ศิลปะ เป็นกิจกรรม ทางวัฒนธรรมที่หลากหลายซึ่งมุ่งเน้นไปที่ผลงานที่ใช้ ความสามารถ ในการสร้างสรรค์หรือจินตนาการซึ่งคาดว่าจะก่อให้เกิดประสบการณ์ที่คุ้มค่า^{[ 1 ]}โดยทั่วไปผ่านการแสดงออกถึงพลังทางอารมณ์ แนวคิดเชิงนามธรรม ความเชี่ยวชาญทางเทคนิค หรือความงาม^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

ไม่มีคำจำกัดความที่ตกลงกันโดยทั่วไปว่าอะไรคือศิลปะ [ ^{5 ] [ 6 ] [ 7 ]}และการตีความก็แตกต่างกันอย่างมากตลอดประวัติศาสตร์และข้ามวัฒนธรรม ใน^{ประเพณี}ตะวันตกสาขาคลาสสิกสามสาขาของทัศนศิลป์ได้แก่จิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรม [ ^{8 ]}ละครการเต้นรำและศิลปะการแสดง^อื่น ๆ รวมถึงวรรณกรรมดนตรีภาพยนตร์และสื่ออื่นๆ เช่นสื่อเชิงโต้ตอบรวมอยู่ในคำจำกัดความที่กว้างขึ้นของ " ศิลปะ " ^{[ 2 ] [ 9 ]}จนถึงศตวรรษที่ 17 ศิลปะหมายถึงทักษะหรือความเชี่ยวชาญใดๆ และไม่ได้แยกความแตกต่างจากงานฝีมือหรือวิทยาศาสตร์ในการใช้งานสมัยใหม่หลังศตวรรษที่ 17 ซึ่งการพิจารณาด้านสุนทรียศาสตร์มีความสำคัญสูงสุดวิจิตรศิลป์จึงถูกแยกและแยกแยะออกจากทักษะที่ได้มาโดยทั่วไป เช่น ศิลปะการตกแต่งหรือศิลปะ ประยุกต์

ธรรมชาติของศิลปะและแนวคิดที่เกี่ยวข้อง เช่น ความคิดสร้างสรรค์และ^การตีความจะถูกสำรวจในสาขาปรัชญาที่เรียกว่าสุนทรียศาสตร์^[ 10 ^]ผลงานศิลปะที่ได้จะถูกศึกษาในสาขาวิชาชีพวิจารณ์ศิลปะและประวัติศาสตร์ ศิลปะ

ในมุมมองของประวัติศาสตร์ศิลปะ^{[ 11 ]}ผลงานศิลปะมีมานานเกือบเท่ากับมนุษยชาติ ตั้งแต่ศิลปะยุคก่อนประวัติศาสตร์ ตอนต้น จนถึงศิลปะร่วมสมัยอย่างไรก็ตาม นักทฤษฎีบางคนคิดว่าแนวคิดทั่วไปของ "ผลงานศิลปะ" ไม่เหมาะสมนอกสังคมตะวันตกสมัยใหม่^{[ 12 ]}ความหมายแรกเริ่มของนิยามของศิลปะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความหมายภาษาละตินโบราณ ซึ่งแปลคร่าวๆ ว่า "ทักษะ" หรือ "งานฝีมือ" ดังเช่นคำที่เกี่ยวข้องกับคำว่า "ช่างฝีมือ" คำภาษาอังกฤษที่มาจากความหมายนี้ ได้แก่artifact , artificial , artifice , medical artsและmilitary arts อย่างไรก็ตาม ยังมีการใช้คำนี้ในภาษาพูดอื่นๆ อีกมากมาย ซึ่งล้วนมีความเกี่ยวข้องกับ รากศัพท์ของคำนี้

เมื่อเวลาผ่านไป นักปรัชญาอย่างเพลโตอริสโตเติลโสกราตีสและอิมมานูเอล คานต์เป็นต้น ได้ตั้งคำถามเกี่ยวกับความหมายของศิลปะ^{[ 13 ]}บทสนทนาหลายบทในเพลโตกล่าวถึงคำถามเกี่ยวกับศิลปะ ในขณะที่โสกราตีสกล่าวว่าบทกวีได้รับแรงบันดาลใจจากเทพธิดา แห่งศิลปะ และไม่ใช่เหตุผล เขาพูดอย่างเห็นด้วยกับสิ่งนี้และรูปแบบอื่นๆ ของความบ้าคลั่งอันศักดิ์สิทธิ์ (ความมึนเมา ความลุ่มหลงทางเพศ และความฝัน) ในPhaedrus (265a–c) แต่ในRepublic เขากลับ ต้องการห้าม ศิลปะบทกวีอันยิ่งใหญ่ของ โฮเมอร์และเสียงหัวเราะด้วย ในIonโสกราตีสไม่ได้แสดงท่าทีไม่เห็นด้วยต่อโฮเมอร์อย่างที่เขาแสดงออกในRepublicบทสนทนาIon ชี้ให้เห็นว่า Iliadของโฮเมอร์ทำหน้าที่ในโลกกรีกโบราณเช่นเดียวกับพระคัมภีร์ในโลกคริสเตียนสมัยใหม่ในปัจจุบัน: ในฐานะศิลปะวรรณกรรมที่ได้รับแรงบันดาลใจจากพระเจ้าซึ่งสามารถให้คำแนะนำทางศีลธรรมได้ หากเพียงแต่ได้รับการตีความอย่างถูกต้อง^{[ 14 ]}

ในส่วนของศิลปะวรรณกรรมและศิลปะดนตรี อริสโตเติลถือว่าบทกวีมหากาพย์โศกนาฏกรรม ตลก บทกวี ดิธีแรมบิกและดนตรีเป็น ศิลปะ เลียนแบบหรือเลียนแบบ โดยแต่ละอย่างจะแตกต่างกันไปตามสื่อ วัตถุ และวิธีการเลียนแบบ^{[ 15 ]}ตัวอย่างเช่น ดนตรีเลียนแบบด้วยสื่อของจังหวะและเสียงประสาน ในขณะที่การเต้นรำเลียนแบบด้วยจังหวะเพียงอย่างเดียว และบทกวีเลียนแบบด้วยภาษา รูปแบบต่างๆ ยังแตกต่างกันในวัตถุของการเลียนแบบ ตัวอย่างเช่น ตลกเป็นการเลียนแบบเชิงละครของมนุษย์ที่แย่กว่าค่าเฉลี่ย ในขณะที่โศกนาฏกรรมเลียนแบบมนุษย์ที่ดีกว่าค่าเฉลี่ยเล็กน้อย สุดท้าย รูปแบบต่างๆ แตกต่างกันในวิธีการเลียนแบบ—ผ่านการเล่าเรื่องหรือตัวละคร ผ่านการเปลี่ยนแปลงหรือไม่เปลี่ยนแปลง และผ่านละครหรือไม่แสดงละคร^{[ 16 ]}อริสโตเติลเชื่อว่าการเลียนแบบเป็นธรรมชาติของมนุษย์และเป็นหนึ่งในข้อได้เปรียบของมนุษย์เหนือสัตว์^{[ 17 ]}

ความหมายที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นของคำว่าศิลปะในฐานะคำย่อของศิลปะสร้างสรรค์หรือวิจิตรศิลป์ปรากฏขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 17 ^{[ 18 ]}วิจิตรศิลป์หมายถึงทักษะที่ใช้ในการแสดงความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน หรือเพื่อดึงดูดความรู้สึกทางสุนทรียภาพของผู้ชม หรือเพื่อดึงดูดผู้ชมให้พิจารณาผลงานศิลปะ ที่ประณีตหรือ วิจิตร ศิลป์ยิ่งขึ้น

ในความหมายหลังนี้ คำว่าศิลปะอาจหมายถึงหลายสิ่ง ได้แก่ (i) การศึกษาทักษะการสร้างสรรค์ (ii) กระบวนการใช้ทักษะการสร้างสรรค์ (iii) ผลผลิตจากทักษะการสร้างสรรค์ หรือ (iv) ประสบการณ์ของผู้ชมที่มีต่อทักษะการสร้างสรรค์ ศิลปะสร้างสรรค์ ( ศิลปะในฐานะสาขาวิชา) คือกลุ่มของสาขาวิชาที่สร้างงานศิลปะ ( ศิลปะในฐานะวัตถุ) ซึ่งเกิดจากแรงผลักดันส่วนบุคคล (ศิลปะในฐานะกิจกรรม) และสื่อสารข้อความ อารมณ์ หรือสัญลักษณ์เพื่อให้ผู้รับรู้ตีความ (ศิลปะในฐานะประสบการณ์) ศิลปะเป็นสิ่งที่กระตุ้นความคิด อารมณ์ ความเชื่อ หรือแนวคิดของแต่ละบุคคลผ่านทางประสาทสัมผัส งานศิลปะสามารถสร้างขึ้นอย่างชัดเจนเพื่อจุดประสงค์นี้ หรือตีความได้จากภาพหรือวัตถุ สำหรับนักวิชาการบางคน เช่น คานท์ วิทยาศาสตร์และศิลปะสามารถแยกแยะได้โดยถือว่าวิทยาศาสตร์เป็นตัวแทนของขอบเขตความรู้ และศิลปะเป็นตัวแทนของขอบเขตเสรีภาพในการแสดงออกทางศิลปะ^{[ 19 ]}

บ่อยครั้ง หากทักษะถูกนำไปใช้ในทางทั่วไปหรือในทางปฏิบัติ ผู้คนจะมองว่าเป็นงานฝีมือมากกว่าศิลปะ ในทำนองเดียวกัน หากทักษะถูกนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์หรืออุตสาหกรรม อาจถูกมองว่าเป็นศิลปะเชิงพาณิชย์มากกว่าวิจิตรศิลป์ ในทางกลับกัน งานฝีมือและการออกแบบบางครั้งก็ถูกมองว่าเป็นศิลปะประยุกต์ผู้ติดตามศิลปะบางคนโต้แย้งว่าความแตกต่างระหว่างวิจิตรศิลป์และศิลปะประยุกต์นั้นเกี่ยวข้องกับการตัดสินคุณค่าเกี่ยวกับศิลปะมากกว่าความแตกต่างทางนิยามที่ชัดเจน^{[ 20 ]}อย่างไรก็ตาม แม้แต่วิจิตรศิลป์ก็มักมีเป้าหมายที่นอกเหนือไปจากความคิดสร้างสรรค์และการแสดงออกถึงตนเองอย่างแท้จริง จุดประสงค์ของงานศิลปะอาจเป็นการสื่อสารความคิด เช่น ในงานศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจทางการเมือง จิตวิญญาณ หรือปรัชญา เพื่อสร้างความรู้สึกถึงความงาม (ดูสุนทรียศาสตร์ ) เพื่อสำรวจธรรมชาติของการรับรู้ เพื่อความเพลิดเพลิน หรือเพื่อสร้างอารมณ์ ที่รุนแรง จุดประสงค์อาจดูเหมือนไม่มีอยู่จริงก็ได้

