ยุคอัลบั้ม ( บางครั้งเรียกว่ายุคอัลบั้มร็อก ) เป็นช่วงเวลาในดนตรีป็อปซึ่งโดยทั่วไปกำหนดไว้ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 ถึงกลางทศวรรษ 2000 ซึ่งอัลบั้ม – ชุดเพลงที่ออกจำหน่ายในรูปแบบสื่อทางกายภาพ – เป็นรูปแบบการแสดงออกและการบริโภคดนตรีที่บันทึกไว้ที่โดดเด่น^{[ 1 ] [ 2 ]}ยุคนี้ขับเคลื่อนโดยรูปแบบการจัดเก็บหลักสามรูปแบบ ได้แก่แผ่นเสียงลองเพลย์ 33⅓ รอบต่อนาที (LP) เทปคาสเซ็ตและแผ่นซีดี (CD) นักดนตรี ร็อกจากสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักรมักเป็นผู้นำในยุคนี้ คำว่า "ยุคอัลบั้ม" ยังใช้เพื่ออ้างถึง ช่วงเวลา ทางการตลาดและสุนทรียภาพที่เกี่ยวข้องกับการออกอัลบั้มของศิลปินบันทึกเสียง ด้วย

แผ่นเสียงลองเพลย์ (LP) ซึ่งวางจำหน่ายครั้งแรกในปี 1948 ทำให้สามารถขายเพลงได้มากกว่าซิงเกิลยุคอัลบั้มเริ่มต้นอย่างจริงจังในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เมื่อวงเดอะบีทเทิลส์เริ่มปล่อยอัลบั้ม LP ที่มีความทะเยอทะยานทางศิลปะและขายดีที่สุด อุตสาหกรรมดนตรีตอบรับอัลบั้มอย่างดีเยี่ยมและประสบความสำเร็จอย่างมาก และบทวิจารณ์เพลง ร็อคที่กำลังเฟื่องฟู ได้ยืนยันคุณค่าทางวัฒนธรรมของอัลบั้ม ภายในทศวรรษ 1970 อัลบั้ม LP ได้กลายเป็นหน่วยทางศิลปะที่สำคัญและเป็นที่นิยมอย่างกว้างขวางในหมู่คนหนุ่มสาว บางอัลบั้มเป็นอัลบั้มคอนเซ็ปต์โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากนักดนตรีหัวก้าวหน้าในแนวเพลงร็อคและโซล

ในช่วงทศวรรษ 1980 ยอดขายแผ่นเสียง LP ลดลง เนื่องจากการเกิดขึ้นของแนวดนตรีที่เน้นซิงเกิลอย่างพังก์ร็อกและดิสโก้รวมถึงมิวสิกวิดีโอทางMTVสิ่งนี้คุกคามผลกำไรของบริษัทเพลง ซึ่งตอบสนองในทศวรรษต่อมาด้วยการปล่อยซิงเกิลน้อยลงและขึ้นราคาอัลบั้มที่วางจำหน่ายในรูปแบบซีดีซึ่งเป็นที่นิยม ความสำเร็จของซูเปอร์สตาร์เพลงป๊อปนำไปสู่การพัฒนา รูปแบบ การวางจำหน่าย แบบขยายวงกว้าง ในหมู่ค่ายเพลง: การทำการตลาดอัลบั้มโดยเน้นซิงเกิลนำ ที่ติดหู มิวสิกวิดีโอที่ดึงดูดความสนใจ สินค้าที่ระลึกแปลกใหม่ การประชาสัมพันธ์ และทัวร์คอนเสิร์ต สนับสนุน นักดนตรีหญิงและผิวดำยังคงได้รับการยอมรับจากนักวิจารณ์อย่างต่อเนื่องในยุคอัลบั้มซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้ชายผิวขาวและเน้นดนตรีร็อก โดยแนว ดนตรี ฮิปฮอป ที่กำลังเติบโตได้ พัฒนามาตรฐานอัลบั้มของตนเอง ในทศวรรษ 1990 อุตสาหกรรมดนตรีได้เห็น การบูม ของดนตรีอัลเท อร์เนทีฟร็อก และ คันทรี ส่งผลให้รายได้สูงสุดถึง 15 พันล้านดอลลาร์ในปี 1999 (อ้างอิงจากยอดขายซีดี) 

การเกิดขึ้นของอินเทอร์เน็ตเริ่มบั่นทอนบทบาทของอัลบั้ม ประการแรก เครือข่าย การแชร์ไฟล์อย่างเช่นNapsterทำให้ผู้บริโภคสามารถคัดลอกและแชร์เพลงโปรดจากซีดีได้อย่างผิดกฎหมาย ในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 บริการ ดาวน์โหลดและสตรีมมิ่งเพลงกลายเป็นช่องทางหลักในการเผยแพร่เพลง ยอดขายอัลบั้มลดลงอย่างมาก และศิลปินส่วนใหญ่หันไปเน้นที่ซิงเกิล ซึ่งเป็นการสิ้นสุดยุคของอัลบั้มอย่างแท้จริง

การพัฒนาทางเทคโนโลยีในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในวิธีการผลิตและจำหน่ายเพลงที่บันทึกไว้ ก่อนแผ่นเสียง LP สื่อมาตรฐานสำหรับเพลงที่บันทึกไว้คือแผ่นเสียงแกรมโมโฟน 78 รอบ ต่อนาที ซึ่งทำจากเชลแล็กและบันทึกได้สามถึงห้านาทีต่อด้าน^{[ 3 ]}ข้อจำกัดด้านความจุจำกัดกระบวนการแต่งเพลงของศิลปินผู้บันทึกเสียง ในขณะที่ความเปราะบางของเชลแล็กทำให้ต้องบรรจุแผ่นเสียงเหล่านี้ในสมุดเปล่าที่คล้ายกับอัลบั้มรูป^{[ 3 ]} โดยทั่วไป จะมีกระดาษห่อสีน้ำตาลเป็นปก^{[ 4 ]}การนำ โพ ลีไวนิลคลอไรด์มาใช้ในการผลิตแผ่นเสียงทำให้เกิดแผ่นเสียงไวนิล ซึ่งเล่นได้โดยมีเสียงรบกวนน้อยลงและมีความทนทานมากขึ้น^{[ 3 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1940 ตลาดสำหรับการบันทึกเสียงเพื่อการค้าและการใช้งานในบ้านถูกครอบงำโดยRCA VictorและColumbia Recordsซึ่งหัวหน้าวิศวกรPeter Carl Goldmarkเป็นผู้บุกเบิกการพัฒนา แผ่นเสียงไวนิลแบบเล่นยาว (LP ) ขนาด 12 นิ้ว^{[ 3 ]}รูปแบบนี้สามารถบันทึกเสียงได้นานถึง 52 นาที หรือ 26 นาทีต่อด้าน^{[ 5 ]}ด้วยความเร็ว 33⅓ รอบต่อนาที และสามารถเล่นได้ด้วยเข็ม "ไมโครกรูฟ" ปลายเล็ก ที่ออกแบบมาสำหรับระบบเล่นในบ้าน^{[ 3} ] แผ่นเสียง LP ที่เปิดตัวในปี 1948 โดย Columbia กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "อัลบั้มแผ่นเสียง" ซึ่งเรียกตามบรรจุภัณฑ์ 78 ที่คล้ายกับอัลบั้มรูป^{[ 3 ]}นวัตกรรมอีกอย่างหนึ่งจาก Columbia คือการเพิ่มการออกแบบกราฟิกและตัวอักษรลงในปกอัลบั้ม ซึ่งแนะนำโดย Alex Steinweiss ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของค่าย^เพลงเนื่องจากได้รับแรงหนุนจากผลดีต่อยอดขายแผ่นเสียง อุตสาหกรรมดนตรีจึงนำปกอัลบั้ม ที่มีภาพประกอบมา ใช้เป็นมาตรฐานในช่วงทศวรรษ 1950 ^{[ 4 ]}

