ไวโอลิน

ภาพไวโอลินสมัยใหม่มาตรฐาน ถ่ายจากด้านบนและด้านข้าง
เครื่องดนตรีประเภทสาย
ชื่ออื่นๆ	ซอ
การจำแนกประเภทฮอร์นบอสเทล-แซคส์	321.322-71 ( เครื่องดนตรีประเภทคอร์ดโฟน ผสม ที่เล่นด้วยคันชัก )
ที่พัฒนา	ต้นศตวรรษที่ 16
ช่วงการเล่น
เครื่องมือที่เกี่ยวข้อง
ตระกูลไวโอลิน (วิโอลา ,เชลโล ,ดับเบิลเบส ) ตระกูลไวโอล (นักประวัติศาสตร์บางคนกล่าวว่า ดับเบิลเบสพัฒนามาจากเบสไวโอล)
นักดนตรี
รายชื่อนักไวโอลิน
ผู้สร้าง
รายชื่อช่างทำเครื่องดนตรีประเภทลูท
ตัวอย่างเสียง
วิดีโอแสดงการสาธิตเสียงต่างๆ ของไวโอลินโดยนักไวโอลิน

ไวโอลินบางครั้งเรียกว่าฟิดเดิล [ ^{a ] เป็น}เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่ ทำจากไม้ และเป็นเครื่องดนตรีที่มีขนาดเล็กที่สุด ดังนั้นจึงมีระดับเสียงสูงที่สุด ( โซปราโน)ที่ใช้กันทั่วไปในตระกูลไวโอลินเครื่องดนตรีประเภทไวโอลินที่มีขนาดเล็กกว่าก็มีอยู่ เช่นไวโอลินปิคโคโลและโพเช็ตต์แต่แทบจะไม่ได้ใช้งานเลย ไวโอลินส่วนใหญ่มีตัวเครื่องทำจากไม้กลวง และโดยทั่วไปจะมีสี่สาย (บางครั้งห้าสาย^{[ b ]} ) โดยปกติจะตั้งเสียงเป็นคู่ห้าที่สมบูรณ์แบบด้วยโน้ต G3, D4, A4, E5 และมักจะเล่นโดยการลากคันชักไปตามสาย ไวโอลินยังสามารถเล่นได้โดยการดีดสายด้วยนิ้ว ( พิซซิคาโต ) และในกรณีพิเศษ โดยการตีสายด้วยด้านไม้ของคันชัก ( คอล เลกโน )

ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีสำคัญในหลากหลายแนวดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีคลาสสิกตะวันตกทั้งในวงดนตรี (ตั้งแต่ดนตรีห้องไปจนถึงวงออร์เคสตรา ) และในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ไวโอลินยังมีความสำคัญในดนตรีพื้นบ้าน หลายประเภท รวมถึงดนตรีคันทรี่บลูแกรสและแจ๊ส ไวโอลินไฟฟ้าที่มีตัวเครื่องแข็งและตัวรับสัญญาณแบบเพียโซอิเล็กทริกถูกนำมาใช้ในดนตรีร็อกและแจ๊สฟิวชั่นบาง รูปแบบ โดยเสียบตัวรับสัญญาณเข้ากับเครื่องขยายเสียงและลำโพงเพื่อสร้างเสียง ไวโอลินยังถูกนำไปใช้ในวัฒนธรรมดนตรีที่ไม่ใช่ตะวันตกหลายแห่ง รวมถึงดนตรีอินเดียและดนตรีอิหร่านชื่อ"ฟิดเดิล " มักใช้เรียกไวโอลินไม่ว่าจะเป็นดนตรีประเภทใดก็ตาม

ไวโอลินถูกสร้างขึ้นครั้งแรกในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 โดยมีการปรับปรุงเพิ่มเติมในศตวรรษที่ 18 และ 19 เพื่อให้เครื่องดนตรีมีเสียงที่ทรงพลังและกว้างขึ้น ในยุโรป ไวโอลินเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาเครื่องดนตรีประเภทสายอื่นๆ ที่ใช้ในดนตรีคลาสสิกตะวันตก เช่น วิโอลา^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]}

นักไวโอลินและนักสะสมชื่นชอบเครื่องดนตรีโบราณชั้นเยี่ยมที่สร้างโดย ตระกูล Stradivari , Guarneri , GuadagniniและAmatiตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึง 18 ในเมือง BresciaและCremona (อิตาลี) และโดยJacob Stainerในออสเตรีย ตามชื่อเสียงของพวกเขา คุณภาพเสียงของพวกเขายากที่จะอธิบายหรือหาใครเทียบได้ แม้ว่าความเชื่อนี้จะถูกโต้แย้งก็ตาม^{[ 4 ] [ 5 ]}เครื่องดนตรีจำนวนมากมาจากฝีมือของผู้ผลิตที่ไม่ค่อยมีชื่อเสียง รวมถึงไวโอลิน "สำหรับจำหน่าย" ที่ผลิตจำนวนมากจากอุตสาหกรรมในครัวเรือนในสถานที่ต่างๆ เช่นแซกโซนีโบฮีเมียและมิเรคอร์ต เครื่องดนตรี สำหรับจำหน่ายเหล่านี้จำนวนมากเคยขายโดยSears, Roebuck and Co.และผู้ค้าปลีกรายใหญ่อื่นๆ

ส่วนประกอบของไวโอลินมักทำจากไม้ ชนิดต่างๆ ไวโอลินสามารถใช้สายที่ทำจากลำไส้สัตว์เพอร์ลอนหรือวัสดุสังเคราะห์อื่นๆ หรือสายเหล็กได้ ผู้ที่ทำหรือซ่อมไวโอลินเรียกว่าช่างทำไวโอลินหรือ ช่างทำเครื่องดนตรีประเภทไวโอลิน ส่วนผู้ที่ทำหรือซ่อมคันชักเรียกว่า ช่างทำคันชักหรือช่าง ทำคันชัก

คำว่า "violin" ถูกใช้ครั้งแรกในภาษาอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1570 ^{[ 6 ]}คำว่า "violin" มาจากภาษาอิตาลีviolinoซึ่งเป็นคำย่อของviolaคำว่า "viola" มาจากสำนวนสำหรับ "tenor violin" ในปี 1797 มาจากภาษาอิตาลีและภาษาโพรวองซ์โบราณviola [ซึ่งมาจาก] ภาษาละตินยุคกลางvitulaซึ่งเป็นคำที่หมายถึง' เครื่องดนตรีประเภทสาย'อาจมาจากVitulaเทพธิดาแห่งความสุขของโรมัน หรือจากคำกริยาภาษาละตินที่เกี่ยวข้องvitulariซึ่งหมายถึง "ร้องออกมาด้วยความยินดีหรือความปีติยินดี" ^{[ 7 ]}คำที่เกี่ยวข้องViola da gambaซึ่งหมายถึง' bass viol ' (1724) มาจากภาษาอิตาลี แปลตรงตัวว่า "viola สำหรับขา" (เช่น ถือไว้ระหว่างขา) ^{[ 7 ]}ไวโอลินเป็น "รูปแบบสมัยใหม่ของviola da braccio ขนาดเล็กในยุคกลาง " ("arm viola") ^{[ 6 ]}

ไวโอลินมักถูกเรียกว่าฟิดเดิล คำว่า "ฟิดเดิล" สามารถใช้เป็นชื่อเรียกเครื่องดนตรีตามธรรมเนียมในดนตรีพื้นบ้าน หรือเป็นชื่อเรียกที่ไม่เป็นทางการของเครื่องดนตรีในดนตรีรูปแบบอื่นๆ^{[ 8 ]}คำว่า "ฟิดเดิล" ถูกใช้ครั้งแรกในภาษาอังกฤษในช่วงปลายศตวรรษที่ 14 ^{[ 8 ]}คำว่า "ฟิดเดิล" มาจากfedele , fydyll , fidel , ก่อนหน้านี้คือ fitheleจากภาษาอังกฤษโบราณfiðele ' ฟิดเดิล'ซึ่งเกี่ยวข้องกับ ภาษา นอร์สโบราณfiðla , ภาษาดัตช์กลางvedele , ภาษาดัตช์vedel , ภาษาเยอรมันสูงโบราณfidula , ภาษา เยอรมันFiedel ' ฟิดเดิล'ซึ่งทั้งหมดมีที่มาไม่แน่ชัด สำหรับที่มาของคำว่า "ฟิดเดิล" นั้น "ข้อเสนอแนะทั่วไปโดยอิงจากความคล้ายคลึงกันในเสียงและความหมาย คือมาจากภาษาละตินยุคกลางvitula " ^{[ 8 ]}

เครื่องดนตรีประเภทสายที่เก่าแก่ที่สุดส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีประเภทดีด (เช่นพิณ กรีก ) เครื่องดนตรีสองสายที่ใช้คันชัก เล่นในแนวตั้งและใช้ขนม้าเป็นสายและคันชักอาจมีต้นกำเนิดมาจาก วัฒนธรรม การขี่ ม้าแบบเร่ร่อนของเอเชียกลาง ในรูปแบบที่คล้ายคลึงกับ Morin huur ของมองโกล ในปัจจุบันและKobyz ของคาซัคสถานประเภทที่คล้ายคลึงกันและแบบต่างๆ น่าจะแพร่กระจายไปตามเส้นทางการค้าตะวันออก-ตะวันตกจากเอเชียไปยังตะวันออกกลาง^{[ 9 ] [ 10 ]}และจักรวรรดิไบแซนไทน์^{[ 11 ] [ 12 ]}

โดยทั่วไปแล้ว Rebec , fiddleและlira da braccioถือเป็นบรรพบุรุษของไวโอลิน^{[ 13 ]}แหล่งข้อมูลหลายแห่งเสนอความเป็นไปได้อื่น ๆ เกี่ยวกับต้นกำเนิดของไวโอลิน เช่น ยุโรปเหนือหรือยุโรปตะวันตก^{[ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]}ผู้ผลิตไวโอลินรายแรก ๆ น่าจะยืมมาจากการพัฒนาต่าง ๆ ของไลราไบแซนไทน์ ซึ่งรวมถึงvielle (หรือที่รู้จักกันในชื่อfidelหรือviuola ) และlira da braccio [ ^{11 ] [ 17 ] ไวโอลิน} ในรูปแบบปัจจุบันเกิดขึ้นในอิตาลีตอนเหนือ ช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ภาพวาดไวโอลินที่เก่าแก่ที่สุด แม้ว่าจะมีสามสาย ก็พบเห็นได้ในอิตาลีตอนเหนือราวปี 1530 ซึ่งเป็นช่วงเวลาเดียวกับที่คำว่า "violino" และ "vyollon" ปรากฏในเอกสารภาษาอิตาลีและฝรั่งเศส คำอธิบายที่ชัดเจนที่สุดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีนี้ รวมถึงการปรับจูน มาจากEpitome musicalโดยJambe de Ferซึ่งตีพิมพ์ในลียงในปี ค.ศ. 1556 ^{[ 18 ]}

ไวโอลินได้รับความนิยมอย่างมากทั้งในหมู่นักดนตรีข้างถนนและชนชั้นสูง พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 9 แห่งฝรั่งเศสทรง สั่งให้อันเดรีย อมาติสร้างไวโอลิน 24 ตัวสำหรับพระองค์ในปี 1560 ^{[ 19 ]}หนึ่งในเครื่องดนตรี "ชั้นสูง" เหล่านี้ คือไวโอลิน ชาร์ลส์ที่ 9ซึ่งเป็นไวโอลินที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังคงหลงเหลืออยู่ ปัจจุบันจัดแสดงอยู่ที่พิพิธภัณฑ์แอชโมเลียนแห่งออกซ์ฟอร์ด^{[ 20} ] ไวโอลินแกะสลักและตกแต่งสมัยเรเนซองส์ที่งดงามที่สุดในโลกคือไวโอลินกัสปาโร ดา ซาโล ( ประมาณปี 1574) ซึ่งเป็นของ เฟอร์ดินานด์ที่ 2 อาร์ชด ^ยุคแห่งออสเตรียและต่อมาตั้งแต่ปี 1841 เป็นของโอเล บูลล์ นักไวโอลินชาวนอร์เวย์ผู้มี ชื่อเสียง ซึ่งใช้มันเป็นเวลาสี่สิบปีและเล่นคอนเสิร์ตนับพันครั้ง เนื่องจากมีเสียงที่ทรงพลังและไพเราะมาก คล้ายกับไวโอลินกัวร์เน รี ^{[ 21 ]} "เดอะ เมสไซอาห์"หรือ"เลอ เมสซี" (หรือที่รู้จักกันในชื่อ "ซาลาบูเอ") ที่สร้างโดยอันโตนิโอ สตราดิวารีในปี 1716 ยังคงอยู่ในสภาพสมบูรณ์ ปัจจุบันจัดแสดงอยู่ที่พิพิธภัณฑ์แอชโมเลียนเช่นกัน^{[ 22 ]}

ช่างทำไวโอลิน ( luthiers ) ที่มีชื่อเสียงที่สุดระหว่างศตวรรษที่ 16 ถึง 18 ได้แก่:

