสร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2341
• 
  ที่ดินอาร์คังเกลสโกเย เขตคราสโนกอร์สกี แคว้นมอสโก โดยจาคอบ เกอร์เนวันที่ไม่ระบุ

ในช่วงปี 1905–1914 สถาปัตยกรรมรัสเซียได้ผ่านช่วงเวลาการฟื้นฟูแบบนีโอคลาสสิก ที่สั้นแต่ทรงอิทธิพล แนวโน้มเริ่มต้นด้วยการสร้างรูปแบบจักรวรรดิใน ยุคอเล็ก ซานเดรียขึ้นมาใหม่ และขยายออกไปอย่างรวดเร็วเป็นรูปแบบนีโอเรเนสซองส์พัลลาเดียนและแบบคลาสสิกที่ทันสมัยหลากหลายรูปแบบ ซึ่งนำโดยสถาปนิกที่เกิดในช่วงทศวรรษ 1870 ซึ่งประสบความสำเร็จสูงสุดในการสร้างสรรค์ก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1 เช่นอีวาน โฟมินวลาดิมีร์ ชชูโกและอีวาน โชลตอฟสกี เมื่อเศรษฐกิจฟื้นตัวในช่วงทศวรรษ 1920 สถาปนิกเหล่านี้และผู้ติดตามของพวกเขายังคงทำงานใน สภาพแวดล้อม แบบโมเดิร์น เป็นหลัก บางคน (โชลตอฟสกี) ปฏิบัติตามหลักการคลาสสิกอย่างเคร่งครัด ในขณะที่คนอื่นๆ (โฟมิน ชชูโกอิลยา โกโลซอฟ ) พัฒนารูปแบบที่ทันสมัยของตนเอง^{[ 91 ]}

ด้วยการปราบปรามความเป็นอิสระของสถาปนิกและการปฏิเสธลัทธิสมัยใหม่ของทางการ (ปี 1932) ซึ่งแสดงให้เห็นได้จากการประกวดระดับนานาชาติสำหรับพระราชวังโซเวียต ลัทธิ นีโอคลาสสิกจึงได้รับการส่งเสริมในทันทีให้เป็นหนึ่งในทางเลือกของสถาปัตยกรรมในยุคสตาลินแม้จะไม่ใช่ทางเลือกเดียวก็ตาม มันอยู่ร่วมกับสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ระดับปานกลางของบอริส ไอโอฟานซึ่งใกล้เคียงกับศิลปะอาร์ตเดโค ในยุคเดียวกัน (ชูโก) อีกครั้ง ตัวอย่างที่บริสุทธิ์ที่สุดของสไตล์นี้ผลิตโดยสำนักของโชลทอฟสกี ซึ่งยังคงเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเดี่ยว การแทรกแซงทางการเมืองเป็นหายนะสำหรับ ผู้นำ ลัทธิคอนสตรัคติวิสต์แต่ได้รับการต้อนรับอย่างจริงใจจากสถาปนิกของสำนักคลาสสิก

สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกเป็นทางเลือกที่ง่ายสำหรับสหภาพโซเวียตเนื่องจากไม่จำเป็นต้องพึ่งพาเทคโนโลยีการก่อสร้างสมัยใหม่ ( โครงเหล็กหรือคอนกรีตเสริมเหล็ก ) และสามารถสร้างซ้ำได้ด้วยการก่ออิฐ แบบดั้งเดิม ดังนั้นแบบแผนของ Zholtovsky, Fomin และปรมาจารย์เก่าคนอื่นๆ จึงสามารถจำลองได้ง่ายในเมืองห่างไกลภายใต้การปันส่วน วัสดุอย่างเข้มงวด การพัฒนาเทคโนโลยีการก่อสร้างหลังสงครามโลกครั้งที่สองทำให้สถาปนิกในยุคสตาลินกล้าที่จะสร้างตึกระฟ้า แม้ว่าในแง่ของรูปแบบแล้ว ตึกระฟ้าเหล่านี้ (รวมถึงสถาปัตยกรรม "ส่งออก" ของพระราชวังวัฒนธรรมและวิทยาศาสตร์วอร์ซอ และ ศูนย์การประชุมนานาชาติ เซี่ยงไฮ้ ) จะมีความคล้ายคลึงกับแบบจำลองคลาสสิกเพียงเล็กน้อยก็ตาม สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกและนีโอเรเนสซองส์ยังคงใช้ในโครงการที่อยู่อาศัยและสำนักงานที่ไม่ซับซ้อนมากนักจนถึงปี 1955 เมื่อนิกิตา ครุสชอฟยุติสถาปัตยกรรมสตาลินที่มีราคาแพง

• 
  Kedleston Hall , Kedleston, Derbyshire, อังกฤษ โดยRobert Adam , 1760–1770 ^{[ 92 ]}
• 
  ห้องรับประทานอาหาร, Osterley Park , ลอนดอน, ออกแบบโดย Robert Adam, 1761 ^{[ 93 ]}
• 
  บ้านไซออนมิดเดิลเซ็กซ์ ประเทศอังกฤษ ออกแบบโดยโรเบิร์ต อดัม ค.ศ. 1762 ^{[ 92 ]}
• 
  ห้องโถง, ออสเทอร์ลีย์พาร์ค, โดยโรเบิร์ต อดัม, 1767 ^{[ 94 ]}
• 
  พรม; โดย โรเบิร์ต อดัม; ค.ศ. 1770–1780; ทำจากขนแกะถักทอ; ขนาด 505.5 x 473.1 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นครนิวยอร์ก
• 
  การยกย่องเวอร์จิล ; โดยจอห์น แฟลกซ์แมน ; ประมาณปี 1776; เครื่องปั้นดินเผาแจสเปอร์แวร์; เส้นผ่านศูนย์กลาง: 41 ซม.; พิพิธภัณฑ์แฮร์ริส , เพรสตัน, แลงคาเชอร์, สหราชอาณาจักร^{[ 95 ]}
• 
  ซัมเมอร์เซ็ตเฮาส์ลอนดอน ออกแบบโดยวิลเลียม แชมเบอร์ส 1776-1801 ^{[ 96 ]}
• 
  โกศบนฐานตั้ง; ประมาณปี 1780 พร้อมส่วนเพิ่มเติมในภายหลัง; โดย โรเบิร์ต อดัม; ทำจากไม้มะฮอกกานีฝังลาย; ความสูง: 49.8 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  โต๊ะข้างเตียงประดับด้วย ใบ อะแคนทัส จำนวนมาก และต้นบูคราเนีย สองต้น ผลงานของโรเบิร์ต อดัมประมาณปี 1780 (มีการต่อเติมในภายหลัง) ทำจากไม้มะฮอกกานี ขนาดโดยรวม: 88.6 × 141.3 × 57.1 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน
• 
  แจกันเวดจ์วูดมีฝาปิดประมาณปี ค.ศ. 1800 เครื่องปั้นดินเผาแจสเปอร์พร้อมลวดลายแบบนูนต่ำ ขนาดโดยรวม: 19.7 ซม. พิพิธภัณฑ์ศิลปะคลีฟแลนด์คลีฟแลนด์ โอไฮโอ สหรัฐอเมริกา^{[ 97 ]}

รูปแบบการตกแต่งแบบอดัม (Adam style) สร้างสรรค์โดยสองพี่น้องอดัมและเจมส์ผู้ซึ่งตีพิมพ์หนังสือภาพพิมพ์แกะสลักพร้อมลวดลายตกแต่งภายในในปี 1777 ในการตกแต่งภายในที่ทำตามแบบร่างของโรเบิร์ต อดัม ผนัง เพดาน ประตู และพื้นผิวอื่นๆ จะถูกแบ่งออกเป็นแผงขนาดใหญ่ เช่น สี่เหลี่ยมผืนผ้า วงกลม สี่เหลี่ยมจัตุรัส โดยมีปูนปั้นและลวดลายแบบกรีก-โรมันประดับอยู่ตามขอบ ลวดลายที่ใช้ ได้แก่พวงมาลัยไข่มุกแถบรูปไข่และลูกศร เหรียญและลวดลายอื่นๆ ที่ใช้ในสมัยโบราณคลาสสิก (โดยเฉพาะ ลวดลายของ ชาวเอตรัสกัน ) ของตกแต่งต่างๆ เช่น แจกันหินรูปทรงโกศ เครื่องเงินปิดทอง โคมไฟ และรูปปั้น ล้วนได้รับแรงบันดาลใจจากสมัยโบราณคลาสสิก รูปแบบการตกแต่งแบบอดัมเน้นกระจกสี่เหลี่ยมผืนผ้าที่ประณีต มีกรอบเหมือนภาพวาด (ในกรอบที่มีลวดลายใบไม้) หรือมีหน้าจั่วอยู่ด้านบน รองรับโกศหรือเหรียญ กระจก Adam อีกแบบหนึ่งมีรูปทรงคล้ายหน้าต่างเวนิสโดยมีกระจกบานใหญ่ตรงกลางอยู่ระหว่างกระจกอีกสองบานที่บางกว่าและยาวกว่า กระจกอีกประเภทหนึ่งคือกระจกรูปไข่ ซึ่งมักตกแต่งด้วยพวงมาลัย เฟอร์นิเจอร์ในสไตล์นี้มีโครงสร้างคล้ายกับเฟอร์นิเจอร์สมัยหลุยส์ที่ 16 ^{[ 98 ]}

นอกจากรูปแบบศิลปะแบบอดัมแล้ว ในด้านศิลปะการตกแต่ง อังกฤษยังเป็นที่รู้จักจากผู้ผลิตเครื่องปั้นดินเผาชื่อดังอย่างโจไซอาห์ เวดจ์วูด (ค.ศ. 1730–1795) ผู้ก่อตั้งโรงงานเครื่องปั้นดินเผาชื่อ เอทรูเรีย เครื่องปั้นดินเผาเวดจ์วูดทำจากวัสดุที่เรียกว่าแจสเปอร์แวร์ ซึ่งเป็น หินแกรнитชนิดหนึ่งที่มีความแข็งและเนื้อละเอียดแจกันเวดจ์วูดมักตกแต่งด้วยลวดลายแบบนูนต่ำสองสี โดยส่วนใหญ่รูปทรงจะเป็นสีขาวและพื้นหลังเป็นสีน้ำเงิน