เดิมทีอัลบั้มนี้วางจำหน่ายสำหรับผู้ฟังเพลงคลาสสิกเป็นหลัก^{[ 6 ]}และแผ่นเสียง LP แผ่นแรกที่วางจำหน่ายคือMendelssohn: Concerto in E Minor for Violin and Orchestra Op. 64 (1948) โดยNathan MilsteinและวงPhilharmonic-Symphony Orchestra of New Yorkภายใต้การนำของBruno Walter [ ^{7 ] เพลง}ประกอบภาพยนตร์การบันทึกเสียงของ นักแสดง ละครบรอดเวย์ นักดนตรี แจ๊สและนัก ร้อง ป๊อป บางคน เช่นFrank Sinatraก็เริ่มใช้รูปแบบที่ยาวขึ้นนี้ในไม่ช้า ศิลปินแจ๊สโดยเฉพาะ เช่นDuke Ellington , Miles DavisและDave Brubeckชื่นชอบแผ่นเสียง LP เพราะทำให้พวกเขาสามารถบันทึกผลงานเพลง ของตนด้วย การเรียบเรียงและการด้นสดในความยาวระดับคอนเสิร์ตได้^{[ 7 ]}การบันทึกเสียงการแสดงละครเพลงKiss Me, Kate (1949) ของนักแสดงบรอดเวย์ชุดดั้งเดิมขายได้ 100,000 ชุดในเดือนแรกที่วางจำหน่าย และร่วมกับSouth Pacific (ซึ่งครองอันดับหนึ่งในชาร์ตอัลบั้มเป็นเวลา 63 สัปดาห์) ทำให้แผ่นเสียงได้รับความสนใจมากขึ้น ในขณะที่การบันทึกเสียงการแสดงละครเพลงMy Fair Lady ของนักแสดงบรอดเวย์ กลายเป็นแผ่นเสียงชุดแรกที่ขายได้หนึ่งล้านชุด^{[ 8 ] [ 9 ]}อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 ยอดขาย แผ่นเสียงซิงเกิลขนาด 7 นิ้วความเร็ว 45 รอบต่อ นาที ยังคงถือเป็นตลาดหลักของอุตสาหกรรมดนตรี และอัลบั้มยังคงเป็นตลาดรอง อาชีพของศิลปินร็อกแอนด์โรลชื่อดังอย่างเอลวิส เพรสลีย์ขับเคลื่อนโดยยอดขายซิงเกิลเป็นหลัก^{[ 6 ]} 

ช่วงเวลาตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 ถึงปลายทศวรรษ 1970 เป็นยุคของแผ่นเสียง LP และ "ยุคทอง" ของอัลบั้ม ตามที่รายการWhen Albums Ruled the WorldของBBC Four (2013) กล่าวไว้ว่า "นี่คือช่วงเวลาที่อุตสาหกรรมดนตรีเฟื่องฟูจนใหญ่กว่าฮอลลีวูด " ^{[ 42 ]} "ยุคอัลบั้มได้นำมาซึ่งแนวคิดของนักร้องร็อคในฐานะศิลปินที่ควรค่าแก่การให้ความสนใจมากกว่าแค่ช่วงเวลาของเพลงฮิต" Pareles สังเกตในภายหลัง "นักแสดงสามารถกลายเป็นตัวตนที่ชัดเจนสำหรับแฟนๆ ของพวกเขาได้ แม้ว่าพวกเขาจะไม่ได้ปรากฏอยู่ทั่วไปในTop 40และความภักดีก็ก่อตัวขึ้นและคงอยู่ต่อไปจนถึงทศวรรษ 1990 สำหรับนักแสดงบางคนจากทศวรรษ 1960 และ 1970 ตั้งแต่ The Kinks ไปจนถึงMichael JacksonและSting " ^{[ 43 ]}ในบรรดาผู้ที่ปรากฏตัวในช่วงทศวรรษ 1970 ได้แก่บรูซ สปริงสตีนซึ่งพาวเวอร์สเรียกว่า "ร็อกสตาร์ยุคอัลบั้มตัวอย่าง" เนื่องจากเขา "ใช้รูปแบบอัลบั้มยาวได้อย่างทรงพลังมากขึ้นตลอดช่วงอาชีพ ไม่เพียงแต่เพื่อสร้างโลกผ่านบทเพลง แต่ยังเพื่อสร้างตัวตนที่ยั่งยืน" ^{[ 44 ]}

นักดนตรี แนวโปรเกรสซีฟร็อกและโซลใช้แนวทางที่เน้นอัลบั้มที่มีแนวคิดสูงในช่วงทศวรรษ 1970 ^{[ 45 ]}พิงค์ฟลอยด์ได้ปล่อยอัลบั้มที่มีแนวคิดเชิงธีมและผลิตอย่างประณีต ซึ่งได้พลิกโฉมมาตรฐานของดนตรีร็อกตลอดทศวรรษถัดมา โดยเฉพาะอย่างยิ่งอัลบั้มThe Dark Side of the Moonใน ปี 1973 ^{[ 46 ]}นักดนตรีและโปรดิวเซอร์ไบรอัน อีโน โดดเด่นขึ้นมาจากการทำงานอย่างมากมายที่ใช้รูปแบบนี้อย่างเต็มที่ด้วยแนวทางการทดลองที่ก้าวหน้าในดนตรีร็อก ซึ่งถึงจุดสูงสุดในช่วงยุคอัลบั้มด้วยผลงานเดี่ยวของเขา รวมถึงอัลบั้มที่ผลิตให้กับRoxy Music , David Bowie , Talking HeadsและU2 ^{[ 47} ] ภายใต้ การนำของ เบอร์รี กอร์ดีที่ค่ายเพลงโซลMotownนักร้องนักแต่งเพลง มาร์ ^วินเกย์และสตีวี วันเดอร์ได้รับการควบคุมความคิดสร้างสรรค์เพื่อให้เข้าถึงอัลบั้มของพวกเขาอย่างจริงจังมากขึ้นในสิ่งที่โดยทั่วไปแล้วเป็นแนวเพลงที่เน้นซิงเกิล ส่งผลให้เกิดอัลบั้มที่สร้างสรรค์มากมายจากทั้งสองคนในช่วงทศวรรษต่อมา^{[ 48 ]}ด้วยผลงานที่สร้างสรรค์ เกย์และวันเดอร์จึงเป็นข้อยกเว้นเพียงไม่กี่รายในสิ่งที่มาร์ค โฮแกนแห่งพิทช์ฟอร์กสังเกตว่าจะกลายเป็น "คลังเพลงร็อก" ที่ส่วนใหญ่เป็นผู้ชายผิวขาวในช่วงยุคอัลบั้ม ซึ่งส่วนใหญ่ไม่รวมผลงานของนักดนตรีหญิงและชาวแอฟริกันอเมริกัน^{[ 49 ]}

ตามที่Eric Olsen กล่าวไว้ Pink Floyd เป็น "วงดนตรีมัลติแพลตตินัมที่แปลกประหลาดและทดลองมากที่สุดในยุคอัลบั้มร็อก" ในขณะที่ศิลปินเร็กเก้Bob Marleyเป็น "บุคคลสำคัญเพียงคนเดียวในยุคร็อกที่ไม่ได้มาจากอเมริกาหรือสหราชอาณาจักร" ^{[ 50 ]}อัลบั้มLadies of the Canyon ของ Joni Mitchellในปี 1970 ถือเป็นหนึ่งในอัลบั้มที่สำคัญที่สุดของยุคอัลบั้ม^{[ 51 ]}ผลงานการผลิตของBob Ezrinซึ่งทำงานในอัลบั้มยุค 1970 ของAlice CooperและKiss ' Destroyer (1976) ก็ได้รับการเน้นย้ำจากยุคนี้เช่นกัน ดังที่นักข่าวเพลง James Campion เขียนไว้ว่า "ยุคอัลบั้มในทศวรรษ 1970 เหมาะอย่างยิ่งกับแนวทางการสร้างภาพยนตร์ของเขา รูปแบบที่มีสองด้าน ราวกับสององก์ในละครที่มีช่วงพัก ช่วยให้เกิดส่วนโค้งที่สำคัญในการเล่าเรื่อง" ^{[ 52 ]}นอกจากแผ่นเสียง LP แล้วเทป 8 แทร็กก็เป็นอีกรูปแบบหนึ่งที่ได้รับความนิยมในสหรัฐอเมริกาในช่วงเวลานี้^{[ 42 ]}

Campion ได้อธิบายเพิ่มเติมเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของแผ่นเสียง LP ในช่วงทศวรรษ 1970 โดยระบุปัจจัยทางวัฒนธรรมและสิ่งแวดล้อมที่ทำให้รูปแบบนี้เหมาะสำหรับคนหนุ่มสาวในช่วงทศวรรษนั้น เขาอธิบายถึง "บรรยากาศอันเงียบสงบ" ที่เครื่องเล่นแผ่นเสียงและหูฟังมอบให้แก่ผู้ฟัง ซึ่ง "โอบล้อม [พวกเขา] ด้วยการแพนเสียงสเตอริโอที่ซับซ้อน เสียงบรรยากาศ และลูกเล่นเสียงร้องหลายชั้น" ^{[ 52 ]} Warren Zanesมองว่าการเรียงลำดับแท ร็ก ของแผ่นเสียง LP อย่างชาญฉลาดเป็น "ศิลปะที่ถูกมองข้ามมากที่สุดในยุคอัลบั้ม" ^{[ 53 ]}ความนิยมของยาเสพติดเพื่อความบันเทิงและโคมไฟปรับอารมณ์ในขณะนั้นได้สร้างสภาพแวดล้อมเพิ่มเติมสำหรับประสบการณ์การฟังที่มุ่งเน้นมากขึ้น ดังที่ Campion ตั้งข้อสังเกตว่า "สิ่งนี้ทำให้ผู้ฟังจดจ่ออยู่กับแต่ละเพลง: วิธีที่เพลงหนึ่งไหลไปสู่อีกเพลงหนึ่ง เนื้อหาของเนื้อเพลงที่เชื่อมโยงกัน และการผสมผสานของเครื่องดนตรี" ^{[ 52 ]}