• สำนักดนตรีแห่งเบรสเซียเริ่มต้นขึ้นในปลายศตวรรษที่ 14 ด้วยเครื่องดนตรีประเภทพิณ เช่น ลิรา วิโอเลตตา และวิโอลา และมีบทบาทสำคัญในด้านไวโอลินในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16
  • ตระกูลดัลลา คอร์นาประจำการในปี ค.ศ. 1510–1560 ในเมืองเบรสชาและเวนิส
  • ตระกูลมิเชลีมีบทบาทในเมืองเบรสเซียระหว่างปี 1530-1615
  • ตระกูลอินเวราดีมีบทบาทในเมืองเบรสเซียระหว่างปี 1550-1580
  • ตระกูลกัสปาโร ดา ซาโลประจำการในปี ค.ศ. 1530–1615 ในเมืองเบรสชาและซาโล
  • Giovanni Paolo Magginiลูกศิษย์ของ Gasparo da Salò ประจำการในปี 1600–1630 ในเมืองเบรสชา
  • ตระกูลRogeriประจำการในปี ค.ศ. 1661–1721 ในเมืองเบรสชา
• สำนักดนตรีเครโมนาเริ่มต้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ด้วยเครื่องดนตรีประเภทไวโอล่าและไวโอโลเนและในด้านไวโอลินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16
  • ตระกูลอามาติมีบทบาทในเมืองเครโมนาในช่วงปี ค.ศ. 1550–1740
  • ตระกูลกัวร์เนรีมีบทบาทในช่วงปี ค.ศ. 1626–1744 ในเมืองเครโมนาและเวนิส
  • ตระกูลStradivariมีผลงานในช่วงปี ค.ศ. 1644–1737 ในเมือง Cremona ^{[ 23 ]}
  • ตระกูลรูเกรีมีบทบาทในเมืองเครโมนาในช่วงปี ค.ศ. 1650–1740
  • คาร์โล แบร์กอนซี (ลูเทียร์) (1683–1747) ในเมืองเครโมนา
• โรงเรียนแห่งเวนิสมีผู้ผลิตเครื่องดนตรีประเภทคันชักหลายรายตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 จากผู้ผลิตเครื่องดนตรีประเภทสายมากกว่า 140 รายที่ลงทะเบียนระหว่างปี ค.ศ. 1490 ถึง 1630 ^{[ 24 ]}
  • ตระกูลลินาโรโลมีบทบาทสำคัญในเวนิสระหว่างปี ค.ศ. 1505–1640
  • มัตเตโอ กอฟฟริลเลอร์ผู้มีชื่อเสียงด้านเชลโล่ มีผลงานในช่วงปี ค.ศ. 1685–1742 ในเมืองเวนิส
  • ปิเอโตร กวาร์เนรีบุตรชายของจูเซปเป จิโอวานนี บัตติสตา กวาร์เนรีและจากเครโมนา ประจำการในปี ค.ศ. 1717–1762 ในเมืองเวนิส
  • Domenico Montagnanaประจำการประมาณปี 1700–1750 ในเมืองเวนิส
  • ซานโต เซราฟินมีผลงานในเวนิสตั้งแต่ก่อนปี 1741 จนถึงปี 1776

มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในการสร้างไวโอลินในศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งคอที่ยาวขึ้นซึ่งทำมุมไปทางด้านหลังของเครื่องดนตรีมากกว่าในตัวอย่างก่อนหน้านี้ สายที่หนักขึ้น และแท่งเบสที่หนักขึ้น เครื่องดนตรีเก่าส่วนใหญ่ได้รับการดัดแปลงเหล่านี้ ดังนั้นจึงอยู่ในสภาพที่แตกต่างอย่างมากจากตอนที่ออกจากมือของผู้สร้าง ซึ่งแน่นอนว่าจะมีเสียงและการตอบสนองที่แตกต่างกัน^{[ 25 ]}แต่ในสภาพปัจจุบัน (ที่ได้รับการดัดแปลง) เครื่องดนตรีเหล่านี้ได้กำหนดมาตรฐานสำหรับความสมบูรณ์แบบในงานฝีมือและเสียงของไวโอลิน และช่างทำไวโอลินทั่วโลกพยายามที่จะเข้าใกล้ความสมบูรณ์แบบนี้ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

จนถึงปัจจุบัน เครื่องดนตรีจากยุคที่เรียกว่ายุคทองของการทำไวโอลินโดยเฉพาะอย่างยิ่งไวโอลินที่ทำโดย Stradivari, Guarneri del Gesù และ Montagnana ยังคงเป็นเครื่องดนตรีที่นักสะสมและนักแสดงต่างต้องการมากที่สุด สถิติสูงสุดที่จ่ายสำหรับไวโอลิน Stradivari คือ9.8 ล้านปอนด์ (15.9 ล้าน ดอลลาร์สหรัฐในขณะนั้น) เมื่อไวโอลินที่รู้จักกันในชื่อLady BluntถูกขายโดยTarisio Auctionsในการประมูลออนไลน์เมื่อวันที่ 20 มิถุนายน 2011 ^{[ 26 ]}

โดยทั่วไปแล้วไวโอลินประกอบด้วยแผ่น หน้าทำจาก ไม้สปรูซ (โดยเฉพาะไม้สปรูซนอร์เวย์ ) ( แผ่นเสียงหรือที่เรียกว่าแผ่นบนแผ่นหน้าหรือแผ่นท้อง ) ซี่โครงและแผ่นหลังทำจากไม้เมเปิล บล็อกปิดปลายสองชิ้น คอสะพานเสาเสียงสายสี่เส้น และอุปกรณ์ต่างๆ ซึ่งอาจรวมถึงที่รองคางซึ่งอาจติดอยู่เหนือหรือทางด้านซ้ายของส่วนท้ายลักษณะเด่นของตัวไวโอลินคือรูปทรงคล้ายนาฬิกาทรายและการโค้งงอของแผ่นหน้าและแผ่นหลัง รูปทรงนาฬิกาทรายประกอบด้วยส่วนบนสองส่วน ส่วนล่างสองส่วน และส่วนโค้งรูปตัว C สองส่วนที่เอวเพื่อให้มีพื้นที่ว่างสำหรับคันชัก "เสียง" หรือโทนเสียงของไวโอลินขึ้นอยู่กับรูปทรงของไวโอลิน ชนิดของไม้ที่ใช้ทำ การไล่ระดับความหนา (โปรไฟล์ความหนา) ของทั้งแผ่นหน้าและแผ่นหลังน้ำยาเคลือบเงาที่เคลือบผิวภายนอก และฝีมือของช่างทำไวโอลินในการทำขั้นตอนต่างๆ เหล่านี้ น้ำยาเคลือบเงาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื้อไม้จะยิ่งดีขึ้นตามกาลเวลา ทำให้ไวโอลินเก่าแก่คุณภาพดีที่สร้างโดยช่างทำไวโอลินชื่อดังเป็นที่ต้องการอย่างมาก

ข้อต่อส่วนใหญ่ในเครื่องดนตรีชนิดนี้ใช้กาวที่ทำจากหนังสัตว์มากกว่ากาวขาวทั่วไป ด้วยเหตุผลหลายประการ กาวหนังสัตว์สามารถทำให้ข้อต่อบางกว่ากาวชนิดอื่นๆ ส่วนใหญ่ และสามารถถอดออกได้ (เปราะพอที่จะแตกได้ด้วยแรงกดอย่างระมัดระวัง และสามารถล้างออกได้ด้วยน้ำร้อน) เมื่อจำเป็นต้องถอดประกอบ เนื่องจากกาวหนังสัตว์ใหม่จะติดกับกาวหนังสัตว์เก่าได้ จึงสามารถรักษาเนื้อไม้เดิมไว้ได้มากขึ้นเมื่อซ่อมแซมข้อต่อ (กาวสมัยใหม่ต้องทำความสะอาดออกทั้งหมดเพื่อให้ข้อต่อใหม่มีความแข็งแรง ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะต้องขูดเนื้อไม้บางส่วนออกไปพร้อมกับกาวเก่า) โดยปกติแล้วจะใช้กาวที่เจือจางแล้วในการยึดแผ่นหน้าเข้ากับโครงด้านข้าง และยึดน็อตเข้ากับฟิงเกอร์บอร์ด เนื่องจากงานซ่อมแซมทั่วไปมักเกี่ยวข้องกับการถอดชิ้นส่วนเหล่านี้ออกเส้นขอบที่วิ่งรอบขอบของแผ่นหน้าไม้สนช่วยป้องกันรอยแตกที่เกิดจากขอบ นอกจากนี้ยังช่วยให้แผ่นหน้าไม้สามารถยืดหยุ่นได้อย่างอิสระจากโครงสร้างของโครงด้านข้าง เส้น ขอบ ปลอม ที่ทาสีลง บนแผ่นหน้าไม้ มักเป็นสัญญาณของเครื่องดนตรีคุณภาพต่ำ โดยทั่วไปแล้วส่วนหลังและซี่โครงจะทำจากไม้เมเปิลซึ่งส่วนใหญ่จะมีลวดลาย เป็นแถบที่เข้ากัน เรียกว่าลายเปลวไฟลายไวโอลินหรือลายเสือ

The neck is usually maple with a flamed figure compatible with that of the ribs and back. It carries the fingerboard, typically made of ebony, but often some other wood stained or painted black on cheaper instruments. Ebony is the preferred material because of its hardness, beauty, and superior resistance to wear. Fingerboards are dressed to a particular transverse curve, and have a small lengthwise "scoop," or concavity, slightly more pronounced on the lower strings, especially when meant for gut or synthetic strings. Some old violins (and some made to appear old) have a grafted scroll, evidenced by a glue joint between the pegbox and neck. Many authentic old instruments have had their necks reset to a slightly increased angle, and lengthened by about a centimeter. The neck graft allows the original scroll to be kept with a Baroque violin when bringing its neck into conformance with modern standards.

The bridge is a precisely cut piece of maple that forms the lower anchor point of the vibrating length of the strings and transmits the vibration of the strings to the body of the instrument. Its top curve holds the strings at the proper height from the fingerboard in an arc, allowing each to be sounded separately by the bow. The sound post, or soul post, fits precisely inside the instrument between the back and top, at a carefully chosen spot near the treble foot of the bridge, which it helps support. It also influences the modes of vibration of the top and the back of the instrument.

ส่วนท้ายของไวโอลินยึดสายไว้กับส่วนล่างของตัวไวโอลินโดยใช้สายเอ็นที่พันรอบปุ่มไม้สีดำที่เรียกว่าหมุดท้าย (บางครั้งอาจเรียกสับสนว่าหมุดปลายเหมือนกับเดือยของเชลโล) ซึ่งพอดีกับรูเรียวในส่วนล่างของตัวไวโอลิน สาย E มักจะมีคันโยกปรับเสียงละเอียดที่ควบคุมด้วยสกรูเล็กๆ ที่หมุนด้วยนิ้ว อาจมีการใช้ตัวปรับเสียงละเอียดกับสายอื่นๆ ด้วย โดยเฉพาะในเครื่องดนตรีสำหรับนักเรียน และบางครั้งก็สร้างไว้ในส่วนท้ายของไวโอลิน ตัวปรับเสียงละเอียดช่วยให้ผู้เล่นสามารถเปลี่ยนแปลงระดับเสียงของสายได้เล็กน้อย ที่ปลายด้านหัวไวโอลิน สายจะพันรอบหมุดปรับเสียง ไม้ ในกล่องหมุด หมุดปรับเสียงมีลักษณะเรียวและพอดีกับรูในกล่องหมุด หมุดปรับเสียงยึดอยู่กับที่ด้วยแรงเสียดทานของไม้กับไม้ สายอาจทำจากโลหะหรือที่พบได้น้อยกว่าคือเอ็นหรือเอ็นหุ้มด้วยโลหะ โดยปกติแล้วสายกีตาร์จะมีไหมสีพันอยู่ที่ปลายทั้งสองข้าง เพื่อระบุสาย (เช่น สาย G, สาย D, สาย A หรือสาย E) และเพื่อให้เกิดแรงเสียดทานกับลูกบิด ลูกบิดที่มีลักษณะเรียวช่วยให้ผู้เล่นสามารถเพิ่มหรือลดแรงเสียดทานได้โดยการออกแรงกดที่เหมาะสมตามแนวแกนของลูกบิดขณะหมุน

สายกีตาร์ในยุคแรกทำจากลำไส้แกะ (ที่รู้จักกันทั่วไปว่าcatgutซึ่งแม้จะมีชื่อเช่นนั้น แต่ก็ไม่ได้มาจากแมว) หรือเพียงแค่ลำไส้ ซึ่งนำมายืด ตากแห้ง และบิด ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 สายกีตาร์ทำจากลำไส้หรือเหล็ก สายกีตาร์สมัยใหม่อาจทำจากลำไส้เหล็กตัน เหล็กแบบหลายเส้น หรือวัสดุสังเคราะห์ต่างๆ เช่นเพอร์ลอนพันด้วยโลหะต่างๆ และบางครั้งก็ชุบด้วยเงินสาย E ส่วนใหญ่จะไม่พันด้วยโลหะใดๆ อาจเป็นเหล็กธรรมดาหรือเหล็กชุบ สายลำไส้ไม่เป็นที่นิยมเท่าเมื่อก่อน แต่ผู้เล่นหลายคนยังคงใช้เพื่อให้ได้เสียงที่เฉพาะเจาะจง โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน การแสดง ดนตรีบาโรกแบบดั้งเดิมสายกีตาร์มีอายุการใช้งานจำกัด ในที่สุด เมื่อน้ำมัน สิ่งสกปรก การกัดกร่อน และยางสนสะสม มวลของสายอาจไม่สม่ำเสมอตามความยาว นอกเหนือจากสาเหตุที่เห็นได้ชัด เช่น สายกีตาร์หลวมจากการสึกหรอ โดยทั่วไปแล้วผู้เล่นจะเปลี่ยนสายเมื่อเสียงไม่ "เที่ยงตรง" (ไม่มีเสียงฮาร์โมนิกที่ถูกต้อง) สูญเสียโทนเสียง ความสดใส และความแม่นยำที่ต้องการ อายุการใช้งานของสายขึ้นอยู่กับคุณภาพของสายและความเข้มข้นในการเล่น

ไวโอลินจะถูกตั้งเสียงเป็นคู่ห้า ในโน้ต G ₃ , D ₄ , A ₄ , E ₅โน้ตต่ำสุดของไวโอลินที่ตั้งเสียงตามปกติคือG ₃หรือ G ต่ำกว่าโน้ตกลาง C (C4) (ในบางโอกาส สายต่ำสุดอาจถูกตั้งเสียงต่ำลงได้ถึงคู่สี่ เป็น D ₃ ) โน้ตสูงสุดที่เล่นได้นั้นไม่ชัดเจนนัก: E ₇ซึ่งเป็น E สองอ็อกเทฟเหนือสายเปิด (ซึ่งตั้งเสียงเป็น E ₅ ) อาจถือได้ว่าเป็นขีดจำกัดที่ใช้งานได้จริงสำหรับส่วนไวโอลินของวงออร์เคสตรา^{[ 27 ]}แต่มักจะสามารถเล่นได้สูงกว่านั้น ขึ้นอยู่กับความยาวของฟิงเกอร์บอร์ดและทักษะของนักไวโอลิน อย่างไรก็ตาม โน้ตที่สูงกว่า (ถึง C ₈ ) สามารถเล่นได้โดยการหยุดสาย การไปถึงขีดจำกัดของฟิงเกอร์บอร์ด และ/หรือโดยการใช้ฮาร์โมนิกเทียม

รูปทรงโค้ง ความหนาของไม้ และคุณสมบัติทางกายภาพของไม้มีผลต่อเสียงของไวโอลินบางครั้งช่างทำไวโอลินจะใช้ รูปแบบของ ปมที่โรยด้วยทรายหรือกลิตเตอร์บนแผ่นโลหะแล้วสั่นแผ่นโลหะด้วยความถี่ที่กำหนด เรียกว่ารูปแบบChladni เพื่อตรวจสอบงานของพวกเขาก่อนประกอบเครื่องดนตรี^{[ 29 ]}