• 
  โต๊ะเขียนหนังสือไม้เมเปิล; ประมาณปี 1790 ; ทำจากไม้เมเปิลและทองเหลือง; ความสูง: 242.57 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิสเคาน์ตี้ , สหรัฐอเมริกา
• 
  เชิงเทียน; ค.ศ. 1790–1800; ทำจากไม้มะฮอกกานี ไม้เบิร์ช และวัสดุฝังลายต่างๆ; ขนาด 107 x 49.21 x 48.9 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิสเคาน์ตี้
• 
  โต๊ะเขียนหนังสือ; ค.ศ. 1790–1810; ทำจากไม้ซาตินวูด ไม้มะฮอกกานี ไม้ทิวลิปป็อปลาร์ และไม้สน; ขนาด 153.67 x 90.17 x 51.44 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิสเคาน์ตี้
• 
  ทำเนียบขาววอชิงตัน ดี.ซี. โดยเจมส์ โฮบัน , 1792-1829 ^{[ 99 ]}
• 
  อาคารรัฐสภาวอชิงตัน ดี.ซี. 1793–1863 โดยวิลเลียม ธอร์นตันและโทมัส ยูสติก วอลเตอร์^{[ 99 ]}
• 
  เก้าอี้เท้าแขน; อาจเป็นผลงานของเอฟราอิม เฮนส์ ; ปี 1805–1815; ทำจากไม้มะฮอกกานีและหวาย; ความสูง: 84.77 ซม., ความกว้าง: 52.07 ซม.; พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิสเคาน์ตี้
• 
  โต๊ะเล่นไพ่ฐานสี่เสา ประดับหัวโต๊ะรูปสับปะรด; ปี ค.ศ. 1815–1820; ทำจากไม้มะฮอกกานี ไม้ทิวลิปป็อปลาร์ และไม้สน; ขนาด 74.93 x 92.71 x 46.67 เซนติเมตร; พิพิธภัณฑ์ศิลปะลอสแอนเจลิสเคาน์ตี้
• 
  อาคารทรงกลม (มหาวิทยาลัยเวอร์จิเนีย)ชาร์ลอตต์สวิลล์ รัฐเวอร์จิเนีย ออกแบบโดยโทมัส เจฟเฟอร์สันค.ศ. 1822-1826 ^{[ 100 ]}
• 
  อาคารรัฐสภาแห่งรัฐเซาท์แคโรไลนาเมืองโคลัมเบีย รัฐเซาท์แคโรไลนา โดยจอห์น รูดอล์ฟ เนียร์นซีปี 1855
• 
  บ้านเบรวาร์ด-ไรซ์ ย่านสวน นิวออร์ลีนส์โดยเจมส์ แคลโรว์ปี ค.ศ. 1857 ^{[ 101 ]}

ในทวีปอเมริกาสถาปัตยกรรมและการตกแต่งภายในได้รับอิทธิพลอย่างมากจากรูปแบบที่พัฒนาขึ้นในยุโรป รสนิยมแบบฝรั่งเศสปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในรัฐทางตอนใต้ (หลังการปฏิวัติฝรั่งเศสมีผู้อพยพบางส่วนย้ายมาอยู่ที่นี่ และในแคนาดา ประชากรส่วนใหญ่มีเชื้อสายฝรั่งเศส) จิตวิญญาณแห่งความเป็นจริงและสถานการณ์ทางวัตถุของชาวอเมริกันในเวลานั้น ทำให้การตกแต่งภายในมีบรรยากาศที่เป็นเอกลักษณ์ เฟอร์นิเจอร์ พรม เครื่องใช้บนโต๊ะอาหาร เครื่องเซรามิก และเครื่องเงินของอเมริกาทั้งหมด ล้วนได้รับอิทธิพลจากยุโรป และบางครั้งก็ได้รับอิทธิพลจากอิสลามตุรกีหรือเอเชียโดยผลิตขึ้นให้สอดคล้องกับมาตรฐาน รสนิยม และความต้องการใช้งานของชาวอเมริกัน ในสหรัฐอเมริกาเคยมีช่วงเวลาของสไตล์ควีนแอนน์และ สไตล์ ชิปเพนเดลสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง คือ สไตล์เฟเดอรัล ได้พัฒนาขึ้นอย่างสมบูรณ์ในศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งเฟื่องฟูโดยได้รับอิทธิพลจากรสนิยมแบบอังกฤษ ภายใต้แรงผลักดันของนีโอคลาสสิก สถาปัตยกรรม การตกแต่งภายใน และเฟอร์นิเจอร์ได้ถูกสร้างขึ้น สไตล์นี้ถึงแม้จะมีลักษณะเฉพาะมากมายที่แตกต่างกันไปในแต่ละรัฐ แต่ก็มีความเป็นเอกภาพ โครงสร้างของสถาปัตยกรรม การตกแต่งภายใน และเฟอร์นิเจอร์เป็นแบบคลาสสิก และผสมผสาน อิทธิพลของ บาโรกและโรโคโครูปทรงที่ใช้ ได้แก่ สี่เหลี่ยมผืนผ้า วงรี และพระจันทร์เสี้ยว แผ่นปูนปั้นหรือแผ่นไม้บนผนังและเพดานจำลองลวดลายแบบคลาสสิก เฟอร์นิเจอร์มักตกแต่งด้วยงานฝัง ไม้รูปดอกไม้ และงานฝังทองสัมฤทธิ์หรือทองเหลือง (บางครั้งก็ปิดทอง ) ^{[ 102 ]}

ในอังกฤษวรรณกรรมสมัยออกัสตัสมีความสอดคล้องโดยตรงกับรูปแบบการออกแบบภูมิทัศน์สมัยออกัสตัส ความเชื่อมโยงนี้เห็นได้ชัดเจนในผลงานของอเล็กซานเดอร์ โปปตัวอย่างที่ดีที่สุดของสวนสไตล์นีโอคลาสสิกของอังกฤษที่ยังคงหลงเหลืออยู่ ได้แก่ชิสวิกเฮาส์สโตว์เฮาส์และสตูร์เฮด^{[ 103 ]}

• 
  เจมส์ ดอว์กินส์และโรเบิร์ต วูดค้นพบซากปรักหักพังของปาล์มไมราโดยกาวิน แฮมิลตันปี 1758
• 
  ชุดจากหอศิลป์แฟชั่นปี ค.ศ. 1794–1802
• 
  ภาพวาด "ฟรานซิส รัสเซลล์ ดยุกแห่งเบดฟอร์ดคนที่ 5ในทุ่งนาเบดฟ อร์ด " โดยวิลเลียม กริมัลดีตามแบบของจอห์น ฮอปเนอร์ต้นศตวรรษที่ 19 สร้างจากผลงานในปี 1796–1797
• 
  ภาพเหมือนของอองรีเอ็ตต์ เดอ แวร์นิแนคโดยฌาคส์-หลุยส์ ดาวิดสวมใส่เสื้อผ้าและนั่งในสไตล์ไดเร็กตัวร์ "ปีที่ 7": นั่นคือ ค.ศ. 1798–1799
• 
  เธเรซา ทาลเลียนนักสังคมสงเคราะห์ผู้ปฏิวัติโดยMarie-Guillemine Benoist , c. 1799
• 
  ภาพเหมือนของมาดามเรกาเมียร์โดย Jacques-Louis David, 1800
• 
  Henriette Victoire Elisabeth d'Avrange, comtesse de Relingue, พร้อมทรงผม à la TitusโดยLouis-Léopold Boilly , 1810
• 
  Point de Conventionโดย Louis-Léopold Boilly, c. 1801
• 
  ภาพประกอบแสดงผู้หญิงกำลังเล่นแบดมินตันภาพพิมพ์กัดกรดระบายสีด้วยมือ จากชุดLe Bon GenreโดยFrançois Joseph Bosioปี 1801
• 
  ภาพเหมือนของ Juliette Récamierโดย François Gérard , 1802
• 
  ภาพแฟชั่นชุดเดรสสวนเคนซิงตันสำหรับเดือนมิถุนายน จากนิตยสาร Le Beau Monde ปี 1808

ในด้านแฟชั่น ลัทธินีโอคลาสสิกมีอิทธิพลต่อความเรียบง่ายของชุดสตรี และแฟชั่นสีขาวที่คงอยู่ยาวนานมาตั้งแต่ก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศส แต่หลังจากนั้น การพยายามเลียนแบบสไตล์โบราณอย่างเต็มรูปแบบจึงกลายเป็นที่นิยมในฝรั่งเศส โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับผู้หญิง เครื่องแต่งกายแบบคลาสสิกนั้นถูกสวมใส่โดยสุภาพสตรีผู้มีรสนิยมมานานแล้ว โดยพวกเธอมักจะโพสท่าเป็นบุคคลจากเทพนิยายกรีกหรือโรมันในภาพเหมือน (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง มีภาพเหมือนของนางแบบสาวเอ็มมา เลดี้ แฮมิลตัน จำนวนมาก ในช่วงทศวรรษ 1780) แต่เครื่องแต่งกายเหล่านั้นถูกสวมใส่เฉพาะสำหรับการถ่ายภาพเหมือนและงานเลี้ยงสวมหน้ากากจนกระทั่งถึงช่วงการปฏิวัติ และอาจจะสวมใส่เป็นชุดลำลองในบ้านเช่นเดียวกับสไตล์แปลกใหม่อื่นๆ แต่สไตล์ที่สวมใส่ในภาพเหมือนของจูเลียตต์ เรคามิเยร์โจเซฟีน เดอ โบฮาร์แนส์ เทเรซา ทัลเลียนและผู้นำเทรนด์คนอื่นๆ ในปารีส ก็สวมใส่เพื่อออกไปข้างนอกในที่สาธารณะด้วยเช่นกัน เมื่อเห็นมาดามทัลเลียนที่โรงโอ เปรา ทัล เลย์ร็องด์จึงพูดติดตลกว่า " Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement! " ("ไม่มีใครสามารถเปลือยกายได้อย่างหรูหราไปกว่านี้แล้ว") ในปี 1788 ก่อนการปฏิวัติเล็กน้อยหลุยส์ เอลิซาเบธ วีเฌ เลอ บรุน จิตรกรประจำราชสำนัก ได้จัดงานเลี้ยงอาหารค่ำแบบกรีก โดยที่สุภาพสตรีสวมเสื้อคลุมแบบกรีกสีขาวเรียบๆ^{[ 104 ]}ทรงผมแบบคลาสสิกที่สั้นกว่า โดยเฉพาะอย่างยิ่งแบบมีลอน ถือว่าไม่เป็นที่ถกเถียงและได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวาง และตอนนี้ผมก็ไม่คลุมแม้แต่ในที่กลางแจ้ง ยกเว้นชุดราตรี ก่อนหน้านี้มักจะสวม หมวกหรือผ้าคลุมอื่นๆ แม้กระทั่งในที่ร่ม ริบบิ้นหรือแถบผ้าแบบกรีกบางๆ ถูกนำมาใช้ผูกหรือตกแต่งผมแทน