เมื่อเปรียบเทียบกับคนรุ่นหลัง แคมเปียนอธิบายว่า คนที่เติบโตมาในยุค 1970 ให้คุณค่ากับการฟังอัลบั้มมากกว่า ส่วนหนึ่งเป็นเพราะพวกเขาเข้าถึงอุปกรณ์ความบันเทิงภายในบ้านอื่นๆ ได้จำกัด: "หลายคนไม่สามารถควบคุมโทรทัศน์ของครอบครัวหรือแม้แต่วิทยุในครัวได้ ทำให้พวกเขาให้ความสำคัญกับห้องนอนหรือห้องนั่งเล่นชั้นบน" แคมเปียนอธิบายสภาพแวดล้อมนี้ว่าเป็น "แคปซูลแห่งจินตนาการ" สำหรับผู้ฟังในยุคนั้น ซึ่ง "ถูกขังอยู่ภายในโลกแห่งความฝันผ่านหูฟัง ศึกษาทุกซอกทุกมุมของภาพปกแผ่นเสียงขนาด 12 นิ้ว และเจาะลึกลงไปในความหมายแฝงของเนื้อเพลง ไม่ว่าจะเป็นในแบบที่ศิลปินตั้งใจหรือไม่ก็ตาม" อิทธิพลทางวัฒนธรรมอื่นๆ ในเวลานั้นก็มีส่วนในการกำหนดประสบการณ์การฟังเช่นกัน ตามที่แคมเปียนกล่าว โดยเขาอ้างถึงเรื่องราวสยองขวัญและนิยายวิทยาศาสตร์ รวมถึงภาพในหนังสือการ์ตูน ตลอดจนโฆษณา การโฆษณาชวนเชื่อ และ " คำมั่นสัญญาแห่งความยิ่งใหญ่ของอเมริกา " ในการวิเคราะห์ของเขา แคมเปียนสรุปว่า "ราวกับว่าพวกเขานั่งอยู่ในโรงละครแห่งจิตใจของตนเอง ... พวกเขาเป็นผู้มีส่วนร่วมโดยสมัครใจในการเดินทางอันสนุกสนานของเหล่าฮีโร่ร็อกแอนด์โรลของพวกเขา" ^{[ 52 ]} Pareles กล่าวเสริมข้อสังเกตนี้ว่า "เพลงที่ต่อเนื่องกันกลายเป็นเรื่องเล่าประเภทหนึ่ง ซึ่งเชื่อมโยงกันด้วยภาพลักษณ์และจินตนาการเกี่ยวกับผู้แสดง" เมื่อ "ความรักและความหลงใหลของผู้ฟัง ... ถ่ายทอดจากเพลงฮิต หรือเพลงฮิตหลายเพลง ไปสู่ตัวนักร้อง" ศิลปินที่ประสบความสำเร็จในการบันทึกเสียงจึงพัฒนา "พลังในการคงอยู่" ในหมู่ผู้ชม ตามที่ Pareles กล่าว^{[ 43 ]}

ตามที่ Hogan กล่าวไว้ว่า ด้วย แรงผลักดันจาก Sgt. Pepperแนวคิดเรื่อง "อัลบั้มคอนเซ็ปต์" จึงกลายเป็นเครื่องมือทางการตลาดในช่วงทศวรรษ 1970 เนื่องจาก "มีวงดนตรีจำนวนมากที่ใช้ข้ออ้างเรื่อง 'ศิลปะ' เพื่อขายแผ่นเสียงได้หลายสิบล้านแผ่น" โดยอ้างถึงอัลบั้มที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก เช่นThe Dark Side of the Moonที่เป็นผู้นำเทรนด์ Hogan กล่าวว่า "ยอดขายแผ่นเสียงพุ่งสูงขึ้น" ตลอดช่วงกลางทศวรรษ 1970 ^{[ 49 ]}ในปี 1974 "ยอดขายแผ่นเสียงและเทปในสหรัฐอเมริกาสูงถึง 2.2 พันล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสูงสุดตลอดกาล" ตามข้อมูลจากWorld Book Encyclopediaโดยเพลงป๊อปและร็อกคิดเป็นสองในสามของยอดขายเพลงทั้งหมด อย่างไรก็ตาม หนังสือเล่มนี้ระบุว่าส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากการเพิ่มขึ้นของราคาแผ่นเสียงตลอดทั้งปี ในขณะที่ประมาณการว่ายอด ขายแผ่นเสียง สุทธิลดลงจาก 280 ล้านแผ่นเหลือ 276  ล้านแผ่น และระบุว่ายอดขายเทปเพิ่มขึ้นจาก 108  ล้านแผ่นเป็น 114  ล้านแผ่น เนื่องจากบริษัทแผ่นเสียงมุ่งเน้นความพยายามไปที่เพลงป็อปและร็อก การออกอัลบั้มในแนวเพลงอื่นๆ เช่น คลาสสิก แจ๊ส และอีซี่ลิสเทนนิ่ง จึง ถูกลดความสำคัญในตลาด ศิลปินแจ๊สหลายคนในช่วงเวลานี้บันทึก อัลบั้ม ครอสโอเวอร์ที่มีเพลงที่ฟังง่ายสำหรับเพลงป็อปเพื่อเพิ่มยอดขายแผ่นเสียง^{[ 55 ]}

ตามที่ Hogan กล่าวไว้ ยอดขายอัลบั้มเริ่ม "ลดลง" ในปี 1977 ^{[ 49 ]} Pareles ระบุว่าการลดลงนี้เกิดจากการพัฒนาของดนตรีพังก์ร็อกและดิสโก้ในช่วงปลายทศวรรษ 1970: "พังก์กลับมาให้ความสำคัญกับเพลงสั้นๆ ที่มีเสียงดัง ดิสโก้เน้นไปที่ช่วงเวลาทางกายภาพเมื่อเพลงทำให้ร่างกายขยับเขยื้อน" ^{[ 43 ]} Christgau ตั้งข้อสังเกตในทำนองเดียวกันว่า "สุนทรียภาพของซิงเกิลเริ่มกลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งด้วยดิสโก้และพังก์" ซึ่งชี้ให้เห็นว่านี่เป็นการสิ้นสุด "ยุคอัลบั้มยอดนิยม" ^{[ 56 ]}ในการวิเคราะห์ที่แตกต่างออกไป นักประวัติศาสตร์Matthew Restallสังเกตว่าในช่วงเวลานี้วงดนตรีที่ได้รับความนิยมกำลังดิ้นรนเพื่อรักษาความสำเร็จในระดับสูงที่เคยได้รับจากอัลบั้มก่อนหน้าของพวกเขา โดยอ้างถึงการตอบรับที่น่าผิดหวังของอัลบั้มBlue Moves (1976) ของElton Johnและอัลบั้ม Tusk (1979) ของFleetwood Mac Restall กล่าวว่า "[สิ่งเหล่านี้] เป็นตัวอย่างที่น่าทึ่งของศิลปินผู้บันทึกเสียงในยุคอัลบั้มที่ยิ่งใหญ่... ต้องเผชิญกับความคาดหวังที่สูงส่ง" ^{[ 57 ]} 