นอกจากขนาดมาตรฐานเต็ม ( 4/4 ) แล้ว ไวโอลินยังผลิตในขนาดเศษส่วนต่างๆ เช่น 7/8, 3/4, 1/2 , 1/4 , 1/8 , 1/10 , 1/16 , 1/32 และแม้แต่1/64เครื่องดนตรีขนาดเล็กเหล่านี้มักใช้โดยผู้เล่นอายุน้อยที่มีนิ้วไม่ยาวพอที่จะเอื้อมถึงตำแหน่ง ที่ถูกต้องบนไวโอลินขนาดมาตรฐาน

แม้ว่าขนาดที่เป็นเศษส่วนจะมีความเกี่ยวข้องกับขนาดของเครื่องดนตรีในบางแง่ แต่ก็ไม่ได้หมายความว่าเป็นคำอธิบายสัดส่วนที่แท้จริง ตัวอย่างเช่นเครื่องดนตรีขนาด 3/4 ไม่ได้ หมายความ ว่ามีความยาวเป็นสามในสี่ของเครื่องดนตรีขนาดเต็ม ความยาวลำตัว (ไม่รวมคอ) ของไวโอลินขนาดเต็ม หรือ4/4 คือ 356 มม . (14.0 นิ้ว) ซึ่งบางรุ่นในศตวรรษที่ 17 อาจสั้นกว่าความ ยาวลำตัวของไวโอลิน ขนาด 3/4 คือ 335 มม. (13.2 นิ้ว) และ ขนาด 1/2 คือ 310 มม . (12.2 นิ้ว) สำหรับไวโอล่า ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีในตระกูลเดียวกันกับไวโอลิน ขนาดจะระบุเป็นความยาวลำตัวเป็นนิ้วหรือเซนติเมตร แทนที่จะเป็นขนาดเศษส่วนไวโอล่าขนาดเต็มโดยเฉลี่ยมีความยาว 40 ซม. (16 นิ้ว) อย่างไรก็ตาม ผู้ใหญ่แต่ละคนจะเป็นผู้กำหนดขนาดของไวโอล่าที่เหมาะสมกับตนเอง

บางครั้ง ผู้ใหญ่ที่มีรูปร่างเล็กอาจใช้ไวโอลิน ขนาด 7/8แทนไวโอลินขนาดมาตรฐาน ไวโอลินขนาดนี้บางครั้งเรียกว่าไวโอลินสำหรับสุภาพสตรี มีขนาดสั้นกว่าไวโอลินขนาดมาตรฐานเล็กน้อย แต่โดย ทั่วไปแล้วมักเป็นไวโอลินคุณภาพสูงที่ให้เสียงได้เทียบเท่ากับไวโอลินขนาดมาตรฐานชั้นดี ขนาดของไวโอลิน 5 สายอาจแตกต่างจากไวโอลิน 4 สายทั่วไป

เครื่องดนตรีที่เทียบเท่ากับไวโอลินในวงไวโอลินแปดตัวคือเมซโซไวโอลิน ซึ่งตั้งเสียงเหมือนกับไวโอลินแต่มีตัวเครื่องยาวกว่าเล็กน้อย สายของเมซโซไวโอลินมีความยาวเท่ากับสายของไวโอลินมาตรฐาน เครื่องดนตรีชนิดนี้ไม่นิยมใช้^{[ 30 ]}

ไวโอลินจะถูกปรับเสียงโดยการหมุนหมุดในกล่องหมุดใต้ส่วนหัว หรือโดยการปรับ สกรูป รับละเอียดที่ส่วนท้ายของไวโอลิน ไวโอลินทุกตัวมีหมุด ส่วนตัวปรับละเอียด (หรือเรียกว่าตัวปรับละเอียด ) เป็นอุปกรณ์เสริม ตัวปรับละเอียดส่วนใหญ่ประกอบด้วยสกรูโลหะที่เคลื่อนคันโยกที่ติดอยู่กับปลายสาย ช่วยให้ปรับระดับเสียงได้อย่างละเอียดง่ายกว่าหมุดมาก การหมุนตัวปรับละเอียดตามเข็มนาฬิกาจะทำให้เสียงสูงขึ้น (เนื่องจากสายตึงมากขึ้น) และการหมุนทวนเข็มนาฬิกาจะทำให้เสียงต่ำลง (เนื่องจากสายตึงน้อยลง) ตัวปรับละเอียดบนสายทั้งสี่เส้นมีประโยชน์มากเมื่อใช้สายที่มีแกนเหล็ก และผู้เล่นบางคนใช้กับสายสังเคราะห์ เนื่องจากสาย E สมัยใหม่ทำจากเหล็ก ตัวปรับละเอียดจึงมักติดตั้งไว้สำหรับสายนั้นเสมอ ตัวปรับละเอียดจะไม่ใช้กับสายที่ทำจากลำไส้สัตว์ ซึ่งมีความยืดหยุ่น มากกว่า สายเหล็กหรือสายแกนสังเคราะห์ และไม่ตอบสนองต่อการเคลื่อนไหวเล็กน้อยของตัวปรับละเอียดได้ดีพอ

ในการตั้งสายไวโอลิน ขั้นแรกให้ตั้งสาย A ให้ได้ระดับเสียงมาตรฐาน (โดยปกติ A = 440  เฮิรตซ์ ) (เมื่อเล่นประกอบหรือเล่นร่วมกับเครื่องดนตรีที่มีระดับเสียงคงที่ เช่น เปียโนหรือแอคคอร์เดียน ไวโอลินจะต้องตั้งสายให้ตรงกับโน้ตของเครื่องดนตรีนั้นๆ แทนที่จะใช้ระดับเสียงอ้างอิงอื่นๆ โดยทั่วไปแล้ว โอโบเป็นเครื่องดนตรีที่ใช้ในการตั้งสายวงออร์เคสตราที่มีไวโอลินอยู่ด้วย เนื่องจากเสียงของโอโบมีความกังวานและได้ยินชัดเจนกว่าเครื่องเป่าลมไม้ชนิดอื่นๆ) จากนั้นจึงตั้งสายอื่นๆ ให้ได้ระดับเสียงใกล้เคียงกัน โดยการตั้งสายทีละคู่ด้วยคันชัก ให้มีช่วงห่างเป็นคู่ห้าที่สมบูรณ์การตั้งสายที่สูงขึ้นเล็กน้อยอาจใช้สำหรับการเล่นเดี่ยวเพื่อให้เสียงไวโอลินสดใสขึ้น ในทางกลับกัน ดนตรีบาโรกบางครั้งอาจใช้การตั้งสายที่ต่ำกว่าเพื่อให้เสียงไวโอลินนุ่มนวลขึ้น หลังจากตั้งสายแล้ว อาจตรวจสอบสะพานไวโอลินเพื่อให้แน่ใจว่าตั้งตรงและอยู่ตรงกลางระหว่างร่องด้านในของรูf-holeสะพานที่คดงออาจส่งผลกระทบอย่างมากต่อเสียงของไวโอลินที่ทำมาอย่างดี

หลังจากเล่นไวโอลินเป็นเวลานาน หมุดปรับสายและรูของหมุดอาจสึกหรอ ทำให้หมุดหลวมและเลื่อนได้ง่ายขึ้น หมุดที่หลวมจะทำให้ระดับเสียงของสายลดลง หรือหากหมุดหลวมสนิท สายก็จะสูญเสียความตึงไปเลย ไวโอลินที่มีหมุดปรับสายหลวมจำเป็นต้องได้รับการซ่อมแซมโดยช่างทำไวโอลินหรือผู้ซ่อมไวโอลิน การใช้ สารหล่อลื่นหมุดหรือสารปรับสายเป็นประจำสามารถชะลอการสึกหรอและทำให้หมุดหมุนได้อย่างราบรื่น

การตั้งสาย G–D–A–E ใช้ในดนตรีไวโอลินส่วนใหญ่ รวมถึงดนตรีคลาสสิก แจ๊ส และดนตรีพื้นบ้านบางครั้งอาจมีการใช้การตั้งสายแบบอื่น เช่น สาย G สามารถปรับขึ้นไปเป็น A ได้ การใช้การตั้งสายที่ไม่เป็นมาตรฐานในดนตรีคลาสสิกเรียกว่า สคอร์ดาตู รา (scordatura ) ในบางสไตล์ดนตรีพื้นบ้านเรียกว่าครอสจูนนิ่ง (cross tuning ) ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของการใช้สคอร์ดาตูราในดนตรีคลาสสิกคือเพลงDanse MacabreของCamille Saint-Saënsซึ่งสาย E ของไวโอลินเดี่ยวถูกปรับลงไปเป็น E ♭เพื่อสร้างความไม่ลงรอยที่น่าขนลุกให้กับบทเพลง ตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ ท่วงทำนองที่สามของContrastsโดยBéla Bartókซึ่งสาย E ถูกปรับเสียงลงเป็น E ♭และสาย G ถูกปรับเสียงเป็น G♯ คอนแชร์โตไวโอลินหมายเลข 1ของNiccolò Paganiniซึ่งสายทั้งสี่ถูกกำหนดให้ปรับเสียงสูงขึ้นครึ่งเสียง และMystery SonatasโดยBiberซึ่งแต่ละท่วงทำนองมีการปรับเสียงแบบ scordatura ที่แตกต่างกัน

ในดนตรีคลาสสิกอินเดียและดนตรีเบาของอินเดีย ไวโอลินมักจะถูกตั้งเสียงเป็น D♯ – A♯ – D♯ – A♯ ในสไตล์อินเดียใต้ เนื่องจากไม่มีแนวคิดเรื่องระดับเสียงสัมบูรณ์ในดนตรีคลาสสิกอินเดีย นักดนตรีจึงสามารถใช้การตั้งเสียงแบบใดก็ได้ที่สะดวกเพื่อรักษาระดับเสียงสัมพัทธ์ระหว่างสายต่างๆ การตั้งเสียงอีกแบบที่แพร่หลายที่มีช่วงเสียงเหล่านี้คือ B ♭ –F–B ♭ –F ซึ่งตรงกับ Sa–Pa–Sa–Pa ใน สไตล์ดนตรีคลาสสิก คาร์นาติก ของอินเดีย ในสไตล์ ฮินดูสถานีของอินเดียเหนือการตั้งเสียงมักจะเป็น Pa-Sa-Pa-Sa แทนที่จะเป็น Sa–Pa–Sa–Pa ซึ่งอาจตรงกับ F–B ♭ –F–B ♭ เป็นต้น ในดนตรีคลาสสิ กอิหร่านและดนตรีเบาของอิหร่าน ไวโอลินมีการตั้งเสียงที่แตกต่างกันในแต่ละDastgah โดยทั่วไปแล้ว การตั้งสายใน Dastgah-h Esfahanมักจะเป็น (E–A–E–A) หรือในDastgāh-e Šurจะเป็น (E–A–D–E) และ (E–A–E–E) ส่วนในDastgāh-e Māhurจะเป็น (E–A–D–A) ในดนตรีคลาสสิกอาหรับ สาย A และ E จะถูกลดลงหนึ่งขั้นเต็ม คือ G–D–G–D เพื่อให้เล่น มาคัมอาหรับได้ง่ายขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งมาคั ม ที่มีควอเตอร์โทน

โดยทั่วไปแล้วไวโอลินส่วนใหญ่จะมีสี่สาย แต่ก็มีไวโอลินที่มีสายมากกว่านั้น บางตัวมีมากถึงเจ็ดสาย โดยทั่วไปแล้วเจ็ดสายถือเป็นจำนวนสายสูงสุดที่ใช้งานได้จริงสำหรับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่ใช้คันชัก หากมีสายมากกว่าเจ็ดสาย จะไม่สามารถเล่นสายด้านในแต่ละสายด้วยคันชักได้ ไวโอลินที่มีเจ็ดสายจึงหายากมาก สายพิเศษในไวโอลินเหล่านี้มักจะมีระดับเสียงต่ำกว่าสาย G โดยปกติแล้วสายเหล่านี้จะถูกตั้งเสียง (จากสายพิเศษที่สูงที่สุดไปจนถึงสายที่ต่ำที่สุด) เป็น C, F และ B ♭หากความยาวของเครื่องดนตรี หรือความยาวของสายจากนัทถึงบริดจ์ เท่ากับไวโอลินขนาดมาตรฐานทั่วไป เช่น น้อยกว่า 13 นิ้ว (33 ซม.) เล็กน้อย ก็สามารถเรียกได้ว่าเป็นไวโอลินอย่างถูกต้อง เครื่องดนตรีบางชนิดอาจยาวกว่านั้นเล็กน้อยและควรเรียกว่าวิโอลา ไวโอลินที่มีห้าสายขึ้นไปมักใช้ในดนตรีแจ๊สหรือดนตรีพื้นบ้าน เครื่องดนตรีสั่งทำพิเศษบางชนิดมีสายพิเศษที่ไม่ได้ใช้สีสี แต่จะเกิดเสียงประสานเนื่องจากการสั่นสะเทือนของสายที่ใช้สีสี

โดยทั่วไปแล้วไวโอลินจะเล่นโดยใช้คันชักซึ่งประกอบด้วยแท่งไม้ที่มีริบบิ้นขนม้าขึงอยู่ระหว่างปลายและโคน (หรือนัท หรือฮีล) ที่ปลายตรงข้าม คันชักไวโอลินทั่วไปอาจมีความยาวโดยรวม 75 เซนติเมตร (30 นิ้ว) และหนักประมาณ 60 กรัม (2.1 ออนซ์) คันชักวิโอลาอาจสั้นกว่าประมาณ 5 มิลลิเมตร (0.20 นิ้ว) และหนักกว่า 10 กรัม (0.35 ออนซ์) ที่ปลายโคนจะมีตัวปรับแบบสกรูสำหรับปรับความตึงของขน ด้านหน้าของโคนจะมีแผ่นรองนิ้วหัวแม่มือทำจากหนัง (เรียกว่าด้ามจับ) และส่วนที่พันรอบแท่งไม้เพื่อป้องกันและช่วยให้ผู้เล่นจับได้อย่างมั่นคง ส่วนที่พันรอบแบบดั้งเดิมทำจากลวด (มักเป็นเงินหรือเงินชุบ) ไหม หรือกระดูกวาฬ (ปัจจุบันใช้พลาสติกสีน้ำตาลและดำสลับกัน) คันชักสำหรับนักเรียนบางชนิดที่ทำจากไฟเบอร์กลาสใช้ปลอกพลาสติกเป็นทั้งด้ามจับและส่วนที่พันรอบ

