Part of a series on
Performing arts
Acrobatics Ballet Circus skills Clown Dance Gymnastics Magic Mime Music Opera Professional wrestling Puppetry Speech Stand-up comedy Street performance Theatre Ventriloquism
v t e

ศิลปะการแสดงคือศิลปะเช่นดนตรีการเต้นรำและละครซึ่งแสดงต่อหน้าผู้ชมศิลปะการแสดง แตกต่างจากศิลปะภาพซึ่งเกี่ยวข้องกับการใช้สี ผ้าใบ หรือวัสดุต่างๆ เพื่อสร้างวัตถุศิลปะ ทั้งแบบกายภาพและแบบคง ที่ ศิลปะการแสดงประกอบด้วยหลากหลายสาขาวิชาที่แสดงต่อหน้าผู้ชมสด ซึ่งรวมถึงละคร ดนตรี และการเต้นรำ

ละครดนตรี ยิมนาสติกการเคลื่อนย้ายวัตถุและการแสดงประเภทอื่นๆ ล้วนปรากฏอยู่ในทุกวัฒนธรรมของมนุษย์ประวัติศาสตร์ของดนตรีและการเต้นรำมีมาตั้งแต่ยุคก่อนประวัติศาสตร์ขณะที่ทักษะการแสดงละครสัตว์มีมาตั้งแต่ยุคอียิปต์โบราณศิลปะการแสดงหลายอย่างมีการแสดงอย่างมืออาชีพ การแสดงอาจจัดขึ้นในอาคารที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะ เช่น โรงละครและโรงอุปรากร บนเวทีกลางแจ้งในงานเทศกาล บนเวทีในเต็นท์เหมือนในละครสัตว์ หรือบนถนน

การแสดงสดต่อหน้าผู้ชมถือเป็นรูปแบบหนึ่งของความบันเทิง พัฒนาการของ การบันทึก เสียงและวิดีโอทำให้สามารถรับชมศิลปะการแสดงเป็นการส่วนตัวได้ ศิลปะการแสดงมักมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงอารมณ์หรือความรู้สึก

ศิลปินที่มีส่วนร่วมในศิลปะการแสดงต่อหน้าผู้ชมเรียกว่านักแสดง ตัวอย่างเช่นนักแสดง นักแสดงตลกนักเต้น นัก มายากลศิลปินละครสัตว์นักดนตรีและนักร้องศิลปะการแสดงยังได้รับการสนับสนุนจากผู้ปฏิบัติงานในสาขาที่เกี่ยวข้อง เช่นการเขียนเพลงการออกแบบท่าเต้น และการแสดงบนเวทีนักแสดงมักปรับเปลี่ยนรูปลักษณ์ ของตนเอง เช่นเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า บนเวทีแสงสีเสียงและเสียง

ศิลปะการแสดงอาจรวมถึงการเต้นรำ ดนตรี โอ เปร่าละครเวทีและละครเพลงมายากลมายากลใบ้การพูดการเชิดหุ่นศิลปะละครสัตว์ การแสดงตลกเดี่ยวการแสดงด้นสดมวยปล้ำอาชีพและศิลปะการแสดง

นอกจากนี้ยังมีศิลปะวิจิตรศิลป์รูปแบบเฉพาะอีกประเภทหนึ่ง ซึ่งศิลปินจะแสดงผลงานของตนต่อหน้าผู้ชมแบบสดๆ เรียกว่าศิลปะการแสดงศิลปะการแสดงส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับศิลปะพลาสติก บางรูปแบบ ซึ่งอาจรวมถึงการสร้างอุปกรณ์ประกอบฉากการเต้นรำมักถูกเรียกว่าศิลปะพลาสติกในยุคการเต้นรำสมัยใหม่

ละครเวทีเป็นสาขาหนึ่งของศิลปะการแสดงที่เกี่ยวข้องกับการแสดงเรื่องราวต่อหน้าผู้ชม โดยใช้การผสมผสานระหว่างการพูด ท่าทาง ดนตรี การเต้นรำ เสียง และการแสดง องค์ประกอบเหล่านี้อย่างใดอย่างหนึ่งหรือมากกว่านั้นถือเป็นศิลปะการแสดง นอกเหนือจากรูปแบบบทสนทนาเชิงบรรยายแบบมาตรฐานของละครแล้ว ละครเวทียังมีรูปแบบอื่นๆ เช่น ละครเพลง ละครเพลง โอเปร่า บัลเลต์มายากลละครใบ้ นาฏศิลป์อินเดียคลาส สิ กคาบูกิละครตลกละครด้นสดตลกละครใบ้และรูปแบบที่ไม่ธรรมดาหรือร่วมสมัย เช่นละครหลังสมัยใหม่ละครหลังดราม่าหรือศิลปะการแสดง

ในบริบทของศิลปะการแสดง การเต้นรำโดยทั่วไปหมายถึงการเคลื่อนไหว ของมนุษย์ ซึ่งโดยทั่วไปจะเป็นจังหวะและดนตรี ซึ่งใช้เป็นรูปแบบหนึ่งของความบันเทิงสำหรับผู้ชมในการแสดง คำจำกัดความของสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นการเต้นรำนั้นขึ้นอยู่กับ ข้อจำกัด ทางสังคมวัฒนธรรมสุนทรียศาสตร์ศิลปะและศีลธรรมและมีตั้งแต่การเคลื่อนไหวเพื่อการใช้งาน (เช่นการเต้นรำพื้นบ้าน ) ไปจนถึงเทคนิคเฉพาะทางที่เชี่ยวชาญ เช่นบัลเลต์ [