ชุดเดรสที่เบาและหลวมมาก มักเป็นสีขาวและมักเผยให้เห็นแขนอย่างน่าตกใจ ตัวชุดจะโปร่งเบาตั้งแต่ข้อเท้าลงมาจนถึงใต้เสื้อท่อนบน ซึ่งมีชายกระโปรงหรือสายผูกบางๆ ที่เน้นให้เห็นชัดเจน มักเป็นสีที่แตกต่างออกไป รูปทรงนี้มักเรียกว่าทรงเอ็มไพร์แม้ว่าจะมีมาก่อนจักรวรรดิฝรั่งเศสที่หนึ่งของนโปเลียน แต่จักรพรรดินีองค์แรกของเขาโจเซฟีน เดอ โบฮาร์แนส์มีอิทธิพลในการเผยแพร่ไปทั่วยุโรป ผ้าคลุมไหล่หรือผ้าพันคอรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้ายาว มักเป็นสีแดงเรียบๆ แต่มีขอบตกแต่งในภาพเหมือน ช่วยในการกันหนาว และเห็นได้ชัดว่าจะวางรอบเอวเมื่อนั่ง ซึ่งนิยมท่านั่งแบบเอนหลัง^{[ 105 ]}เมื่อถึงต้นศตวรรษที่ 19 รูปแบบดังกล่าวได้แพร่หลายไปทั่วยุโรป

แฟชั่นนีโอคลาสสิกสำหรับผู้ชายนั้นค่อนข้างมีปัญหา และไม่ได้รับความนิยมอย่างแท้จริง ยกเว้นทรงผม ซึ่งมีบทบาทสำคัญในทรงผมสั้นที่ในที่สุดก็ทำให้การใช้วิกผม และผงสีขาวสำหรับผมของชายหนุ่มหมดไป กางเกงเคยเป็นสัญลักษณ์ของคนป่าเถื่อนในสายตาของชาวกรีกและโรมัน แต่ภายนอกห้องทำงานของจิตรกร หรือโดยเฉพาะอย่างยิ่งห้องทำงานของประติมากร มีผู้ชายเพียงไม่กี่คนที่พร้อมจะละทิ้งมัน อันที่จริง ช่วงเวลานั้นได้เห็นชัยชนะของกางเกงขายาว หรือแพนทาลูนเหนือคูโลต์หรือกางเกงขาสั้นเหนือเข่าของระบอบเก่าแม้กระทั่งเมื่อเดวิดออกแบบ "ชุดประจำชาติ" ใหม่ของฝรั่งเศสตามคำขอของรัฐบาลในช่วงที่การปฏิวัติกำลังคึกคักเพื่อเปลี่ยนแปลงทุกสิ่งทุกอย่างในปี 1792 ชุดนั้นก็ยังรวมถึงเลกกิ้งที่ค่อนข้างรัดรูปอยู่ใต้เสื้อโค้ทที่ยาวเหนือเข่า ในช่วงเวลาสำคัญนั้น ชายหนุ่มฐานะดีจำนวนมากใช้เวลาส่วนใหญ่ไปกับการรับราชการทหารเนื่องจากสงครามปฏิวัติฝรั่งเศสและเครื่องแบบทหารซึ่งเริ่มเน้นเสื้อแจ็กเก็ตที่ด้านหน้าสั้น ทำให้เห็นกางเกงรัดรูปได้อย่างชัดเจน มักถูกสวมใส่เมื่อไม่ได้ปฏิบัติหน้าที่ และมีอิทธิพลต่อสไตล์การแต่งกายของผู้ชายทั่วไป

ปัญหาเรื่องกางเกงได้รับการยอมรับจากศิลปินว่าเป็นอุปสรรคต่อการสร้างภาพเขียนประวัติศาสตร์ ร่วมสมัย เช่นเดียวกับองค์ประกอบอื่นๆ ของเครื่องแต่งกายร่วมสมัย พวกมันถูกมองว่าน่าเกลียดและไม่สมศักดิ์ศรีโดยศิลปินและนักวิจารณ์จำนวนมาก กลยุทธ์ต่างๆ ถูกนำมาใช้เพื่อหลีกเลี่ยงการวาดภาพกางเกงในฉากสมัยใหม่ ในภาพเขียนJames Dawkins and Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) โดยGavin Hamiltonนักโบราณคดีสุภาพบุรุษสองคนถูกแสดงให้เห็นใน ชุดคลุมแบบ อาหรับในภาพเขียนWatson and the Shark (1778) โดยJohn Singleton Copleyตัวละครหลักอาจแสดงให้เห็นในสภาพเปลือยได้ และองค์ประกอบภาพเป็นเช่นนั้น ในบรรดาผู้ชายอีกแปดคนที่ปรากฏในภาพ มีเพียงคนเดียวเท่านั้นที่แสดงให้เห็นขาข้างเดียวที่สวมกางเกงอย่างเด่นชัด อย่างไรก็ตาม ศิลปินชาวอเมริกันอย่างคอปเลย์และเบนจามิน เวสต์เป็นผู้นำกลุ่มศิลปินที่แสดงให้เห็นอย่างประสบความสำเร็จว่ากางเกงสามารถนำมาใช้ในฉากวีรบุรุษได้ ด้วยผลงานอย่างเช่นภาพThe Death of General Wolfe (1770) ของเวสต์ และภาพThe Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783) ของคอปเลย์ แม้ว่าในภาพ The Raft of the Medusaซึ่งเสร็จสมบูรณ์ในปี 1819 จะยังคงหลีกเลี่ยงการใช้กางเกงอยู่ก็ตาม

ทรงผมชายที่ได้รับแรงบันดาลใจจากยุคคลาสสิก ได้แก่ ทรงผมเบ ดฟอร์ด ครอ ป ( Bedford Crop ) ซึ่งอาจกล่าวได้ว่าเป็นต้นกำเนิดของทรงผมชายเรียบง่ายสมัยใหม่ส่วนใหญ่ โดยคิดค้นโดยนักการเมืองหัวรุนแรง ฟรานซิส รัสเซลล์ ดยุกแห่งเบดฟอร์ดที่ 5 เพื่อประท้วงภาษีผงใส่ผมเขาชักชวนเพื่อนๆ ให้ลองทำทรงนี้โดยพนันกับพวกเขาว่าไม่มีใครทำ อีกทรงผมที่มีอิทธิพล (หรือกลุ่มทรงผม) หนึ่งได้รับการตั้งชื่อโดยชาวฝรั่งเศสว่า " coiffure à la Titus " ตามชื่อของไททัส จูเนียส บรูตุส (ไม่ใช่จักรพรรดิไททัส แห่งโรมัน อย่างที่มักเข้าใจผิด) โดยมีผมสั้นและเป็นชั้นๆ แต่ยกสูงขึ้นเล็กน้อยบริเวณศีรษะ มักจะมีผมปอยเล็กๆ หรือผมปล่อยลงมา เราคุ้นเคยกับทรงผมแบบนี้จากทั้งนโปเลียนและจอร์จที่ 4แห่งสหราชอาณาจักร เชื่อกันว่าทรงผมนี้ได้รับการแนะนำโดยนักแสดง ฟรองซัวส์-โจเซฟ ทัลมา (François-Joseph Talma)ผู้ซึ่งโดดเด่นกว่านักแสดงร่วมที่สวมวิกผมเมื่อปรากฏตัวในละครเรื่องต่างๆ เช่นบรูตุส (Brutus)ของวอลแตร์ (เกี่ยวกับลูเซียส จูเนียส บรูตุสผู้สั่งประหารชีวิตไททัส บุตรชายของเขา) ในปี ค.ศ. 1799 นิตยสารแฟชั่นของปารีสรายงานว่าแม้แต่ผู้ชายหัวล้านก็ยังสวมวิกผมทรงไททัส^{[ 106 ]}และผู้หญิงก็สวมทรงผมนี้เช่นกัน โดยJournal de Parisรายงานในปี ค.ศ. 1802 ว่า "ผู้หญิงที่สง่างามมากกว่าครึ่งสวมผมหรือวิกผมทรงไททัส^{[ 107 ]}