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 Kot ได้ตีพิมพ์บทความไว้อาลัยปลอมๆ สำหรับแผ่นเสียง LP ขนาด 33⅓ รอบต่อนาทีในหนังสือพิมพ์Chicago Tribuneโดยเขากล่าวว่าแผ่นเสียง LP นั้น "ล้าสมัยไปแล้วด้วยการดาวน์โหลด MP3 เพลงประกอบภาพยนตร์ และเครื่องเล่นซีดีแบบสุ่มเล่น – ไม่ต้องพูดถึงวิดีโอเกม เคเบิลทีวี อินเทอร์เน็ต และการแพร่กระจายของสื่อทั่วโลกที่แย่งชิงความสนใจของผู้ที่เคยถูกเรียกว่าผู้ซื้ออัลบั้ม" ^{[ 34 ]}ในปี 1999 บริการแชร์ไฟล์แบบ peer-to-peer บนอินเทอร์เน็ต อย่าง Napsterอนุญาตให้ผู้ใช้อินเทอร์เน็ตดาวน์โหลดเพลงเดี่ยวใน รูปแบบ MP3 ได้อย่างง่ายดาย ซึ่งถูกคัดลอกมาจากไฟล์ดิจิทัลที่อยู่ในซีดี^{[ 71 ]}ท่ามกลางการเติบโตของ Napster ในปี 2000 เดวิด โบวี ได้ทำนายในการสัมภาษณ์ว่ายุคของอัลบั้มจะสิ้นสุดลงด้วยการที่อุตสาหกรรมดนตรีต้องหันมาใช้ไฟล์เพลงดิจิทัลอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้^{[ 72 ] [ nb 2 ]}ในช่วงต้นปี 2544 การใช้งาน Napster พุ่งสูงสุดที่ 26.4  ล้านผู้ใช้ทั่วโลก^{[ 73 ]} แม้ว่า Napster จะถูกปิดตัวลงในปลายปีนั้นเนื่องจากการละเมิดลิขสิทธิ์ แต่บริการ ดาวน์โหลดเพลงอื่นๆก็เข้ามาแทนที่^{[ 74 ]}

ในปี 2001 Apple Inc.ได้ เปิดตัวบริการ iTunesและiPod (เครื่องเล่น MP3 ที่ใช้งานง่ายสำหรับผู้บริโภค) ก็ได้วางจำหน่ายในปลายปีนั้น ตามมาด้วยทางเลือกที่ถูกกฎหมายที่คล้ายคลึงกันในเวลาไม่นาน สิ่งนี้ประกอบกับการเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องของการแบ่งปันไฟล์ที่ผิดกฎหมาย ส่งผลให้ยอดขายเพลงที่บันทึกไว้ในรูปแบบแผ่นเสียงลดลงอย่างมาก^{[ 68 ]}ในช่วงสามปีถัดมา^{[ 75 ]}ยอดขายฟื้นตัวขึ้นเล็กน้อยในช่วงปลายปี 2004 เมื่ออุตสาหกรรมมียอดขายอัลบั้มประมาณ 667 ล้านแผ่น นำโดยอัลบั้ม ConfessionsของUsher  ที่มียอดขาย 8 ล้านแผ่น[ ^{75 ]}ซึ่งความสำเร็จนี้เป็นตัวอย่าง ของ ดนตรีแนวเออร์บันที่ครองตลาดเพลงป๊อปในทศวรรษนั้น^{[ 76 ]} Eminemและ50 Cent เป็นหนึ่งในศิลปินที่ประสบความสำเร็จจากค่าย ^เพลงใหญ่ในช่วงที่เพลงแร็พเฟื่องฟูซึ่งต่อเนื่องมาจากทศวรรษก่อนหน้า^{[ 67 ]}อัลบั้ม ConfessionsและThe Eminem Show (2002) ของ Eminem ต่างก็ได้รับการรับรองระดับDiamondจากสมาคมอุตสาหกรรมการบันทึกเสียงแห่งอเมริกาโดยมียอดขายถึง 10 ล้านชุดภายในสิ้นทศวรรษ^{[ 76 ]}

ตามที่โฮแกนกล่าว ผลงานเพลงที่สร้างสรรค์ที่สุดยังถูกผลิตขึ้นในแนวเพลงเมืองอย่างอาร์แอนด์บีฮิปฮอป และป๊อป รวมถึงอัลบั้มของคานเย่ เวสต์และดีแองเจโลตลอดจนผลงานของทิมบาลันด์และเดอะเนปจูนส์ สำหรับนักวิจารณ์ ผลงานเหล่านี้กลายเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของอัลบั้มเพลง ป๊อป ศิลปะ เต็มรูปแบบที่กำหนดนิยามของยุคอัลบั้มด้วยประเพณีดนตรีร็อกที่ใช้กีตาร์เป็นหลัก ซึ่งมีความซับซ้อนมากขึ้นจากการได้รับการยกย่องอย่างสูงจากอัลบั้ม อิเล็กทรอนิก โพสต์ร็อกKid A (2000) ของเรดิโอเฮด อัลบั้มร็อกที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดในช่วงต้นทศวรรษ 2000 มักนำเอาเสียงดนตรีแบบเก่ากลับมาใช้ใหม่ เนื่องจากไม่สามารถทำยอดขายได้เทียบเท่ากับOK Computerเช่นIs This It (2001) ของเดอะสโตรกส์ White Blood Cells (2001) ของเดอะไวท์สไตร ป์สและTurn on the Bright Lights (2002) ของอินเตอร์โพล หรือขาดงบประมาณการผลิตและการตลาดที่มากมายเหมือนเรดิโอเฮด เช่นในกรณีของFuneral (2004) ของอาร์เคดไฟร์การพัฒนาเหล่านี้ส่งผลให้ชื่อเสียงทางการค้าและวัฒนธรรมของดนตรีร็อคลดลง และกระบวนทัศน์การวิจารณ์เปลี่ยนจากร็อคนิยมไปเป็นป๊อปติมิซึมในอีกหลายปีต่อมา^{[ 49 ]}

ในขณะเดียวกัน ความสามารถของอุตสาหกรรมดนตรีในการขายอัลบั้มยังคงเผชิญกับภัยคุกคามจากการละเมิดลิขสิทธิ์และสื่อคู่แข่ง เช่น ดีวีดี วิดีโอเกม และการดาวน์โหลดเพลงเดี่ยว จาก ข้อมูลของ Nielsen SoundScanในปี 2547 เพลงดิจิทัลขายได้มากกว่า 140 ล้านชุดในราคาประมาณ 99 เซนต์ต่อชุดจากผู้ขายออนไลน์เช่น iTunes ซึ่งแสดงให้เห็นว่าผู้บริโภคนิยมดาวน์โหลดเพลงเดี่ยวมากกว่าอัลบั้มที่มีราคาสูงกว่า^{[ 75 ]}ในปี 2549 ยอดขายซีดีถูกแซงหน้าเป็นครั้งแรกโดยการดาวน์โหลดเพลงเดี่ยว โดยผู้บริโภคเพลงดิจิทัลซื้อเพลงเดี่ยวมากกว่าอัลบั้มในอัตราส่วน 19 ต่อ 1 ^{[ 68 ]}ภายในปี 2552 ยอดขายอัลบั้มลดลงมากกว่าครึ่งหนึ่งนับตั้งแต่ปี 1999 ลดลงจาก อุตสาหกรรมมูลค่า 14.6 พันล้านดอลลาร์เหลือ 6.3 พันล้าน ดอลลาร์ ^{[ 78 ]}ในช่วงเวลานี้ เพลง แดนซ์ป็อป ได้แซง ^หน้าเพลงแนวเออร์บันขึ้นมาเป็นแนวเพลงหลักในวิทยุยอดนิยม 40 อันดับแรก [ ^{76 ]}โดยมีศิลปินป็อปอย่างริฮานน่าปรากฏตัวขึ้นในช่วงนี้ โดยสร้างอาชีพจากซิงเกิลดิจิทัลแทนที่จะเป็นยอดขายอัลบั้ม^{[ 79 ]}วงร็อครุ่นเก๋าอย่าง U2 ประสบความสำเร็จในช่วงที่ยอดขายอัลบั้มลดลงได้ดีกว่าวงรุ่นใหม่ เนื่องจากมีฐานแฟนคลับที่ภักดีและยังคงยึดติดกับรูปแบบอัลบั้มอยู่ “ในฐานะที่เป็นลูกหลานของยุคอัลบั้ม U2 จะไม่หยุดมองว่าอัลบั้มเป็นหัวใจสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา” แม้ว่ายอดขายจะลดลงเรื่อยๆ ก็ตาม แมท สโนว์กล่าว พร้อมเสริมว่าการแสดงสดจึงกลายเป็นแหล่งรายได้ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา^{[ 70 ]}

ด้วยการเติบโตของสื่อดิจิทัลในช่วงทศวรรษ 2000 นักสะสมอัลบั้มแบบแผ่นที่เป็นที่นิยมได้เปลี่ยนไปเป็นนักสะสมแบบดิจิทัลและอิเล็กทรอนิกส์ รอยกล่าวว่า อาจกล่าวได้ว่านักสะสมเหล่านี้ "ไม่มีความรู้หรือเครื่องมือในการจัดเก็บที่เพียงพอที่จะรักษาคอลเลกชันของตนไว้ในระยะยาว" โดยอ้างถึงอายุการใช้งานที่เปราะบางของไฟล์ดิจิทัล^{[ 63 ]}ในขณะเดียวกัน การล่มสลายของร้านขายเพลงแบบแผ่นทำให้เว็บไซต์ต่างๆ เกิดขึ้นมาเป็นโดเมนสำหรับการสะสมอัลบั้ม รวมถึงฐานข้อมูลรีวิวเพลงAllMusicบริการสตรีมมิ่งSpotifyและDiscogsซึ่งเริ่มต้นจากการเป็นฐานข้อมูลเพลงก่อนที่จะพัฒนาเป็นตลาดออนไลน์สำหรับแผ่นเพลง^{[ 80 ]}