ริชาร์ด วอลไฮม์ นักปรัชญาได้อธิบายธรรมชาติของศิลปะว่าเป็น "หนึ่งในปัญหาดั้งเดิมที่เข้าใจยากที่สุดของวัฒนธรรมมนุษย์" ^{[ 21 ]}ศิลปะได้รับการนิยามว่าเป็นพาหนะสำหรับการแสดงออกหรือการสื่อสารอารมณ์และความคิด เป็นวิธีการสำรวจและชื่นชมองค์ประกอบที่เป็นทางการเพื่อตัวของมันเอง และเป็นการเลียนแบบหรือการแสดงออกศิลปะในฐานะการเลียนแบบมีรากฐานที่ลึกซึ้งในปรัชญาของอริสโตเติล^{[ 22 ]}ลีโอ ตอลสตอยระบุว่าศิลปะเป็นการใช้สื่อทางอ้อมเพื่อสื่อสารจากคนหนึ่งไปยังอีกคนหนึ่ง^{[ 22 ]}เบเนเดตโต โครเชและอาร์จี คอลลิงวูด ได้เสนอ แนวคิด อุดมคติว่าศิลปะแสดงออกถึงอารมณ์ และงานศิลปะจึงมีอยู่ในจิตใจของผู้สร้างโดยพื้นฐาน^{[ 23 ] [ 24 ]}ทฤษฎีของศิลปะในฐานะรูปแบบมีรากฐานมาจากปรัชญาของคานท์ และได้รับการพัฒนาในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 โดยโรเจอร์ ฟรายและไคลฟ์ เบลล์ เมื่อไม่นานมานี้ นักคิดที่ได้รับอิทธิพลจากมาร์ติน ไฮเดกเกอร์ได้ตีความศิลปะว่าเป็นวิธีการที่ชุมชนพัฒนาสื่อสำหรับการแสดงออกและการตีความของตนเอง^{[ 25 ]}จอร์จ ดิกกีได้เสนอทฤษฎีเชิงสถาบันของศิลปะที่นิยามงานศิลปะว่าเป็นสิ่งประดิษฐ์ใดๆ ที่บุคคลหรือกลุ่มบุคคลที่มีคุณสมบัติเหมาะสมซึ่งทำหน้าที่ในนามของสถาบันทางสังคมที่เรียกกันทั่วไปว่า " โลกแห่งศิลปะ " ได้มอบ "สถานะผู้สมัครรับการชื่นชม" ให้แก่ผลงานนั้น^{[ 26 ]}แลร์รี ไชเนอร์ ได้อธิบายวิจิตรศิลป์ว่า "ไม่ใช่แก่นแท้หรือโชคชะตา แต่เป็นสิ่งที่เราสร้างขึ้น ศิลปะอย่างที่เราเข้าใจกันโดยทั่วไปนั้นเป็นสิ่งประดิษฐ์ของยุโรปที่มีอายุเพียงสองร้อยปีเท่านั้น" ^{[ 27 ]}

ศิลปะอาจมีลักษณะเฉพาะในแง่ของการเลียนแบบ (การแสดงภาพความเป็นจริง) การเล่าเรื่อง (การเล่าเรื่อง) การแสดงออก การสื่อสารอารมณ์ หรือคุณสมบัติอื่นๆ ในช่วงยุคโรแมนติกศิลปะถูกมองว่าเป็น "ความสามารถพิเศษของจิตใจมนุษย์ที่จะจัดอยู่ในประเภทเดียวกับศาสนาและวิทยาศาสตร์" ^{[ 28 ]}

เปลือกหอยที่แกะสลักโดยHomo erectusมีอายุระหว่าง 430,000 ถึง 540,000 ปี^{[ 30 ]}กรงเล็บนกอินทรีหางขาวแปดอันที่มีอายุ 130,000 ปี มีร่องรอยการตัดและการขัดถูที่บ่งชี้ถึงการดัดแปลงโดยมนุษย์นีแอนเดอร์ทัล ซึ่งอาจนำไปใช้เป็นเครื่องประดับ^{[ 31 ]}เปลือกหอยทากขนาดเล็กที่เจาะรูหลายชิ้นที่มีอายุประมาณ 75,000 ปี ถูกค้นพบในถ้ำแห่งหนึ่งในแอฟริกาใต้^{[ 32 ]}ภาชนะที่อาจใช้สำหรับบรรจุสีถูกค้นพบซึ่งมีอายุย้อนไปถึง 100,000 ปี^{[ 33 ]}

งานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดที่พบในยุโรปคือRiesenhirschknochen der Einhornhöhleซึ่งมีอายุย้อนไปถึง 51,000 ปี และสร้างโดยมนุษย์นีแอนเดอร์ทาล

มีการค้นพบประติมากรรมภาพวาดในถ้ำ ภาพวาดบนหิน และภาพสลักหินจากยุคหินเก่าตอนบน ที่มีอายุราว 40,000 ปีที่ผ่านมา ^{[ 34 ]}แต่ความหมายที่แท้จริงของงานศิลปะดังกล่าวมักเป็นที่ถกเถียงกัน เนื่องจากมีข้อมูลเกี่ยวกับวัฒนธรรมที่สร้างงานศิลปะเหล่านั้นน้อยมาก

ประติมากรรมและชิ้นงานศิลปะที่คล้ายคลึงกันชิ้นแรกที่ไม่มีใครโต้แย้งได้ เช่นวีนัสแห่งโฮห์เล เฟลส์คือวัตถุจำนวนมากที่พบในถ้ำและศิลปะยุคน้ำแข็งในแหล่งมรดกโลกยูเนสโก สวาเบียน จูรา ซึ่งเป็นที่พบงานศิลปะของมนุษย์ที่เก่าแก่ที่สุดที่ไม่หยุดนิ่ง ในรูปแบบของรูปแกะสลักสัตว์และมนุษย์ รวมถึงเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ขุดพบจนถึงปัจจุบัน โดยสิ่งประดิษฐ์เหล่านี้มีอายุระหว่าง 43,000 ถึง 35,000 ปีก่อนคริสตกาล จึงถือเป็นศูนย์กลางศิลปะของมนุษย์แห่งแรก^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ]}

ประเพณีอันยิ่งใหญ่มากมายในศิลปะมีรากฐานมาจากศิลปะของอารยธรรมโบราณที่ยิ่งใหญ่ ได้แก่อียิปต์โบราณเมโสโปเตเมียเปอร์เซียอินเดียจีน กรีกโบราณ โรมัน รวมถึงอินคามายาและออลเมคศูนย์กลางอารยธรรมยุคแรกเหล่านี้แต่ละแห่งได้พัฒนารูปแบบศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์และมีลักษณะเฉพาะ เนื่องจากขนาดและความยาวนานของอารยธรรมเหล่านี้ งานศิลปะของพวกเขาส่วนใหญ่จึงรอดมาได้ และอิทธิพลของพวกเขาส่วนใหญ่ได้ถูกส่งต่อไปยังวัฒนธรรมอื่น ๆ และยุคต่อมา บางแห่งยังได้บันทึกวิธีการทำงานของศิลปินเป็นครั้งแรกอีกด้วย ตัวอย่างเช่น ในช่วงเวลานี้ของศิลปะกรีก มีการยกย่องรูปร่างทางกายภาพของมนุษย์ และมีการพัฒนาทักษะที่เทียบเท่ากันเพื่อแสดงกล้ามเนื้อ ความสง่างาม ความงาม และสัดส่วนที่ถูกต้องตามหลักกายวิภาค^{[ 39 ]}

ในศิลปะไบแซนไทน์และ ยุคกลาง ของยุคกลางตะวันตก ศิลปะส่วนใหญ่มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกถึงเรื่องราวเกี่ยวกับพระคัมภีร์และวัฒนธรรมทางศาสนา และใช้รูปแบบที่แสดงถึงความรุ่งโรจน์อันสูงส่งของโลกสวรรค์ เช่น การใช้ทองคำเป็นพื้นหลังของภาพวาด หรือกระจกในงานโมเสกหรือหน้าต่าง ซึ่งยังนำเสนอรูปทรงในรูปแบบที่สมบูรณ์แบบและมีลวดลาย (แบนราบ) อย่างไรก็ตาม ประเพณีสัจนิยมแบบคลาสสิกยังคงมีอยู่ในงานไบแซนไทน์ขนาดเล็ก และสัจนิยมก็เติบโตขึ้นเรื่อยๆ ในศิลปะของยุโรปคาทอลิก^{[ 40 ]}

ศิลปะยุคเรเนสซองส์ให้ความสำคัญอย่างมากกับการแสดงภาพโลกวัตถุที่สมจริง และตำแหน่งของมนุษย์ในโลกนั้น ซึ่งสะท้อนให้เห็นในความเป็นรูปธรรมของร่างกายมนุษย์ และการพัฒนาระบบทัศนียวิทยาเชิงกราฟิกเพื่อแสดงภาพการถอยห่างในพื้นที่ภาพสามมิติ^{[ 41 ]}

ทางตะวันออกศิลปะอิสลามปฏิเสธการใช้สัญลักษณ์ทำให้มีการเน้นไปที่ลวดลายเรขาคณิตการเขียนอักษรวิจิตรและสถาปัตยกรรม [ ^{43 ] ยิ่งไปกว่านั้น ศาสนายังมีอิทธิพลต่อรูปแบบและสไตล์ศิลปะอีกด้วย อินเดียและทิเบตเน้นไปที่ประติมากรรมและการเต้นรำ ที่}ลงสี ในขณะที่จิตรกรรมทางศาสนาได้ยืมแบบแผนหลายอย่างมาจากประติมากรรม และมักใช้สีสันสดใสตัดกันโดยเน้นที่เส้นขอบ จีนมีการเจริญรุ่งเรืองของศิลปะหลายรูปแบบ เช่น การแกะสลักหยก งานทองสัมฤทธิ์ เครื่องปั้นดินเผา (รวมถึงกองทัพดินเผา อันน่าทึ่ง ของจักรพรรดิฉิน^{[ 44 ]} ) บทกวี การเขียนอักษรวิจิตร ดนตรี จิตรกรรม ละคร นิยาย ฯลฯ รูปแบบของศิลปะจีนมีความแตกต่างกันอย่างมากในแต่ละยุคสมัย และแต่ละยุคสมัยมักตั้งชื่อตามราชวงศ์ที่ปกครอง ตัวอย่างเช่น จิตรกรรม สมัยราชวงศ์ถังเป็นแบบสีเดียวและเรียบง่าย เน้นภูมิทัศน์ในอุดมคติ แต่ จิตรกรรม สมัยราชวงศ์หมิงนั้นมีรายละเอียดและสีสันสดใส และเน้นการเล่าเรื่องผ่านฉากและองค์ประกอบ^{[ 45 ]}ญี่ปุ่นตั้งชื่อรูปแบบต่างๆ ตามราชวงศ์จักรพรรดิเช่นกัน และยังมีการผสมผสานระหว่างรูปแบบการเขียนพู่กันและการวาดภาพอีกด้วยการพิมพ์ด้วยแม่พิมพ์ไม้กลายเป็นสิ่งสำคัญในญี่ปุ่นหลังจากศตวรรษที่ 17 ^{[ 46 ]}