มีรูปแบบการเต้นรำสมัยใหม่อีกรูปแบบหนึ่งที่ถือกำเนิดขึ้นในศตวรรษที่ 19-20 โดยใช้ชื่อว่าฟรีแดนซ์ รูปแบบการเต้นรำนี้มีโครงสร้างเพื่อสร้างบุคลิกภาพที่กลมกลืน ซึ่งรวมถึงคุณลักษณะต่างๆ เช่น อิสรภาพทางร่างกายและจิตวิญญาณอิซาดอรา ดันแคนเป็นนักเต้นหญิงคนแรกที่ถกเถียงเกี่ยวกับ "ผู้หญิงแห่งอนาคต" และพัฒนาเวกเตอร์ท่าเต้นแบบใหม่โดยใช้แนวคิดของนีทเชอ ที่ว่า "จิตใจสูงสุดในจิตใจที่อิสระ"

การเต้นรำเป็นแรงกระตุ้นที่ทรงพลัง แต่ศิลปะการเต้นรำคือแรงกระตุ้นที่ถูกถ่ายทอดโดยนักแสดงผู้มากฝีมือ ไปสู่สิ่งที่แสดงออกอย่างลึกซึ้ง และอาจสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมที่ไม่อยากเต้นรำเอง แนวคิดสองประการของศิลปะการเต้นรำนี้ – การเต้นรำในฐานะแรงกระตุ้นที่ทรงพลัง และการเต้นรำในฐานะศิลปะที่ได้รับการฝึกฝนอย่างเชี่ยวชาญ ซึ่งส่วนใหญ่มักมีผู้ประกอบอาชีพเพียงไม่กี่คน – เป็นสองแนวคิดสำคัญที่สุดที่เชื่อมโยงกันผ่านการพิจารณาประเด็นต่างๆ ในการเต้นรำ ความเชื่อมโยงระหว่างแนวคิดทั้งสองนี้แข็งแกร่งกว่าศิลปะแขนงอื่นๆ และทั้งสองแนวคิดไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากปราศจากอีกแนวคิดหนึ่ง

การออกแบบท่าเต้นคือศิลปะการเต้นรำ และผู้ที่ฝึกฝนศิลปะนี้เรียกว่านักออกแบบท่าเต้น

ดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะที่ผสมผสานระดับเสียง จังหวะ และไดนามิก เข้าด้วย กันเพื่อสร้างเสียง ดนตรีสามารถบรรเลงได้โดยใช้เครื่องดนตรีและรูปแบบที่หลากหลาย และแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ เช่นโฟล์กแจ๊สฮิปฮอป ป็อป และร็อก เป็นต้น ในฐานะรูปแบบศิลปะ ดนตรีสามารถเกิดขึ้นได้ทั้งในรูปแบบการแสดงสดหรือบันทึกเสียง และสามารถวางแผนหรือด้นสดได้

เนื่องจากดนตรีเป็น ศิลปะ ที่เปลี่ยนแปลงได้จึงสามารถประสานเข้ากับเนื้อร้องของเพลงได้อย่างง่ายดาย เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวร่างกายในการเต้นรำ ยิ่งไปกว่านั้น ดนตรียังมีความสามารถในการกำหนดพฤติกรรมมนุษย์ที่ส่งผลต่ออารมณ์ความรู้สึกของเรา

ยุคคลาสสิกของศิลปะการแสดงเริ่มต้นขึ้นในกรีซเมื่อศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสตกาลโดยมีกวีโศกนาฏกรรมอย่างโซโฟคลีส เป็นผู้นำ กวีเหล่านี้ประพันธ์บทละครซึ่งในบางกรณีมีการผสมผสานการเต้นรำ (ดูยูริพิดีส ) ยุคเฮลเลนิสติกเป็นจุดเริ่มต้นของการใช้การแสดงตลกอย่างแพร่หลาย

ระหว่างศตวรรษที่ 9 ถึงศตวรรษที่ 14 ศิลปะการแสดงในโลกตะวันตกส่วนใหญ่จำกัดอยู่เพียง การแสดงประวัติศาสตร์ ทางศาสนาและละครสอนศีลธรรมซึ่งจัดโดยคริสตจักรเพื่อเฉลิมฉลองวันสำคัญทางศาสนาและเหตุการณ์สำคัญอื่นๆ

ในศตวรรษที่ 15 ศิลปะการแสดงควบคู่ไปกับศิลปะโดยทั่วไป ได้ฟื้นคืนชีพขึ้นมาอีกครั้ง เมื่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นในอิตาลีและแผ่ขยายไปทั่วยุโรป ละครบางเรื่องได้ผสมผสานการเต้นรำเข้าไปด้วย ซึ่งโดเมนิโก ดา เปียเชนซาได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้ริเริ่มใช้คำว่าballo (ในDe Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) แทน คำว่า danza (การเต้นรำ) เป็นครั้งแรกสำหรับbalettiหรือballi ของเขา ในที่สุดคำนี้ก็กลาย เป็น Ballet เชื่อ กัน ว่า บัลเลต์แรกๆคือBallet Comique de la Reine (1581) ของบัลธาซาร์ เดอ โบโจเยิ ลซ์

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ละครตลกคอมมีเดีย เดลลาร์เตได้รับความนิยมในยุโรป โดยเริ่มมีการใช้การแสดงแบบด้นสดช่วงเวลานี้ยังได้นำการแสดงละครหน้ากากสมัยเอลิซาเบธ (Elizabethan Masque) มาใช้ ซึ่งประกอบด้วยดนตรี การเต้นรำ เครื่องแต่งกายอันวิจิตรบรรจง และคณะละครมืออาชีพในอังกฤษ บทละครของ วิลเลียม เชกสเปียร์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ได้พัฒนามาจากการแสดงมืออาชีพรูปแบบใหม่นี้