วลี "การตายของอัลบั้ม" ถูกนำมาใช้ในสื่อในช่วงที่อัลบั้มกำลังเสื่อมถอย โดยมักจะอ้างถึงการแบ่งปันและการดาวน์โหลดทางอินเทอร์เน็ต^{[ 81 ] [ 82 ]}และความคาดหวังที่เปลี่ยนแปลงไปของผู้ฟังเพลง^{[ 83 ]} เจฟฟ์ เคมป์เลอร์ ประธานเจ้าหน้าที่ฝ่ายปฏิบัติการของ Capitol-EMIกล่าวในปี 2007 ว่าศิลปินจำนวนน้อยลงจะดำเนินแคมเปญที่มุ่งเน้นอัลบั้ม ในขณะที่อาราม ซินไรช์ นักวิจัยด้านสื่อได้ทำนายอย่างตรงไปตรงมาว่าอัลบั้มจะตายลงเมื่อผู้บริโภคฟังเพลย์ลิสต์บนเครื่องเล่น MP3 แทน^{[ 68 ]}ในการสัมภาษณ์หลายปีต่อมา ลี ฟิลลิปส์ จากบริษัทกฎหมายบันเทิงManatt, Phelps & Phillips ในแคลิฟอร์เนีย เชื่อว่ายุคของอัลบั้มได้สิ้นสุดลงแล้ว และตำหนิบริษัทแผ่นเสียงที่ไม่ตระหนักถึงความหลีกเลี่ยงไม่ได้ของการสตรีมมิ่งในฐานะวิธีการเผยแพร่เพลงที่ได้รับความนิยม และไม่ร่วมมือกับ Napster ในการหาทางออก^{[ 84 ]}

ผู้คนในวงการเพลง^{[ 85 ]}และนักเขียนในช่วงทศวรรษ 2010 เช่นJon Caramanica ^{[ 86 ]}และKevin Whitehead [ ^{87 ] ได้อธิบายช่วงเวลานี้ในประวัติศาสตร์ของอัลบั้มว่าเป็น "ยุคหลังอัลบั้ม" ตลอดทศวรรษนั้น ค่ายเพลงต่างๆ ได้}ลงทุนในแพลตฟอร์มสตรีมมิ่ง เช่น Spotify และPandora Radioโดยมีกลยุทธ์ที่เน้นเพลย์ลิสต์ที่คัดสรรมาอย่างดีและเพลงแต่ละเพลงมากกว่าอัลบั้ม^{[ 2 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Spotify กลายเป็นแพลตฟอร์มที่โดดเด่นและกำหนดนิยามใหม่สำหรับการบริโภคเพลงในช่วงทศวรรษ 2010 Court Mann รายงานในDeseret News ในช่วงปลายทศวรรษ ว่า "บริการต่างๆ เช่น Spotify และApple Musicได้ย้ายคลังเพลงของเราออกจากฮาร์ดไดรฟ์ส่วนตัว iPod และซีดี ไปยังระบบคลาวด์เพลงของเรามีความเป็นส่วนตัวและเก็บกักไว้ภายในน้อยลงเรื่อยๆ" ^{[ 88 ]}ในปี 2011 ยอดขายอัลบั้มสุทธิในสหรัฐอเมริกาเพิ่มขึ้นเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่ปี 2004 โดยนักเขียนบางคนระบุว่าเป็นผลมาจากอัลบั้ม21ของAdele ที่ประสบความสำเร็จในปี 2011 (มียอดขาย 5.8 ล้านชุดและมากกว่า 3 ล้านซีดีภายในเดือนมกราคม 2012) ^{[ 89 ]}แต่ยอดขายก็ลดลงอีกครั้งในปีถัดมา^{[ 76 ]}เมื่อผู้บริโภคเลิกซื้ออัลบั้ม ศิลปินจำนวนมากจึงหันมาเน้นการปล่อยซิงเกิล ซึ่งเป็นแนวโน้มที่นักวิจารณ์รู้สึกว่าบั่นทอนศักยภาพทางศิลปะของพวกเขาและทำให้เกิดศิลปินที่มีเพลงฮิตเพียงเพลงเดียวจำนวน มาก ^{[ 90 ]}อย่างไรก็ตาม นักวิจารณ์ซึ่งส่วนใหญ่เขียนบทวิจารณ์อัลบั้มในช่วงที่รูปแบบนี้ครองตลาด ก็เริ่มวิจารณ์เพลงซิงเกิลด้วยเช่นกัน^{[ 31 ]} 

ถึงแม้ว่ารูปแบบอัลบั้มจะ "ตายไปแล้ว" ในเชิงพาณิชย์ แต่ศิลปินชื่อดังอย่างU2 , The 1975 , Taylor SwiftและKaty Perryก็ยังคงนำเสนอผลงานของพวกเขาภายใน "ยุคอัลบั้ม" ที่พวกเขากำหนดเอง ตามที่ Peter Robinson จากThe Guardian กล่าว ศิลปินเหล่านี้ได้นำเสนอช่วงชีวิตทางสุนทรียภาพของโปรเจกต์ของพวกเขาในรูปแบบของแคมเปญอัลบั้มที่มีธีมเฉพาะ เหมือนกับศิลปินในอดีตอย่าง Bowie, Madonna และPet Shop Boys ^{[ 91 ]} อัลบั้มต่างๆ ถูกทำการตลาดด้วย การเปิดตัวผลิตภัณฑ์ที่ฟุ่มเฟือยและเหมือนงานศิลปะการแสดงซึ่งถึงจุดต่ำสุดในปี 2013 ตามที่ Lindsay Zoladz นักเขียน ของ Vultureกล่าวไว้ โดยอ้างถึงความพยายามที่ล้มเหลวของศิลปินอย่าง Kanye West, Arcade Fire และLady Gagaในการใช้ศิลปะภาพและสถานที่สาธารณะเป็นกลยุทธ์: " แคมเปญArtpop ที่เกินความจำเป็นอย่างน่าขันของ Gaga มีประติมากรรมของ Jeff Koonsและการแถลงข่าวที่เธอเปิดตัว 'VOLANTIS ชุดบินได้ชุดแรกของโลก'; Daft Punkบันทึกสปอตโปรโมชั่นแบบVH1 Classic Albums ที่ไม่รู้จบเพื่อรำลึกถึง Random Access Memoriesก่อนที่ใครๆ จะได้ฟังมันเสียอีก ... และใครจะลืม [Perry] ที่ขับรถ บรรทุก 18 ล้อ สีทองอร่ามผ่านถนนใน LA ที่ตะโกนว่า KATY PERRY PRISM 10-22-13 และดูเหมือนก้อนชีส Cracker Barrel หนักสิบตันได้อย่างน่าประหลาด" ^{[ 92 ]}ถึงกระนั้น Swift ก็ยังคงเป็นผู้ยึดมั่นและวางแผนแคมเปญอัลบั้มอย่างพิถีพิถันที่สุดในวงการเพลงตลอดทศวรรษ โดยสร้างศิลปะแห่งกลยุทธ์ที่โดดเด่น ตามความเห็นของ Curto ^{[ 58 ]}

ในช่วงกลางทศวรรษ 2010 ศิลปินนักร้องยอดนิยมได้นำ กลยุทธ์การออก อัลบั้มแบบเซอร์ไพรส์มาใช้ โดยออกอัลบั้มโดยไม่มีการประกาศหรือโปรโมทล่วงหน้ามากนัก ส่วนหนึ่งเพื่อต่อสู้กับการรั่วไหลทางอินเทอร์เน็ตกลยุทธ์นี้มีมาก่อนโดย Radiohead และ Bowie แต่ได้รับความนิยมจากBeyoncéกับอัลบั้มชื่อเดียวกันของเธอในปี 2013 ซึ่งนำไปสู่สิ่งที่ Zoladz ในปี 2015 เรียกว่า "ยุคอัลบั้มเซอร์ไพรส์ในปัจจุบัน" ^{[ 92 ]}ในปีต่อมา นักร้องได้ใช้กลยุทธ์นี้ซ้ำอีกครั้งกับ อัลบั้ม Lemonade ของเธอ และพิสูจน์อีกครั้งว่า " จิตวิญญาณแห่งยุคสมัยสามารถจับและยึดไว้ได้ภายในคืนเดียว" ดังที่ Curto อธิบาย^{[ 58 ]}อย่างไรก็ตาม Zoladz ได้รายงานถึง "ความเหนื่อยล้าโดยรวม" ในหมู่นักวิจารณ์มืออาชีพและผู้ฟังทั่วไปจากการติดตามการออกอัลบั้มแบบเซอร์ไพรส์และวงจรข่าวสาร ในโซเชียลมีเดีย ที่เกี่ยวข้อง เธอยังตั้งข้อสังเกตถึง ความสามารถของ เดรกในการรักษาความนิยมของเขาไว้ได้นานขึ้นด้วยการปล่อยเพลงทีละเพลง และด้วยเหตุนี้จึงเชี่ยวชาญในยุคดิจิทัล "ความต้องการทั้งความพึงพอใจในทันทีและความคาดหวังในระยะยาว" ^{[ 92 ]}ช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 2010 มีแนวโน้มไปสู่การทำการตลาดอัลบั้มฮิปฮอปที่น้อยลงในลักษณะเดียวกัน โดยมีการประกาศในรูปแบบของโพสต์บนโซเชียลมีเดียที่เปิดเผยเพียงภาพปก รายชื่อเพลง หรือวันวางจำหน่ายเพียงไม่กี่สัปดาห์ก่อนเท่านั้น^{[ 58 ]}