ขนสำหรับทำคันธนูแบบดั้งเดิมได้มาจากหางของ ม้าตัวผู้ สีเทา (ซึ่งส่วนใหญ่มีขนสีขาว) คันธนูราคาถูกบางชนิดใช้เส้นใยสังเคราะห์ โดย จะนำ ยางสนมาถูลงบนขนเพื่อให้เหนียวเล็กน้อย เมื่อลากคันธนูไปบนสายธนู แรงเสียดทานระหว่างคันธนูและสายธนูจะทำให้สายธนูสั่นสะเทือน วัสดุแบบดั้งเดิมสำหรับด้ามคันธนูที่มีราคาแพงกว่า ได้แก่ไม้งูและไม้บราซิล (หรือที่รู้จักกันในชื่อไม้เพอร์นัมบูโก) นวัตกรรมการออกแบบคันธนูในปัจจุบันบางแบบใช้คาร์บอนไฟเบอร์ (CodaBows) สำหรับด้ามคันธนูในทุกระดับฝีมือ คันธนูราคาไม่แพงสำหรับนักเรียนทำจากไม้ราคาถูกกว่า หรือจากไฟเบอร์กลาส (Glasser)

การเล่นไวโอลินนั้นสามารถทำได้ทั้งแบบนั่งและยืน ผู้เล่นเดี่ยว (ไม่ว่าจะเล่นคนเดียว เล่นพร้อมเปียโน หรือเล่นพร้อมวงออร์เคสตรา) ส่วนใหญ่จะเล่นแบบยืน (เว้นแต่จะมีข้อจำกัดทางร่างกาย เช่นในกรณีของอิทซัค เพิร์ลแมน ) ในทางตรงกันข้าม ในวงออร์เคสตราและดนตรีห้องนั้น โดยทั่วไปจะเล่นแบบนั่ง ในช่วงทศวรรษ 2000 และ 2010 วงออร์เคสตราบางวงที่เล่นดนตรีบาโรก (เช่น วงFreiburg Baroque Orchestra ) ได้ให้ผู้เล่นไวโอลินและวิโอลาทั้งหมด ทั้งแบบเดี่ยวและแบบกลุ่ม เล่นแบบยืน

วิธีการจับไวโอลินแบบมาตรฐานคือวางขากรรไกรด้านซ้ายไว้บนที่รองคางของไวโอลิน และใช้ไหล่ซ้ายช่วยพยุง โดยมักใช้ที่รองไหล่ ช่วย (หรือฟองน้ำและยางรัดสำหรับผู้เล่นอายุน้อยที่ยังใช้ที่รองไหล่ไม่ค่อยถนัด) ขากรรไกรและไหล่ต้องยึดไวโอลินไว้ให้มั่นคงพอที่จะทำให้ไวโอลินทรงตัวได้เมื่อมือซ้ายเคลื่อนจากตำแหน่งสูง (โน้ตเสียงสูงที่อยู่ไกลออกไปบนฟิงเกอร์บอร์ด) ไปยังตำแหน่งต่ำ (ใกล้กับกล่องลูกบิด) ในท่าจับแบบอินเดีย ความมั่นคงของไวโอลินจะรับประกันได้โดยการวางส่วนหัวของไวโอลินไว้บนด้านข้างของเท้า

แม้ว่าครูผู้สอนจะชี้ให้เห็นถึงความสำคัญอย่างยิ่งของท่าทางที่ดี ทั้งเพื่อคุณภาพในการเล่นดนตรีและเพื่อลดโอกาสการบาดเจ็บจากการใช้งานซ้ำๆแต่คำแนะนำเกี่ยวกับท่าทางที่ดีและวิธีการที่จะทำให้ได้ท่าทางนั้นแตกต่างกันไปในรายละเอียด อย่างไรก็ตาม ทุกคนต่างเน้นย้ำถึงความสำคัญของท่าทางที่ผ่อนคลายอย่างเป็นธรรมชาติโดยปราศจากความตึงเครียดหรือความแข็งเกร็ง สิ่งที่แนะนำกันโดยทั่วไปคือ การรักษาระดับข้อมือซ้ายให้ตรง (หรือเกือบจะตรง) เพื่อให้นิ้วมือซ้ายเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระและลดโอกาสการบาดเจ็บ และการรักษาระดับไหล่ทั้งสองข้างให้อยู่ในตำแหน่งที่ผ่อนคลายอย่างเป็นธรรมชาติและหลีกเลี่ยงการยกไหล่ข้างใดข้างหนึ่งขึ้นอย่างเกินจริง การทำเช่นนั้น เช่นเดียวกับความตึงเครียดที่ไม่จำเป็นอื่นๆ จะจำกัดอิสระในการเคลื่อนไหวและเพิ่มความเสี่ยงต่อการบาดเจ็บ

การนั่งหลังค่อมอาจขัดขวางการเล่นที่ดีได้ เพราะมันทำให้ร่างกายเสียสมดุลและทำให้ไหล่ยกสูงขึ้น อีกสัญญาณหนึ่งที่เกิดจากความตึงเครียดที่ไม่เหมาะสมคืออาการปวดที่มือซ้าย ซึ่งบ่งชี้ว่าออกแรงกดมากเกินไปขณะจับไวโอลิน

มือซ้ายเป็นตัวกำหนดความยาวของสายที่ทำให้เกิดเสียง และด้วยเหตุนี้จึงกำหนดระดับเสียงของสาย โดยการ "หยุด" (กด) สายกับฟิงเกอร์บอร์ดด้วยปลายนิ้ว ทำให้เกิดระดับเสียงที่แตกต่างกัน เนื่องจากไวโอลินไม่มีเฟร็ตสำหรับหยุดสายเหมือนกับกีตาร์ผู้เล่นจึงต้องรู้ตำแหน่งที่แน่นอนของนิ้วบนสายเพื่อเล่นให้ได้เสียงที่ถูกต้อง (การตั้งสาย) นักไวโอลินมือใหม่จะเล่นสายเปล่าและตำแหน่งต่ำสุดที่ใกล้กับนัทมากที่สุด นักเรียนมักจะเริ่มต้นด้วยคีย์ที่ค่อนข้างง่าย เช่น เอ เมเจอร์ และ จี เมเจอร์ นักเรียนจะได้รับการสอนสเกลและทำนองง่ายๆ ผ่านการฝึกฝนสเกลและอาร์เปจจิโอและการฝึกฟังมือซ้ายของนักไวโอลินจะ "หา" โน้ตได้อย่างเป็นธรรมชาติด้วยความจำของกล้ามเนื้อใน ที่สุด

ผู้เริ่มต้นบางครั้งอาศัยเทปที่ติดบนฟิงเกอร์บอร์ดเพื่อกำหนดตำแหน่งนิ้วมือซ้ายที่ถูกต้อง แต่โดยทั่วไปแล้วจะเลิกใช้เทปอย่างรวดเร็วเมื่อพัฒนาฝีมือขึ้น เทคนิคการทำเครื่องหมายที่ใช้กันทั่วไปอีกอย่างหนึ่งคือการใช้ไวท์เอาท์แต้มจุดบนฟิงเกอร์บอร์ด ซึ่งจะจางหายไปในไม่กี่สัปดาห์ของการฝึกฝนอย่างสม่ำเสมอ น่าเสียดายที่บางครั้งวิธีการนี้ถูกนำมาใช้แทนการฝึกฝนการฟังที่เพียงพอ โดยชี้นำการวางนิ้วด้วยสายตาไม่ใช่การฟัง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะเริ่มต้นของการเรียนรู้การเล่น เสียงที่เรียกว่า "เสียงก้อง" นั้นมีประโยชน์ มีโน้ตดังกล่าวเก้าตัวในตำแหน่งแรก ซึ่งโน้ตที่ถูกกดจะให้เสียงเดียวกันหรือเสียงคู่แปดกับสายอื่น (สายเปิด) ทำให้เกิดการสั่นสะเทือนร่วมกันนักเรียนมักใช้เสียงก้องเหล่านี้เพื่อตรวจสอบระดับเสียงของโน้ตที่ถูกกดโดยดูว่ามันกลมกลืนกับสายเปิดหรือไม่ ตัวอย่างเช่น เมื่อเล่นเสียง "A" ที่ถูกกดบนสาย G นักไวโอลินสามารถเล่นสาย D ที่เปิดในเวลาเดียวกันเพื่อตรวจสอบระดับเสียงของ "A" ที่ถูกกดได้ ถ้าสาย "A" อยู่ในระดับเสียงที่ถูกต้อง สาย "A" และสาย D ที่เปิดอยู่ควรจะให้เสียงประสานที่ลงตัวเป็นคู่สี่สมบูรณ์

ไวโอลินจะถูกตั้งเสียงเป็นคู่ห้าที่สมบูรณ์แบบ เช่นเดียวกับเครื่องสายในวงออร์เคสตราทั้งหมด (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล) ยกเว้นดับเบิลเบส ซึ่งตั้งเสียงเป็นคู่สี่ที่สมบูรณ์แบบ โน้ตแต่ละตัวที่ตามมาจะถูกหยุดที่ระดับเสียงที่ผู้เล่นรับรู้ว่ากลมกลืนที่สุด “เมื่อเล่นโดยไม่มีดนตรีประกอบ [นักไวโอลิน] จะไม่เล่นอย่างสม่ำเสมอในสเกลแบบเทมเพอเรตหรือสเกลแบบธรรมชาติ [ยุติธรรม] แต่โดยรวมแล้วมักจะสอดคล้องกับสเกลพีทาโกเรียน ” ^{[ 31 ]}เมื่อนักไวโอลินเล่นในวงควอเต็ตเครื่องสายหรือ วง ออร์เคสตราเครื่องสาย เครื่องสายมักจะ “ปรับ” การตั้งเสียงให้เหมาะสมกับคีย์ที่พวกเขากำลังเล่น เมื่อเล่นกับเครื่องดนตรีที่ตั้งเสียงแบบเท่ากันเช่นเปียโนนักไวโอลินที่มีทักษะจะปรับการตั้งเสียงของตนให้ตรงกับการตั้งเสียงแบบเท่ากันของเปียโนเพื่อหลีกเลี่ยงโน้ต ที่ไม่กลมกลืน

ใน โน้ตดนตรีเช่น ในแผ่นโน้ตและหนังสือแบบฝึกหัดนิ้วมือจะถูกกำหนดหมายเลขตั้งแต่ 1 (นิ้วชี้) ถึง 4 (นิ้วก้อย) โดย เฉพาะอย่างยิ่งในหนังสือเรียนไวโอลิน ตัวเลขเหนือตัวโน้ตอาจระบุว่าควรใช้นิ้วใด โดย 0หรือ0หมายถึงสายเปิด แผนภูมิทางด้านขวาแสดงการจัดเรียงโน้ตที่สามารถเล่นได้ในตำแหน่งแรก สิ่งที่ไม่ได้แสดงในแผนภูมินี้คือ ระยะห่างระหว่างตำแหน่งโน้ตจะแคบลงเมื่อนิ้วเคลื่อนขึ้น (ตามระดับเสียง) จากนัท แถบด้านข้างของแผนภูมิแสดงถึงความเป็นไปได้ทั่วไปสำหรับการวางเทปสำหรับผู้เริ่มต้น ที่นิ้วที่ 1, นิ้วที่ 2 สูง, นิ้วที่ 3 และนิ้วที่ 4

การวางมือซ้ายบนฟิงเกอร์บอร์ดนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วย "ตำแหน่ง" ตำแหน่งแรก ซึ่งเป็นตำแหน่งที่ผู้เริ่มต้นส่วนใหญ่เริ่ม (แม้ว่าบางวิธีจะเริ่มที่ตำแหน่งที่สาม) เป็นตำแหน่งที่ใช้กันมากที่สุดในดนตรีเครื่องสาย ดนตรีที่แต่งขึ้นสำหรับวงออร์เคสตราเยาวชน ระดับเริ่มต้น มักจะอยู่ในตำแหน่งแรกเป็นส่วนใหญ่ โน้ตต่ำสุดที่มีในตำแหน่งนี้ในการตั้งสายมาตรฐานคือ G3 แบบเปิด โน้ตสูงสุดในตำแหน่งแรกเล่นด้วยนิ้วที่สี่บนสาย E ให้เสียง B5 เมื่อเลื่อนมือขึ้นไปตามคอกีตาร์ นิ้วแรกจะเข้ามาแทนที่นิ้วที่สอง ทำให้ผู้เล่นอยู่ในตำแหน่งที่สองการปล่อยให้นิ้วแรกเข้ามาแทนที่นิ้วที่สามในตำแหน่งแรกจะทำให้ผู้เล่นอยู่ในตำแหน่งที่สามและเป็นเช่นนี้เรื่อยไป การเปลี่ยนตำแหน่งพร้อมกับการเคลื่อนไหวของมือที่เกี่ยวข้องเรียกว่าการเลื่อน (shift)และการเลื่อนที่มีประสิทธิภาพโดยรักษาความถูกต้องของเสียงและการเชื่อมต่อเสียงที่ราบรื่น (legato) เป็นองค์ประกอบสำคัญของเทคนิคในทุกระดับ มักจะใช้ "นิ้วนำทาง" นิ้วสุดท้ายที่กดโน้ตในตำแหน่งเดิมจะแตะสายเบาๆ อย่างต่อเนื่องในระหว่างการเปลี่ยนตำแหน่ง จนกระทั่งไปอยู่ในตำแหน่งที่ถูกต้องในตำแหน่งใหม่ ในแบบฝึกหัดการเปลี่ยนตำแหน่งขั้นพื้นฐาน มักจะมีการเปล่งเสียง "นิ้วนำทาง" ในขณะที่เลื่อนขึ้นหรือลงบนสาย เพื่อให้ผู้เล่นสามารถกำหนดตำแหน่งที่ถูกต้องได้ด้วยการฟัง นอกเหนือจากแบบฝึกหัดเหล่านี้แล้ว แทบจะไม่ควรได้ยินเสียงนิ้วนำทาง (เว้นแต่ผู้เล่นจะตั้งใจใช้ เทคนิค พอร์ทาเมนโตเพื่อการแสดงอารมณ์)