ในปี ค.ศ. 1597 โอเปร่าเรื่องแรกเรื่องDafneได้ถูกแสดง และตลอดศตวรรษที่ 17 โอเปร่าก็กลายมาเป็นความบันเทิงที่ชนชั้นสูงในยุโรปส่วนใหญ่นิยมเลือก และในที่สุดก็กลายเป็นความบันเทิงที่ผู้คนจำนวนมากที่อาศัยอยู่ในเมืองต่างๆ ทั่วทั้งยุโรปเลือกใช้

ยุคบาโรกเกิดขึ้นตามหลังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เริ่มต้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 17 แสดงให้เห็นถึงการละทิ้งความเรียบง่ายและความเคร่งครัดของ ศิลปะ โปรเตสแตนต์โดยมีการใช้คอนทราสต์ รายละเอียด และสีสันอย่างกว้างขวาง ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากคริสตจักรคาทอลิก

การริเริ่มใช้ซุ้มประตูเวทีในอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 17 ได้ก่อให้เกิดรูปแบบการละครแบบดั้งเดิมที่ยังคงดำรงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ขณะเดียวกัน ในอังกฤษ ชาวพิวริแทนได้ห้ามการแสดง ทำให้ศิลปะการแสดงต้องหยุดชะงักลงจนถึงปี ค.ศ. 1660 หลังจากนั้น ผู้หญิงก็เริ่มปรากฏตัวในละครทั้งภาษาฝรั่งเศสและภาษาอังกฤษ ชาวฝรั่งเศสได้นำการสอนเต้นรำอย่างเป็นทางการมาใช้ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และในช่วงเวลานี้เองที่ละครชุดแรกๆ ได้ถูกนำมาแสดงใน เขตอาณานิคม ของ อเมริกา

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 นีโอคลาสสิกได้กลายเป็นกระแสศิลปะที่สำคัญที่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะและวัฒนธรรมของสมัยโบราณคลาสสิก

ดนตรีในยุคนีโอคลาสสิกมีลักษณะเด่นคือการเน้นย้ำถึงระเบียบและความชัดเจนของรูปแบบมากขึ้น รวมถึงการละทิ้งจากโพลีโฟนีไปสู่โฮโมโฟนีนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่โยเซฟ ไฮเดิน , โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท , ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนและฟรานซ์ ชูเบิร์ต

การนำโอเปร่าบัฟฟา อันโด่งดัง เข้ามาสู่สาธารณชนในฐานะรูปแบบการแสดงที่เข้าถึงได้ง่าย บทละครThe Marriage of FigaroและDon Giovanniของโมสาร์ทถือเป็นผลงานสำคัญของโอเปร่าในช่วงปลายศตวรรษที่ 18

เมื่อเข้าสู่ศตวรรษที่ 19 กระแสความโรแมนติกได้เริ่มต้นยุคสมัยใหม่ที่นำไปสู่การแสดงโอเปร่าอันยิ่งใหญ่ ก่อน จากนั้นจึงไปสู่ละครเพลงของจูเซปเป แวร์ดีและGesamtkunstwerk (ผลงานศิลปะทั้งหมด) ของโอเปร่าของริชาร์ด วากเนอร์ซึ่งนำไปสู่ดนตรีของศตวรรษที่ 20 โดยตรง

ศตวรรษที่ 19 เป็นยุคแห่งการเติบโตของศิลปะการแสดงสำหรับทุกชนชั้นทางสังคม ความก้าวหน้าทางเทคนิคต่างๆ เช่น การนำการแสดงแก๊สไลท์มาใช้ในโรงละครการแสดงเบอร์เลสก์การเต้นมินสเตรล และละครวาไรตี้ ในวงการบัลเลต์ ผู้หญิงมีความก้าวหน้าอย่างมากในศิลปะการแสดงที่แต่เดิมมักถูกครอบงำโดยผู้ชาย

การเต้นรำสมัยใหม่เริ่มต้นขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เพื่อตอบสนองต่อข้อจำกัดของบัลเลต์แบบดั้งเดิม การมาถึงของบัลเลต์รัสเซีย (Ballets Russes ) ของเซอร์เกย์ เดียกิเลฟ (1909–1929) ได้ปฏิวัติวงการบัลเลต์และศิลปะการแสดงทั่วโลกตะวันตก ที่สำคัญที่สุดคือการที่เดียกิเลฟให้ความสำคัญกับการทำงานร่วมกัน ซึ่งนำนักออกแบบท่าเต้น นักเต้น นักออกแบบฉาก/ศิลปิน นักแต่งเพลง และนักดนตรีมารวมตัวกันเพื่อฟื้นฟูและปฏิวัติบัลเลต์ บัลเลต์มีความซับซ้อนอย่างยิ่ง

"System"ของคอนสแตนติน สตานิสลาฟสกีได้ปฏิวัติวงการการแสดงในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และยังคงมีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแสดงทั้งบนเวทีและจอภาพยนตร์มาจนถึงปัจจุบัน ทั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์และสัจนิยมสมัยใหม่ได้ถูกนำเข้าสู่เวทีในช่วงเวลานี้

การประดิษฐ์ภาพยนตร์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 โดยโทมัส เอดิสันและการเติบโตของอุตสาหกรรมภาพยนตร์ในฮอลลีวูดในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ทำให้ ภาพยนตร์กลายมาเป็นสื่อการแสดงที่โดดเด่นตลอดศตวรรษที่ 20 และ 21