นักวิจารณ์คนอื่นๆ ยังคงเชื่อว่าอัลบั้มเป็นแนวคิดที่ใช้ได้ผลในศตวรรษที่ 21 ในปี 2003 นิตยสาร Wiredได้มอบหมายให้ Christgau เขียนบทความเกี่ยวกับว่าอัลบั้มเป็น "รูปแบบศิลปะที่กำลังจะตาย" หรือไม่ ซึ่งเขาได้สรุปว่า "ตราบใดที่ศิลปินยังคงออกทัวร์ พวกเขาก็จะขายชุดเพลงควบคู่ไปกับสินค้าอื่นๆ และชุดเพลงเหล่านั้นจะถูกสร้างสรรค์ขึ้นอย่างมีศิลปะที่สุดเท่าที่ศิลปินจะทำได้" ในปี 2019 เมื่อยอดขายซีดีและการดาวน์โหลดดิจิทัลลดลงอย่างมาก และทฤษฎีเกี่ยวกับการ "ตาย" ของรูปแบบอัลบั้มแบบแผ่นยังคงมีอยู่ Christgau พบว่าสมมติฐานดั้งเดิมของเขามีความถูกต้องมากยิ่งขึ้น "เพราะคอมพิวเตอร์ให้และเอาไป" เขาเขียนไว้ในบทความประกอบแบบ สำรวจดนตรี Pazz & Jopในปีนั้น โดยอธิบายว่าอุปกรณ์บันทึกเสียงที่เหมาะสมในปัจจุบันทำให้การผลิตอัลบั้มเข้าถึงได้สำหรับนักดนตรีที่มีความสามารถในระดับต่างๆ เกี่ยวกับการแสดงแบบมืออาชีพ เขากล่าวว่า "การแต่งเพลงอยู่ในดีเอ็นเอของพวกเขา และถ้าเพลงเหล่านั้นดีพอ การบันทึกเพลงเหล่านั้นไว้เพื่อเป็นมรดกตกทอดก็จะกลายเป็นสิ่งที่ไม่อาจต้านทานได้" ^{[ 93 ]}

ในบทความส่งท้ายปี 2019 เกี่ยวกับอัลบั้มแอนน์ พาวเวอร์สเขียนลงในSlateว่าในปีนั้น รูปแบบอัลบั้มอยู่ในสถานะ "การเปลี่ยนแปลง" มากกว่าที่จะตายไปแล้ว จากการสังเกตของเธอ ศิลปินบันทึกเสียงหลายคนได้ฟื้นฟูอัลบั้มแนวคิดโดยใช้เรื่องราวอัตชีวประวัติและธีมส่วนตัว เช่น ความใกล้ชิดความหลากหลายทางสังคม ชีวิตของชาวแอฟริกันอเมริกัน ขอบเขตระหว่างผู้หญิง และความโศกเศร้าที่เกี่ยวข้องกับความตาย เธอยกตัวอย่างอัลบั้มต่างๆ เช่นJaimeของBrittany Howard , Jimmy LeeของRaphael Saadiq , EveของRapsody , On the LineของJenny LewisและGhosteenของNick Cave ^{[ 94 ]} ในเวลาเดียวกัน นักข่าวศิลปะและวัฒนธรรม Michelle Zipkin เชื่อว่าอัลบั้มยังคงเป็น "องค์ประกอบที่สำคัญ เกี่ยวข้อง และได้รับการยกย่องใน การสร้างสรรค์ดนตรีและศิลปะ" เธออ้างถึงการรวบรวมบทวิจารณ์ จาก Metacriticซึ่งจัดอันดับอัลบั้มที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดในช่วงทศวรรษ 2010 ซึ่งแสดงให้เห็นถึงฝีมือทางดนตรีจากศิลปินที่หลากหลาย และมักมีเนื้อหาที่จริงจัง เช่น ความโศกเศร้าความสัมพันธ์ทางเชื้อชาติและการเมืองเรื่องอัตลักษณ์พร้อมทั้งเสริมว่า "อัลบั้มในปัจจุบันนำเสนอแนวทางใหม่ในการเข้าถึงอุตสาหกรรมที่กำลังเปลี่ยนแปลง" ^{[ 2 ]}

ในปี 2019 สวิฟต์ยังคงเป็นศิลปินเพียงคนเดียว "ที่ยังคงขายซีดี" และยังไม่หันมาใช้บริการสตรีมมิ่ง เนื่องจากบริการเหล่านั้นไม่ได้จ่ายค่าตอบแทนให้กับศิลปินอย่างเป็นธรรม ตามรายงานของQuartz มิคาเอล วูด นักวิจารณ์จาก Los Angeles Times ได้อธิบาย เพิ่มเติมในประเด็นนี้ว่า "ในขณะที่เธอยังคงเก็บเพลงของเธอไว้ไม่ให้ลงใน Spotify – ทำให้กลุ่มผู้ฟังที่ภักดีของเธอคิดว่าการซื้อเพลงและอัลบั้มของเธอเป็นการแสดงความจงรักภักดี – ศิลปินรุ่นใหม่อย่างอาริอานา แกรนด์ก็ได้ก้าวขึ้นมาเป็นที่ชื่นชอบในบริการสตรีมมิ่ง" อย่างไรก็ตาม สวิฟต์ได้ใช้บริการสตรีมมิ่งหลักทั้งหมดในการปล่อยอัลบั้มLover ในปี 2019 ซึ่งQuartzกล่าวว่า "อาจเป็นซีดีแผ่นสุดท้ายที่เราซื้อ" และ "อาจเป็นบันทึกมรณกรรมฉบับสุดท้ายสำหรับซีดี" ^{[ 95 ]}

แนวโน้มระดับนานาชาติ

ในช่วงกลางทศวรรษ 2010 ยอดขายซีดีและแผ่นเสียงไวนิลคิดเป็น 39% ของยอดขายเพลงทั่วโลก จากยอดขายเพลงทั้งหมดในสหรัฐอเมริกา ( ตลาดเพลงที่ใหญ่ที่สุดในโลกในแง่ของรายได้) น้อยกว่า 25% เป็นแผ่นเพลง ในขณะที่ฝรั่งเศสและสหราชอาณาจักรมีสัดส่วนประมาณ 30-40% ในสถิติเดียวกันนี้ อย่างไรก็ตาม ตัวเลขดังกล่าวอยู่ที่ประมาณ 60% สำหรับเยอรมนีและ 75% สำหรับญี่ปุ่น ซึ่งเป็นตลาดที่ใหญ่เป็นอันดับสองของโลกด้วยยอดขายเพลงมากกว่า254 พันล้าน เยน  (หรือ 2.44  พันล้านดอลลาร์สหรัฐ) ต่อปี ส่วนใหญ่เป็นแผ่นซีดี ทั้งสองประเทศเป็นผู้นำของโลกในด้านยอดขายเพลงในรูปแบบแผ่นเพลงส่วนหนึ่งเป็นเพราะวัฒนธรรมของทั้งสองประเทศมีความชื่นชอบร่วมกันใน "วัตถุทางกายภาพ" ตามที่Mun Keat Looi นักข่าวของ Quartz กล่าวไว้ ^{[ 96 ]}