นีโอคลาสสิกในดนตรีเป็นขบวนการในศตวรรษที่ 20 ในกรณีนี้คือการ ฟื้นฟูรูปแบบดนตรี คลาสสิกและบาโรกในศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีความชื่นชอบในธีมกรีกและโรมัน ไม่ใช่ดนตรีของโลกโบราณเอง (ต้นศตวรรษที่ 20 ยังไม่ได้แยกแยะยุคบาโรกในดนตรี ซึ่งนักประพันธ์เพลงนีโอคลาสสิกส่วนใหญ่ดึงเอามาจากสิ่งที่เราเรียกว่ายุคคลาสสิกในปัจจุบัน) ขบวนการนี้เป็นปฏิกิริยาในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ต่อการเสื่อมถอยของโครมาติซึมในยุคโรแมนติก ตอนปลาย และอิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นควบคู่ไปกับดนตรีสมัยใหม่ ซึ่งพยายามละทิ้งโทนัลลิตี้คีย์โดยสิ้นเชิง มันแสดงให้เห็นถึงความปรารถนาในความสะอาดและความเรียบง่ายของสไตล์ ซึ่งทำให้เกิดการตีความใหม่ที่ค่อนข้างขัดแย้งกับวิธีการแบบคลาสสิก แต่ก็พยายามที่จะปัดเป่าความมืดมนของลัทธิโรแมนติซิสม์และแสงสลัวของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ออกไป เพื่อให้หันมาใช้จังหวะที่หนักแน่น ความกลมกลืนที่ชัดเจน และรูปแบบแบ่งส่วนที่คมชัด ซึ่งสอดคล้องกับกระแสความนิยมในการสร้างสรรค์การเต้นรำและเครื่องแต่งกายแบบ "คลาสสิก" ขึ้นใหม่ในบัลเลต์ และพลศึกษา

ชุดเพลงเต้นรำในศตวรรษที่ 17-18 เคยได้รับการฟื้นฟูเล็กน้อยก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1แต่กลุ่มนีโอคลาสสิกไม่ค่อยพอใจกับรูปแบบไดอะโทนิกที่ไม่เปลี่ยนแปลง และมักเน้นความไม่ลงตัวที่สดใสของเสียงแขวนและการประดับประดา คุณสมบัติเชิงมุมของความกลมกลืนแบบโมดัลในศตวรรษที่ 17 และเส้นสายที่ทรงพลังของการประพันธ์ส่วนประสานเสียงแบบเคาน์เตอร์ราพอยต์ ผลงานAncient Airs and Dances (1917) ของOttorino Respighiเป็นผู้นำทางไปสู่เสียงดนตรีแบบที่กลุ่มนีโอคลาสสิกปรารถนา แม้ว่าการยืมรูปแบบดนตรีจากอดีตจะไม่ใช่เรื่องแปลกในประวัติศาสตร์ดนตรี แต่ดนตรีคลาสสิกก็เคยผ่านช่วงเวลาที่นักดนตรีใช้เทคนิคสมัยใหม่ควบคู่กับรูปแบบหรือความกลมกลืนแบบเก่าเพื่อสร้างสรรค์ผลงานประเภทใหม่ ลักษณะเด่นของการประพันธ์ดนตรีสไตล์นี้ ได้แก่ การอ้างอิงถึงโทนเสียงไดอะโทนิก รูปแบบดั้งเดิม (เช่น ชุดเพลงเต้นรำ คอนแชร์โตกรอสซี รูปแบบโซนาตา เป็นต้น) แนวคิดเรื่องดนตรีบริสุทธิ์ที่ปราศจากการเชื่อมโยงเชิงพรรณนาหรืออารมณ์ การใช้เนื้อเสียงดนตรีที่เบา และความกระชับในการแสดงออกทางดนตรี ในดนตรีคลาสสิก ลักษณะนี้ปรากฏให้เห็นชัดเจนที่สุดระหว่างทศวรรษ 1920 ถึง 1950 อิกอร์ สตราวินสกีเป็นนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดที่ใช้สไตล์นี้ เขาเริ่มต้นการปฏิวัติทางดนตรีอย่างมีประสิทธิภาพด้วยผลงานOctet for Wind Instruments (1923) ที่คล้ายกับผลงานของบาค ผลงานชิ้นเอกที่แสดงถึงสไตล์นี้ได้ดีคือClassical Symphony No. 1 in D ของโปรโคฟีฟซึ่งชวนให้นึกถึงสไตล์ซิมโฟนีของไฮดน์หรือโมสาร์ท บัลเลต์นีโอคลาส สิกที่ริเริ่มโดยจอร์จ บาลังชีนได้ลดความซับซ้อนของสไตล์จักรวรรดิรัสเซียในแง่ของเครื่องแต่งกาย ท่าเต้น และเรื่องราว ในขณะเดียวกันก็แนะนำนวัตกรรมทางเทคนิคด้วย

• 
  Beaux-Arts - ภายนอกของPalais Garnierกรุงปารีส โดยCharles Garnier , 1860–1875 ^{[ 108 ]}
• 
  สถาปัตยกรรมโบซ์-อาร์ต - บันไดใหญ่ของพระราชวังการ์นิเยร์ ออกแบบโดยชาร์ลส์ การ์นิเยร์ ระหว่างปี พ.ศ. 2403-2418 ^{[ 108 ]}
• 
  สถาปัตยกรรมโบซ์-อาร์ต - สถานีรถไฟแกรนด์เซ็นทรัลนครนิวยอร์ก ออกแบบโดยReed และ StemและWarren และ Wetmoreปี 1903 ^{[ 109 ]}
• 
  Beaux-Arts - Hôtel Roxoroid de Belfort, ปารีส, 1911, โดยAndré Arfvidson
• 
  สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกตอนปลาย - อาคารฝั่งตะวันตกของหอศิลป์แห่งชาติวอชิงตัน ดี.ซี. สหรัฐอเมริกา โดยจอห์น รัสเซลล์ โป๊ปปี 1941

หลังจากกลางศตวรรษที่ 19 สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกเริ่มไม่เป็นรูปแบบหลักอีกต่อไป โดยถูกแทนที่ด้วยสถาปัตยกรรมผสมผสานสไตล์คลาสสิกพระราชวังการ์นิเยร์ในปารีสเป็นตัวอย่างที่ดีของเรื่องนี้ เพราะถึงแม้จะเป็นสถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกเป็นหลัก แต่ก็มีองค์ประกอบและเครื่องประดับที่ได้แรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมบาโรกและ เรเนสซองส์ การปฏิบัติเช่นนี้พบได้บ่อยในสถาปัตยกรรมช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1นอกจากนีโอคลาสสิกแล้ว สมาคมวิจิตรศิลป์แห่งปารีส (Beaux-Arts de Paris)ก็เป็นที่รู้จักกันดีในเรื่องการผสมผสานสไตล์คลาสสิกนี้เช่นกัน

ปาโบล ปิกัสโซทดลองใช้ลวดลายแบบคลาสสิกในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่ 1 ^{[ 110 ]}

ในสถาปัตยกรรมอเมริกัน ลัทธินีโอคลาสสิกเป็นรูปแบบหนึ่งของการฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอเมริกาในช่วงประมาณปี 1890-1917 การแสดงออกครั้งสุดท้ายของลัทธินีโอคลาสสิกคือสถาปัตยกรรมแบบโบซ์-อาร์ตและโครงการสาธารณะขนาดใหญ่สุดท้าย ได้แก่อนุสรณ์สถานลินคอล์น (ซึ่งถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างหนักในขณะนั้น) หอศิลป์แห่งชาติในวอชิงตัน ดี.ซี. (ซึ่งถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างหนักจากวงการสถาปัตยกรรมเช่นกันว่าเป็นการคิดล้าหลังและล้าสมัยในการออกแบบ) และอนุสรณ์สถานรูสเวลต์ของพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ธรรมชาติอเมริกันสิ่งเหล่านี้ถูกมองว่าเป็นความไม่เข้ากับยุคสมัยเมื่อสร้างเสร็จ ในช่วงการปกครองของอังกฤษ การวางผังเมืองอันยิ่งใหญ่ของเซอร์เอ็ดวิน ลูเทียนส์สำหรับนิวเดลีถือเป็นจุดสิ้นสุดของลัทธินีโอคลาสสิก สงครามโลกครั้งที่สองได้ทำลายความปรารถนา (และการเลียนแบบ) ยุคสมัยในตำนานส่วนใหญ่

ในศตวรรษที่ 20 มีขบวนการทางศิลปะที่ไม่ใช่ทัศนศิลป์กระแสหนึ่งที่เรียกว่า นีโอคลาสสิก ซึ่งครอบคลุมอย่างน้อยที่สุดด้านดนตรี ปรัชญา และวรรณกรรม ขบวนการนี้เกิดขึ้นระหว่างช่วงสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่ 1 และสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่ 2 (สำหรับข้อมูลเกี่ยวกับด้านดนตรี โปรดดูที่ดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 20และนีโอคลาสสิกในดนตรีสำหรับข้อมูลเกี่ยวกับด้านปรัชญา โปรดดูที่ หนังสือสำคัญ )

ขบวนการวรรณกรรมนีโอคลาสสิกนี้ปฏิเสธลัทธิโรแมนติกสุดขั้ว (เช่น) ดาดาโดยหันมาให้ความสำคัญกับความยับยั้งชั่งใจ ศาสนา (โดยเฉพาะศาสนาคริสต์) และนโยบายทางการเมืองแบบอนุรักษ์นิยม แม้ว่ารากฐานของขบวนการนี้ในวรรณกรรมอังกฤษจะวางโดยที.อี. ฮัลม์แต่นักเขียนนีโอคลาสสิกที่มีชื่อเสียงที่สุดคือที.เอส. เอเลียตและวินด์แฮม ลูอิสในรัสเซีย ขบวนการนี้เริ่มเป็นรูปเป็นร่างตั้งแต่ปี 1910 ภายใต้ชื่อ แอ็กมีอิสม์โดยมี แอ นนา อัคมาโตวาและโอซิป มันเดลชตัมเป็นตัวแทนชั้นนำ