จังหวะและบลูส์ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมของคนผิวสีในอเมริกา ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และมีอิทธิพลต่อรูปแบบดนตรียอดนิยมในเวลาต่อมาในระดับสากล

ในช่วงทศวรรษปี 1930 ฌอง โรเซนธัล ได้นำเสนอ ระบบแสงไฟบนเวทีที่ทันสมัย ​​ซึ่งถือเป็นการเปลี่ยนแปลงลักษณะของเวทีเมื่อละครเพลงบรอดเวย์กลายเป็นปรากฏการณ์ในสหรัฐอเมริกา

ศิลปะการแสดงหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ได้รับการเน้นย้ำด้วยการฟื้นตัวของทั้งบัลเล่ต์และโอเปร่าในโลกตะวันตก

แนวคิดหลังสมัยใหม่มีอิทธิพลเหนือศิลปะการแสดงในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980

ประเพณีการแสดงพื้นเมืองของแอฟริกามีรากฐานมาจากพิธีกรรมการเล่านิทานการเคลื่อนไหวและดนตรี [ การแสดงเป็นกิจกรรมร่วมกัน โดยผู้เล่านิทานและผู้ชมมีปฏิสัมพันธ์และมีส่วนร่วมในการร้องโต้ตอบซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือนักร้องจะร้องเพลงหนึ่งท่อน จากนั้นผู้แสดงและ/หรือผู้ชมคนอื่นๆ จะสะท้อนหรือตอบสนองด้วยท่อนใหม่ ประเพณีโบราณนี้มีรากฐานมาจากวัฒนธรรมแอฟริกันหลายแห่ง

เหตุการณ์ละครที่เก่าแก่ที่สุดที่บันทึกไว้ย้อนกลับไปถึง 2000 ปีก่อนคริสตกาล คือละครพิธีกรรมของอียิปต์โบราณเรื่องราวของเทพโอซิริสถูกจัดแสดงเป็นประจำทุกปีในงานเทศกาลต่างๆ ทั่วอารยธรรม ซึ่งถือเป็นจุดเริ่มต้นของความสัมพันธ์อันยาวนานระหว่างโรงละครและศาสนา แผ่นปาปิรุสราเมเซียม (Dramatic Ramesseum Papyrus ) ซึ่งเป็นแผ่นปาปิรุสภาพประกอบที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ ได้ให้รายละเอียดเกี่ยวกับการแสดงในช่วงเทศกาลเซดและถูกใช้เป็นหลักฐานการกำเนิดของประเพณีการแสดงละคร ซึ่งนักวิชาการตะวันตกมักเชื่อว่ามีต้นกำเนิดมาจากกรีกโบราณ

Griot คือผู้เล่าประวัติศาสตร์ปากเปล่าชาวแอฟริกาตะวันตกที่ใช้การเล่าเรื่อง บทกวี และดนตรีเพื่อถ่ายทอดลำดับวงศ์ตระกูลและคำบอกเล่าทางประวัติศาสตร์ของชนเผ่า ที่พวกเขาเป็นตัวแทน โดยมักจะเล่นเครื่องดนตรี เช่นโคราอาชีพโบราณนี้ได้รับการยกย่องในฐานะผู้นำชุมชน

รูปแบบการละครที่ได้รับความนิยมสูงสุดในโลกอิสลามยุคกลางได้แก่ ละคร หุ่นกระบอก (ซึ่งรวมถึงหุ่นมือละครเงาและ การแสดง หุ่นกระบอก ) และละครตะซียะฮ์ ( Ta'ziya ) ซึ่งนักแสดงจะเล่นบทบาทสมมติจากประวัติศาสตร์มุสลิมโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ละคร อิสลามชีอะห์มักเกี่ยวข้องกับชะฮีด (การพลีชีพ) ของฮะซัน อิบนุ อาลีและฮุซัยน์ อิบนุ อาลีบุตรชายของอาลีโดยทั่วไปจะหมายถึงละครตะซียะฮ์เกี่ยวกับยุทธการที่คาร์บาลาและเหตุการณ์ก่อนหน้าและเหตุการณ์ต่อจากนั้นเซอร์ ลูอิส เพลลีเริ่มต้นคำนำในหนังสือของเขาเกี่ยวกับตะซียะฮ์ โดยกล่าวว่า "หากความสำเร็จของละครวัดจากผลกระทบที่มีต่อผู้คนที่แต่งขึ้น หรือต่อผู้ชมที่ละครนำเสนอ ไม่มีละครใดที่จะเทียบเท่าโศกนาฏกรรมที่รู้จักกันในโลกมุสลิมในชื่อฮะซันและฮุซัยน์ " หลายปีต่อมา ปีเตอร์ เชลคอฟสกี ศาสตราจารย์ด้านการศึกษาด้านอิหร่านและอิสลามแห่งมหาวิทยาลัยนิวยอร์กเลือกคำเดียวกันนี้สำหรับจุดเริ่มต้นของหนังสือของเขาเรื่อง 'Ta`ziyeh พิธีกรรมและละครในอิหร่าน' ละครฆราวาสสดรู้จักกันในชื่อakhrajaซึ่งบันทึกไว้ใน วรรณกรรม adab ยุคกลาง แม้ว่าจะไม่ค่อยพบเห็นบ่อยเท่ากับหุ่นกระบอกและโรงละครta'ziya