ในระหว่างการเปลี่ยนตำแหน่งการเล่นในระดับต่ำ นิ้วหัวแม่มือของมือซ้ายจะขยับขึ้นหรือลงตามคอของเครื่องดนตรีเพื่อให้คงอยู่ในตำแหน่งเดิมเมื่อเทียบกับนิ้วอื่นๆ (แม้ว่าการเคลื่อนไหวของนิ้วหัวแม่มืออาจเกิดขึ้นก่อนหรือหลังการเคลื่อนไหวของนิ้วอื่นๆ เล็กน้อย) ในตำแหน่งดังกล่าว นิ้วหัวแม่มือมักถูกมองว่าเป็น 'จุดยึด' ที่ตำแหน่งของมันเป็นตัวกำหนดตำแหน่งของผู้เล่น ในตำแหน่งที่สูงมาก นิ้วหัวแม่มือไม่สามารถเคลื่อนไหวไปพร้อมกับนิ้วอื่นๆ ได้เนื่องจากตัวเครื่องดนตรีขวางทาง ดังนั้น นิ้วหัวแม่มือจึงเคลื่อนที่ไปรอบๆ คอของเครื่องดนตรีเพื่อไปอยู่ที่จุดที่คอของเครื่องดนตรีมาบรรจบกับส่วนโค้งด้านขวาของตัวเครื่องดนตรี และคงอยู่ที่นั่นในขณะที่นิ้วอื่นๆ เคลื่อนไหวระหว่างตำแหน่งสูงๆ

โน้ตที่เล่นอยู่นอกช่วงปกติของตำแหน่ง โดยไม่มีการเลื่อนนิ้ว เรียกว่า " ส่วนขยาย " ตัวอย่างเช่น ในตำแหน่งที่สามบนสาย A มือจะวางนิ้วชี้บน D ♮และนิ้วนางบน G ♮หรือ G♯ ตาม ธรรมชาติ การยืดนิ้วชี้ลงไปที่ C♯ หรือนิ้วนางขึ้นไปที่ A ♮ถือเป็นส่วนขยาย ส่วนขยายมักใช้ในกรณีที่โน้ตหนึ่งหรือสองตัวอยู่นอกตำแหน่งปกติเล็กน้อย และมีข้อดีคือรบกวนน้อยกว่าการเลื่อนนิ้วหรือการข้ามสาย ตำแหน่งต่ำสุดบนไวโอลินเรียกว่า "ตำแหน่งครึ่ง" ในตำแหน่งนี้ นิ้วชี้จะอยู่บนโน้ต "ตำแหน่งแรกต่ำ" เช่น B ♭บนสาย A และนิ้วนางจะอยู่ในตำแหน่งส่วนขยายลงมาจากตำแหน่งปกติ เช่น D ♮บนสาย A โดยมีนิ้วอีกสองนิ้ววางอยู่ระหว่างนั้นตามความจำเป็น เนื่องจากตำแหน่งของนิ้วหัวแม่มือใน "ท่าครึ่ง" มักจะเหมือนกับในท่าแรก จึงควรคิดว่ามันเป็นการต่อขยายไปด้านหลังของมือทั้งมือมากกว่าที่จะเป็นตำแหน่งที่แท้จริง

ช่วงเสียงสูงสุดของไวโอลินนั้นส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับทักษะของผู้เล่น ซึ่งอาจเล่นได้มากกว่าสองอ็อกเทฟบนสายเดียว และสี่อ็อกเทฟบนเครื่องดนตรีทั้งหมด ชื่อตำแหน่งส่วนใหญ่ใช้สำหรับตำแหน่งต่ำๆ และในหนังสือวิธีการเล่นและแบบฝึกหัด ด้วยเหตุนี้ จึงไม่ค่อยได้ยินการอ้างอิงถึงตำแหน่งที่สูงกว่าตำแหน่งที่เจ็ด ตำแหน่งสูงสุดในทางปฏิบัติคือตำแหน่งที่ 13 ตำแหน่งที่สูงมากเป็นความท้าทายทางเทคนิคอย่างยิ่งด้วยเหตุผลสองประการ ประการแรก ความแตกต่างของตำแหน่งของโน้ตต่างๆ จะแคบลงมากในตำแหน่งสูง ทำให้การระบุตำแหน่งโน้ตและในบางกรณีการแยกแยะด้วยหูทำได้ยากขึ้น ประการที่สอง ความยาวของสายที่สั้นลงมากในตำแหน่งที่สูงมากเป็นความท้าทายสำหรับแขนขวาและคันชักในการทำให้เครื่องดนตรีมีเสียงอย่างมีประสิทธิภาพ เครื่องดนตรีที่ดีกว่า (และแพงกว่า) จะสามารถรักษาโทนเสียงที่ดีได้จนถึงด้านบนสุดของฟิงเกอร์บอร์ด ที่ระดับเสียงสูงสุดบนสาย E ได้ดียิ่งขึ้น

โน้ตทุกตัว (ยกเว้นโน้ตที่ต่ำกว่าโน้ต D เปิด) สามารถเล่นได้บนสายมากกว่าหนึ่งสาย นี่เป็นคุณลักษณะการออกแบบมาตรฐานของเครื่องดนตรีประเภทสาย อย่างไรก็ตาม มันแตกต่างจากเปียโนซึ่งมีตำแหน่งเดียวสำหรับแต่ละโน้ตทั้ง 88 ตัว ตัวอย่างเช่น โน้ต A เปิดบนไวโอลินสามารถเล่นได้ทั้งบนสาย A เปิด หรือบนสาย D (ในตำแหน่งที่ 1 ถึง 4) หรือแม้แต่บนสาย G (สูงมากในตำแหน่งที่ 6 ถึง 9) แต่ละสายมีคุณภาพเสียง ที่แตกต่างกัน เนื่องจากน้ำหนัก (ความหนา) ของสายที่แตกต่างกัน และเนื่องจากการสั่นพ้องของสายเปิดอื่นๆ ตัวอย่างเช่น สาย G มักถูกมองว่ามีเสียงที่เต็มอิ่มและก้องกังวานเป็นพิเศษ ซึ่งเหมาะสมกับดนตรีโรแมนติกตอนปลาย สิ่งนี้มักระบุไว้ในโน้ตดนตรีด้วยเครื่องหมาย เช่นsul GหรือIV (เลขโรมันที่บ่งบอกให้เล่นบนสายที่ 4 ตามธรรมเนียม สายจะถูกนับจากสายที่บางที่สุดและเสียงสูงที่สุด (I) ไปจนถึงสายที่ต่ำที่สุด (IV)) ถึงแม้จะไม่มีคำแนะนำอย่างชัดเจนในโน้ตเพลง นักไวโอลินที่มีฝีมือขั้นสูงก็จะใช้วิจารณญาณและความรู้สึกทางศิลปะของตนเองในการเลือกสายไวโอลินที่จะเล่นโน้ตหรือท่อนเพลงเฉพาะเจาะจง

หากสายถูกสีหรือดีดโดยไม่มีนิ้วใด ๆ กดไว้ จะเรียกว่าสายเปิดเสียงที่ได้จะแตกต่างจากสายที่ถูกกดไว้ เนื่องจากสายจะสั่นได้อย่างอิสระมากขึ้นที่ส่วนหัวของไวโอลินมากกว่าใต้นิ้ว นอกจากนี้ การใช้ไวเบรโตอย่างเต็มที่กับสายเปิดนั้นเป็นไปไม่ได้ (แม้ว่าจะสามารถสร้างไวเบรโตได้บางส่วนโดยการกดโน้ตที่สูงขึ้นไปหนึ่งอ็อกเทฟบนสายข้างเคียงแล้วทำให้สายนั้นสั่น ซึ่งจะทำให้เกิดองค์ประกอบของไวเบรโตในเสียงโอเวอร์โทน) ในดนตรีคลาสสิก นักไวโอลินมักจะใช้การข้ามสายหรือการเปลี่ยนตำแหน่งเพื่อหลีกเลี่ยงการเปลี่ยนแปลงของเสียงที่เกิดจากสายเปิด เว้นแต่ว่าผู้ประพันธ์เพลงจะระบุไว้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสาย E เปิด ซึ่งมักถูกมองว่ามีเสียงที่หยาบกระด้าง อย่างไรก็ตาม ยังมีสถานการณ์ที่อาจเลือกใช้สายเปิดโดยเฉพาะเพื่อสร้างผลทางศิลปะ สิ่งนี้พบเห็นได้ในดนตรีคลาสสิกที่เลียนแบบเสียงดนตรีของออร์แกน (เช่น เจ.เอส. บาค ใน Partita in E สำหรับไวโอลินเดี่ยว) การเล่นไวโอลินพื้นบ้าน (เช่นHoedown ) หรือในกรณีที่การหลีกเลี่ยงการใช้สายเปิดนั้นไม่เหมาะสมทางดนตรี (เช่น ในดนตรีบาโรกที่การเปลี่ยนตำแหน่งไม่ค่อยพบเห็น) ในท่อนที่เล่นสเกลหรืออาร์เปจจิโออย่างรวดเร็ว อาจใช้สาย E เปิดเพื่อความสะดวกหากโน้ตนั้นไม่มีเวลาที่จะดังและพัฒนาเสียงที่หยาบกระด้าง ในดนตรีพื้นบ้าน การเล่นไวโอลินพื้นบ้าน และดนตรีดั้งเดิมประเภทอื่นๆ มักใช้สายเปิดเนื่องจากมีเสียงก้องกังวาน

การเล่นสายเปล่าพร้อมกับโน้ตที่ถูกกดบนสายข้างเคียงพร้อมกัน จะทำให้เกิดเสียงดนตรีคล้ายเสียงปี่สก็อต ซึ่งนักประพันธ์เพลงมักใช้เพื่อเลียนแบบ ดนตรีพื้นบ้านบางครั้งโน้ตทั้งสองตัวอาจเหมือนกัน (เช่น การเล่นโน้ต A บนสาย D พร้อมกับโน้ต A เปล่า) ทำให้เกิดเสียงกังวานคล้ายเสียงไวโอลิน การเล่นสายเปล่าพร้อมกับโน้ตที่ถูกกดที่เหมือนกันพร้อมกัน อาจจำเป็นต้องใช้เมื่อต้องการเสียงดังมากขึ้น โดยเฉพาะในการเล่นดนตรีวงออร์เคสตรา บางส่วนของเพลงไวโอลินคลาสสิกมีโน้ตที่นักประพันธ์เพลงขอให้ผู้เล่นไวโอลินเล่นสายเปล่า เนื่องจากเสียงเฉพาะที่เกิดจากสายเปล่า

การเล่นดับเบิลสต็อปคือการใช้นิ้วกดสายสองสายพร้อมกัน และใช้คันชักสีพร้อมกัน ทำให้เกิดเสียงสองเสียงต่อเนื่องกัน (โดยทั่วไปจะเป็นช่วงเสียงคู่สาม คู่สี่ คู่ห้า คู่หก และคู่แปด) สามารถเล่นดับเบิลสต็อปได้ในทุกตำแหน่งนิ้ว แต่ช่วงเสียงที่กว้างที่สุดที่สามารถเล่นดับเบิลสต็อปได้อย่างเป็นธรรมชาติในตำแหน่งเดียวคือคู่แปด (โดยใช้นิ้วชี้กดสายล่างและนิ้วก้อยกดสายบน) อย่างไรก็ตาม ในบทเพลงขั้นสูง อาจจำเป็นต้องเล่นดับเบิลสต็อปในช่วงเสียงคู่สิบหรือมากกว่านั้น ซึ่งจะทำให้ต้องยืดมือซ้ายและเหยียดนิ้วออกไป คำว่า "ดับเบิลสต็อป" มักใช้หมายรวมถึงการเล่นสายเปล่าพร้อมกับเสียงที่กดด้วยนิ้วด้วย แม้ว่าจะมีเพียงนิ้วเดียวที่กดสายก็ตาม

ในกรณีที่ระบุโน้ตสามหรือสี่ตัวพร้อมกัน นักไวโอลินมักจะ "แยก" คอร์ด โดยเลือกเล่นโน้ตหนึ่งหรือสองตัวล่างก่อน จากนั้นจึงเล่นโน้ตหนึ่งหรือสองตัวบนต่อทันที ด้วยเสียงสะท้อนตามธรรมชาติของเครื่องดนตรีจะสร้างเอฟเฟกต์คล้ายกับการเล่นโน้ตทั้งสี่ตัวพร้อมกัน ในบางกรณี อาจสามารถ "เล่นโน้ตสามตัวพร้อมกัน" ได้ โดยที่โน้ตสามตัวบนสามสายสามารถเล่นพร้อมกันได้ คันชักจะไม่กระทบสามสายพร้อมกันโดยธรรมชาติ แต่หากความเร็วและแรงกดของคันชักเพียงพอ เมื่อนักไวโอลิน "แยก" (เล่น) คอร์ดสามโน้ต ขนคันชักสามารถงอไปที่สามสายชั่วคราว ทำให้แต่ละสายดังพร้อมกันได้ วิธีนี้ทำได้โดยการดีดอย่างหนัก โดยปกติจะอยู่ใกล้โคนคันชัก และจะสร้างเสียงที่ดังและดุดัน การเล่นโน้ตคู่ในวงออร์เคสตราบางครั้งจะมีการทำเครื่องหมายdivisiและแบ่งระหว่างนักดนตรี โดยกลุ่มหนึ่งเล่นโน้ตต่ำ และอีกกลุ่มหนึ่งเล่นโน้ตสูง การเล่นโน้ตคู่ (และการแบ่งเสียง) เป็นเรื่องปกติในบทเพลงสำหรับวงออร์เคสตรา เมื่อไวโอลินเล่นเป็นเสียงประกอบ และเครื่องดนตรีหรือกลุ่มเครื่องดนตรีอื่นเล่นเป็นทำนองหลัก

ในบางแนวดนตรีที่ยึดหลักการแสดงดนตรีแบบดั้งเดิม (โดยปกติจะเป็นดนตรีบาโรกและดนตรีในยุคก่อนหน้า) การเล่นคอร์ดแยกหรือคอร์ดสามเสียงพร้อมกันนั้นไม่เหมาะสม นักไวโอลินบางคนจะเล่นอาร์เปจจิโอคอร์ดทั้งหมด (รวมถึงคอร์ดคู่ปกติ) โดยเล่นโน้ตทั้งหมดหรือส่วนใหญ่ทีละตัวราวกับว่าเขียนไว้เป็นโน้ตที่ลากยาว อย่างไรก็ตาม ด้วยการพัฒนาของไวโอลินสมัยใหม่ การเล่นคอร์ดสามเสียงพร้อมกันจึงเป็นธรรมชาติมากขึ้นเนื่องจากสะพานไวโอลินโค้งน้อยลง ในบางสไตล์ดนตรี อาจมีการเล่นเสียง โดรน จากสายเปิดที่ลากยาว ในระหว่างท่อนที่เขียนไว้บนสายข้างเคียงเป็นหลัก เพื่อให้เป็นเสียงประกอบพื้นฐาน ซึ่งมักพบเห็นได้ในดนตรีพื้นบ้านมากกว่าดนตรีคลาสสิก