ยุคแห่งการตรัสรู้ของตะวันตกในศตวรรษที่ 18 ได้เห็นการแสดงออกทางศิลปะของความแน่นอนทางกายภาพและเหตุผลของจักรวาลแบบกลไกนาฬิกาตลอดจนวิสัยทัศน์ทางการเมืองที่ปฏิวัติวงการเกี่ยวกับโลกหลังระบอบกษัตริย์ เช่นภาพของนิวตันในฐานะนักเรขาคณิตผู้ศักดิ์สิทธิ์ที่เบลค วาดไว้ ^{[ 47 ]}หรือภาพวาดโฆษณาชวนเชื่อของเดวิด สิ่งนี้ทำให้เกิดการปฏิเสธแนวคิด โร แมนติก โดยหันมาสนใจภาพวาดที่แสดงถึงด้านอารมณ์และความเป็นปัจเจกของมนุษย์ ซึ่งเป็นตัวอย่างในนวนิยายของเกอเธ่ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 จึงเกิด การเคลื่อนไหวทางศิลปะมากมายเช่นศิลปะเชิงวิชาการสัญลักษณ์นิยม อิมเพรสชันนิสม์และโฟวิสม์เป็นต้น^{[ 48 ] [ 49 ]}

ประวัติศาสตร์ของศิลปะในศตวรรษที่ 20 เป็นเรื่องราวของความเป็นไปได้ที่ไม่มีที่สิ้นสุดและการค้นหามาตรฐานใหม่ ๆ ซึ่งแต่ละมาตรฐานก็ถูกทำลายลงอย่างต่อเนื่องโดยมาตรฐานถัดไป ดังนั้นพารามิเตอร์ของอิมเพรสชันนิสม์ เอ็กซ์เพรสชันนิ สม์ ฟ อวิสม์ คิวบิสม์ ดาดาอิสม์เซอร์เรียลลิสม์ฯลฯ จึงไม่สามารถคงอยู่ได้นานเกินกว่าช่วงเวลาที่พวกมันถูกคิดค้นขึ้น ปฏิสัมพันธ์ ระดับโลก ที่เพิ่มมากขึ้น ในช่วงเวลานี้ทำให้วัฒนธรรมอื่น ๆ มีอิทธิพลต่อศิลปะตะวันตกมากขึ้นเช่นกัน ดังนั้นภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น (ซึ่งได้รับอิทธิพลจากการวาดภาพในยุคเรเนสซองส์ของตะวันตก) จึงมีอิทธิพลอย่างมากต่ออิมเพรสชันนิสม์และการพัฒนาในเวลาต่อมา ต่อมาประติมากรรมแอฟริกันก็ถูกนำมาใช้โดยปิกัสโซและมาติส ในระดับหนึ่ง ในทำนองเดียวกัน ในศตวรรษที่ 19 และ 20 ตะวันตกมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะตะวันออกด้วยแนวคิดดั้งเดิมของตะวันตก เช่นคอมมิวนิสต์และโพสต์โมเดิร์นนิสม์ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมาก^{[ 50 ]}

ลัทธิโมเดิร์นนิสม์ ซึ่งเป็นการแสวงหาความจริงในอุดมคติ ได้หลีกทางให้กับการตระหนักรู้ถึงความเป็นไปไม่ได้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ธีโอดอร์ ดับเบิลยู. อดอร์โนกล่าวในปี 1970 ว่า "ปัจจุบันถือเป็นเรื่องปกติแล้วว่าไม่มีสิ่งใดที่เกี่ยวข้องกับศิลปะที่สามารถถือเป็นเรื่องปกติได้อีกต่อไป ไม่ว่าจะเป็นศิลปะเอง ศิลปะในความสัมพันธ์กับส่วนรวม หรือแม้แต่สิทธิของศิลปะที่จะดำรงอยู่" ^{[ 51 ]}ลัทธิสัมพัทธนิยมได้รับการยอมรับว่าเป็นความจริงที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ซึ่งนำไปสู่ยุคของศิลปะร่วมสมัยและการวิจารณ์แบบหลังสมัยใหม่ที่ซึ่งวัฒนธรรมของโลกและประวัติศาสตร์ถูกมองว่าเป็นรูปแบบที่เปลี่ยนแปลงไป ซึ่งสามารถชื่นชมและดึงเอาความรู้มาใช้ได้ด้วยความสงสัยและเสียดสีเท่านั้น ยิ่งไปกว่านั้น การแบ่งแยกวัฒนธรรมเริ่มเลือนลางมากขึ้นเรื่อยๆ และบางคนโต้แย้งว่าในปัจจุบันเหมาะสมกว่าที่จะคิดในแง่ของวัฒนธรรมโลก มากกว่าวัฒนธรรมระดับภูมิภาค^{[ 52 ]}

ในหนังสือ "ต้นกำเนิดของงานศิลปะ " มาร์ติน ไฮเดกเกอร์ นักปรัชญาชาวเยอรมันและนักคิดคนสำคัญ ได้อธิบายถึงแก่นแท้ของศิลปะในแง่ของแนวคิดเรื่องการดำรงอยู่และความจริง เขาโต้แย้งว่าศิลปะไม่ใช่เพียงวิธีการแสดงออกถึงองค์ประกอบของความจริงในวัฒนธรรมเท่านั้น แต่ยังเป็นวิธีการสร้างความจริงนั้นขึ้นมา และเป็นจุดเริ่มต้นที่ทำให้ "สิ่งที่แท้จริง" สามารถปรากฏออกมาได้ งานศิลปะไม่ใช่เพียงแค่การแสดงออกถึงสิ่งที่เป็นอยู่ แต่ยังสร้างความเข้าใจร่วมกันของชุมชนอีกด้วย ทุกครั้งที่มีงานศิลปะชิ้นใหม่เพิ่มเข้ามาในวัฒนธรรมใดๆ ความหมายของการดำรงอยู่ก็จะเปลี่ยนแปลงไปโดยเนื้อแท้

ในอดีต ศิลปะ ทักษะทางศิลปะ และแนวคิดต่างๆ มักแพร่กระจายผ่านทางการค้า ตัวอย่างเช่นเส้นทางสายไหมที่ซึ่งอิทธิพลของกรีกโบราณ อิหร่าน อินเดีย และจีนผสมผสานกันศิลปะกรีก-พุทธเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของการปฏิสัมพันธ์นี้ การพบปะกันของวัฒนธรรมและโลกทัศน์ที่แตกต่างกันยังส่งผลต่อการสร้างสรรค์ทางศิลปะ ตัวอย่างเช่น เมืองท่าตรีเอสเต ที่มีความหลากหลายทางวัฒนธรรม ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเจมส์ จอยซ์ได้พบกับนักเขียนจากยุโรปกลาง และการพัฒนาทางศิลปะของนครนิวยอร์กในฐานะแหล่งรวมวัฒนธรรม^{[ 53 ] [ 54 ] [ 55 ]}

ศิลปะสร้างสรรค์มักถูกแบ่งออกเป็นหมวดหมู่ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น โดยทั่วไปตามหมวดหมู่ที่สามารถแยกแยะได้ด้วยการรับรู้ เช่นสื่อประเภท รูปแบบและรูปแบบ^{[ 56 ]}รูปแบบศิลปะหมายถึงองค์ประกอบของศิลปะ ที่ไม่ขึ้นอยู่กับการตีความหรือ ความหมาย ครอบคลุมวิธีการที่ศิลปินใช้และองค์ประกอบทางกายภาพของงานศิลปะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งด้านที่ไม่ใช่ความหมายของงาน (เช่นรูปทรง ) ^{[ 57 ]}เช่นสีเส้นขอบขนาดสื่อทำนองพื้นที่ พื้นผิวและค่ารูปแบบอาจรวมถึงหลักการออกแบบเช่น การจัดเรียงความสมดุลความแตกต่างการเน้นความกลมกลืนสัดส่วนความใกล้เคียงและจังหวะ^{[ 58 ]}

โดยทั่วไปมีสำนักคิดทางปรัชญาเกี่ยวกับศิลปะอยู่ 3 สำนัก โดยเน้นที่รูปแบบ เนื้อหา และบริบท ตามลำดับ^{[ 58 ]} ลัทธิ รูปแบบนิยมสุดขั้วคือมุมมองที่ว่าคุณสมบัติทางสุนทรียศาสตร์ทั้งหมดของศิลปะเป็นรูปแบบ (นั่นคือ เป็นส่วนหนึ่งของรูปแบบศิลปะ) นักปรัชญาส่วนใหญ่ปฏิเสธมุมมองนี้และถือว่าคุณสมบัติและสุนทรียศาสตร์ของศิลปะขยายออกไปนอกเหนือจากวัสดุ เทคนิค และรูปแบบ^{[ 59 ]}น่าเสียดายที่ยังไม่มีข้อตกลงร่วมกันมากนักเกี่ยวกับคำศัพท์สำหรับคุณสมบัติที่ไม่เป็นทางการเหล่านี้ ผู้เขียนบางคนอ้างถึงเนื้อหาและสาระสำคัญ—เช่นความหมายโดยตรงและความหมายโดยนัย —ในขณะที่คนอื่นๆ ชอบใช้คำเช่นความหมายและนัยสำคัญ^{[ 58 ]}