ในอิหร่านมีการแสดงละครรูปแบบอื่นๆ เช่นNaghaliหรือNaqqāli (การเล่านิทาน), Ta'zieh , ٰRu-Howzi , Siah-Bazi , Parde-KhaniและMareke giriก่อนศตวรรษที่ 20 การเล่านิทานเป็นรูปแบบความบันเทิงที่ได้รับการยอมรับมากที่สุด แม้ว่าปัจจุบันรูปแบบบางอย่างยังคงอยู่ รูปแบบหนึ่งคือNaghaliซึ่งแสดงตามประเพณีในร้านกาแฟ โดยนักเล่านิทานหรือNaghals (Naqqāls)จะเล่านิทานทีละส่วนเท่านั้น จึงทำให้มีลูกค้าประจำ เรื่องราวเหล่านี้อิงจากเหตุการณ์ที่มีความสำคัญทางประวัติศาสตร์หรือศาสนา และบทกวีที่อ้างอิงมาจากShahnameh มากมาย เรื่องราวเหล่านี้มักถูกปรับเปลี่ยนเพื่อให้เข้ากับบรรยากาศหรืออารมณ์ของผู้ชม

ละครพื้นบ้านและนาฏศิลป์สามารถสืบย้อนไปถึงพิธีกรรมทางศาสนาของชาวพระเวทในช่วงสหัสวรรษที่ 2 ก่อนคริสตกาลละครพื้นบ้านในอดีตกาลอันเลือนรางนี้ผสมผสานกับการเต้นรำ อาหาร พิธีกรรม และการถ่ายทอดเหตุการณ์ในชีวิตประจำวัน องค์ประกอบสุดท้ายนี้เองที่ทำให้โรงละครแห่งนี้เป็นต้นกำเนิดของละครคลาสสิกในยุคหลัง นักประวัติศาสตร์หลายท่าน เช่น ดี.ดี. โกสัมพี, เทพีปราสาด ฉัตโตปัธยายะ, อัทยา รังคจารยา ฯลฯ ได้กล่าวถึงพิธีกรรมที่แพร่หลายใน หมู่ชน เผ่าอินโด-อารยันซึ่งสมาชิกบางคนในเผ่าปฏิบัติตนราวกับเป็นสัตว์ป่า และบางคนเป็นนักล่า ผู้ที่ปฏิบัติตนเป็นสัตว์เลี้ยงลูกด้วยนม เช่น แพะ ควาย กวางเรนเดียร์ ลิง ฯลฯ จะถูกไล่ล่าโดยผู้ที่ทำหน้าที่เป็นนักล่า

ภารตะมุนี (ราวศตวรรษที่ 5-2 ก่อนคริสตกาล) เป็นนักเขียนชาวอินเดียโบราณที่รู้จักกันดีที่สุดจากการเขียนNatya Shastra ของ Bharataซึ่งเป็นบทความเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับศิลปะการแสดงของอินเดีย รวมถึงละคร การเต้นรำ การแสดง และดนตรี ซึ่งได้รับการเปรียบเทียบกับPoeticsของอริสโตเติลภารตะมักเป็นที่รู้จักในฐานะบิดาแห่งศิลปะการละครอินเดียNatya Shastra ของเขา ดูเหมือนจะเป็นความพยายามครั้งแรกในการพัฒนาเทคนิคหรือศิลปะแห่งการละครอย่างเป็นระบบ Natya Shastra บอกเราไม่เพียงแต่สิ่งที่จะต้องแสดงในละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิธีการแสดงด้วย ดังที่ภารตะมุนีกล่าวไว้ ละครคือการเลียนแบบมนุษย์และการกระทำของพวกเขา ( loka-vritti ) เนื่องจากมนุษย์และการกระทำของพวกเขาต้องได้รับการเคารพบนเวที ละครในภาษาสันสกฤตจึงเป็นที่รู้จักในคำว่าrupakaซึ่งหมายถึงการพรรณนา

รามายณะและมหาภารตะถือเป็นบทละครชุดแรกที่ได้รับการยอมรับซึ่งมีต้นกำเนิดในอินเดีย มหากาพย์เหล่านี้ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับนักเขียนบทละครชาวอินเดียยุคแรก ๆ และยังคงเป็นเช่นนั้นมาจนถึงทุกวันนี้ นักเขียนบทละครชาวอินเดีย เช่นภาสะในศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสตกาล ได้ประพันธ์บทละครที่ได้รับแรงบันดาลใจอย่างมากจากรามายณะและมหาภารตะ [

กาลิทาสในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสตกาล ได้รับการยกย่องว่าเป็นนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอินเดีย โบราณ บทละครโรแมนติกสามเรื่องที่กาลิทาสเขียน ได้แก่ มาลาวิกานิมิตรัม ( มาลาวิกาและอัคนิมิตร ) วิกรมโมรวาศียม ( เกี่ยวกับวิกรมและอุรวาสี ) และอภิชญาณศากุนต ละ ( การยกย่องศกุนตลา ) บทละครสุดท้ายได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องราวในมหาภารตะและมีชื่อเสียงที่สุด เป็นบทละครแรกที่ได้รับการแปลเป็นภาษาอังกฤษและภาษาเยอรมัน เมื่อเปรียบเทียบกับภาสะ ซึ่งได้รับอิทธิพลจากมหากาพย์ กาลิทาสถือเป็นนักเขียนบทละครผู้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

นักเขียนบทละครชาวอินเดียผู้ยิ่งใหญ่คนต่อมาคือภวภูติ (ราวศตวรรษที่ 7) กล่าวกันว่าท่านได้ประพันธ์บทละครสามเรื่อง ได้แก่มาลาติ-มณฑวะ , มหาวีรชาริตาและอุตตรรามาชาริตาในบรรดาสามเรื่องนี้ สองเรื่องหลังครอบคลุมมหากาพย์รามายณะทั้งเรื่อง จักรพรรดิ ฮาร์ศะ (ค.ศ. 606–648) ผู้มีอำนาจของอินเดียได้รับการยกย่องว่าได้ประพันธ์บทละครสามเรื่อง ได้แก่รัตนวาลี , ปริยทรรสิกาและนาคะนันทะละครพุทธ ศาสนา นักเขียนบทละครคนอื่นๆ อีกมากมายได้ติดตามท่านในช่วงยุคกลาง