อุตสาหกรรมเพลงของญี่ปุ่นนิยมใช้แผ่นซีดีเป็นพิเศษ ส่วนหนึ่งเป็นเพราะผลิต จัดจำหน่าย และควบคุมราคาได้ง่าย ในปี 2016 ญี่ปุ่นมีร้านขายเพลงแบบแผ่น 6,000 แห่ง ซึ่งมากกว่าสหรัฐอเมริกา (ประมาณ 1,900 แห่ง) และเยอรมนี (700 แห่ง) ในโลก แม้ว่าอินเทอร์เน็ตบรอดแบนด์จะมีให้บริการในญี่ปุ่นตั้งแต่ปี 2000 แล้ว แต่ผู้บริโภคก็ยังต่อต้านการเปลี่ยนแปลงไปสู่การดาวน์โหลดและการสตรีม ซึ่งคิดเป็น 8% ของรายได้รวมจากอุตสาหกรรมเพลงของประเทศ เทียบกับ 68% ในตลาดสหรัฐอเมริกา ในขณะที่ซิงเกิลในประเทศตะวันตกเริ่มล้าสมัยไปนานกว่าทศวรรษแล้ว ตลาดซิงเกิลของญี่ปุ่นยังคงอยู่รอดได้ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความนิยมอย่างมหาศาลของ ศิลปิน ไอดอล บอยแบนด์ และเกิร์ลกรุ๊ป บริษัทแผ่นเสียงและหน่วยงานการตลาดใช้ ประโยชน์จากกลุ่มแฟนคลับที่อยู่รอบตัวศิลปินเหล่านี้ โดยใช้ประโยชน์จากแง่มุมการขายสินค้าของซีดีด้วยกลยุทธ์ส่งเสริมการขาย เช่น การออกอัลบั้มเดียวหลายเวอร์ชัน การรวมอัลบั้มเดียวไว้กับตั๋วเข้าชมงานของศิลปิน และการนับการซื้อซีดีซิงเกิลเป็นคะแนนโหวตจากแฟนๆ เพื่อชิงความนิยมของศิลปิน จุดสนใจจึงเปลี่ยนจากตัวเพลงไปสู่ประสบการณ์ของแฟนๆ ในการเชื่อมต่อกับไอดอลที่ชื่นชอบ ตามที่โรนัลด์ เทย์เลอร์ ผู้สื่อข่าวของ The Japan Times กล่าวไว้ ^{[ 96 ]}

พฤติกรรมการบริโภคที่ผิดปกติของญี่ปุ่นในตลาดเพลงที่บันทึกไว้เป็นตัวอย่างของกลุ่มอาการกาลาปากอสซึ่งเป็นแนวคิดทางธุรกิจที่อิงตามทฤษฎีวิวัฒนาการของชาร์ลส์ ดาร์วินตามที่ Looi กล่าวไว้ มันอธิบายว่าลักษณะเฉพาะของประเทศที่เน้นนวัตกรรมแต่แยกตัวออกจาก โลก ภายนอก ส่งผลให้เกิด "ความรักในเทคโนโลยีที่ส่วนอื่นๆ ของโลกแทบจะลืมไปแล้ว" เกี่ยวกับความนิยมในเชิงพาณิชย์ที่ยั่งยืนของซีดีในญี่ปุ่น นักวิเคราะห์ดนตรีระดับโลก Mark Mulligan อธิบายว่ากำลังซื้อและความต้องการของผู้บริโภค ของญี่ปุ่น กระจุกตัวอยู่ในกลุ่มประชากรสูงวัย ที่เพิ่ม ขึ้นอย่างรวดเร็ว ซึ่งมีแนวโน้มที่จะติดตามไอดอลรุ่นเก๋า เช่น วงบอยแบนด์Arashiและนักร้องนักแต่งเพลงMasaharu Fukuyamaในขณะที่กระจุกตัวน้อยกว่าในกลุ่มคนหนุ่มสาวที่คุ้นเคยกับบริการดิจิทัลและสตรีมมิ่ง อย่างไรก็ตาม ช่วงกลางทศวรรษ 2010 ยังเห็นการเพิ่มขึ้นของยอดขายเพลงดิจิทัลและการสมัครสมาชิก ซึ่งบ่งชี้ถึงแนวโน้มที่ลดลงจากการซื้อแผ่นซีดีในประเทศ^{[ 96 ]}

ในปี 2019 สหพันธ์อุตสาหกรรมแผ่นเสียงระหว่างประเทศ (IFPI) รายงานว่าตลาดเพลงที่บันทึกเสียง 10 อันดับแรกของโลก ได้แก่ ญี่ปุ่น จีน เกาหลีใต้ และออสเตรเลีย พร้อมทั้งสังเกตเห็นการเกิดขึ้นของตลาดนอกตะวันตกโดยทั่วไป รวมถึงตลาดในละตินอเมริกา เอเชีย และแอฟริกา รายงานยังสังเกตเห็นการเปลี่ยนแปลงจากการครอบงำระดับโลกของศิลปินภาษาอังกฤษยอดนิยมไปสู่ความสำเร็จในระดับภูมิภาคที่มีเสน่ห์ข้ามวัฒนธรรม เช่นBTSและJ Balvinซึ่งส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากวัฒนธรรมผู้บริโภคที่เปิดกว้างมากขึ้นและการเชื่อมต่อทางสังคมระหว่างศิลปินและผู้ฟัง ในขณะที่ศิลปินบันทึกเสียงชั้นนำจากตะวันตกยังคงพึ่งพาบทบาทดั้งเดิมจากค่ายเพลงใหญ่ ศิลปินคนอื่นๆ ใช้ผู้ให้บริการดิจิทัล เช่น Spotify และ Apple Music เพื่อเผยแพร่ ผลงานบันทึกเสียงของ ตนเองหรือเผยแพร่ร่วมกับผู้จัดจำหน่ายอิสระ^{[ 98 ]}

ช่วงเวลาของการแพร่ระบาด

ในปี 2020 การเปิดตัวอัลบั้มถูกขัดขวางโดยการระบาดของโรคโควิด-19และมาตรการเว้นระยะห่างทางสังคมที่เกี่ยวข้อง [ ^{58 ] ระหว่าง}วันที่ 6 ถึง 12 มีนาคม ยอดขายอัลบั้มแบบแผ่นลดลง 6% ซึ่งส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากการระบาดของโรค ต่อมาในเดือนนั้นAmazonได้ระงับการจัดส่งซีดีเพลงและแผ่นเสียงไวนิลจากซัพพลายเออร์ในสหรัฐฯ ชั่วคราว เพื่อจัดลำดับความสำคัญของสินค้าที่ถือว่าจำเป็นมากกว่า^{[ 2 ]}การปิดร้านค้าปลีกและระบบการจัดจำหน่ายเนื่องจากการระบาดของโรคส่งผลกระทบต่อศิลปินรุ่นเก๋าเป็นพิเศษ เนื่องจากแฟนเพลงของพวกเขามักจะมีอายุมากกว่าและมีแนวโน้มที่จะยังคงซื้อซีดีและแผ่นเสียงไวนิลอยู่ ดังนั้น ศิลปินหลายรายที่ยังคงยึดติดกับรูปแบบการเปิดตัวแบบดั้งเดิม เช่นWillie NelsonและAlicia Keysจึงเลื่อนการวางจำหน่ายอัลบั้มของพวกเขาออกไป^{[ 99 ]} Elias Leight นักข่าวของRolling Stoneรายงานเกี่ยวกับการพัฒนาในเดือนมีนาคม โดยอธิบายว่า:

นั่นเป็นเพราะมีเพลงใหม่นับหมื่นเพลงปรากฏบนบริการสตรีมมิ่งทุกวัน เพื่อที่จะโดดเด่นเหนือเพลงอื่นๆ จำนวนมาก จำเป็นต้องถ่ายทำมิวสิกวิดีโอล่วงหน้าหลายเดือน ต้องจัดการเรื่องการออกรายการโทรทัศน์ ต้องติดต่อผู้ดูแลเนื้อหาบนบริการสตรีมมิ่ง ต้องจองโอกาสในการให้สัมภาษณ์สื่อ ต้องวางแผนตารางทัวร์ การไปเยี่ยมสถานีวิทยุ และการไปออกบูธที่ร้านขายแผ่นเสียง หากไม่มีองค์ประกอบเหล่านี้ ศิลปินอาจเสี่ยงที่จะปล่อยเพลงให้กับสาธารณชนที่ไม่สนใจ ไม่รู้จัก หรือรู้สึกว่ามีเพลงให้เลือกน้อยเกินไป และในขณะนี้ ตัวเลือกในการสร้างชื่อเสียงเหล่านี้เกือบทั้งหมดก็อยู่นอกเหนือความสามารถ^{[ 100 ]}