• 
  ตู้ลิ้นชัก การตีความใหม่ที่เรียบง่ายมากของสไตล์หลุยส์ที่ 16โดยClément Mèreปี 1910 ทำจากไม้เมเปิล ไม้มะเกลือ หนัง และงาช้าง ขนาด 87.5 x 96 x 37 ซม. พิพิธภัณฑ์ Musée d'Orsayกรุงปารีส^{[ 111 ]}
• 
  โต๊ะเครื่องแป้งและเก้าอี้ การตีความใหม่ของสไตล์หลุยส์ที่ 16 โดยPaul Follotปี 1919 ทำจากหินอ่อน ไม้ฝังประดับ เคลือบเงา และปิดทอง ขนาดไม่ทราบแน่ชัดพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งปารีส
• 
  Hommage à Jean Goujon ; โดยอัลเฟรด ยานนิออต ; พ.ศ. 2462–2467; หินปูนมีสีบางส่วน 220 x 235 x 129 ซม. พิพิธภัณฑ์ Calouste Gulbenkian , ลิสบอน, โปรตุเกส^{[ 112 ]}
• 
  ภาพพิมพ์พร้อมแบบตกแต่งภายในจากชุดผลงานสถาปัตยกรรมของหลุยส์ ซูและอังเดร มาเรปี 1921
• 
  BoudoirจากHôtel du Collectionneurซึ่งเป็นการตีความสไตล์พระเจ้าหลุยส์ที่ 16 ใหม่อย่างเรียบง่ายในงานนิทรรศการปารีสปี 1925โดยÉmile-Jacques Ruhlmann
• 
  ชุดเดรส "ม้าน้อย" ออกแบบโดยมาเดลีน วิออนเนต์ปี 1925 ทำจากผ้าเรยอนเครป ประดับด้วยลูกปัดสีดำและสีทอง ปัจจุบันจัดแสดงอยู่ที่พิพิธภัณฑ์สถาบันเทคโนโลยีแฟชั่นนิวยอร์ก
• 
  Palais de Tokyo , ปารีส โดยAndré AubertและMarcel Dastugue , 1937
• 
  สถานทูตฝรั่งเศส เบลเกรด เซอร์เบีย ออกแบบโดยRoger-Henri ExpertโดยมีJosif Najmanเป็นผู้ช่วย ออกแบบในปี 1926 สร้างในปี 1939 ^{[ 113 ] [ 114 ]}
• 
  Château de Sept-Saulx , Grand Est , การตีความใหม่อย่างเรียบง่ายของสไตล์พระเจ้าหลุยส์ที่ 16, ฝรั่งเศส, โดย Louis Süe, พ.ศ. 2471-2472 ^{[ 115 ]}
• 
  อาคารเดลีเทเลกราฟลอนดอน โดยชาร์ลส์ เออร์เนสต์ เอลค็อก หลังจากปรึกษากับโทมัส เอส. เทตพ.ศ. 2461 ^{[ 116 ]}
• 
  แบบร่างสำหรับโถงทางเข้าใหญ่ของเซเวอแรนซ์ฮอลล์ เมืองคลีฟแลนด์ สหรัฐอเมริกา ออกแบบโดยวอล์คเกอร์และวีคส์ประมาณปี 1930
• 
  บ้าน Dumitru Săvulescu ( Bulevardul Dacia no. 73), บูคาเรสต์ , โรมาเนีย, โดยGheorghe Negoescu , 1933 ^{[ 117 ]}
• 
  หลุมศพของครอบครัวStrăjescu สุสาน Belluบูคาเรสต์ โดยGeorge Cristinel , 1934 ^{[ 110 ]}
• 
  ถนนอเวนิวฟอชหมายเลข 53 ปารีส ออกแบบโดยชาร์ลส์ อาเบลลาปี 1939 ^{[ 115 ]}

แม้ว่าหลังจากสงครามโลกครั้งที่ 1 ศิลปะแบบนีโอคลาสสิกจะเริ่มถูกมองว่า 'ล้าสมัย' แต่หลักการ สัดส่วน และองค์ประกอบอื่นๆ ของนีโอคลาสสิกก็ยังไม่ได้ถูกละทิ้งไปศิลปะแบบอาร์ตเดโคเป็นรูปแบบที่โดดเด่นในช่วงระหว่างสงคราม และสอดคล้องกับรสนิยมของชนชั้นสูงที่ชื่นชอบรูปแบบฝรั่งเศสชั้นสูงในอดีต รวมถึงยุคหลุยส์ที่ 16 ยุคไดเร็กตัวร์และยุคเอ็มไพร์ (รูปแบบศิลปะในยุคนีโอคลาสสิกของฝรั่งเศส) ในขณะเดียวกัน ชนชั้นสูงของฝรั่งเศสก็สามารถชื่นชมศิลปะสมัยใหม่ ได้เช่นกัน เช่น ผลงานของปาโบล ปิกัสโซหรืออาเมเดโอ โมดิกลิอานีผลลัพธ์ของสถานการณ์นี้คือรูปแบบศิลปะแบบอาร์ตเดโคยุคแรก ซึ่งใช้ทั้งองค์ประกอบใหม่และเก่า พระราชวังโตเกียวจากปี 1937 ในปารีส โดยอองเดร โอแบร์และมาร์เซล ดาสตูเกเป็นตัวอย่างที่ดีของเรื่องนี้ แม้ว่าจะไม่มีการใช้เครื่องประดับตกแต่ง แต่การตกแต่งด้านหน้าอาคารมีเพียงภาพนูนต่ำ เท่านั้น การจัดวางเสาที่นี่เป็นการระลึกถึงศิลปะแบบนีโอคลาสสิกอย่างชัดเจน การออกแบบสไตล์อาร์ตเดโค มักดึงเอาแรงบันดาลใจจากลวดลายแบบนีโอคลาสสิกมาใช้โดยไม่แสดงออกมาอย่างโจ่งแจ้ง เช่นตู้ลิ้นชัก ทรงเหลี่ยมเรียบง่าย ของÉmile-Jacques RuhlmannหรือLouis Süe & André Mare ; ภาพนูนต่ำคมชัดรูปหญิงสาวและกวางในทุกสื่อ; ชุดเดรสทันสมัยที่ตัดเย็บแบบเฉียงเพื่อสร้างรูปทรงแบบกรีก; และศิลปะการเต้นรำของIsadora Duncan สถาปนิก สมัยใหม่สายอนุรักษ์นิยมอย่างAuguste Perretในฝรั่งเศส ยังคงรักษารูปแบบและระยะห่างของสถาปัตยกรรมแบบเสา แม้แต่ในอาคารโรงงาน

ความผันผวนของศิลปะอาร์ตเดโค ระหว่างการใช้องค์ประกอบ รูปทรง และสัดส่วนทางประวัติศาสตร์ กับความปรารถนาในสิ่งใหม่ หรือลัทธิโมเดิร์นนิสม์ เป็นผลมาจากหลายปัจจัย หนึ่งในนั้นคือการผสมผสานหลากหลายสไตล์ ความซับซ้อนและความหลากหลายของศิลปะอาร์ตเดโคส่วนใหญ่เกิดจากจิตวิญญาณแห่งการผสมผสานนี้ องค์ประกอบที่ได้รับการจัดรูปแบบจากคลังความรู้ของศิลปะโบซ์-อาร์ต ศิลปะนีโอคลาสสิก หรือวัฒนธรรมที่ห่างไกลทั้งในด้านเวลาและสถานที่ ( อียิปต์โบราณ อเมริกาในยุคก่อนโคลัมบัสหรือศิลปะแอฟริกา ตอนใต้ทะเลทรายซาฮารา ) ถูกนำมารวมเข้ากับการอ้างอิงถึงศิลปินแนวหน้าของลัทธิโมเดิร์นนิสม์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ( อองรี มาติสส์ อาเมเด โอโมดิกลิอานีหรือคอนสแตนติน บรันคูซี ) ปรากฏการณ์ของศิลปะอาร์ตเดโคเกิดจากการผสมผสานหลากหลายสไตล์ทางวิชาการ และศิลปะนีโอคลาสสิกส่วนใหญ่เกิดจากการมีอยู่ของสถาปัตยกรรมเฉพาะ หากปราศจากการมีส่วนร่วมของสถาปนิกที่ได้รับการฝึกฝนจากสำนักวิจิตรศิลป์ สถาปัตยกรรมอาร์ตเดโคคงจะยังคงเป็นเพียงการรวบรวมวัตถุตกแต่งที่ขยายใหญ่ขึ้นในระดับเมือง ยกเว้นอาคารที่อยู่อาศัย เช่นเดียวกับศาลาจัดแสดงในงานนิทรรศการศิลปะการตกแต่งและอุตสาหกรรมสมัยใหม่นานาชาติปี 1925 ซึ่งเป็นที่ถกเถียงกันในยุคนั้น อีกเหตุผลหนึ่งที่ทำให้เกิดการแกว่งไปมาระหว่างองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์และความทันสมัยคือวัฒนธรรมการบริโภควัตถุและอาคารในสไตล์นานาชาติแบบเคร่งครัด ซึ่งปราศจากเครื่องประดับหรือการอ้างอิงถึงอดีตนั้น เป็นสิ่งที่หัวรุนแรงเกินไปสำหรับสาธารณชน ในฝรั่งเศสและอังกฤษช่วงระหว่างสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและครั้งที่สอง จิตวิญญาณของสาธารณชนและการวิจารณ์ทางสถาปัตยกรรมจำนวนมากไม่สามารถยอมรับรูปแบบที่ปราศจากเครื่องประดับโดยสิ้นเชิง เช่น สไตล์นานาชาติได้