มีรูปแบบศิลปะการแสดงมากมายในอินเดียตอนใต้ โดยรัฐเกรละเป็นรัฐที่มีรูปแบบศิลปะที่แตกต่างกันออกไป เช่นKoodiyattam , Nangyarkoothu, Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattamและยังมีศิลปินที่มีชื่อเสียงมากมาย เช่นPainkulam Raman Chakyarและคนอื่นๆ

มีการอ้างอิงถึงความบันเทิงทางละครในประเทศจีนตั้งแต่ 1,500 ปีก่อนคริสตกาลในสมัยราชวงศ์ซางโดยมักเกี่ยวข้องกับดนตรี การแสดงตลก และการแสดงกายกรรม

ราชวงศ์ถังบางครั้งถูกเรียกว่า "ยุคแห่งความบันเทิงพันประการ" ในยุคนี้จักรพรรดิถังเสวียนจงทรงก่อตั้งโรงเรียนสอนการแสดงที่รู้จักกันในชื่อ "เด็กแห่งสวนลูกแพร์"เพื่อสร้างละครที่เน้นดนตรีเป็นหลัก

ในสมัยราชวงศ์ฮั่นละครหนังตะลุงหรือที่รู้จักกันในชื่อหนังตะลุง ได้ถือกำเนิดขึ้นในฐานะรูปแบบหนึ่งของละครที่ได้รับการยอมรับในประเทศจีน ละครเหล่านี้นำเสนอเรื่องราวการผจญภัยและจินตนาการ มีการใช้สีสัญลักษณ์อย่างแพร่หลาย ใบหน้าสีดำหมายถึงความซื่อสัตย์ ส่วนสีแดงหมายถึงความกล้าหาญ ศีรษะจะถูกตัดออกในเวลากลางคืน ตามความเชื่อโบราณที่ว่าหากปล่อยทิ้งไว้ หุ่นจะกลับมีชีวิตขึ้นมา กล่าวกันว่าหนังตะลุงได้พัฒนามาถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาทางศิลปะในศตวรรษที่ 11 ก่อนที่จะกลายเป็นเครื่องมือของรัฐบาล

ในสมัยราชวงศ์ซ่งมีละครยอดนิยมหลายเรื่องที่เกี่ยวข้องกับกายกรรมและดนตรี ซึ่งได้รับการพัฒนาในสมัยราชวงศ์หยวนจนกลายเป็นรูปแบบที่ซับซ้อนยิ่งขึ้น โดยมีโครงสร้างสี่หรือห้าองก์ ละครหยวนแพร่หลายไปทั่วจีนและมีความหลากหลายในรูปแบบต่างๆ ในแต่ละภูมิภาค โดยรูปแบบที่รู้จักกันดีที่สุดคืองิ้วปักกิ่ง ซึ่งยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงปัจจุบัน

ในประเทศไทยมีประเพณีการแสดงละครเวทีที่อิงจากโครงเรื่องจากมหากาพย์อินเดียมาตั้งแต่ยุคกลาง โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ละครเวทีเรื่องรามเกียรติ์ซึ่งเป็นฉบับดัดแปลงจาก รา มาย ณะของอินเดีย ยังคงได้รับความนิยมในประเทศไทยมาจนถึงทุกวันนี้

ในประเทศกัมพูชาจารึกที่มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 6 บ่งชี้ถึงหลักฐานของการเต้นรำในวัดท้องถิ่นและการใช้หุ่นกระบอกในการแสดงทางศาสนา ที่นครวัด เมืองหลวง เก่า เรื่องราวจากมหากาพย์ รามายณะและมหาภารตะของอินเดียถูกสลักไว้บนผนังวัดและพระราชวัง ภาพนูนต่ำที่คล้ายกันนี้ยังพบที่บุโรพุทโธในอินโดนีเซีย อีกด้วย

ในประเทศฟิลิปปินส์บทกวีมหากาพย์อันโด่งดังอิบง อาดาร์นาเดิมมีชื่อว่า"Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (อังกฤษ: " Corido and Life Lived by the Three Princes, Children of King Fernando and Queen Valeriana in the Kingdom of Berbania") จากศตวรรษที่ 16 เขียนโดยโฮเซ่ เด ลา ครูซในสมัยสเปนนอกเหนือจากการแสดงละครแล้ว ภาพยนตร์ต่างๆ ยังถูกผลิตโดยสตูดิโอภาพยนตร์/รายการโทรทัศน์ต่างๆ ภาพยนตร์เรื่อง "Ang Ibong Adarna" ที่ผลิตครั้งแรกผลิตโดยLVN Picturesซึ่งเป็นสตูดิโอภาพยนตร์ที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของฟิลิปปินส์

Florante ที่ Lauraเป็น" awit "หรือบทกวีที่ประกอบด้วย 12 พยางค์ที่มีชื่อเต็มว่า"Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (อังกฤษ: "The History of Florante และ Laura in the Kingdom of Albania ") เขียนโดยFrancisco Balagtasในปี พ.ศ. 2381 ในระหว่างที่เขาถูกจำคุกซึ่งอุทิศให้กับคนรักของเขา Maria Asuncuion Rivera (ชื่อเล่น "MAR" เรียกว่า "เซลยา") บทกวีนี้มีตอนพิเศษชื่อ " เคย์ เซลยา " (อังกฤษ: "For Celia") ที่อุทิศให้กับริเวราโดยเฉพาะ