วิบราโตเป็นเทคนิคของมือและแขนซ้ายที่ทำให้ระดับเสียงของโน้ตเปลี่ยนแปลงอย่างละเอียดอ่อนในจังหวะที่สั่นไหว แม้ว่าส่วนต่างๆ ของมือหรือแขนอาจเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว แต่ผลลัพธ์คือการเคลื่อนไหวของปลายนิ้วที่ทำให้ความยาวของสายที่สั่นเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงระดับเสียง นักไวโอลินส่วนใหญ่จะสั่นต่ำกว่าโน้ต หรือต่ำกว่าระดับเสียงจริงเมื่อใช้วิบราโต เนื่องจากเชื่อกันว่าการรับรู้จะชอบระดับเสียงสูงสุดในเสียงที่เปลี่ยนแปลง^{[ 34 ]}วิบราโตแทบจะไม่ช่วยปกปิดโน้ตที่ผิดเพี้ยนเลย กล่าวอีกนัยหนึ่ง วิบราโตที่ใช้ผิดวิธีเป็นสิ่งทดแทนที่ไม่ดีสำหรับระดับเสียงที่ถูกต้อง แบบฝึกหัดสเกลและแบบฝึกหัดอื่นๆ ที่มุ่งเน้นการฝึกระดับเสียงมักจะเล่นโดยไม่ใช้วิบราโตเพื่อให้การฝึกง่ายขึ้นและมีประสิทธิภาพมากขึ้น นักเรียนดนตรีมักได้รับการสอนว่า เว้นแต่จะระบุไว้เป็นอย่างอื่นในโน้ตดนตรี ให้ถือว่ามีการใช้วิบราโต อย่างไรก็ตาม นี่เป็นเพียงกระแสเท่านั้น ไม่มีอะไรในโน้ตดนตรีที่บังคับให้นักไวโอลินต้องเพิ่มวิบราโต สิ่งนี้อาจเป็นอุปสรรคสำหรับนักไวโอลินที่ได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีซึ่งต้องการเล่นในสไตล์ที่ใช้ไวเบรโตน้อยหรือไม่ใช้เลย เช่น ดนตรีบาโรกที่เล่นในสไตล์ยุคนั้น และสไตล์การเล่นไวโอลินพื้นบ้านแบบดั้งเดิมหลายสไตล์

การสั่นเสียงสามารถสร้างขึ้นได้โดยการผสมผสานการเคลื่อนไหวของนิ้ว ข้อมือ และแขนอย่างเหมาะสม วิธีหนึ่งเรียกว่าการสั่นเสียงด้วยมือ (หรือการสั่นเสียงด้วยข้อมือ ) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการโยกมือไปด้านหลังที่ข้อมือเพื่อให้เกิดการสั่น ในทางตรงกันข้าม อีกวิธีหนึ่งคือการสั่นเสียงด้วยแขนซึ่งจะปรับระดับเสียงโดยการเคลื่อนไหวที่ข้อศอก การผสมผสานเทคนิคเหล่านี้ทำให้ผู้เล่นสามารถสร้างเอฟเฟกต์เสียงได้หลากหลาย "เมื่อไหร่" "เพื่ออะไร" และ "มากน้อยแค่ไหน" ของการสั่นเสียง ไวโอลิน เป็นเรื่องของศิลปะ สไตล์ และรสนิยม โดยครู โรงเรียนดนตรี และรูปแบบดนตรีที่แตกต่างกันจะชื่นชอบสไตล์การสั่นเสียงที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น การสั่นเสียงที่มากเกินไปอาจทำให้เสียสมาธิ ในแง่ของเสียงอะคูสติก ความน่าสนใจที่การสั่นเสียงเพิ่มให้กับเสียงนั้นเกี่ยวข้องกับวิธีที่การผสมเสียงโอเวอร์โทน^{[ 35 ]} (หรือสีของเสียง หรือเสียงทุ้ม) และรูปแบบทิศทางของการฉายเสียงเปลี่ยนแปลงไปตามการเปลี่ยนแปลงของระดับเสียง ด้วยการ "ชี้" เสียงไปยังส่วนต่างๆ ของห้อง^{[ 36 ] [ 37 ]}ในลักษณะที่เป็นจังหวะ ไวเบรโตจะเพิ่ม "ประกาย" หรือ "ความมีชีวิตชีวา" ให้กับเสียงของไวโอลินที่ทำมาอย่างดี ไวเบรโตส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของนักไวโอลิน ไวเบรโตประเภทต่างๆ จะนำมาซึ่งอารมณ์ที่แตกต่างกันให้กับบทเพลง และระดับและรูปแบบของไวเบรโตที่แตกต่างกันมักเป็นลักษณะเด่นของนักไวโอลินที่มีชื่อเสียง

บางครั้งอาจใช้การเคลื่อนไหวคล้ายวิบราโตเพื่อสร้าง เอฟเฟ็กต์ เสียง สั่นเร็ว ในการทำเอฟเฟ็กต์นี้ นิ้วที่อยู่เหนือนิ้วที่กดโน้ตจะวางห่างจากสายเล็กน้อย (กดแนบกับนิ้วที่กดสายอย่างแน่นหนา) และทำการเคลื่อนไหวแบบวิบราโต นิ้วที่สองจะแตะสายเหนือของนิ้วล่างเบาๆ ในแต่ละครั้งที่สั่น ทำให้ระดับเสียงสั่นในลักษณะที่ฟังดูเหมือนการผสมผสานระหว่างวิบราโตแบบกว้างและเสียงสั่นเร็วมาก วิธีนี้ทำให้การเปลี่ยนผ่านระหว่างโน้ตสูงและต่ำไม่ชัดเจนนัก และมักใช้ตามความเหมาะสมของการตีความ เทคนิคเสียงสั่นนี้ใช้ได้ดีเฉพาะกับเสียงสั่นแบบครึ่งโทนหรือเสียงสั่นในตำแหน่งสูง (ที่ระยะห่างระหว่างโน้ตน้อยลง) เนื่องจากต้องใช้นิ้วที่สั่นและนิ้วที่อยู่ด้านล่างสัมผัสกัน ซึ่งจำกัดระยะทางที่สามารถสั่นได้ ในตำแหน่งที่สูงมาก ซึ่งระยะทางที่สั่นน้อยกว่าความกว้างของนิ้ว การสั่นแบบวิบราโตอาจเป็นทางเลือกเดียวสำหรับเอฟเฟ็กต์เสียงสั่น

การสัมผัสสายเบาๆ ด้วยปลายนิ้วตรงตำแหน่งจุด ฮาร์โมนิก แต่ไม่ต้องกดสายจนสุด แล้วดีดหรือสีสาย จะทำให้เกิดเสียงฮาร์โมนิกแทนที่จะเป็นเสียงปกติ เสียงที่ได้จะเป็นเสียงสูงกว่าปกติ จุดฮาร์โมนิกแต่ละจุดจะอยู่ที่ตำแหน่งแบ่งครึ่งความยาวของสาย เช่น ครึ่งหนึ่งหรือหนึ่งในสามของความยาวสาย เครื่องดนตรีที่ตอบสนองได้ดีจะสร้างเสียงฮาร์โมนิกได้หลายจุดตลอดความยาวของสาย เสียงฮาร์โมนิกจะถูกทำเครื่องหมายในโน้ตดนตรีด้วยวงกลมเล็กๆ เหนือโน้ตที่กำหนดระดับเสียงของฮาร์โมนิก หรือด้วยหัวโน้ตรูปเพชร มีฮาร์โมนิกสองประเภท ได้แก่ฮาร์โมนิกธรรมชาติและฮาร์โมนิกเทียม (หรือที่เรียกว่าฮาร์โมนิกเท็จ )

เสียงฮาร์โมนิกธรรมชาติจะเล่นบนสายเปล่า ระดับเสียงของสายเปล่าเมื่อถูกดีดหรือสีเรียกว่าความถี่พื้นฐาน เสียงฮาร์โมนิกยังเรียกว่าเสียงโอเวอร์โทนหรือเสียงย่อย เสียงฮา ร์โมนิ กเกิดขึ้นที่ความถี่จำนวนเต็มเท่าของความถี่พื้นฐาน ซึ่งเรียกว่าฮาร์โมนิกแรก ฮาร์โมนิกที่สองคือโอเวอร์โทน แรก (หนึ่งอ็อกเทฟสูงกว่าสายเปล่า) ฮาร์โมนิกที่สามคือโอเวอร์โทนที่สอง และอื่นๆ ฮาร์โมนิกที่สองอยู่ตรงกลางสายและดังกว่าระดับเสียงของสายหนึ่งอ็อกเทฟ ฮาร์โมนิกที่สามแบ่งสายออกเป็นสามส่วนและดังกว่าความถี่พื้นฐานหนึ่งอ็อกเทฟและหนึ่งฟิฟท์ และฮาร์โมนิกที่สี่แบ่งสายออกเป็นสี่ส่วนและดังกว่าฮาร์โมนิกแรกสองอ็อกเทฟ เสียงของฮาร์โมนิกที่สองชัดเจนที่สุด เพราะเป็นจุด ร่วม ของฮาร์โมนิกเลขคู่ที่ตามมาทั้งหมด (ที่ 4, ที่ 6 เป็นต้น) ฮาร์โมนิกเลขคี่ตัวที่สามและตัวต่อๆ ไปนั้นเล่นยากกว่า เพราะมันแบ่งสายออกเป็นส่วนสั่นจำนวนคี่ และมีจุดนิ่งร่วมกับฮาร์โมนิกอื่นๆ น้อยกว่า

การสร้างฮาร์โมนิกเทียมนั้นยากกว่าฮาร์โมนิกธรรมชาติ เนื่องจากต้องทั้งหยุดสายและเล่นฮาร์โมนิกบนโน้ตที่หยุดไว้ การใช้กรอบอ็อกเทฟ (ระยะห่างปกติระหว่างนิ้วชี้และนิ้วนางในตำแหน่งใดๆ) โดยให้นิ้วนางแตะสายที่สูงกว่าโน้ตที่หยุดไว้หนึ่งอ็อกเทฟ จะทำให้เกิดฮาร์โมนิกที่สี่ ซึ่งสูงกว่าโน้ตที่หยุดไว้สองอ็อกเทฟ การวางนิ้วและแรงกด รวมถึงความเร็ว แรงกด และจุดที่คันชักกระทบ ล้วนมีความสำคัญในการสร้างฮาร์โมนิกที่ต้องการ และเพื่อเพิ่มความท้าทาย ในท่อนที่มีโน้ตต่างกันเล่นเป็นฮาร์โมนิกเทียม ระยะห่างระหว่างนิ้วที่หยุดและนิ้วที่เล่นฮาร์โมนิกจะต้องเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา เนื่องจากระยะห่างระหว่างโน้ตเปลี่ยนแปลงไปตามความยาวของสาย

นิ้วที่ใช้สร้างเสียงฮาร์โมนิกยังสามารถแตะที่โน้ตที่สูงกว่าโน้ตที่กดอยู่หนึ่งเมเจอร์เทิร์ด (ฮาร์โมนิกที่ห้า) หรือ สูงกว่า นั้นหนึ่งฟิฟท์ (ฮาร์โมนิกที่สาม) ฮาร์โมนิกเหล่านี้ไม่ค่อยได้ใช้กันบ่อยนัก ในกรณีของเมเจอร์เทิร์ด ทั้งโน้ตที่กดและโน้ตที่แตะต้องเล่นให้สูงกว่าปกติเล็กน้อย มิฉะนั้นเสียงฮาร์โมนิกจะไม่ดังชัดเจน ในกรณีของฟิฟท์ การยืดนิ้วจะมากกว่าที่นักไวโอลินหลายคนจะรู้สึกสบาย ในบทเพลงทั่วไป เศษส่วนที่เล็กกว่าหกจะไม่ถูกใช้ อย่างไรก็ตาม บางครั้งก็มีการใช้การแบ่งย่อยถึงแปด และหากมีเครื่องดนตรีที่ดีและผู้เล่นที่มีทักษะ การแบ่งย่อยที่เล็กถึงสิบสองก็เป็นไปได้ มีหนังสือไม่กี่เล่มที่อุทิศให้กับการศึกษาฮาร์โมนิกของไวโอลินโดยเฉพาะ หนังสือที่ครอบคลุมสองเล่มคือTheory of Harmonics ของ Henryk Heller จำนวนเจ็ดเล่ม ซึ่งตีพิมพ์โดยSimrock ในปี 1928 และ Tecnica dei suoni armoniciของ Michelangelo Abbado จำนวนห้าเล่มซึ่งตีพิมพ์โดย Ricordi ในปี 1934

ท่อนที่ใช้ฮาร์โมนิกเทียมอย่างซับซ้อนสามารถพบได้ในบทเพลงสำหรับไวโอลินฝีมือเยี่ยม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ตัวอย่างที่โดดเด่นสองตัวอย่าง ได้แก่ ท่อนทั้งหมดของCsárdásโดยVittorio Montiและท่อนหนึ่งในช่วงกลางของท่วงทำนองที่สามในคอนแชร์โตไวโอลินของ Pyotr Ilyich Tchaikovsky นอกจาก นี้ ท่อนหนึ่งในท่วงทำนองที่สามของคอนแชร์โตไวโอลินหมายเลข 1 ของ Paganiniยังประกอบด้วย เสียง คู่สามที่เล่นด้วยฮาร์โมนิกอีกด้วย

เมื่อสายไวโอลินสึกหรอ สกปรก และเก่า เสียงฮาร์โมนิกอาจไม่ถูกต้องตามระดับเสียงอีกต่อไป ด้วยเหตุนี้ นักไวโอลินจึงเปลี่ยนสายไวโอลินเป็นประจำ