แนวคิดเจตนาสุดขั้วถือว่าเจตนาของผู้สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญในความหมายของงานศิลปะ โดยสื่อถึงเนื้อหาหรือแนวคิดหลักที่สำคัญ ในขณะที่การตีความอื่นๆ สามารถละทิ้งได้^{[ 60 ]} แนวคิด นี้กำหนดให้หัวข้อคือบุคคลหรือแนวคิดที่ถูกนำเสนอ^{[ 61 ]}และเนื้อหาคือประสบการณ์ของศิลปินที่มีต่อหัวข้อนั้น^{[ 62 ]}ตัวอย่างเช่น องค์ประกอบของภาพนโปเลียนที่ 1 บนบัลลังก์จักรพรรดินั้นยืมมาบางส่วนจากรูปปั้นซุสที่โอลิมเปียดังที่เห็นได้จากชื่อเรื่อง หัวข้อคือนโปเลียนและเนื้อหาคือ การ ที่อิงเกรสแสดงภาพนโปเลียนในฐานะ "จักรพรรดิ-เทพเจ้าที่อยู่เหนือกาลเวลาและอวกาศ" ^{[ 58 ]}เช่นเดียวกับแนวคิดรูปแบบนิยมสุดขั้ว นักปรัชญามักปฏิเสธแนวคิดเจตนาสุดขั้ว เพราะงานศิลปะอาจมีความหมายที่คลุมเครือได้หลายอย่าง และเจตนาของผู้สร้างสรรค์อาจไม่สามารถรู้ได้และจึงไม่เกี่ยวข้อง การตีความที่จำกัดนี้ถือว่า "ไม่ดีต่อสุขภาพทางสังคม ไม่สมจริงทางปรัชญา และไม่ฉลาดทางการเมือง" ^{[ 58 ]}

สุดท้ายนี้ ทฤษฎีการพัฒนาของลัทธิหลังโครงสร้างนิยมศึกษาความสำคัญของศิลปะในบริบททางวัฒนธรรม เช่น แนวคิด อารมณ์ และปฏิกิริยาที่เกิดจากผลงาน^{[ 63 ]}บริบททางวัฒนธรรมมักจะลดทอนลงเหลือเพียงเทคนิคและเจตนาของศิลปิน ซึ่งในกรณีนี้ การวิเคราะห์จะดำเนินไปตามแนวทางที่คล้ายกับลัทธิรูปแบบนิยมและลัทธิเจตนานิยม อย่างไรก็ตาม ในกรณีอื่นๆ เงื่อนไขทางประวัติศาสตร์และวัตถุอาจมีบทบาทสำคัญ เช่น ความเชื่อทางศาสนาและปรัชญา โครงสร้างทางสังคมการเมืองและเศรษฐกิจ หรือแม้แต่สภาพภูมิอากาศและภูมิศาสตร์การวิจารณ์ศิลปะยังคงเติบโตและพัฒนาควบคู่ไปกับศิลปะ^{[ 58 ]}

ศิลปะสามารถสื่อถึงความสามารถที่ได้รับการฝึกฝนหรือความเชี่ยวชาญในสื่อได้ศิลปะยังอาจหมายถึงการใช้ภาษา ที่พัฒนาและมีประสิทธิภาพ เพื่อถ่ายทอดความหมายได้ทันทีหรืออย่างลึกซึ้ง ศิลปะสามารถนิยามได้ว่าเป็นการกระทำของการแสดงออกถึงความรู้สึก ความคิด และการสังเกต^{[ 64 ]}

มีความเข้าใจที่เกิดขึ้นจากวัสดุอันเป็นผลมาจากการสัมผัส ซึ่งช่วยอำนวยความสะดวกในกระบวนการคิด มุมมองทั่วไปคือ คำว่าศิลปะโดย เฉพาะอย่างยิ่งในความหมายที่สูงส่งนั้น ต้องการความเชี่ยวชาญเชิงสร้างสรรค์ในระดับหนึ่งจากศิลปิน ไม่ว่าจะเป็นการแสดงความสามารถทางเทคนิค ความเป็นต้นฉบับในแนวทางรูปแบบ หรือการผสมผสานของทั้งสองอย่างนี้ ตามธรรมเนียมแล้ว ทักษะในการลงมือทำถือเป็นคุณสมบัติที่แยกไม่ออกจากศิลปะ และจำเป็นต่อความสำเร็จ สำหรับเลโอนาร์โด ดา วินชีศิลปะไม่มากไม่น้อยไปกว่าความพยายามอื่นๆ ของเขา เป็นการแสดงออกถึงทักษะ^{[ 65 ]} ผลงานของ เรมแบรนด์ซึ่งปัจจุบันได้รับการยกย่องในคุณธรรมชั่วคราว ได้รับการชื่นชมมากที่สุดจากคนร่วมสมัยของเขาในด้านความ เชี่ยวชาญ ^{[ 66 ]}ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 การแสดงที่คล่องแคล่วของJohn Singer Sargentได้รับการชื่นชมและถูกมองด้วยความสงสัยสลับกันไปในเรื่องความคล่องแคล่วในการใช้มือ^{[ 67 ]}แต่ในเวลาเดียวกันนั้นเอง ศิลปินผู้ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นผู้ทำลายขนบธรรมเนียมที่ได้รับการยอมรับและเดินทางไปทั่วมากที่สุดในยุคนั้นอย่างPablo Picassoก็กำลังสำเร็จการฝึกอบรมทางวิชาการแบบดั้งเดิมซึ่งเขาทำได้ดีเยี่ยม^{[ 68 ] [ 69 ]}

คำวิจารณ์ร่วมสมัยทั่วไปเกี่ยวกับศิลปะสมัยใหม่ บาง ประเภทมักเกิดขึ้นในลักษณะของการคัดค้านการขาดทักษะหรือความสามารถที่จำเป็นในการผลิตวัตถุทางศิลปะ ในศิลปะเชิงแนวคิด ผลงาน FountainของMarcel Duchamp เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ที่ศิลปินใช้วัตถุที่พบเจอ ("ready-made") และไม่ได้ใช้ทักษะที่ได้รับการยอมรับตามประเพณี ^{[ 70 ]}ผลงานMy BedของTracey EminหรือThe Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living ของ Damien Hirstก็เป็นไปตามตัวอย่างนี้ Emin นอนหลับ (และทำกิจกรรมอื่นๆ) บนเตียงของเธอก่อนที่จะนำผลลัพธ์ไปจัดแสดงในแกลเลอรีในฐานะงานศิลปะ Hirst คิดค้นการออกแบบเชิงแนวคิดสำหรับงานศิลปะ แต่ได้ปล่อยให้การสร้างสรรค์ผลงานส่วนใหญ่ในท้ายที่สุดเป็นหน้าที่ของช่างฝีมือที่จ้าง Hirst มีชื่อเสียงจากความสามารถในการสร้างแนวคิดที่น่าตกใจ^{[ 71 ]}การผลิตจริงในงานศิลปะเชิงแนวคิดและร่วมสมัยหลายชิ้นเป็นเรื่องของการประกอบวัตถุที่พบเจอ อย่างไรก็ตาม มีศิลปินสมัยใหม่และร่วมสมัยจำนวนมากที่ยังคงมีความเชี่ยวชาญในทักษะการวาดภาพและการระบายสี รวมถึงการสร้างสรรค์งานศิลปะด้วยมือ^{[ 72 ]}

ศิลปะมีหน้าที่หลากหลายมากมายตลอดประวัติศาสตร์ ทำให้ยากที่จะสรุปหรือกำหนดวัตถุประสงค์ของศิลปะให้เป็นแนวคิดเดียว นี่ไม่ได้หมายความว่าวัตถุประสงค์ของศิลปะ "คลุมเครือ" แต่หมายความว่าศิลปะมีเหตุผลเฉพาะตัวที่แตกต่างกันมากมายในการสร้างสรรค์ หน้าที่บางประการของศิลปะมีดังต่อไปนี้ วัตถุประสงค์ที่แตกต่างกันของศิลปะอาจแบ่งกลุ่มได้ตามวัตถุประสงค์ที่ไม่มีแรงจูงใจ และวัตถุประสงค์ที่มีแรงจูงใจ ( Lévi-Strauss ) ^{[ 73 ]}

จุดประสงค์ที่ไม่ต้องมีแรงจูงใจของศิลปะคือจุดประสงค์ที่เป็นส่วนสำคัญของการเป็นมนุษย์ เหนือกว่าความเป็นปัจเจกบุคคล หรือไม่ตอบสนองจุดประสงค์ภายนอกที่เฉพาะเจาะจง ในแง่นี้ ศิลปะในฐานะความคิดสร้างสรรค์ เป็นสิ่งที่มนุษย์ต้องทำตามธรรมชาติของตนเอง (เช่น ไม่มีสิ่งมีชีวิตชนิดอื่นใดที่สร้างศิลปะ) และด้วยเหตุนี้จึงอยู่เหนือประโยชน์ใช้สอย^{[ 73 ]}

1. สัญชาตญาณพื้นฐานของมนุษย์คือความกลมกลืน ความสมดุล และจังหวะศิลปะในระดับนี้ไม่ใช่การกระทำหรือวัตถุ แต่เป็นการชื่นชมความสมดุลและความกลมกลืน (ความงาม) ภายในจิตใจ และด้วยเหตุนี้จึงเป็นแง่มุมหนึ่งของความเป็นมนุษย์ที่เหนือกว่าประโยชน์ใช้สอย

   ดังนั้น การเลียนแบบจึงเป็นสัญชาตญาณอย่างหนึ่งในธรรมชาติของเรา ต่อมาคือสัญชาตญาณสำหรับ 'ความกลมกลืน' และจังหวะ โดยที่มาตรวัดเป็นส่วนต่างๆ ของจังหวะอย่างชัดเจน ดังนั้น บุคคลจึงเริ่มต้นด้วยพรสวรรค์ตามธรรมชาตินี้และพัฒนาความสามารถพิเศษของตนไปทีละน้อย จนกระทั่งการด้นสดอย่างหยาบๆ ของพวกเขาก่อให้เกิดบทกวี – อริสโตเติล^{[ 74 ]}

2. ประสบการณ์แห่งความลึกลับศิลปะเป็นหนทางหนึ่งในการสัมผัสถึงตัวตนของเราในความสัมพันธ์กับจักรวาล ประสบการณ์นี้มักเกิดขึ้นโดยไม่ได้ตั้งใจ ขณะที่เราชื่นชมศิลปะ ดนตรี หรือบทกวี

   สิ่งที่สวยงามที่สุดที่เราสามารถสัมผัสได้คือความลึกลับ มันเป็นแหล่งกำเนิดของศิลปะและวิทยาศาสตร์ที่แท้จริงทั้งหมด – อัลเบิร์ต ไอน์สไตน์^{[ 75 ]}