การใช้รูปแบบทางประวัติศาสตร์เป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปะอาร์ตเดโคเริ่มต้นขึ้นตั้งแต่ช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1 ผ่านความพยายามของนักตกแต่งอย่างMaurice Dufrêne , Paul Follot , Paul Iribe , André Groult , Léon JallotหรือÉmile-Jacques Ruhlmannซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีศิลปะและงานฝีมืออันทรงเกียรติของฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 (ยุค Louis XVI, Directoire และLouis Philippe ) และต้องการนำแนวทางใหม่มาสู่รูปแบบเหล่านี้ รูปแบบนีโอ-Louis XVI ได้รับความนิยมอย่างมากในฝรั่งเศสและโรมาเนียในช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1 ประมาณปี 1910 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อการออกแบบและอาคารอาร์ตเดโคยุคแรกๆ หลายแห่ง ตัวอย่างที่ดีคือChâteau de Sept-SaulxในGrand Estประเทศฝรั่งเศส ออกแบบโดยLouis Süeในปี 1928–1929 ^{[ 118 ]}

• 
  สังคมนิยมแบบสมจริง - หอสมุดแห่งรัฐเลนิน มอสโก ประเทศรัสเซีย โดยวลาดิมีร์ ชชูโกและวลาดิมีร์ เฮลเฟรช 1928-1941 ^{[ 119 ]}
• 
  สังคมนิยมแบบสมจริง - การประชุมสภาทหารปฏิวัติแห่งสหภาพโซเวียต โดยมีคลิเมนต์ โวโรชีลอฟเป็นประธาน ; โดยอิซาค บรอดสกี ; 1929; สีน้ำมันบนผ้าใบ; 95.5 x 129.5 ซม.; คอลเลกชันส่วนตัว^{[ 120 ]}
• 
  ฟาสซิสต์ - อาคารอธิการบดีมหาวิทยาลัยและคณะนิติศาสตร์ในบูคาเรสต์ ( Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), บูคาเรสต์ , โรมาเนีย, โดยPetre Antonescu , 1933-1935 ^{[ 121 ]}
• 
  นาซี - ครอบครัว (The Family) โดยโจเซฟ โธรักประมาณปี 1937 น่าจะทำจากทองสัมฤทธิ์ ขนาดไม่ทราบแน่ชัด จัดแสดงในงานมหกรรมโลกปารีสปี 1937
• 
  นาซี - สำนักนายกรัฐมนตรีไรช์ใหม่เบอร์ลิน โดยอัลเบิร์ต สเปียร์ 1938-1939 ^{[ 122 ]}
• 
  ฟาสซิสต์ - Palazzo della Civiltà Italiana , โรม, โดยGiovanni Guerrini , Ernesto La Padulaและ Mario Romano, 1939-1942 ^{[ 123 ]}
• 
  นักสัจนิยมสังคมนิยม - มหาวิทยาลัย Lomonosov , มอสโก, โดยLev Rudnev , 1947-1952 ^{[ 123 ]}
• 
  นักสัจนิยมสังคมนิยม - ย่านอาณานิคม ( Řoseaua Panduri no. 60–62), บูคาเรสต์ โดย I.Noviţchi, C.Ionescu, C.Hacker และ A.Řerbescu, 1950–1960 ^{[ 124 ]}
• 
  ภาพเขียนแนวสัจนิยมสังคมนิยม - การคารวะ ; โดย คอนสแตนติน นิเตสคู; ประมาณปี 1980; เทคนิคไม่ทราบ; ขนาดไม่ทราบ; ประเทศโรมาเนีย

ในอิตาลีภายใต้การปกครองของฟาสซิสต์เยอรมนีภายใต้การปกครองของนาซี โรมาเนียภายใต้ การปกครองของ พระเจ้าคาโรลที่ 2และสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษ 1920 และ 1930 ระบอบเผด็จการเลือกใช้สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกสำหรับอาคารของรัฐและงานศิลปะ สถาปัตยกรรมเป็นหัวใจสำคัญในการแสดงออกถึงความมั่นคงถาวรของระบอบเผด็จการ (แม้ว่าจะเป็นสิ่งใหม่ที่เห็นได้ชัด) วิธีที่ระบอบเผด็จการดึงเอาแรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมคลาสสิกนั้นมีหลายรูปแบบ เมื่อพูดถึงอาคารของรัฐในอิตาลีและโรมาเนีย สถาปนิกพยายามผสมผสานความรู้สึกแบบสมัยใหม่เข้ากับรูปแบบคลาสสิกที่เป็นนามธรรม ตัวอย่างที่ดีสองแห่งคือPalazzo della Civiltà Italianaในกรุงโรม และอาคารสำนักงานอธิการบดีและคณะนิติศาสตร์ของมหาวิทยาลัยในบูคาเรสต์ ( Bulevardul Mihail Kogălniceanuหมายเลข 36–46) ในทางตรงกันข้าม สถาปัตยกรรมคลาสสิกของสหภาพโซเวียตหรือที่รู้จักกันในชื่อสังคมนิยมสมจริงนั้นโอ่อ่าหรูหรา เต็มไปด้วยเครื่องประดับและประติมากรรมทางสถาปัตยกรรมมากมาย เพื่อพยายามสร้างความแตกต่างจากความเรียบง่ายของสไตล์ 'ทุนนิยม' หรือ 'ชนชั้นกลาง' เช่นอาร์ตเดโคหรือโมเดิร์นนิสม์มหาวิทยาลัยโลโมโนซอฟในมอสโกเป็นตัวอย่างที่ดีของสถาปัตยกรรมแบบนี้นิกิตา ครุสชอฟผู้นำโซเวียตที่สืบทอดตำแหน่งต่อจากสตาลิน ไม่ชอบสถาปัตยกรรมสังคมนิยมสมจริงที่โอ่อ่าหรูหราในสมัยของผู้นำคนก่อน เนื่องจากอาคารนีโอคลาสสิกเหล่านี้สร้างได้ช้าและมีค่าใช้จ่ายสูง เขาจึงกล่าวว่า 'พวกเขาใช้เงินของประชาชนไปกับความงามที่ไม่มีใครต้องการ แทนที่จะสร้างสิ่งที่เรียบง่ายกว่าแต่มีจำนวนมากกว่า'

ในสหภาพโซเวียต ลัทธินีโอคลาสสิกได้รับการยอมรับในฐานะการปฏิเสธลัทธิอาร์ตเดโคและลัทธิโมเดิร์น ซึ่งพรรคคอมมิวนิสต์มองว่า "ชนชั้นนายทุน" และ "ทุนนิยม" มากเกินไป รูปแบบนีโอคลาสสิกแบบคอมมิวนิสต์นี้รู้จักกันในชื่อลัทธิสัจนิยมสังคมนิยม และได้รับความนิยมในช่วงการปกครองของโจเซฟ สตาลิน (1924–1953) โดยทั่วไปแล้ว ศิลปะรูปแบบนี้แสดงออกผ่านการนำเสนอภาพคนงานที่ผอมบางในอุดมคติอย่างลึกซึ้ง โดยแสดงให้เห็นพวกเขาเป็นวีรบุรุษในฟาร์มรวมหรือเมืองอุตสาหกรรม การประชุมทางการเมือง ความสำเร็จของเทคโนโลยีโซเวียต และภาพเด็กๆ ที่มีความสุขอยู่รอบๆเลนินหรือสตาลิน ทั้งเนื้อหาและการนำเสนอได้รับการตรวจสอบอย่างเข้มงวด คุณค่าทางศิลปะถูกกำหนดโดยระดับที่งานนั้นมีส่วนช่วยในการสร้างสังคมนิยม ศิลปินทุกคนต้องเข้าร่วมสหภาพศิลปินโซเวียตที่รัฐควบคุม และสร้างผลงานในรูปแบบที่ยอมรับ หลักการชี้นำสามประการของลัทธิสัจนิยมสังคมนิยม ได้แก่ ความจงรักภักดีต่อพรรค การนำเสนออุดมการณ์ที่ถูกต้อง และการเข้าถึงได้ง่าย ลัทธิสัจนิยมซึ่งเข้าใจได้ง่ายกว่าสำหรับมวลชน จึงเป็นรูปแบบที่ได้รับเลือก ในช่วงเริ่มต้นของสหภาพโซเวียตมีขบวนการศิลปะแนวหน้า หลายขบวนการแข่งขันกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งลัทธิคอน สตรัคติวิสม์ อย่างไรก็ตาม เมื่อสตาลินรวบรวมอำนาจได้มากขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1920 ศิลปะและสถาปัตยกรรมแนวหน้าก็ถูกปราบปรามและในที่สุดก็ถูกห้าม และมีการกำหนดรูปแบบทางสถาปัตยกรรมที่เป็นทางการของรัฐขึ้น หลังจากที่บอริส ไอโอฟานชนะการประกวดออกแบบพระราชวังโซเวียตด้วยหอคอยแบบคลาสสิกที่มีขั้นบันได และมีรูปปั้นเลนินขนาดใหญ่อยู่ด้านบน สถาปัตยกรรมก็กลับไปสู่รูปแบบศิลปะและสถาปัตยกรรมก่อนการปฏิวัติ ซึ่งไม่ได้รับอิทธิพลจากลัทธิคอนสตรัคติวิสม์ที่มองว่าเป็นอิทธิพลจากตะวันตก^{[ 125 ]}แม้ว่าลัทธิสัจนิยมสังคมนิยมในสถาปัตยกรรมจะสิ้นสุดลงไม่มากก็น้อยพร้อมกับการเสียชีวิตของสตาลินและการขึ้นมามีอำนาจของนิกิตา ครุสชอฟ แต่ภาพวาดในรูปแบบนี้ยังคงถูกผลิตขึ้นต่อไป โดยเฉพาะในประเทศที่มีการบูชาผู้นำอย่างเข้มแข็ง เช่น ในกรณีของจีนในสมัยเหมาเจ๋อตุง เกาหลีเหนือใน สมัย คิมอิลซองหรือโรมาเนียในสมัย นิโคไล เชาเชสคู