การดีดสายไวโอลินอาจทำได้โดยการลากขนคันชักที่ถือโดยมือขวาไปตามสาย ( arco ) หรือโดยการดีด ( pizzicato ) ซึ่งส่วนใหญ่มักใช้มือขวา ในบางกรณี นักไวโอลินอาจดีดสายด้วยมือซ้าย เพื่อช่วยให้การเปลี่ยนจาก pizzicato ไปเป็น arco ง่ายขึ้น นอกจากนี้ยังใช้ในเพลงแสดงความสามารถขั้นสูงบางเพลงด้วย การดีดด้วยมือซ้ายมักทำกับสายเปิด การดีดสายใช้กับเครื่องดนตรีในตระกูลไวโอลินทั้งหมด อย่างไรก็ตาม การศึกษาอย่างเป็นระบบเกี่ยวกับเทคนิค pizzicato ขั้นสูงนั้นพัฒนามากที่สุดในเบสแจ๊สซึ่งเป็นสไตล์ที่ใช้การดีดเครื่องดนตรีเกือบทั้งหมด

แขนขวา มือ คันชัก และความเร็วของคันชัก มีส่วนสำคัญต่อคุณภาพเสียงจังหวะความดัง การออกเสียงและการเปลี่ยนแปลงของโทนเสียง ส่วนใหญ่ (แต่ไม่ใช่ทั้งหมด) ผู้เล่นลากคันชักไปบนสาย ทำให้สายสั่นและเกิดเสียงที่ต่อเนื่อง คันชักเป็นแท่งไม้ที่มีขนหางม้าที่ตึงและเคลือบด้วยยางสนเนื้อสัมผัสตามธรรมชาติของขนหางม้าและความเหนียวของยางสนช่วยให้คันชัก "ยึด" สายได้ดี ดังนั้นเมื่อลากคันชักไปบนสาย เสียงที่ได้จึงเกิดจากระดับเสียงนั้นๆ

การใช้คันชักสามารถสร้างเสียงหรือทำนองที่ยาวต่อเนื่องได้ ในกลุ่มเครื่องสายหากผู้เล่นในกลุ่มเปลี่ยนคันชักในเวลาที่ต่างกัน เสียงนั้นก็จะดูเหมือนยาวต่อเนื่องไปเรื่อยๆ นอกจากนี้ คันชักยังสามารถใช้เล่นเสียงสั้นๆ คมชัด เช่น เสียงซ้ำๆ สเกล และอาร์เปจจิโอ ซึ่งให้จังหวะที่เร้าใจในดนตรีหลายสไตล์

ส่วนที่สำคัญที่สุดของเทคนิคการสีไวโอลินคือการจับคันชัก โดยปกติแล้วจะงอนิ้วหัวแม่มือไว้ในบริเวณเล็กๆ ระหว่างโคนคันชักกับส่วนที่พันกัน ส่วนนิ้วอื่นๆ จะกระจายออกไปอย่างสม่ำเสมอทั่วส่วนบนของคันชัก นิ้วก้อยจะงอโดยให้ปลายนิ้วแตะกับไม้ข้างๆ สกรู ไวโอลินจะให้เสียงที่ดังขึ้นเมื่อใช้ความเร็วคันชักมากขึ้นหรือออกแรงกดสายมากขึ้น วิธีการทั้งสองนี้ไม่เหมือนกัน เพราะให้เสียงที่แตกต่างกัน การกดสายลงมักจะให้เสียงที่หยาบและหนักแน่นกว่า นอกจากนี้ยังสามารถทำให้เสียงดังขึ้นได้โดยการวางคันชักให้ใกล้กับสะพานมากขึ้น

จุดที่คันชักสัมผัสกับสายก็มีอิทธิพลต่อคุณภาพเสียง (หรือ "สีของเสียง") การเล่นใกล้กับสะพาน ( sul ponticello ) จะให้เสียงที่เข้มข้นกว่าปกติ เน้นเสียงฮาร์โมนิกสูง และการเล่นโดยใช้คันชักเหนือปลายฟิงเกอร์บอร์ด ( sul tasto ) จะให้เสียงที่ละเอียดอ่อน นุ่มนวล เน้นความถี่พื้นฐานชินิจิ ซูซูกิเรียกจุดที่คันชักสัมผัสกับสายว่า " ทางหลวงไครสเลอร์ " เราอาจนึกถึงจุดที่คันชักสัมผัสกับสายต่างๆ ว่าเป็นเลนบนทางหลวง ก็ได้

วิธีการสีคันชักที่แตกต่างกันจะสร้างเสียงที่แตกต่างกันออกไป มีเทคนิคการสีคันชักมากมายที่รองรับสไตล์การเล่นทุกรูปแบบ ครู นักดนตรี และวงออร์เคสตราจำนวนมากใช้เวลามากมายในการพัฒนาเทคนิคและสร้างเทคนิคที่เป็นเอกภาพภายในกลุ่ม เทคนิคเหล่านี้รวมถึงการสีคันชักแบบเลกาโต (เสียงที่ราบรื่น ต่อเนื่อง และยาวนาน เหมาะสำหรับทำนองเพลง) คอลเลและการสีคันชักหลากหลายรูปแบบที่สร้างโน้ตสั้นๆ เช่น ริโคเชต์ ซอติเย่ มา ร์เตเล่ สปิคคาโตและสตาคคาโต

โน้ตที่เขียนว่าpizzicato (ย่อมาจากpizzicato ) ในโน้ตดนตรีนั้น จะต้องเล่นโดยการดีดสายด้วยนิ้วมือขวาแทนการใช้คันชัก (โดยทั่วไปมักใช้นิ้วชี้) บางครั้งในเพลงสำหรับวงออร์เคสตราหรือเพลงเดี่ยวที่แสดงความสามารถทางดนตรีสูง ซึ่งมือข้างที่ใช้คันชักไม่ว่าง (หรือเพื่อแสดงความสามารถ) การเล่นpizzicato ด้วยมือซ้ายจะแสดงด้วยเครื่องหมาย + (เครื่องหมายบวก) อยู่ด้านล่างหรือด้านบนของโน้ต ในการเล่น pizzicato ด้วยมือซ้าย จะใช้นิ้วสองนิ้ววางบนสาย นิ้วหนึ่ง (โดยปกติคือนิ้วชี้หรือนิ้วกลาง) วางบนโน้ตที่ถูกต้อง และอีกนิ้วหนึ่ง (โดยปกติคือนิ้วนางหรือนิ้วก้อย) วางอยู่เหนือโน้ต จากนั้นนิ้วที่อยู่สูงกว่าจะดีดสายในขณะที่นิ้วที่อยู่ต่ำกว่ายังคงกดสายอยู่ ทำให้ได้ระดับเสียงที่ถูกต้อง การเพิ่มแรงดีดจะช่วยเพิ่มระดับเสียงของโน้ตที่สายนั้นสร้างขึ้นได้ การเล่น pizzicato ใช้ในงานดนตรีสำหรับวงออร์เคสตราและในเพลงเดี่ยวที่แสดงความสามารถ ในการบรรเลงเพลงออร์เคสตรา นักไวโอลินมักจะต้องเปลี่ยนจากวิธีการสีคันชัก (arco) ไปเป็นวิธีการดีด (pizzicato) และในทางกลับกันอย่างรวดเร็วมาก

ในโน้ตดนตรีคำว่าcol legno ( ภาษาอิตาลี แปลว่า "ด้วยไม้") หมายถึงการใช้ด้ามคันชักดีดสาย แทนที่จะใช้ขนคันชักลากผ่านสาย เทคนิคการสีไวโอลินแบบนี้ค่อนข้างไม่ค่อยได้ใช้ และให้เสียงที่เบาและคล้ายเสียงกระทบ คุณภาพเสียงที่ลึกลับของไวโอลินที่เล่น แบบ col legnoถูกนำมาใช้ในบทเพลงซิมโฟนีบางชิ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในท่อน "Witches' Dance" ของท่อนสุดท้ายในSymphonie FantastiqueของBerlioz บทเพลง Danse MacabreของSaint-Saëns มีการใช้เทคนิค col legnoกับเครื่องสาย เพื่อเลียนแบบเสียงของโครงกระดูกที่กำลังเต้นรำ ส่วนเพลง "Mars" จาก " The Planets " ของ Gustav Holst ก็ใช้เทคนิคcol legnoในการเล่นจังหวะซ้ำๆ ในท่อนหนึ่ง⁵ ₄จังหวะดนตรี (Time Signature) เบนจามิน บริทเทนกำหนดให้ใช้จังหวะดนตรีในบทเพลง " Percussion Variation" ส่วน ดมิทรี โชสตากอ ฟสกี ก็ใช้ในซิมโฟนีหมายเลข 14 ในท่อน "At the Sante Jail" อย่างไรก็ตาม นักไวโอลินบางคนไม่เห็นด้วยกับวิธีการเล่นแบบนี้ เพราะอาจทำให้สีเคลือบของคันชักเสียหายและลดมูลค่าของคันชักคุณภาพดีได้ แต่ส่วนใหญ่ก็จะยอมประนีประนอมโดยใช้คันชักราคาถูกอย่างน้อยก็ในช่วงเวลาที่เล่นท่อนนั้นๆ

จังหวะการลากที่ราบรื่นและสม่ำเสมอ โดยที่ความเร็วและน้ำหนักของคันธนูเท่ากันตั้งแต่เริ่มต้นจังหวะการลากจนถึงสิ้นสุด^{[ 38 ]}

คำว่า "Martelé" แปล ตรงตัวว่า"ตอก"เป็นเทคนิคการเล่นที่เน้นเสียงหนักแน่น โดยการปล่อยคันชักแต่ละครั้งอย่างแรงและฉับพลัน สามารถเล่นได้กับทุกส่วนของคันชัก บางครั้งในโน้ตดนตรีจะแสดงด้วยสัญลักษณ์หัวลูกศร

เทรโมโลคือการเล่นซ้ำอย่างรวดเร็วมาก (โดยทั่วไปจะเป็นโน้ตตัวเดียว แต่บางครั้งอาจเป็นหลายโน้ต) ซึ่งมักเล่นที่ปลายคันชัก เทรโมโลจะถูกทำเครื่องหมายด้วยเส้นเฉียงสั้นๆ สามเส้นพาดผ่านก้านโน้ต เทรโมโลมักใช้เป็นเอฟเฟ็กต์เสียงในดนตรีออร์เคสตรา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุคดนตรีโรแมนติก (ค.ศ. 1800–1910) และในดนตรีโอเปรา

การติดอุปกรณ์ขนาดเล็กที่ทำจากโลหะ ยาง หนัง หรือไม้ ที่เรียกว่า " มิวท์"หรือ"ซอร์ดิโน " ไว้ที่สะพานของไวโอลิน จะทำให้เสียงนุ่มนวลขึ้น มีเสียงโอเวอร์โทนน้อยลงเสียงของวงเครื่องสายออร์เคสตราทั้งหมดที่เล่นโดยใช้มิวท์จะมีความเบาบาง มิวท์จะเปลี่ยนทั้งความดังและโทนเสียง ("สีของเสียง") ของไวโอลิน เครื่องหมายที่ใช้กันทั่วไปในอิตาลีสำหรับการใช้มิวท์คือ"con sord."หรือ " con sordino " ซึ่งหมายถึง "ใช้มิวท์" และ " senza sord. " ซึ่งหมายถึง "ไม่ใช้มิวท์" หรือ " via sord."ซึ่งหมายถึง "ถอดมิวท์ออก"

อุปกรณ์ลดเสียงขนาดใหญ่ที่ทำจากโลหะ ยาง หรือไม้ มีจำหน่ายทั่วไป เรียกว่าอุปกรณ์ลดเสียงสำหรับฝึกซ้อมหรืออุปกรณ์ลดเสียงสำหรับโรงแรมอุปกรณ์ลดเสียงเหล่านี้โดยทั่วไปไม่ได้ใช้ในการแสดง แต่ใช้เพื่อลดเสียงของไวโอลินในพื้นที่ฝึกซ้อม เช่น ห้องพักในโรงแรม (สำหรับการฝึกซ้อม ยังมีไวโอลินแบบไม่มีกล่องเสียงด้วย) นักประพันธ์เพลงบางคนใช้อุปกรณ์ลดเสียงสำหรับฝึกซ้อมเพื่อสร้างเอฟเฟกต์พิเศษ ตัวอย่างเช่น ในตอนท้ายของSequenza VIIIสำหรับไวโอลินเดี่ยว ของLuciano Berio

นับตั้งแต่ ยุค บาโรคไวโอลินเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่สำคัญที่สุดในดนตรีคลาสสิกด้วยเหตุผลหลายประการ เสียงของไวโอลินโดดเด่นกว่าเครื่องดนตรีอื่นๆ ทำให้เหมาะสำหรับการเล่นทำนองเพลง ในมือของนักดนตรีที่มีฝีมือ ไวโอลินมีความคล่องแคล่วว่องไวอย่างยิ่ง และสามารถเล่นลำดับโน้ตที่รวดเร็วและซับซ้อนได้

ไวโอลินเป็นส่วนประกอบสำคัญของวงออร์เคสตราและโดยปกติจะแบ่งออกเป็นสองส่วน คือ ไวโอลินตัวแรกและไวโอลินตัวที่สอง นักแต่งเพลงมักจะมอบทำนองหลักให้กับไวโอลินตัวแรก ซึ่งโดยทั่วไปจะเป็นส่วนที่ยากกว่าและใช้ตำแหน่งเสียงสูงกว่า ในทางตรงกันข้าม ไวโอลินตัวที่สองจะเล่นเสียงประสาน รูปแบบการบรรเลงประกอบ หรือทำนองหลักในระดับเสียงต่ำกว่าไวโอลินตัวแรกหนึ่งอ็อกเทฟ วงควartet เครื่องสายก็เช่นกัน มีส่วนสำหรับไวโอลินตัวแรกและตัวที่สอง รวมถึง ส่วนของ วิโอลาและเครื่องดนตรีเบส เช่นเชลโลหรือในบางครั้งก็คือดับเบิลเบส

การอ้างอิงถึง การแสดงดนตรี แจ๊สโดยใช้ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่เก่าแก่ที่สุดได้รับการบันทึกไว้ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 โจ เวนูติหนึ่งในนักไวโอลินแจ๊สคนแรกๆ เป็นที่รู้จักจากผลงานร่วมกับนักกีตาร์เอ็ดดี้ แลงในช่วงทศวรรษที่ 1920 นับตั้งแต่นั้นมาก็มีนักไวโอลินที่เล่นดนตรีแบบด้นสด มากมาย รวมถึงสเตฟาน กราปเปลลี , สตัฟฟ์ สมิ ธ , เอ็ดดี้ เซาท์ , เรจินา คาร์เตอร์ , จอห์นนี่ ฟริ โก , จอห์น เบลค , อดัม ทอบิต ซ์ , เลอรอย เจนกินส์และฌอง-ลุค ปงตี แม้ว่า ดาโรล แองเกอร์และมาร์ค โอคอนเนอร์จะไม่ใช่นักไวโอลินแจ๊สโดยตรง แต่พวกเขาก็ใช้เวลาส่วนสำคัญในอาชีพการงานเล่นดนตรีแจ๊ส นักไวโอลินชาวสวิส-คิวบายีเลียน กาญิซาเรสผสมผสานดนตรีแจ๊สกับดนตรีคิวบา^{[ 39 ]}