3. การแสดงออกถึงจินตนาการศิลปะเป็นสื่อกลางในการแสดงออกถึงจินตนาการในรูปแบบที่ไม่ต้องใช้ไวยากรณ์ และไม่ผูกติดกับรูปแบบของภาษาพูดหรือภาษาเขียน ต่างจากคำพูดซึ่งมาเป็นลำดับและแต่ละคำมีความหมายที่แน่นอน ศิลปะให้รูปแบบ สัญลักษณ์ และแนวคิดที่หลากหลาย ซึ่งมีความหมายที่เปลี่ยนแปลงได้

   นกอินทรีของจูปิเตอร์ [ในฐานะตัวอย่างของศิลปะ] ไม่ใช่คุณลักษณะเชิงตรรกะ (สุนทรียศาสตร์) ของวัตถุ ซึ่งเป็นแนวคิดเกี่ยวกับความยิ่งใหญ่และความสง่างามของการสร้างสรรค์ แต่เป็นสิ่งอื่น—บางสิ่งที่กระตุ้นให้จินตนาการขยายขอบเขตการบินไปสู่ภาพแทนที่เกี่ยวข้องมากมาย ซึ่งกระตุ้นความคิดมากกว่าที่จะแสดงออกมาเป็นแนวคิดที่กำหนดโดยคำพูด สิ่งเหล่านี้มอบแนวคิดเชิงสุนทรียศาสตร์ ซึ่งทำหน้าที่แทนแนวคิดเชิงเหตุผลข้างต้นในฐานะตัวแทนของการนำเสนอเชิงตรรกะ แต่มีหน้าที่ที่เหมาะสมในการกระตุ้นจิตใจโดยการเปิดมุมมองสู่ขอบเขตของภาพแทนที่เกี่ยวข้องซึ่งขยายออกไปนอกเหนือขอบเขตที่จิตใจจะรับรู้ได้ – อิมมานูเอล คานต์^{[ 76 ]}

4. หน้าที่เชิงพิธีกรรมและสัญลักษณ์ในหลายวัฒนธรรม ศิลปะถูกนำมาใช้ในพิธีกรรม การแสดง และการเต้นรำเพื่อเป็นเครื่องประดับหรือสัญลักษณ์ แม้ว่าสิ่งเหล่านี้มักจะไม่มีจุดประสงค์เชิงประโยชน์ใช้สอย (แรงจูงใจ) ที่เฉพาะเจาะจง แต่นักมานุษยวิทยาทราบว่าสิ่งเหล่านี้มักทำหน้าที่ในระดับความหมายภายในวัฒนธรรมนั้นๆ ความหมายนี้ไม่ได้มาจากบุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่เป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงของหลายชั่วอายุคน และความสัมพันธ์เชิงจักรวาลวิทยาภายในวัฒนธรรมนั้น

   นักวิชาการส่วนใหญ่ที่ศึกษาเกี่ยวกับภาพเขียนบนหินหรือวัตถุที่ค้นพบจากบริบทก่อนประวัติศาสตร์ที่ไม่สามารถอธิบายได้ในแง่ของประโยชน์ใช้สอยและจึงถูกจัดประเภทเป็นของตกแต่ง พิธีกรรม หรือสัญลักษณ์ ต่างก็ตระหนักถึงกับดักที่เกิดจากคำว่า 'ศิลปะ' – ซิลวา โทมัสโควา^{[ 77 ]}

จุดประสงค์ที่ขับเคลื่อนของศิลปะหมายถึงการกระทำโดยเจตนาและมีสติของศิลปินหรือผู้สร้าง ซึ่งอาจเป็นการก่อให้เกิดการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง การแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับแง่มุมหนึ่งของสังคม การถ่ายทอดอารมณ์หรือความรู้สึกที่เฉพาะเจาะจง การกล่าวถึงจิตวิทยาส่วนบุคคล การแสดงให้เห็นถึงสาขาวิชาอื่น การ (ในกรณีของศิลปะเชิงพาณิชย์) ขายผลิตภัณฑ์ หรือใช้เป็นรูปแบบของการสื่อสาร^{[ 73 ] [ 78 ]}

1. การสื่อสารศิลปะในรูปแบบที่ง่ายที่สุดก็คือรูปแบบหนึ่งของการสื่อสาร เนื่องจากรูปแบบการสื่อสารส่วนใหญ่มีเจตนาหรือเป้าหมายที่มุ่งไปยังบุคคลอื่น นี่จึงเป็นจุดประสงค์ที่มีแรงจูงใจ ศิลปะเชิงภาพประกอบ เช่น ภาพประกอบทางวิทยาศาสตร์ ก็เป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะเพื่อการสื่อสาร แผนที่ก็เป็นอีกตัวอย่างหนึ่ง อย่างไรก็ตาม เนื้อหาไม่จำเป็นต้องเป็นวิทยาศาสตร์ อารมณ์ ความรู้สึก และความรู้สึกต่างๆ ก็สามารถสื่อสารผ่านศิลปะได้เช่นกัน

   [ศิลปะคือชุดของ] สิ่งประดิษฐ์หรือภาพที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์เพื่อเป็นวิธีการสื่อสาร – สตีฟ มิทเธน^{[ 79 ]}

2. ศิลปะเพื่อความบันเทิงศิลปะอาจมุ่งหวังที่จะก่อให้เกิดอารมณ์หรือความรู้สึกบางอย่างโดยเฉพาะ เพื่อจุดประสงค์ในการผ่อนคลายหรือให้ความบันเทิงแก่ผู้ชม ซึ่งมักจะเป็นหน้าที่ของอุตสาหกรรมศิลปะภาพยนตร์และวิดีโอเกม^{[ 80 ]}
3. ศิลปะแนวหน้า ศิลปะเพื่อการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง หนึ่งในหน้าที่สำคัญของศิลปะในช่วงต้นศตวรรษ ที่20 คือการใช้ภาพเพื่อนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงทางการเมืองขบวนการศิลปะที่มีเป้าหมายนี้ เช่นดาดาอิสม์สุรีอาลิสม์คอนสตรัคติวิสม์ของรัสเซียและแอ็บสแตร็กต์เอ็กซ์เพรสชัน นิสม์ เป็นต้น ล้วนถูกเรียกรวมกันว่าศิลปะแนวหน้า

   ในทางตรงกันข้าม ทัศนคติที่สมจริงซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิปฏิฐานนิยม ตั้งแต่นักบุญโทมัส อควินัส ไปจนถึงอนาโตล ฟรองซ์ ดูเหมือนจะเป็นปฏิปักษ์ต่อความก้าวหน้าทางปัญญาหรือศีลธรรมอย่างชัดเจน ฉันเกลียดชังมัน เพราะมันประกอบไปด้วยความธรรมดา ความเกลียดชัง และความเย่อหยิ่งที่น่าเบื่อ ทัศนคตินี้เองที่ก่อให้เกิดหนังสือไร้สาระและบทละครที่ดูหมิ่นเหยียดหยามในปัจจุบัน มันคอยหล่อเลี้ยงและรับพลังจากหนังสือพิมพ์อย่างต่อเนื่อง และทำให้ทั้งวิทยาศาสตร์และศิลปะหยุดนิ่งด้วยการประจบประแจงรสนิยมที่ต่ำต้อยที่สุด ความชัดเจนที่ใกล้เคียงกับความโง่เขลา ชีวิตที่เหมือนสุนัข – อองเดร เบรอตง (ลัทธิเหนือจริง) ^{[ 81 ]}

4. ศิลปะในฐานะ "เขตปลอด"ที่ได้รับการยกเว้นจากการเซ็นเซอร์ทางสังคม แตกต่างจากขบวนการศิลปะแนวหน้าซึ่งต้องการลบความแตกต่างทางวัฒนธรรมเพื่อสร้างคุณค่าสากลใหม่ศิลปะร่วมสมัยได้เพิ่มความอดทนต่อความแตกต่างทางวัฒนธรรม ตลอดจนหน้าที่ในการวิพากษ์วิจารณ์และปลดปล่อย (การสอบสวนทางสังคม การเคลื่อนไหว การบ่อนทำลาย การรื้อถอน ฯลฯ) กลายเป็นพื้นที่ที่เปิดกว้างมากขึ้นสำหรับการวิจัยและการทดลอง^{[ 82 ]}
5. ศิลปะเพื่อการสำรวจสังคม การบ่อนทำลาย หรือความอนาธิปไตยแม้จะคล้ายกับศิลปะเพื่อการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง แต่ศิลปะบ่อนทำลายหรือศิลปะรื้อถอนอาจมุ่งตั้งคำถามต่อแง่มุมต่างๆ ของสังคมโดยไม่มีเป้าหมายทางการเมืองที่เฉพาะเจาะจง ในกรณีนี้ หน้าที่ของศิลปะอาจถูกนำมาใช้เพื่อวิพากษ์วิจารณ์บางแง่มุมของสังคมศิลปะกราฟฟิตีและศิลปะบนท้องถนน ประเภทอื่นๆ คือภาพกราฟิกและรูปภาพที่พ่นสีหรือใช้สเตนซิลวาดบนกำแพง อาคาร รถโดยสาร รถไฟ และสะพานที่ผู้คนสามารถมองเห็นได้ โดยปกติแล้วจะทำโดยไม่ได้รับอนุญาต ศิลปะบางรูปแบบ เช่น กราฟฟิตี อาจผิดกฎหมายได้หากละเมิดกฎหมาย (ในกรณีนี้คือการทำลายทรัพย์สิน)
6. ศิลปะเพื่อสังคมศิลปะสามารถนำมาใช้เพื่อสร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับสาเหตุต่างๆ มากมาย กิจกรรมทางศิลปะจำนวนมากมุ่งเน้นไปที่การสร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับออทิสติก [ ^{83 ] [ 84 ] [ 85 ]}โรคมะเร็ง^{[ 86 ] [ 87 ] [ 88 ]}การค้ามนุษย์ [ ^{89 ] [ 90 ]}และหัวข้ออื่นๆ อีกมากมาย เช่น การอนุรักษ์มหาสมุทร^{[ 91 ] สิทธิ}มนุษยชนในดาร์ฟูร์ [ ^{92 ] สตรี ชาวอะบอริจิ น}ที่ถูกฆาตกรรมและหายสาบสูญ^{[ 93 ]}การทารุณผู้สูงอายุ^{[ 94 ]}และมลภาวะ^{[ 95 ]}ทราสชัน (Trashion)ซึ่งเป็นการนำขยะมาทำเป็นแฟชั่น ที่ปฏิบัติโดยศิลปินอย่างมารินา เดอบริสเป็นตัวอย่างหนึ่งของการใช้ศิลปะเพื่อสร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับมลภาวะ
7. ศิลปะเพื่อจุดประสงค์ทางจิตวิทยาและการรักษาศิลปะยังถูกใช้โดยนักบำบัดศิลปะ นักจิตบำบัด และนักจิตวิทยาคลินิกในฐานะการบำบัดด้วยศิลปะ ตัวอย่างเช่น ชุดภาพวาดเพื่อการวินิจฉัยถูกใช้เพื่อกำหนดบุคลิกภาพและการทำงานทางอารมณ์ของผู้ป่วย ผลลัพธ์สุดท้ายไม่ใช่เป้าหมายหลักในกรณีนี้ แต่เป็นการแสวงหากระบวนการรักษาผ่านการกระทำที่สร้างสรรค์ ผลงานศิลปะที่ได้อาจให้ข้อมูลเชิงลึกเกี่ยวกับปัญหาที่ผู้ป่วยประสบ และอาจแนะนำแนวทางที่เหมาะสมที่จะใช้ในรูปแบบการบำบัดทางจิตเวชแบบดั้งเดิมมากขึ้น^{[ 96 ]}
8. ศิลปะเพื่อการโฆษณาชวนเชื่อหรือเชิงพาณิชย์ศิลปะมักถูกใช้เป็นรูปแบบหนึ่งของการโฆษณาชวนเชื่อ และด้วยเหตุนี้จึงสามารถใช้เพื่อโน้มน้าวความคิดหรืออารมณ์ของผู้คนได้อย่างแยบยล ในทำนองเดียวกัน ศิลปะที่พยายามขายสินค้าก็มีอิทธิพลต่ออารมณ์และความรู้สึกเช่นกัน ในทั้งสองกรณี จุดประสงค์ของศิลปะคือการชักจูงผู้ชมอย่างแยบยลให้เกิดการตอบสนองทางอารมณ์หรือจิตวิทยาต่อความคิดหรือวัตถุใดวัตถุหนึ่งโดยเฉพาะ^{[ 97 ]}
9. ศิลปะในฐานะตัวบ่งชี้ความเหมาะสมมีการโต้แย้งว่าความสามารถของสมองมนุษย์นั้นเกินกว่าสิ่งที่จำเป็นสำหรับการอยู่รอดในสภาพแวดล้อมของบรรพบุรุษมาก คำอธิบาย ทางจิตวิทยาเชิงวิวัฒนาการ ประการหนึ่ง ก็คือ สมองของมนุษย์และลักษณะที่เกี่ยวข้อง (เช่น ความสามารถทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์) เปรียบเสมือนหางนกยูงของมนุษย์ มี การโต้แย้งว่าจุดประสงค์ของหางที่อลังการของ นกยูงตัวผู้คือเพื่อดึงดูดตัวเมีย (ดูเพิ่มเติมที่หลักการหนีของฟิชเชอร์และหลักการความพิการ ) ตามทฤษฎีนี้ การสร้างสรรค์งานศิลปะที่เหนือกว่ามีความสำคัญในเชิงวิวัฒนาการเพราะมันดึงดูดคู่ครอง^{[ 98 ]}