พรรคนาซีปราบปรามวัฒนธรรม ศิลปะแนวหน้าที่เฟื่องฟูของเยอรมนีทันทีที่พวกเขายึดอำนาจรัฐบาลได้ในปี 1933 อัลเบิร์ต สเปียร์ได้รับแต่งตั้งให้เป็น ที่ปรึกษาด้านสถาปัตยกรรมของ อดอล์ฟ ฮิตเลอร์ในปี 1934 และเขาพยายามสร้างสถาปัตยกรรมที่จะสะท้อนถึงความเป็นเอกภาพของชาวเยอรมันที่พวกเขามองเห็น และทำหน้าที่เป็นฉากหลังสำหรับการแสดงออกถึงอำนาจของพรรคนาซี แนวทางการออกแบบสถาปัตยกรรมของพรรคนาซีเต็มไปด้วยความขัดแย้ง ในขณะที่แผนการจัดระเบียบกรุงเบอร์ลินใหม่ของฮิตเลอร์และสเปียร์มุ่งหวังที่จะเลียนแบบจักรวรรดิโรมัน แต่ในบริบทชนบท อาคารของพรรคนาซีกลับได้รับแรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรมพื้นถิ่นโดยพยายามถ่ายทอดจิตวิญญาณของชาวเยอรมันที่ 'แท้จริง' เมื่อพูดถึงวิจิตรศิลป์ พรรคนาซีได้สร้างคำว่า ' ศิลปะเสื่อมทราม ' ขึ้นมาสำหรับศิลปะสมัยใหม่ซึ่งเป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่พวกเขามองว่า 'ไม่เป็นเยอรมัน' 'เป็นของชาวยิว' หรือ 'เป็นของคอมมิวนิสต์' พวกนาซีเกลียดชังศิลปะสมัยใหม่และเชื่อมโยงมันเข้ากับ ' ลัทธิบอลเชวิกทางวัฒนธรรม ' ซึ่งเป็นทฤษฎีสมคบคิดที่กล่าวว่าศิลปะ (หรือวัฒนธรรมโดยทั่วไป) ถูกควบคุมโดยกลุ่มชาวยิวฝ่ายซ้ายที่พยายามทำลายเผ่าพันธุ์อารยัน สงครามของฮิตเลอร์ต่อศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่ประกอบด้วยนิทรรศการที่พยายามทำลายชื่อเสียงของศิลปินสมัยใหม่ เรียกว่า ' นิทรรศการศิลปะเสื่อมทราม ' ( ภาษาเยอรมัน : Die Ausstellung "Entartete Kunst" ) นิทรรศการนี้จัดแสดงควบคู่ไปกับนิทรรศการศิลปะเยอรมันครั้งยิ่งใหญ่ซึ่งประกอบด้วยผลงานศิลปะที่พวกนาซีอนุมัติ ด้วยวิธีนี้ ผู้เข้าชมทั้งสองนิทรรศการสามารถเปรียบเทียบศิลปะที่ระบอบการปกครองตราหน้าว่าเป็น 'ดี' และ 'ไม่ดี' ได้ ด้วยทัศนคติที่คล้ายคลึงกัน ระบอบการปกครองได้ปิดโรงเรียนศิลปะเบาเฮาส์ ใน เมืองเดสเซา ในปี 1931 ซึ่ง เป็นโรงเรียนศิลปะแนวหน้าที่มีอิทธิพลอย่างมากหลังสงคราม โรงเรียนนี้เปิดใหม่ในเบอร์ลินในปี 1932 แต่ก็ถูกปิดอีกครั้งในปี 1933

เมื่อเปรียบเทียบกับเยอรมนีและสหภาพโซเวียต ในอิตาลี สถาปัตยกรรมแนวหน้ามีส่วนช่วยในการออกแบบสถาปัตยกรรมของรัฐ สถาปัตยกรรมคลาสสิกก็มีอิทธิพลเช่นกัน ซึ่งสะท้อนถึงความพยายามที่หยาบกว่ามากของเบนิโต มุสโซลินี ในการสร้างความเชื่อมโยงระหว่างระบอบฟาสซิสต์ของเขากับ กรุงโรม โบราณ สถาปนิกชาว อิตาลีบางคนพยายามสร้างการผสมผสานระหว่าง สถาปัตยกรรม สมัยใหม่และสถาปัตยกรรมคลาสสิกเช่นมาร์เชลโล ปิอาเซนตินีกับมหาวิทยาลัยซาปิเอนซาแห่งโรมหรือจูเซปเป เทอร์ราญีกับคาซา เดล ฟาสซิโอในเมืองโคโม^{[ 126 ]}

ในโรมาเนียช่วงปลายทศวรรษ 1930 ภายใต้อิทธิพลของแนวโน้มเผด็จการของพระเจ้าคาโรลที่ 2ได้มีการสร้างอาคารของรัฐหลายแห่ง อาคารเหล่านั้นเป็นสไตล์นีโอคลาสสิก ซึ่งหลายแห่งคล้ายคลึงกับสถาปัตยกรรมที่ได้รับความนิยมในอิตาลีภายใต้การปกครองของฟาสซิสต์ในช่วงเวลาเดียวกัน ตัวอย่างในบูคาเรสต์ได้แก่ อาคารสำนักอธิการบดีและคณะนิติศาสตร์ของมหาวิทยาลัย ( Bulevardul Mihail Kogălniceanuเลขที่ 36–46) อาคารอพาร์ตเมนต์ Kretzulescu ( Calea Victorieiเลขที่ 45) อาคาร CFR (Bulevardul Dinicu Golescu เลขที่ 38) หรือพระราชวังวิกตอเรีย ( Piața Victorieiเลขที่ 1) พระราชวังหลวงซึ่งตกแต่งภายในส่วนใหญ่ในสไตล์นีโอ-อาดั ม โดด เด่นด้วยการตกแต่งที่มากกว่า และค่อนข้างใกล้เคียงกับสถาปัตยกรรมก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1

• 
  พิพิธภัณฑ์ J. Paul Getty , มาลิบู, แคลิฟอร์เนีย, สหรัฐอเมริกา โดยความร่วมมือของ Langdon และ Wilson โดยมีEdward Genterเป็นสถาปนิกโครงการ และ Dr. Norman Neuerberg ให้คำปรึกษาด้านโบราณคดี ระหว่าง ปี 1970-1975 ^{[ 127 ]}
• 
  ลานภายในของLes Arcades du Lac , Saint-Quentin-en-Yvelines, ฝรั่งเศส, โดยRicardo Bofill , 1975-1981 ^{[ 128 ]}
• 
  จัตุรัสปิอาซซา ดิตาเลีย (นิวออร์ลีนส์)สหรัฐอเมริกา โดยชาร์ลส์ มัวร์ปี 1978
• 
  เก้าอี้เชอราตันพร้อมการตกแต่งเพิ่มเติม โดยโรเบิร์ต เวนทูริสำหรับนอลล์ ; 1978–1984, ไม้ลามิเนตดัดโค้ง; ขนาดไม่ทราบ; พิพิธภัณฑ์ศิลปะมิลวอกี , มิลวอกี, สหรัฐอเมริกา^{[ 129 ]}
• 
  อาคารอพาร์ตเมนต์บนถนนบูเลอวาร์ดุล อูนีรีกรุงบูคาเรสต์ ประเทศโรมาเนีย ออกแบบโดยสถาปนิกนิรนาม ในช่วงทศวรรษ 1980
• 
  หลุยส์ที่ 16, ตู้เตี้ย; โดยโรเบิร์ต เวนทูริ สำหรับ Arc International; ประมาณปี 1985; ไม้ลามิเนต; ขนาดไม่ทราบ; พิพิธภัณฑ์ศิลปะอินเดียนาโพลิส , อินเดียนาโพลิส, สหรัฐอเมริกา^{[ 130 ]}
• 
  ปีก Sainsbury , หอศิลป์แห่งชาติ, ลอนดอน, ออกแบบโดยRobert Venturi , 1987-1991 ^{[ 131 ]}
• 
  สถานีสูบน้ำ Isle of Dogsลอนดอนจอห์น เอาท์แรม 1988 ^{[ 130 ]}
• 
  77 West Wacker Drive , ชิคาโก, สหรัฐอเมริกา โดย Ricardo Bofill, 1990-1992 ^{[ 132 ]}
• 
  ห้องสมุด Harold Washington , ชิคาโก, โดยHammond, Beeby & Babka , 1991 ^{[ 133 ]}
• 
  สวนฤดูหนาวของห้องสมุด Harold Washington โดย Hammond, Beeby & Babka, 1991 ^{[ 133 ]}
• 
  อาคาร M2 โตเกียวประเทศญี่ปุ่น ออกแบบโดยKengo Kumaปี 1991 ^{[ 134 ]}
• 
  แอนติโกเน เมืองมงเปลลิเยร์ประเทศฝรั่งเศส ผลงานของริคาร์โด โบฟิลล์สร้างเสร็จในปี 1992
• 
  พิพิธภัณฑ์เด็กแห่งฮูสตันฮูสตัน สหรัฐอเมริกา โดยโรเบิร์ต เวนทูริ พ.ศ. 2535 ^{[ 135 ]}
• 
  Forum Shops ในCaesars Palaceลาสเวกัส สหรัฐอเมริกา ออกแบบโดยMarnell Corrao Associatesปี 1992 ^{[ 136 ]}
• 
  ภายนอกของTrafford Centreเมืองแมนเชสเตอร์ สหราชอาณาจักร ออกแบบโดยChapman TaylorและLeach Rhodes Walkerพร้อมประติมากรรมโดยColin SpofforthและGuy Portelliปี 1998 ^{[ 137 ]}
• 
  ภายในศูนย์การค้า Trafford Centre ออกแบบโดย Chapman Taylor และ Leach Rhodes Walker ปี 1998 ^{[ 137 ]}
• 
  Louis Ghost เป็นการตีความใหม่ที่เรียบง่ายของเก้าอี้เท้าแขนในสไตล์หลุยส์ที่ 16โดยPhilippe Starckปี 2009 วัสดุ: โพลีคาร์บอเนตความสูง: 94 ซม. สถานที่ต่างๆ^{[ 138 ]}
• 
  โต๊ะ สไตล์โพสต์โมเดิร์นที่มีขาแตกต่างกัน บางขาชวนให้นึกถึงเฟอร์นิเจอร์สไตล์นีโอคลาสสิก นักออกแบบไม่ทราบชื่อประมาณปี 2010 ทำจากไม้ทาสี ขนาดไม่ทราบแน่ชัด ตั้งอยู่บนถนน Cărturești Verona (Strada Arthur Verona no. 15) ในบูคาเรสต์ประเทศโรมาเนีย