นอกจากนี้ ไวโอลินยังปรากฏอยู่ในวงดนตรีที่บรรเลงเสียงประสานคล้ายวงออร์เคสตราในเพลงแจ๊สหลายเพลงอีกด้วย

ไวโอลินอินเดีย แม้จะเป็นเครื่องดนตรีชนิดเดียวกันกับที่ใช้ในดนตรีตะวันตก แต่ก็มีความแตกต่างกันในบางแง่มุม^{[ 40 ]}เครื่องดนตรีนี้ถูกตั้งเสียงเพื่อให้สายที่ 4 และ 3 (G และ D ในไวโอลินที่ตั้งเสียงแบบตะวันตก) และสายที่ 2 และ 1 (A และ E) เป็นคู่ sa–pa (do–sol) และมีเสียงเหมือนกัน แต่มีการเลื่อนไปหนึ่งอ็อกเทฟ คล้ายกับการตั้งเสียงแบบ scordatura หรือ fiddle cross-tuning ทั่วไป เช่น G3–D4–G4–D5 หรือ A3–E4–A4–E5 เสียงโทนิก sa (do) ไม่ได้คงที่ แต่ถูกตั้งเสียงแบบแปรผันเพื่อให้เข้ากับนักร้องหรือผู้เล่นนำ วิธีที่นักดนตรีถือเครื่องดนตรีจะแตกต่างกันไปตั้งแต่ดนตรีตะวันตกไปจนถึงดนตรีอินเดีย ในดนตรีอินเดีย นักดนตรีจะนั่งขัดสมาธิบนพื้นโดยยื่นเท้าขวาไปข้างหน้า ส่วนหัวของเครื่องดนตรีจะวางอยู่บนเท้า ตำแหน่งนี้มีความสำคัญต่อการเล่นให้ดีเนื่องจากลักษณะของดนตรีอินเดีย มือสามารถขยับไปทั่วฟิงเกอร์บอร์ดได้ และไม่มีตำแหน่งตายตัวสำหรับมือซ้าย ดังนั้นจึงเป็นสิ่งสำคัญที่ไวโอลินจะต้องอยู่ในตำแหน่งที่มั่นคงและไม่ขยับเขยื้อน

อย่างน้อยจนถึงช่วงทศวรรษ 1970 ดนตรีป็อปส่วนใหญ่ใช้เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย ที่ใช้คันชัก มีการใช้เครื่องสายอย่างแพร่หลายในดนตรีป็อปตลอดช่วงทศวรรษ 1920 และต้นทศวรรษ 1930 อย่างไรก็ตาม ด้วยการเกิดขึ้นของดนตรีสวิงในช่วงปี 1935 ถึง 1945 เสียงเครื่องสายมักถูกนำมาใช้เพื่อเพิ่มความสมบูรณ์ให้กับดนตรีบิ๊ก แบนด์ หลังจาก ยุคสวิงตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1940 ถึงกลางทศวรรษ 1950 เครื่องสายเริ่มได้รับการฟื้นฟูใน ดนตรี ป็อปแบบดั้งเดิมแนวโน้มนี้เร่งตัวขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดยมีการฟื้นฟูการใช้เครื่องสายอย่างมีนัยสำคัญ โดยเฉพาะในดนตรีโซล เพลงยอดนิยม ของ โมทาวน์ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970 พึ่งพาเครื่องสายอย่างมากในฐานะส่วนหนึ่งของเอกลักษณ์เฉพาะตัว

ด้วยการเกิดขึ้นของดนตรีที่สร้างขึ้นด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์ในทศวรรษ 1980 การใช้งานไวโอลินจึงลดลง เนื่องจากเสียงเครื่องสายสังเคราะห์ที่เล่นโดยนักคีย์บอร์ดด้วยซินเธไซเซอร์เข้ามาแทนที่ อย่างไรก็ตาม แม้ว่าไวโอลินจะถูกใช้งานน้อยมากในดนตรีร็อก กระแสหลัก แต่ก็มีประวัติศาสตร์อยู่บ้างใน ดนตรี โปรเกรสซีฟร็อก (เช่นElectric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ) เครื่องดนตรีชนิดนี้มีบทบาทที่โดดเด่นกว่าใน วงดนตรี แจ๊สฟิวชั่น สมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวง The Corrs

ความนิยมของดนตรีครอสโอเวอร์ที่เริ่มต้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ได้นำไวโอลินกลับเข้าสู่วงการดนตรีป๊อปอีกครั้ง โดยวงดนตรีป๊อปหลายวงใช้ไวโอลินทั้งแบบไฟฟ้าและอะคูสติกวง Dave Matthews BandมีBoyd Tinsleyเป็น นักไวโอลิน วง The FlockมีJerry Goodman เป็นนักไวโอลิน ซึ่งต่อมาได้เข้าร่วมวงดนตรีแจ๊ส-ร็อกฟิวชั่นThe Mahavishnu Orchestra James ' Saul Daviesซึ่งเป็นนักกีตาร์ ด้วย ได้รับการทาบทามให้เข้าร่วมวงในฐานะนักไวโอลินVanessa-Maeเป็นที่รู้จักในด้านการผสมผสานแนวเพลงคลาสสิกและป๊อป ซึ่งเธอเรียกว่า "ไวโอลินเทคโน-อะคูสติกฟิวชั่น" ความสำเร็จของเธอทำให้เธอได้รับการยกย่องให้เป็นศิลปินที่ร่ำรวยที่สุดอายุต่ำกว่า 30 ปีในสหราชอาณาจักรในปี 2006 ^{[ 41 ]}

วงดนตรีโฟล์กเมทัล Ithilien ใช้ไวโอลินอย่างแพร่หลายในผลงานเพลงของพวกเขาวงดนตรีโปรเกรสซีฟเมทัล Ne Obliviscarisมีนักไวโอลินชื่อ Tim Charles อยู่ในวง^{[ 42 ]}

ศิลปินอิสระ เช่นOwen Pallett , The ShondesและAndrew Birdยังได้กระตุ้นความสนใจในเครื่องดนตรีนี้เพิ่มขึ้นอีกด้วย^{[ 43 ]} วง ดนตรีอินดี้มักจะนำการเรียบเรียงที่แปลกใหม่และไม่เหมือนใครมาใช้ ทำให้พวกเขามีอิสระมากขึ้นในการนำเสนอไวโอลินมากกว่าศิลปินเพลงกระแสหลักหลายคนLindsey Stirlingเล่นไวโอลินร่วมกับริฟฟ์และจังหวะอิเล็กทรอนิกส์/ดั๊บสเต็ป/ทรานซ์^{[ 44 ]}

เอริค สแตนลีย์ด้นสดบนไวโอลินด้วย องค์ประกอบ ฮิปฮอป /ป๊อป/คลาสสิกและจังหวะดนตรี^{[ 45 ] [ 46 ]}วง ดนตรี อินดี้ร็อกและบาโรกป๊อปที่ประสบความสำเร็จอย่างArcade Fireใช้ไวโอลินอย่างกว้างขวางในการเรียบเรียงเพลงของพวกเขา^{[ 47 ]}

Like many other instruments used in classical music, the violin descends from remote ancestors that were used for folk music. Following a stage of intensive development in the late Renaissance, largely in Italy, the violin had improved (in volume, tone, and agility), to the point that it not only became a very important instrument in art music, but proved highly appealing to folk musicians as well, ultimately spreading very widely, sometimes displacing earlier bowed instruments. Ethnomusicologists have observed its widespread use in Europe, Asia, and the Americas.

When played as a folk instrument, the violin is usually referred to in English as a fiddle (although the term fiddle can be used informally no matter what the genre of music). Worldwide, there are various stringed instruments such as the wheel fiddle and Apache fiddle that are also called "fiddles". Fiddle music differs from classical in that the tunes are generally considered dance music,^[48] and various techniques, such as droning, shuffling, and ornamentation specific to particular styles are used. In many traditions of folk music, the tunes are not written but are memorized by successive generations of musicians and passed on^[48] in what is known as the oral tradition. Many old-time pieces call for cross-tuning, or using tunings other than standard GDAE. Some players of American styles of folk fiddling (such as bluegrass or old-time) have their bridge's top edge cut to a slightly flatter curve, making techniques such as a "double shuffle" less taxing on the bow arm, as it reduces the range of motion needed for alternating between double stops on different string pairs. Fiddlers who use solid steel core strings may prefer to use a tailpiece with fine tuners on all four strings, instead of the single fine tuner on the E string used by many classical players.

As well as the Arabic rababah, the violin has been used in Arabic music.

ไวโอลินไฟฟ้ามีตัวรับสัญญาณแม่เหล็กหรือเพียโซอิเล็กทริก ที่แปลงการสั่นสะเทือนของสายเป็นสัญญาณไฟฟ้าสายเคเบิลหรือตัวส่งสัญญาณไร้สายจะส่งสัญญาณไปยังเครื่องขยายเสียงหรือระบบ PAไวโอลินไฟฟ้ามักจะถูกสร้างขึ้นในลักษณะนั้น แต่สามารถเพิ่มตัวรับสัญญาณเข้าไปในไวโอลินอะคูสติกแบบดั้งเดิมได้ ไวโอลินไฟฟ้าที่มีตัวสั่นที่สร้างเสียงในระดับที่ฟังได้โดยไม่ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบไฟฟ้า สามารถเรียกว่าไวโอลินไฟฟ้าอะคูสติกได้ เพื่อให้มีประสิทธิภาพเหมือนไวโอลินอะคูสติก ไวโอลินไฟฟ้าอะคูสติกยังคงรักษาตัวสั่นของไวโอลินเอาไว้มาก และมักจะมีลักษณะคล้ายไวโอลินอะคูสติกหรือฟิดเดิล ตัวไวโอลินอาจตกแต่งด้วยสีสันสดใสและทำจากวัสดุอื่นที่ไม่ใช่ไม้ ไวโอลินเหล่านี้อาจต้องเชื่อมต่อกับเครื่องขยายเสียงหรือระบบ PAบางประเภทมีตัวเลือกแบบเงียบที่ช่วยให้ผู้เล่นสามารถใช้หูฟังที่เชื่อมต่อกับไวโอลินได้ไวโอลินไฟฟ้าที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษเครื่องแรกมีอายุย้อนไปถึงปี 1928 และผลิตโดย Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioffและ Fredray Kislingbury ไวโอลินเหล่านี้สามารถเสียบเข้ากับอุปกรณ์เอฟเฟ็กต์ได้เช่นเดียวกับกีตาร์ไฟฟ้ารวมถึงเอฟเฟ็กต์เสียงแตก เสียงสั่นและเสียงก้องเนื่องจากไวโอลินไฟฟ้าไม่อาศัยแรงตึงของสายและเสียงสะท้อนในการขยายเสียง จึงสามารถมีสายได้มากกว่า ตัวอย่างเช่น ไวโอลินไฟฟ้าห้าสายมีจำหน่ายจากผู้ผลิตหลายราย และไวโอลินไฟฟ้าเจ็ดสาย (โดยมีสามสายล่างครอบคลุมช่วงเสียงของเชลโล ) ก็มีจำหน่ายเช่นกัน ^{[ 49 ]}นักไวโอลินไฟฟ้ากลุ่มแรกส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีที่เล่นแจ๊สฟิวชั่น (เช่นJean-Luc Ponty ) และดนตรีป๊อป

การตรวจสอบความถูกต้องของไวโอลินคือกระบวนการกำหนดผู้ผลิตและวันที่ผลิตของไวโอลิน กระบวนการนี้มีความสำคัญเนื่องจากไวโอลินที่ผลิตโดยผู้ผลิตเฉพาะรายหรือในช่วงเวลาและสถานที่เฉพาะอาจมีมูลค่าสูง การวิเคราะห์การออกแบบ รูปแบบ คุณลักษณะของไม้ และพื้นผิวของน้ำยาเคลือบเงาสามารถใช้ในการตรวจสอบความถูกต้องของไวโอลินได้^{[ 50 ]}การปลอมแปลงและวิธีการหลอกลวง อื่นๆ สามารถใช้เพื่อเพิ่มมูลค่าของเครื่องดนตรีได้

• ลลิตา, มุตทุสวามี (2004). เทคนิคการเล่นไวโอลินในดนตรีคลาสสิกตะวันตกและอินเดียใต้: การศึกษาเปรียบเทียบ . สำนักพิมพ์ซันดีป ปรากาชัน. ISBN 9788175741515. OCLC  57671835 .
• Schoenbaum, David , The Violin: A Social History of the World's Most Versatile Instrument , นิวยอร์ก, นิวยอร์ก: WW Norton & Company, ธันวาคม 2012. ISBN 9780393084405.
• Templeton, David, Fresh Prince: Joshua Bell ว่าด้วยการประพันธ์เพลง ไวโอลินไฮเปอร์ และอนาคตนิตยสาร Strings ตุลาคม 2545 ฉบับที่ 105
• ยัง, ไดอาน่า. ระเบียบวิธีวิจัยสำหรับการศึกษาการเล่นเครื่องดนตรีประเภทสายโดยใช้การวัดเทคนิคการสีไวโอลินวิทยานิพนธ์ปริญญาเอก MIT, 2007

• องค์กรไวโอลินที่ใช้ภาษาอังกฤษ
  • สมาคมครูสอนเครื่องสายแห่งยุโรป
  • สมาคมไวโอลินแห่งอเมริกาเก็บถาวรเมื่อวันที่ 10 พฤศจิกายน 2024 ที่Wayback Machine
  • สมาคมไวโอลินนานาชาติของเบียร์
• แฮร์ริสัน, โรเบิร์ต วิลเลียม เฟรเดอริก (1911). "ไวโอลิน"  . สารานุกรมบริแทนนิกา . เล่มที่ 28 (ฉบับที่ 11). หน้า  102–107 .
• ไวโอลิน: ที่มา มูลค่า และการประเมินราคา
• คู่มือการจัดส่งสำหรับเครื่องดนตรีประเภทสายและคันชัก