หน้าที่ของศิลปะที่กล่าวมาข้างต้นไม่ได้แยกออกจากกันโดยสิ้นเชิง เพราะหลายๆ หน้าที่อาจทับซ้อนกันได้ ตัวอย่างเช่น ศิลปะเพื่อความบันเทิงอาจมุ่งหวังที่จะขายสินค้าด้วย เช่น ภาพยนตร์หรือวิดีโอเกม

ศิลปะสามารถแบ่งออกเป็นขั้นตอนได้หลายขั้นตอนตามที่ใครๆ ก็อ้างได้ ส่วนนี้แบ่งกระบวนการสร้างสรรค์ออกเป็นสามขั้นตอนกว้างๆ แต่ไม่มีข้อตกลงเกี่ยวกับจำนวนที่แน่นอน^{[ 99 ]}

ในขั้นตอนแรก ศิลปินจะจินตนาการถึงงานศิลปะในใจ โดยการจินตนาการว่างานศิลปะของตนจะมีลักษณะอย่างไร ศิลปินจึงเริ่มต้นกระบวนการสร้างงานศิลปะให้เป็นจริง การเตรียมงานศิลปะอาจเกี่ยวข้องกับการเข้าถึงและค้นคว้าเกี่ยวกับหัวข้อแรงบันดาลใจทางศิลปะเป็นหนึ่งในแรงขับเคลื่อนหลักของงานศิลปะ และอาจถือได้ว่าเกิดจากสัญชาตญาณ ความประทับใจ และความรู้สึก^{[ 99 ]}

ในขั้นตอนที่สอง ศิลปินจะลงมือสร้างสรรค์ผลงาน การสร้างสรรค์ผลงานอาจได้รับผลกระทบจากปัจจัยต่างๆ เช่นอารมณ์ สภาพแวดล้อม และสภาพจิตใจ ของศิลปิน ตัวอย่างเช่น ภาพวาดชุด The Black Paintingsของฟรานซิสโก เดอ โกยาซึ่งสร้างขึ้นในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา เชื่อกันว่ามีความมืดมนมากเนื่องจากเขาอยู่โดดเดี่ยวและเนื่องจากประสบการณ์จากสงคราม เขาเขียนภาพเหล่านั้นลงบนผนังอพาร์ตเมนต์ของเขาในสเปนโดยตรง และน่าจะไม่เคยพูดคุยเกี่ยวกับภาพเหล่านั้นกับใครเลย^{[ 100 ]}เดอะบีทเทิลส์กล่าวว่ายาเสพติด เช่นLSDและกัญชา มีอิทธิพลต่อเพลงฮิตที่สุดของพวกเขาบาง ^เพลงเช่นRevolver ^[ 101 ^]การลองผิดลองถูกถือเป็นส่วนสำคัญของกระบวนการสร้างสรรค์^{[ 99 ]}

ขั้นตอนสุดท้ายคือการชื่นชมศิลปะซึ่งมีหัวข้อย่อยคือการวิจารณ์ ในการศึกษาหนึ่งพบว่า นักเรียนศิลปะมากกว่าครึ่งเห็นด้วยว่าการไตร่ตรองเป็นขั้นตอนสำคัญของกระบวนการทางศิลปะ^{[ 99 ]}จากวารสารทางการศึกษา การไตร่ตรองศิลปะถือเป็นส่วนสำคัญของประสบการณ์^{[ 102 ] [ 103 ]}อย่างไรก็ตาม แง่มุมที่สำคัญของศิลปะคือผู้อื่นอาจได้ชมและชื่นชมมันเช่นกัน ในขณะที่หลายคนมุ่งเน้นไปที่ว่าผู้ที่ชม ฟัง ฯลฯ เชื่อว่าศิลปะนั้นดีหรือประสบความสำเร็จหรือไม่ ศิลปะมีคุณค่าที่ลึกซึ้งเกินกว่าความสำเร็จเชิงพาณิชย์ในฐานะผู้ให้ข้อมูลและส่งเสริมสุขภาพในสังคม^{[ 104 ]}การเพลิดเพลินกับศิลปะสามารถนำมาซึ่งอารมณ์ที่หลากหลายเนื่องจากความงามศิลปะบางอย่างมีจุดประสงค์เพื่อการใช้งานจริง โดยมีการวิเคราะห์อย่างละเอียดถี่ถ้วน เพื่อกระตุ้นให้เกิดการสนทนา^{[ 105 ]}

ตั้งแต่สมัยโบราณ ศิลปะชั้นเยี่ยมส่วนใหญ่มักแสดงถึงความมั่งคั่งหรืออำนาจอย่างจงใจ โดยมักใช้ขนาดใหญ่และวัสดุราคาแพง ศิลปะจำนวนมากได้รับการว่าจ้างจากผู้ปกครองทางการเมืองหรือสถาบันทางศาสนา โดยมีเพียงผู้ที่ร่ำรวยที่สุดในสังคมเท่านั้นที่สามารถเข้าถึงศิลปะในรูปแบบที่เรียบง่ายกว่าได้^{[ 106 ]}

อย่างไรก็ตาม มีหลายช่วงเวลาที่งานศิลปะคุณภาพสูงมีให้เห็นในแง่ของการเป็นเจ้าของในวงกว้างของสังคม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสื่อราคาถูก เช่น เครื่องปั้นดินเผา ซึ่งคงอยู่ในดิน และสื่อที่เสื่อมสภาพได้ง่าย เช่น สิ่งทอและไม้ ในหลายวัฒนธรรมเครื่องปั้นดินเผาของชนพื้นเมืองในทวีปอเมริกาพบได้ในหลุมฝังศพที่หลากหลายมาก ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าไม่ได้จำกัดอยู่เฉพาะชนชั้นสูงทางสังคม [ ^{107 ]}แม้ว่าศิลปะรูปแบบอื่นอาจจะเป็นเช่นนั้นก็ตาม วิธีการผลิตซ้ำ เช่นแม่พิมพ์ทำให้การผลิตจำนวนมากง่ายขึ้น และถูกนำมาใช้เพื่อนำเครื่องปั้นดินเผาโรมันโบราณคุณภาพสูง^และรูปปั้นทานากราของ กรีก มาสู่ตลาดที่กว้างขวางมาก ตราประทับทรง กระบอกนั้นทั้งมีคุณค่าทางศิลปะและใช้งานได้จริง และถูกใช้กันอย่างแพร่หลายโดยสิ่งที่อาจเรียกได้ว่าเป็นชนชั้นกลางในตะวันออกใกล้โบราณ [ ^{108 ] เมื่อ}เหรียญกษาปณ์ถูกใช้กันอย่างแพร่หลาย เหรียญเหล่านี้ก็กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่เข้าถึงสังคมในวงกว้างเช่นกัน^{[ 109 ]}

นวัตกรรมสำคัญอีกอย่างหนึ่งเกิดขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 15 เมื่อการพิมพ์เริ่มขึ้นด้วย ภาพพิมพ์ แกะไม้ ขนาดเล็ก ส่วนใหญ่เป็นภาพทางศาสนา ซึ่งมักมีขนาดเล็กมากและระบายสีด้วยมือ และมีราคาไม่แพงแม้แต่ชาวนาที่นำไปติดไว้บนผนังบ้าน หนังสือที่พิมพ์ออกมาในตอนแรกมีราคาแพงมาก แต่ราคาก็ลดลงเรื่อยๆ จนกระทั่งในศตวรรษที่ 19 แม้แต่คนยากจนที่สุดก็สามารถซื้อหนังสือที่มีภาพประกอบพิมพ์ได้^{[ 110 ]}ภาพพิมพ์ยอดนิยมหลากหลายประเภทได้ประดับตกแต่งบ้านและสถานที่อื่นๆ มานานหลายศตวรรษ^{[ 111 ]}