ข้อความแรกๆ ที่ตั้งคำถามเกี่ยวกับลัทธิโมเดิร์นนิสม์คือผลงานของสถาปนิกRobert Venturiเรื่องComplexity and Contradiction in Architecture (1966) ซึ่งเขาแนะนำให้ฟื้นฟู 'การปรากฏตัวของอดีต' ในการออกแบบสถาปัตยกรรม เขาพยายามรวมคุณสมบัติต่างๆ ไว้ในอาคารของเขาเอง ซึ่งเขาอธิบายว่าเป็น 'การรวมเข้าด้วยกัน ความไม่สอดคล้องกัน การประนีประนอม การปรับตัว การดัดแปลง การอยู่ติดกันมากเกินไป ความเท่าเทียมกัน จุดสนใจหลายจุด การวางเคียงข้างกัน หรือพื้นที่ที่ดีและไม่ดี' ^{[ 139 ]}ผลงานของ Robert Venturi สะท้อนให้เห็นถึงอารมณ์ต่อต้านวัฒนธรรมในวงกว้างของยุค 1960 ซึ่งคนรุ่นใหม่เริ่มตั้งคำถามและท้าทายความเป็นจริงทางการเมือง สังคม และเชื้อชาติที่พวกเขาเผชิญ การปฏิเสธลัทธิโมเดิร์นนิสม์นี้เรียกว่าลัทธิโพสต์โม เดิร์นนิสม์ Robert Venturi ล้อเลียนคำกล่าวอันโด่งดังของLudwig Mies van der Rohe ที่ว่า ' น้อยแต่มาก ' ด้วย 'น้อยแต่น่าเบื่อ' ในช่วงทศวรรษ 1980 และ 1990 สถาปนิกโพ สต์โมเดิร์น บางคน พบที่พึ่งในรูปแบบนีโอคลาสสิก การใช้หลักการคลาสสิกของพวกเขาไม่ได้จำกัดอยู่เพียงแค่การตกแต่ง แต่ยังใช้สัดส่วนและหลักการอื่นๆ ด้วย สถาปัตยกรรมคลาสสิกโพสต์โมเดิร์นนั้นถูกอธิบายโดยบางคนว่าเป็น "แคมป์" หรือ " คิทช์ " สถาปนิกที่โดดเด่นในด้านสถาปัตยกรรมคลาสสิกโพสต์โมเดิร์นคือริคาร์โด โบฟิลล์ผลงานของเขารวมถึงโครงการที่อยู่อาศัยขนาดมหึมาสองโครงการใกล้กรุงปารีส ได้แก่ เลส์ อาร์เคด ดู ลาค (Les Arcades du Lac) สร้างขึ้น ระหว่างปี 1975 ถึง 1981 และ เลส์ เอสสเป ซ ดาบราซัส (Les Espaces d'Abraxas) สร้างขึ้นระหว่างปี 1978 ถึง 1983 อาคารที่โดดเด่นในด้านการฟื้นฟูสถาปัตยกรรมคลาสสิกคือพิพิธภัณฑ์ เจ. พอล เกตตี (J. Paul Getty Museum ) ในมาลิบู รัฐแคลิฟอร์เนียสร้างขึ้นระหว่างปี 1970 ถึง 1975 ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากวิลลาโรมันโบราณแห่งปาปิรัสที่ เฮอร์ คูเลเนียม (Herculaneum ) พิพิธภัณฑ์ J. Paul Getty มีความใกล้เคียงกับสถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกในศตวรรษที่ 19 มากกว่าสถาปัตยกรรมคลาสสิกหลังสมัยใหม่ในทศวรรษ 1980 เช่น Pompejanumในเมือง Aschaffenburg ประเทศเยอรมนี ^{[ 140 ]}

• 
  หอศิลป์ควีนส์พระราชวังบักกิงแฮม ลอนดอน โดยจอห์น ซิมป์สัน 2000-2002 ^{[ 141 ]}
• 
  ศูนย์แสดงดนตรีซิมโฟนีเชอร์เมอร์ ฮอร์น เมืองแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี สหรัฐอเมริกา ออกแบบโดยEarl Swensson Associates, David M. Schwarz Architects และ Hastings Architecture Associates ในปี 2006
• 
  หอศิลป์เจมส์ ไซมอนบริเวณทางเข้าพิพิธภัณฑ์นอยส์ในกรุงเบอร์ลิน ผลงานของเดวิด ชิปเปอร์ฟิลด์ปี 2009–2018

หลังจากช่วงซบเซาในยุคที่สถาปัตยกรรมสมัยใหม่ครองตลาด (ประมาณหลังสงครามโลกครั้งที่สองจนถึงกลางทศวรรษ 1980) สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกก็กลับมาเฟื่องฟูอีกครั้ง

นับตั้งแต่ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกสมัยใหม่มักถูกจัดอยู่ในกลุ่มสถาปัตยกรรมคลาสสิกใหม่บางครั้งก็เรียกอีกอย่างว่าสถาปัตยกรรมนีโอประวัติศาสตร์หรือสถาปัตยกรรมแบบ ดั้งเดิม ^{[ 142 ]} นอกจากนี้ สถาปัตยกรรมโพสต์โมเดิร์นจำนวนมากยังได้รับแรงบันดาลใจและมีการอ้างอิงถึงสถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกอย่างชัดเจน เช่น ย่านแอนติโกเนและโรงละครแห่งชาติคาตาโลเนียในบาร์เซโลนาสถาปัตยกรรมโพสต์โมเดิร์นบางครั้งก็รวมเอาองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์ เช่น เสา หัวเสา หรือแผ่นปิดหน้าจั่ว

สำหรับสถาปัตยกรรมแบบดั้งเดิมที่จริงใจซึ่งยึดมั่นในสถาปัตยกรรมท้องถิ่น วัสดุ และฝีมือช่าง คำว่าสถาปัตยกรรมแบบดั้งเดิม (หรือ สถาปัตยกรรมพื้นถิ่น) มักถูกนำมาใช้รางวัลสถาปัตยกรรม Driehausมอบให้แก่ผู้มีส่วนร่วมสำคัญในสาขาสถาปัตยกรรมแบบดั้งเดิมหรือแบบคลาสสิกในศตวรรษที่ 21 และมีเงินรางวัลสูงกว่ารางวัล Pritzker Prize ของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ถึงสองเท่า^{[ 143 ]}

ในสหรัฐอเมริกา อาคารสาธารณะร่วมสมัยหลายแห่งสร้างขึ้นในสไตล์นีโอคลาสสิก โดยศูนย์แสดงดนตรีซิมโฟนีเชอร์เมอร์ฮอร์นในแนชวิลล์ ซึ่งสร้างเสร็จในปี 2006 เป็นตัวอย่างหนึ่ง

ในสหราชอาณาจักร มีสถาปนิกจำนวนมากที่ทำงานในสไตล์นีโอคลาสสิก ตัวอย่างผลงานของพวกเขา ได้แก่ ห้องสมุดมหาวิทยาลัยสองแห่ง คือห้องสมุด Maitland Robinson ของQuinlan Terry ที่ วิทยาลัย Downing และ ห้องสมุด Sacklerของ Robert Adam Architects

• บราวน์, เควิน (2017). ศิลปินและผู้อุปถัมภ์: ศิลปะในราชสำนักและการปฏิวัติในบรัสเซลส์ในช่วงปลายระบอบเก่า , ดัตช์ครอสซิ่ง, เทย์เลอร์ แอนด์ ฟรานซิส
• เอริกเซน, สเวนด์. ลัทธิคลาสสิกใหม่ยุคต้นในฝรั่งเศส (1974)
• ฟรีดแลนเดอร์, วอลเตอร์ (1952). เดวิดถึงเดลาครัวซ์ (ตีพิมพ์ครั้งแรกในภาษาเยอรมัน; พิมพ์ซ้ำในปี 1980)
• โกรโมท, จอร์จส์, พร้อมบทนำโดยริชาร์ด แซมมอนส์ (2001). องค์ประกอบของสถาปัตยกรรมคลาสสิก (ชุดคลาสสิกอเมริกาในสาขาศิลปะและสถาปัตยกรรม)
• แฮร์ริสัน, ชาร์ลส์; พอล วูด และ เจสัน ไกเกอร์ (บรรณาธิการ) (2000; พิมพ์ซ้ำ 2003). ศิลปะในทฤษฎี 1648–1815: บทความรวมเกี่ยวกับแนวคิดที่เปลี่ยนแปลงไป
• ฮาร์ทอป, คริสโตเฟอร์, พร้อมคำนำโดยทิม น็อกซ์ (2010)
• อุดมคติแบบคลาสสิก: เครื่องเงินอังกฤษ ค.ศ. 1760–1840แคตตาล็อกนิทรรศการ เคมบริดจ์: จอห์น อดัมสันISBN 978-0-9524322-9-6.
• เออร์วิน, เดวิด (1966). ศิลปะนีโอคลาสสิกอังกฤษ: การศึกษาแรงบันดาลใจและรสนิยม
• จอห์นสัน, เจมส์ วิลเลียม. “ลัทธิคลาสสิกใหม่คืออะไร?” วารสารการศึกษาอังกฤษ , เล่ม 9, ฉบับที่ 1, 1969, หน้า 49–70. ออนไลน์
• โรเซนบลัม, โรเบิร์ต (1967). การเปลี่ยนแปลงในศิลปะปลายศตวรรษที่สิบแปด

วิกิมีเดียคอมมอนส์มีสื่อที่เกี่ยวข้องกับลัทธิคลาสสิกใหม่