ศิลปินป๊อปชื่อดังหลายคนได้ปรับเปลี่ยนกลยุทธ์การวางจำหน่ายผลงานในช่วงการระบาดของโรคโควิด-19 เทย์เลอร์ ส วิ ฟต์ ปล่อยอัลบั้มFolkloreและEvermore ออกมา อย่างไม่คาดคิดในเดือนกรกฎาคมและธันวาคม 2020 ตามลำดับ โดยละทิ้งแคมเปญการโปรโมตอย่างเป็นทางการเป็นครั้งแรกในอาชีพของเธอ และทำลายสถิติยอดขายและการสตรีมหลายรายการ อาริอานา แกรนด์ ได้รับแรงบันดาลใจจากกลยุทธ์การวางจำหน่ายอัลบั้มแร็พ จึงปล่อยอัลบั้มPositions (2020) ออกมาโดยมีการประกาศและการโปรโมตน้อยที่สุดเช่นกัน ความสำเร็จของศิลปินทั้งสองในช่วงการระบาดของโรคโควิด-19 เกิดขึ้นในขณะที่ศิลปินป๊อปชื่อดังหลายคนวางแผนการเปิดตัวอัลบั้มแบบดั้งเดิม เช่น เคที เพอร์รี เลดี้ กากา และดัว ลิปา [ ^{58 ] คีย์}สยังปล่อยอัลบั้มAlicia ออกมาอย่างไม่ คาดคิดหลังจากเลื่อนออกไปอย่างไม่มีกำหนดเนื่องจากการระบาดของโรคโควิด-19 ^{[ 101 ]}ในขณะเดียวกัน อัลบั้มแร็พก็ได้รับประโยชน์มากขึ้นจากวัฒนธรรมการบริโภคและการสตรีมแบบออนดีมานด์ในช่วงเวลานั้น โดยแร็ปเปอร์อย่างLil Uzi Vert , Bad BunnyและDaBabyขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตอัลบั้ม^{[ 58 ]}

ปี 2020 พิสูจน์แล้วว่าเป็นปีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดสำหรับอัลบั้มไวนิลในประวัติศาสตร์ ของ MRC Data  (นับตั้งแต่ปี 1991) โดยมี ยอดขาย 27.5 ล้านแผ่นในสหรัฐอเมริกา ในเดือนมิถุนายน 2021 บิลบอร์ดรายงานว่ายอดขายอัลบั้มทางกายภาพสุทธิเพิ่มขึ้นเป็นครั้งแรกในรอบหลายปีเนื่องจากการระบาดใหญ่ ศิลปินป๊อปและฮิปฮอป/อาร์แอนด์บีมียอดขายเพิ่มขึ้นมากกว่าที่เคยในตลาดไวนิลของสหรัฐอเมริกา ในขณะที่แผ่นเสียงร็อคประสบกับยอดขายที่ลดลงแม้ว่าจะคิดเป็นสัดส่วนมากกว่าครึ่งหนึ่งของยอดขายรวมของตลาดก็ตาม ในบรรดาศิลปินที่มียอดขายไวนิลสูงสุดในปีนั้น ได้แก่Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamarและ Swift ซึ่ง อัลบั้ม Evermore ของเธอ มียอดขายสูงสุดทั้งซีดีและไวนิลอัลบั้มที่วางจำหน่ายในปี 2021 ^{[ 102 ]}

จากการรายงานแนวโน้มการเผยแพร่เพลงในช่วงการระบาดใหญ่ นักเขียนสังเกตว่าการเผยแพร่เพลงช่วยให้ศิลปินเชื่อมต่อกับผู้ฟังได้มากขึ้นในช่วงเวลาที่มีการเปลี่ยนแปลงกระบวนทัศน์ ในขณะเดียวกันก็เพิ่มอำนาจให้กับทั้งสองกลุ่มโดยแลกกับผลประโยชน์ของค่ายเพลงใหญ่^{[ 58 ]}

ในปี 2022 ไมเคิล แคร็ก เขียนบทความลงใน นิตยสาร iDโดยตั้งคำถามว่าสวิฟต์เป็น "ป็อปสตาร์ตัวจริงคนสุดท้ายที่เหลืออยู่ของเรา" หรือไม่ โดยสังเกตความสามารถของเธอในการผสมผสานวิธีการทำการตลาดเพลงป็อปแบบดั้งเดิม เช่น การสร้างเรื่องราวหลักจากอัลบั้มและการทัวร์คอนเสิร์ตขนาดใหญ่ เข้ากับกลยุทธ์ร่วมสมัย เช่น การงดเว้นการปล่อยเพลงก่อนอัลบั้มวางจำหน่าย แคร็กชี้ให้เห็นถึงการวางจำหน่าย อัลบั้ม Midnights (2022) และ ทัวร์คอนเสิร์ต Eras Tour ที่ครอบคลุมตลอดอาชีพการงานของเธอ และเขียนว่าสวิฟต์ได้ "รวบรวมความรู้สึกของการรวมกลุ่มป็อป" ในฐานะ "นักบวชหญิงชั้นสูง" และสร้าง "ความคลั่งไคล้ที่ไม่เคยเห็นมาก่อนนับตั้งแต่ยุคทองของอุตสาหกรรม" ^{[ 103 ]}

• หน่วยเทียบเท่าอัลบั้ม
• รายชื่ออัลบั้มที่ขายดีที่สุด
• รายชื่ออัลบั้มขายดีที่สุดแยกตามประเทศ
• รายชื่อศิลปินเพลงที่ขายดีที่สุด
• รายชื่ออัลบั้มที่ขายดีที่สุดในเวลาเร็วที่สุด
• การฟื้นคืนชีพของแผ่นเสียงไวนิล

• Christgau, Robert (31 สิงหาคม 2022). "การย้อนมองครั้งใหญ่: การถกเถียงเรื่องซิงเกิลกับอัลบั้ม – ข้อสังเกตจากคณะผู้ร่วมอภิปรายในงานสัมมนาเพลงใหม่ปี 2013" . และมันไม่หยุด. สืบค้นเมื่อ6 กันยายน 2022 .
• ครอส, อลัน (2 กุมภาพันธ์ 2020). "คุณยังฟังอัลบั้มด้วยวิธีแบบเก่าอยู่หรือเปล่า? มีโอกาสสูงที่คุณจะไม่ทำแบบนั้นแล้ว: อลัน ครอส" . ข่าวทั่วโลก . สืบค้นเมื่อ20 กุมภาพันธ์ 2021 .
• เดวีส์, แซม (กันยายน 2021). "จากคานเย่ถึงเดรก กระแสความฮิตของอัลบั้มบดบังตัวเพลงไปแล้ว" . ไฮสโนบีตี้ . สืบค้นเมื่อ17 กันยายน 2021 .
• ดักเกอร์, เอริค (19 สิงหาคม 2015). "บทสนทนาที่มีเหตุผล: มีใครมีเวลาฟังอัลบั้ม 80 นาทีบ้างไหม?" . NPR . สืบค้นเมื่อ20 กุมภาพันธ์ 2021 .
• Ivakhiv, Adrian J. (8 พฤษภาคม 2017). "อัลบั้มยอดเยี่ยมแห่งยุคแผ่นเสียง" . immanence . สืบค้นเมื่อ20 กุมภาพันธ์ 2021 .
• เลฟเซตซ์, บ็อบ (12 กันยายน 2013). "ยุคอัลบั้มเพลงร็อคคลาสสิกได้สิ้นสุดลง และยุคของเพลงแนวแทร็กสตาร์ในปัจจุบันได้สิ้นสุดลง" . วาไรตี้ . สืบค้นเมื่อ20 กุมภาพันธ์ 2021 .
• โมแรน, โรเบิร์ต (6 กันยายน 2021). "อะไรทำให้อัลบั้มขึ้นอันดับหนึ่งในปัจจุบัน – และมันสำคัญจริงหรือ?" . เดอะ ซิดนีย์ มอร์นิง เฮรัลด์ . สืบค้นเมื่อ17 กันยายน 2021 .
• ริชาร์ดสัน, มาร์ค (6 ตุลาคม 2020). "Rolling Stone's Canon Fodder" . เดอะวอลล์สตรีทเจอร์นัล . สืบค้นเมื่อ2 มีนาคม 2021 .
• Smith, Troy L. (21 กันยายน 2017). "15 ปีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี" . Cleveland.com . สืบค้นเมื่อ20 กุมภาพันธ์ 2021 .
• ซัลลิแวน, แคโรไลน์ (3 ตุลาคม 2548). "การสิ้นสุดของอัลบั้ม" . เดอะการ์เดียน . สืบค้นเมื่อ 20 กุมภาพันธ์ 2564 .
• Wachs, Jeffrey Philip (ธันวาคม 2012). "The Long-Playing Blues: Did the Recording Industry's Shift from Singles to Albums Violate Antitrust Law?" . UC Irvine Law Review . 2 (3). เก็บถาวรจากต้นฉบับเมื่อวันที่ 26 มิถุนายน 2021 . สืบค้นเมื่อ26 มิถุนายน 2021 .

• Albumism – นิตยสารออนไลน์ที่อุทิศให้กับเนื้อหาที่เกี่ยวข้องกับอัลบั้ม