ในปี ค.ศ. 1661 เมืองบาเซิลประเทศสวิตเซอร์แลนด์ได้เปิดพิพิธภัณฑ์ศิลปะสาธารณะแห่งแรกของโลก คือพิพิธภัณฑ์ศิลปะบาเซิล (Kunstmuseum Basel ) ปัจจุบัน คอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์แห่งนี้โดดเด่นด้วยช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่กว้างขวางอย่างน่าประทับใจ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 จนถึงปัจจุบัน ขอบเขตการเน้นที่หลากหลายทำให้พิพิธภัณฑ์แห่งนี้มีชื่อเสียงระดับนานาชาติในฐานะหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่สำคัญที่สุดในประเภทเดียวกัน ซึ่งครอบคลุมถึง: ภาพวาดและภาพร่างโดยศิลปินที่ทำงานในภูมิภาคอัปเปอร์ไรน์ระหว่างปี ค.ศ. 1400 ถึง 1600 และศิลปะในศตวรรษที่ 19 ถึง 21 ^{[ 112 ]}

อาคารสาธารณะและอนุสาวรีย์ทั้งทางโลกและทางศาสนา โดยธรรมชาติแล้วมักจะเกี่ยวข้องกับสังคมโดยรวมและผู้มาเยือนในฐานะผู้ชม และการแสดงต่อสาธารณชนทั่วไปถือเป็นปัจจัยสำคัญในการออกแบบมาอย่างยาวนานวิหารของอียิปต์เป็นตัวอย่างที่ดีตรงที่การตกแต่งที่ใหญ่ที่สุดและหรูหราที่สุดจะถูกจัดวางไว้ในส่วนที่สาธารณชนทั่วไปสามารถมองเห็นได้ มากกว่าบริเวณที่เห็นได้เฉพาะนักบวช^{[ 113 ]}หลายพื้นที่ของพระราชวัง ปราสาท และบ้านของชนชั้นสูงมักเปิดให้บุคคลทั่วไปเข้าชมได้ และส่วนใหญ่ของคอลเลกชันศิลปะของบุคคลเหล่านั้นมักจะสามารถมองเห็นได้ ไม่ว่าจะเป็นใครก็ตาม หรือเฉพาะผู้ที่สามารถจ่ายเงินเล็กน้อย หรือผู้ที่สวมใส่เสื้อผ้าที่เหมาะสม โดยไม่คำนึงถึงว่าพวกเขาเป็นใคร เช่นที่พระราชวังแวร์ซายส์ซึ่งสามารถเช่าอุปกรณ์เสริมที่เหมาะสม (หัวเข็มขัดรองเท้าเงินและดาบ) ได้จากร้านค้าภายนอก^{[ 114 ]}

มีการจัดเตรียมพิเศษเพื่อให้ประชาชนสามารถชมคอลเลกชันของราชวงศ์หรือส่วนตัวจำนวนมากที่จัดแสดงในหอศิลป์ เช่นคอลเลกชันออร์เลอ็อง ซึ่ง ส่วนใหญ่จัดแสดงอยู่ในปีกหนึ่งของพระราชวังปาเลส์รอยัลในปารีส ซึ่งสามารถเข้าชมได้เกือบตลอดศตวรรษที่ 18 ^{[ 115 ]}ในอิตาลี การท่องเที่ยวเชิงศิลปะของแกรนด์ทัวร์กลายเป็นอุตสาหกรรมหลักตั้งแต่ยุคเรเนสซองส์เป็นต้นมา และรัฐบาลและเมืองต่างๆ ได้พยายามทำให้ผลงานสำคัญๆ ของพวกเขาเข้าถึงได้ง่ายคอลเลกชันของราชวงศ์ อังกฤษ ยังคงมีความโดดเด่น แต่มีการบริจาคครั้งใหญ่ เช่นหอสมุดหลวงเก่าให้แก่พิพิธภัณฑ์อังกฤษซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1753 พิพิธภัณฑ์อัฟฟิซีในฟลอเรนซ์เปิดเป็นหอศิลป์อย่างเต็มรูปแบบในปี 1765 แม้ว่าหน้าที่นี้จะค่อยๆ เข้ามาแทนที่สำนักงานข้าราชการพลเรือนเดิมเป็นเวลานานก่อนหน้านั้นแล้วก็ตาม^{[ 116 ]}อาคารที่ปัจจุบันเป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์ปราโดในมาดริดถูกสร้างขึ้นก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสเพื่อจัดแสดงส่วนหนึ่งของคอลเลกชันศิลปะของราชวงศ์ต่อสาธารณะ และมีหอศิลป์ของราชวงศ์ที่เปิดให้ประชาชนเข้าชมในทำนองเดียวกันในเวียนนามิวนิก และเมืองหลวงอื่นๆ การเปิดพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส (ในปี 1793) ในฐานะพิพิธภัณฑ์สาธารณะสำหรับคอลเลกชันของราชวงศ์ฝรั่งเศสเดิมส่วนใหญ่ ถือเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาการเข้าถึงศิลปะของประชาชน โดยมีการถ่ายโอนกรรมสิทธิ์ไปยังรัฐสาธารณรัฐ แต่เป็นการสานต่อแนวโน้มที่ได้รับการยอมรับมาอย่างดีแล้ว^{[ 117 ]}

พิพิธภัณฑ์สาธารณะสมัยใหม่ส่วนใหญ่และโปรแกรมการศึกษาศิลปะสำหรับเด็กในโรงเรียนสามารถสืบย้อนไปถึงแรงผลักดันที่จะทำให้ศิลปะเข้าถึงได้สำหรับทุกคน อย่างไรก็ตาม พิพิธภัณฑ์ไม่ได้เป็นเพียงสถานที่จัดแสดงศิลปะเท่านั้น แต่ยังมีอิทธิพลต่อการรับรู้ศิลปะของผู้ชมด้วย ดังที่การศึกษาพบว่า^{[ 118 ]}ดังนั้น พิพิธภัณฑ์จึงไม่ใช่แค่เวทีสำหรับการนำเสนอศิลปะเท่านั้น แต่ยังมีบทบาทสำคัญและจำเป็นต่อการรับรู้ศิลปะโดยรวมในสังคมสมัยใหม่ด้วย

พิพิธภัณฑ์ในสหรัฐอเมริกามักจะเป็นของขวัญจากคนรวยมาก ๆ ให้แก่คนทั่วไป ( เช่นพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน ในนครนิวยอร์ก สร้างขึ้นโดย จอห์น เทย์เลอร์ จอห์นสตันผู้บริหารบริษัทรถไฟ ซึ่งคอลเลกชันงานศิลปะส่วนตัวของเขาเป็นทุนเริ่มต้นของพิพิธภัณฑ์) แต่ถึงกระนั้น หน้าที่สำคัญอย่างหนึ่งของศิลปะในศตวรรษที่ 21 ก็ยังคงเป็นเครื่องหมายแสดงถึงความมั่งคั่งและสถานะทางสังคม^{[ 119 ]}

มีความพยายามจากศิลปินในการสร้างงานศิลปะที่ไม่สามารถซื้อได้โดยคนร่ำรวยในฐานะวัตถุแสดงสถานะ หนึ่งในแรงจูงใจหลักดั้งเดิมของงานศิลปะในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970 คือการสร้างงานศิลปะที่ไม่สามารถซื้อขายได้ “จำเป็นต้องนำเสนอสิ่งที่มากกว่าแค่วัตถุ” ^{[ 120 ]}โจเซฟ บอยส์ศิลปินชาวเยอรมันคนสำคัญหลังสงครามกล่าวช่วงเวลานี้ได้เห็นการเกิดขึ้นของสิ่งต่างๆ เช่น ศิลปะการแสดงศิลปะวิดีโอและศิลปะเชิงแนวคิดแนวคิดก็คือ หากงานศิลปะเป็นการแสดงที่จะไม่ทิ้งอะไรไว้เบื้องหลัง หรือเป็นแนวคิด มันก็ไม่สามารถซื้อขายได้ “หลักการประชาธิปไตยที่หมุนรอบแนวคิดที่ว่างานศิลปะเป็นสินค้าผลักดันนวัตกรรมด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งเริ่มงอกเงยในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และได้รับการเก็บเกี่ยวตลอดทศวรรษ 1970 ศิลปินโดยทั่วไปจัดอยู่ในกลุ่มศิลปะเชิงแนวคิด ... แทนที่กิจกรรมการแสดงและการเผยแพร่ด้วยการมีส่วนร่วมกับทั้งเนื้อหาและความกังวลเกี่ยวกับวัตถุของรูปแบบภาพวาดหรือประติมากรรม ... [ได้] พยายามที่จะทำลายวัตถุศิลปะในฐานะวัตถุ” ^{[ 121 ]}

ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา แนวคิดเหล่านี้ได้สูญหายไปบ้าง เนื่องจากตลาดศิลปะได้เรียนรู้ที่จะขายดีวีดีผลงานวิดีโอรุ่นจำกัด^{[ 122 ]}คำเชิญเข้าร่วมงานศิลปะการแสดงสุดพิเศษ และวัตถุที่เหลือจากชิ้นงานเชิงแนวคิด การแสดงเหล่านี้จำนวนมากสร้างผลงานที่เข้าใจได้เฉพาะชนชั้นสูงที่ได้รับการศึกษาเกี่ยวกับเหตุผลที่ว่าทำไมแนวคิด วิดีโอ หรือสิ่งของที่ดูเหมือนขยะจึงอาจถูกพิจารณาว่าเป็นศิลปะ เครื่องหมายแสดงสถานะกลายเป็นการเข้าใจผลงานแทนที่จะเป็นเจ้าของ และงานศิลปะยังคงเป็นกิจกรรมของชนชั้นสูง “ด้วยการใช้เทคโนโลยีการบันทึกดีวีดีอย่างแพร่หลายในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ศิลปินและระบบแกลเลอรี่ที่ได้รับผลกำไรจากการขายงานศิลปะ ได้รับวิธีการสำคัญในการควบคุมการขายงานศิลปะวิดีโอและคอมพิวเตอร์ในรุ่นจำกัดให้กับนักสะสม” ^{[ 123 ]}