โฮเซ ริซาล วีรบุรุษประจำชาติฟิลิปปินส์ซึ่งเป็นนักเขียนนวนิยายเช่นกัน ได้ประพันธ์บทกวีชื่อดังสองบทในฟิลิปปินส์ คือโนลิ เม ตังเกเร ( ภาษาละตินแปลว่า "อย่าแตะต้องฉัน" โดยเพิ่มเสียงแหลมในคำสุดท้ายตามอักขรวิธีของสเปน ) (1887) ซึ่งบรรยายถึงความไม่เท่าเทียมที่รับรู้ได้ของบาทหลวงคาทอลิกชาวสเปนและรัฐบาลปกครอง และเอล ฟิลิบัสเตอร์ริสโม (คำแปล: ฟิลิบัสเตอร์; การบ่อนทำลาย หรือ การบ่อนทำลาย เช่นเดียวกับในฉบับแปลภาษาอังกฤษของโลซิน ก็อาจแปลเป็นอีกชื่อหนึ่งได้ ซึ่งรู้จักกันในชื่อภาษาอังกฤษอีกชื่อหนึ่งว่า รัชสมัยแห่งความโลภ) (1891) แก่นเรื่องอันมืดหม่นของนวนิยายเรื่องนี้แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากบรรยากาศแห่งความหวังและโรแมนติกของนวนิยายเรื่องก่อนหน้า แสดงให้เห็นถึงการที่อิบาร์ราหันไปใช้ความรุนแรงเพื่อแก้ไขปัญหาของประเทศ หลังจากที่ความพยายามปฏิรูประบบประเทศครั้งก่อนของเขาไม่ประสบผลสำเร็จและดูเหมือนจะเป็นไปไม่ได้ด้วยทัศนคติที่ฉ้อฉลของชาวสเปนที่มีต่อชาวฟิลิปปินส์ นวนิยายเหล่านี้ถูกเขียนขึ้นในช่วงที่ จักรวรรดิ สเปน เข้า มาล่าอาณานิคมฟิลิปปินส์

ผลงานวรรณกรรมทั้งหมดนี้จัดอยู่ในหลักสูตรK-12 Program สำหรับโรงเรียนมัธยมต้นโดยIbong Adarnaอยู่ในหลักสูตรชั้นประถมศึกษาปีที่ 7, Florante ที่ Laura (เกรด 8), Noli Me Tángere (เกรด 9) และEl Filibusterismo (เกรด 10)

ในช่วงศตวรรษที่ 14 มีคณะนักแสดงขนาดเล็กในญี่ปุ่นที่แสดงละครตลกสั้นๆ ซึ่งบางครั้งก็หยาบคาย Kan'ami (1333–1384) ผู้กำกับของคณะเหล่านี้มีบุตรชายชื่อZeami Motokiyo (1363–1443) ซึ่งได้รับการยกย่องให้เป็นนักแสดงเด็กที่ดีที่สุดคนหนึ่งในญี่ปุ่น เมื่อคณะของ Kan'ami แสดงให้กับAshikaga Yoshimitsu (1358–1408) โชกุนของญี่ปุ่น เขาได้วิงวอนให้ Zeami ได้รับการศึกษาในราชสำนักเพื่อศิลปะของเขาหลังจากที่ Zeami สืบทอดตำแหน่งต่อจากบิดาของเขา เขาก็ยังคงแสดงและปรับรูปแบบการแสดงของเขาให้เป็นสิ่งที่เรียกว่าNoh ในปัจจุบัน ละคร Noh ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างละครใบ้และการแสดงกายกรรมเสียง ได้กลายมาเป็นรูปแบบการแสดงละครที่ประณีตที่สุดรูปแบบหนึ่งของประเทศญี่ปุ่น

หลังจากสงครามกลางเมืองและความวุ่นวายทางการเมืองมายาวนาน ญี่ปุ่นได้รวมเป็นหนึ่งและอยู่ในความสงบสุข โดยหลักแล้วเป็นเพราะโชกุน โทกูงาวะ อิเอยาสึ (1600–1668) อย่างไรก็ตาม ด้วยความกังวลต่อจำนวนชาวคริสต์ที่เพิ่มขึ้นภายในประเทศอันเนื่องมาจากความพยายามเผยแผ่ศาสนาของมิชชันนารีคริสเตียน เขาจึงตัดการติดต่อจากญี่ปุ่นไปยังยุโรปและจีน และประกาศให้ศาสนาคริสต์เป็นสิ่งผิดกฎหมาย เมื่อสันติภาพมาถึง อิทธิพลทางวัฒนธรรมที่เฟื่องฟูและชนชั้นพ่อค้าที่เติบโตขึ้นก็เรียกร้องความบันเทิงของตนเอง รูปแบบแรกของการละครที่เฟื่องฟูคือ นิงเงียว โจรุริ (หรือที่เรียกกันทั่วไปว่าบุนรากุ ) ชิกา มัตสึ มอนซาเอมอน (1653–1725) ผู้ก่อตั้งและผู้มีส่วนสนับสนุนหลักของนิงเงียว โจรุริได้เปลี่ยนรูปแบบการละครของเขาให้กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่แท้จริง นิงเงียว โจรุริ เป็นรูปแบบการละครที่มีรูปแบบเฉพาะตัวสูงโดยใช้หุ่นเชิด ปัจจุบันมีขนาดประมาณ1ใน3ของมนุษย์ เหล่าผู้ควบคุมหุ่นเชิดจะฝึกฝนจนกลายเป็นนักเชิดหุ่นมือฉมัง เมื่อพวกเขาสามารถควบคุมหัวและแขนขวาของหุ่นได้ และเลือกที่จะแสดงใบหน้าของพวกเขาในระหว่างการแสดง ส่วนนักเชิดหุ่นคนอื่นๆ ที่ควบคุมแขนขาที่ไม่สำคัญของหุ่น จะปกปิดตัวเองและใบหน้าด้วยชุดดำเพื่อสื่อถึงการล่องหน บทสนทนาดำเนินโดยบุคคลเพียงคนเดียว ซึ่งใช้น้ำเสียงและมารยาทการพูดที่หลากหลายเพื่อเลียนแบบตัวละครต่างๆ ชิกามัตสึเขียนบทละครหลายพันเรื่องในช่วงชีวิตของเขา ซึ่งส่วนใหญ่ยังคงใช้อยู่ในปัจจุบัน

คาบูกิเริ่มต้นขึ้นไม่นานหลังจากบุนรากุ ตามตำนานเล่าว่าโดยนักแสดงสาวชื่อโอคุนิ ซึ่งมีชีวิตอยู่ราวปลายศตวรรษที่ 16 ส่วนประกอบส่วนใหญ่ของคาบูกิมาจากโนห์และบุนรากุ และท่วงท่าการเต้นที่ไม่สม่ำเสมอก็เป็นผลมาจากบุนรากุเช่นกัน อย่างไรก็ตาม คาบูกิมีความเป็นทางการน้อยกว่าและห่างเหินกว่าโนห์ แต่กลับได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ชาวญี่ปุ่น นักแสดงได้รับการฝึกฝนในหลากหลายด้าน เช่น การเต้นรำ การร้องเพลง ละครใบ้ และแม้แต่กายกรรม คาบูกิเริ่มแสดงโดยเด็กสาวก่อน จากนั้นจึงเป็นเด็กชาย และในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 คณะคาบูกิประกอบด้วยผู้ชายทั้งหมด ผู้ชายที่แสดงเป็นผู้หญิงบนเวทีได้รับการฝึกฝนมาเป็นพิเศษเพื่อดึงเอาแก่นแท้ของผู้หญิงผ่านการเคลื่อนไหวและท่าทางอันละเอียดอ่อน

ในยุคก่อนโคลัมบัสอารยธรรมพื้นเมืองของทวีปอเมริกาได้สร้างประเพณีศิลปะการแสดงขึ้นก่อนที่ชาวยุโรปจะเข้ามา ซึ่งรวมถึง พิธีกรรมและพิธีการ ของชาวแอซเท็กและมายาซึ่งมักเกี่ยวข้องกับการเต้นรำ ดนตรี และการแสดงละครอันวิจิตรบรรจงพิธีกรรม และเทศกาล ของชาวอินคายังมีดนตรี การเต้นรำ และการแสดงละครที่แสดงถึงตำนานและนิทานปรัมปราวัฒนธรรมชายฝั่งตะวันตกเฉียงเหนือ เช่นไฮดาทลิงกิตและควาควากาวักว์มีประเพณีการเล่านิทาน การแกะสลักหน้ากาก และการเต้นรำในพิธีกรรม

ยุคอาณานิคมนำมาซึ่งการผสมผสานระหว่างอิทธิพลทางวัฒนธรรมของยุโรปและชนพื้นเมือง ผู้ล่าอาณานิคมชาวสเปน ฝรั่งเศส และอังกฤษ ได้นำประเพณีการละครของยุโรปเข้ามา ซึ่งรวมถึงละครเวที โอเปร่า และบัลเลต์ ชนพื้นเมืองได้นำองค์ประกอบของศิลปะการแสดงดั้งเดิมของตนมาผสมผสานกับการแสดงในยุคอาณานิคม

ชาว เมลานีเซียนเป็นชนพื้นเมืองที่อาศัยอยู่ในเมลานีเซียซึ่งเป็นพื้นที่ที่ทอดยาวจากนิวกินีไปจนถึงฟิจิการเต้นรำของชาวเมลานีเซียนมักแสดงให้เห็นถึงวัฒนธรรมของความเป็นชาย ซึ่งความเป็นผู้นำและทักษะเฉพาะตัวเป็นสิ่งสำคัญในการแบ่งปันกับชุมชนการเต้นรำเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงความเป็นทหารของผู้ชาย อย่างไรก็ตาม ยังสามารถแสดงถึงผลกำไร เช่น การสนับสนุนการแก้ไขข้อขัดแย้งหรือการเยียวยาเครื่องแต่งกายของนักเต้นที่ปลอมตัวเป็นมนุษย์ประกอบด้วยหน้ากากขนาดใหญ่และลักษณะที่ไม่เหมือนมนุษย์ซึ่งทำหน้าที่เลียนแบบบุคคลในตำนาน ดนตรียังสามารถทำหน้าที่เป็นเสียงให้กับบุคคลที่มีมนต์ขลังเหล่านี้ได้อีกด้วย

• ความบันเทิง
• ศิลปะการต่อสู้แบบผสมผสาน
• โครงร่างของศิลปะการแสดง
• การศึกษาศิลปะการแสดง
• ผู้จัดรายการศิลปะการแสดง
• กฎหมายลิขสิทธิ์ของสหรัฐอเมริกาในศิลปะการแสดง
• โรงละครเปอร์เซีย
• โรงละครแห่งญี่ปุ่น
• วัฒนธรรมตะวันตก

• สื่อที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดงที่ Wikimedia Commons

• บรรณานุกรมศิลปะการแสดงในภาคตะวันออก
• ห้องสมุดรวบรวมศิลปะการแสดงแห่งยุโรป