ศิลปะเป็นสิ่งที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งมานานแล้ว กล่าวคือ ผู้ชมบางกลุ่มไม่ชอบด้วยเหตุผลที่หลากหลาย แม้ว่าความขัดแย้งส่วนใหญ่ก่อนยุคสมัยใหม่จะถูกบันทึกไว้อย่างเลือนรางหรือสูญหายไปจากมุมมองสมัยใหม่โดยสิ้นเชิงการทำลายรูปเคารพคือการทำลายงานศิลปะที่ไม่เป็นที่ชื่นชอบด้วยเหตุผลต่างๆ รวมถึงเหตุผลทางศาสนาการต่อต้านรูปเคารพคือความไม่ชอบโดยทั่วไปต่อภาพบุคคลทั้งหมด หรือมักจะเป็นภาพทางศาสนา และเป็นประเด็นสำคัญในศาสนาหลักหลายศาสนา มันเป็นปัจจัยสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะอิสลาม โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ภาพวาดของศาสดามูฮัมหมัดที่ยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ งานศิลปะจำนวนมากไม่เป็นที่ชื่นชอบเพียงเพราะมันแสดงภาพหรือเป็นตัวแทนของผู้ปกครอง พรรคการเมือง หรือกลุ่มอื่นๆ ที่ไม่เป็นที่นิยม ขนบธรรมเนียมทางศิลปะมักจะอนุรักษ์นิยมและได้รับการพิจารณาอย่างจริงจังจากนักวิจารณ์ศิลปะแม้ว่าสาธารณชนโดยทั่วไปจะให้ความสำคัญน้อยกว่ามาก เนื้อหา เชิงสัญลักษณ์ของงานศิลปะอาจก่อให้เกิดความขัดแย้ง เช่นเดียวกับภาพวาดในยุคกลางตอนปลายของลวดลายใหม่ของการหมดสติของพระแม่มารีในฉาก การตรึงกางเขนของ พระเยซู ภาพ The Last Judgmentของมิเกลันเจโลเป็นที่ถกเถียงกันด้วยเหตุผลหลายประการ รวมถึงการละเมิดมารยาทด้วยการเปลือยกายและท่าทางของพระคริสต์ที่คล้ายกับเทพอะพอลโล^{[ 124 ] [ 125 ]}

เนื้อหาของงานศิลปะกระแสหลักส่วนใหญ่ในประวัติศาสตร์ถูกกำหนดโดยผู้อุปถัมภ์หรือผู้ว่าจ้างมากกว่าตัวศิลปินเอง แต่ด้วยการมาถึงของลัทธิโรแมนติซิสม์และการเปลี่ยนแปลงทางเศรษฐกิจในการผลิตงานศิลปะ วิสัยทัศน์ของศิลปินจึงกลายเป็นตัวกำหนดเนื้อหาของงานศิลปะของเขาโดยทั่วไป ซึ่งทำให้เกิดข้อถกเถียงมากขึ้น แม้ว่ามักจะลดความสำคัญของข้อถกเถียงเหล่านั้นลงก็ตาม แรงจูงใจที่แข็งแกร่งสำหรับความแปลกใหม่และการประชาสัมพันธ์ยังกระตุ้นให้ศิลปินแสวงหาข้อถกเถียงภาพวาด Raft of the Medusa ( ประมาณปี 1820 ) ของ Théodore Géricault เป็นส่วนหนึ่งของการแสดงความคิดเห็นทางการเมืองเกี่ยวกับเหตุการณ์ล่าสุด ภาพวาดLe Déjeuner sur l'Herbe (1863) ของ Édouard Manetถูกมองว่าอื้อฉาวไม่ใช่เพราะผู้หญิงเปลือย แต่เพราะเธอนั่งอยู่ข้างๆ ผู้ชายที่แต่งกายเต็มยศในชุดของยุคนั้น แทนที่จะเป็นชุดคลุมของโลกโบราณ^{[ 126 ] [ 127 ]}ภาพวาด Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) ของ John Singer Sargent ก่อให้เกิดข้อถกเถียงเกี่ยวกับสีชมพูอมแดงที่ใช้ทาติ่งหูของผู้หญิง ซึ่งถือว่ายั่วยวนเกินไปและคาดว่าจะทำลายชื่อเสียงของนางแบบชั้นสูง ^{[ 128 ] [ 129 ]} การละทิ้งแนวคิดธรรมชาติและการวาดภาพที่สมจริงของรูปลักษณ์ของบุคคลในศตวรรษที่ 19 และ 20 นำไปสู่ข้อถกเถียงที่ยืดเยื้อมานานกว่าศตวรรษ

ในศตวรรษที่ 20 ภาพเขียน Guernica (1937) ของ Pablo Picasso ใช้ เทคนิค คิวบิสม์ที่ น่าทึ่ง และสีน้ำมันขาวดำ ที่เข้มข้น เพื่อแสดงให้เห็นถึงผลที่ตามมาอันน่าสยดสยองจากการทิ้งระเบิดในเมืองเล็กๆ โบราณแห่ง หนึ่งในแคว้นบาสก์ ภาพ เขียน Interrogation III (1981) ของ Leon Golubแสดงให้เห็นหญิงเปลือยกายถูกมัดติดกับเก้าอี้โดยสวมฮู้ด ขาของเธอเปิดออกเผยให้เห็นอวัยวะเพศ โดยมีผู้ทรมานสองคนแต่งกายด้วยเสื้อผ้าธรรมดาอยู่รอบๆ ภาพ เขียน Piss Christ (1989) ของ Andres Serranoเป็นภาพถ่ายของไม้กางเขน ซึ่งเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ในศาสนาคริสต์และเป็นตัวแทนของ การเสียสละและความทุกข์ทรมานครั้งสุดท้ายของ พระคริสต์จุ่มอยู่ในแก้วปัสสาวะของศิลปินเอง ความวุ่นวายที่เกิดขึ้นนำไปสู่ความคิดเห็นในวุฒิสภาสหรัฐอเมริกาเกี่ยวกับการสนับสนุนทางการเงินจากภาครัฐสำหรับศิลปะ^{[ 130 ] [ 131 ]}

ก่อนยุคสมัยใหม่ สุนทรียศาสตร์ในศิลปะตะวันตกให้ความสำคัญอย่างมากกับการบรรลุความสมดุลที่เหมาะสมระหว่างแง่มุมต่างๆ ของความสมจริงหรือความจริงต่อธรรมชาติและอุดมคติแนวคิดเกี่ยวกับความสมดุลที่เหมาะสมนั้นได้เปลี่ยนแปลงไปมาตลอดหลายศตวรรษ ความกังวลนี้แทบจะไม่มีอยู่ในประเพณีศิลปะอื่นๆ นักทฤษฎีสุนทรียศาสตร์จอห์น รัสกินผู้สนับสนุนสิ่งที่เขาเห็นว่าเป็นความเป็นธรรมชาติของเจ. เอ็ม. ดับบลิว. เทอร์เนอร์มองว่าบทบาทของศิลปะคือการสื่อสารความจริงที่สำคัญซึ่งสามารถพบได้ในธรรมชาติเท่านั้นโดยผ่านกลวิธี^{[ 132 ]}

นิยามและการประเมินคุณค่าของศิลปะกลายเป็นปัญหาอย่างยิ่งนับตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ริชาร์ด วอลไฮม์แยกแยะแนวทางสามประการในการประเมินคุณค่าทางสุนทรียภาพของศิลปะ ได้แก่ แนวทาง สัจนิยมซึ่งถือว่าคุณภาพทางสุนทรียภาพเป็นคุณค่าสัมบูรณ์ที่ไม่ขึ้นอยู่กับมุมมองของมนุษย์ แนวทาง วัตถุวิสัยซึ่งถือว่าเป็นคุณค่าสัมบูรณ์เช่นกัน แต่ขึ้นอยู่กับประสบการณ์ทั่วไปของมนุษย์ และแนวทางสัมพัทธนิยมซึ่งถือว่าไม่ใช่คุณค่าสัมบูรณ์ แต่ขึ้นอยู่กับและแปรผันไปตามประสบการณ์ของมนุษย์แต่ละคน^{[ 133 ]}

การมาถึงของ ลัทธิโมเดิร์นนิ สม์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในแนวคิดเกี่ยวกับหน้าที่ของศิลปะ^{[ 134 ]}และอีกครั้งในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ด้วยการมาถึงของลัทธิโพสต์โมเดิร์นนิสม์บทความ "Modernist Painting" ของ Clement Greenbergในปี 1960 นิยามศิลปะสมัยใหม่ว่า "การใช้วิธีการเฉพาะของสาขาวิชาเพื่อวิพากษ์วิจารณ์สาขาวิชานั้นเอง" ^{[ 135 ]}เดิมที Greenberg นำแนวคิดนี้ไปใช้กับขบวนการ Abstract Expressionist และใช้เป็นวิธีในการทำความเข้าใจและให้เหตุผลเกี่ยวกับภาพวาดนามธรรมแบบแบน (ไม่ใช่ภาพลวงตา)

ศิลปะแบบสมจริงและเป็นธรรมชาติได้ปกปิดสื่อ โดยใช้ศิลปะเพื่อปกปิดศิลปะ ในขณะที่ศิลปะสมัยใหม่ใช้ศิลปะเพื่อดึงดูดความสนใจไปที่ศิลปะ ข้อจำกัดที่ประกอบขึ้นเป็นสื่อของการวาดภาพ ได้แก่ พื้นผิวเรียบ รูปทรงของวัสดุรองรับ และคุณสมบัติของเม็ดสี ถูกมองโดยปรมาจารย์ยุคเก่าว่าเป็นปัจจัยเชิงลบที่สามารถรับรู้ได้โดยปริยายหรือโดยอ้อมเท่านั้น ภายใต้ศิลปะสมัยใหม่ ข้อจำกัดเหล่านี้กลับถูกมองว่าเป็นปัจจัยเชิงบวก และได้รับการยอมรับอย่างเปิดเผย^{[ 135 ]}

หลังจากกรีนเบิร์ก นักทฤษฎีศิลปะคนสำคัญหลายคนก็ปรากฏตัวขึ้น เช่นไมเคิล ฟรีด , ที. เจ. คลาร์ก , โรซาลินด์ คราอุสส์ , ลินดา นอคลินและกริเซลดา พอลล็อกเป็นต้น แม้ว่าเดิมทีคำจำกัดความของศิลปะสมัยใหม่ของกรีนเบิร์กจะมีจุดประสงค์เพื่อทำความเข้าใจกลุ่มศิลปินเฉพาะกลุ่มเท่านั้น แต่ก็มีความสำคัญต่อแนวคิดเรื่องศิลปะมากมายในขบวนการศิลปะต่างๆ ในศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 ^{[ 136 ] [ 137 ]}

ศิลปินป๊อปอย่างแอนดี้ วอร์ฮอลกลายเป็นที่รู้จักและมีอิทธิพลอย่างมากจากผลงานที่รวมถึงและอาจวิพากษ์วิจารณ์วัฒนธรรมป๊อปตลอดจนโลกศิลปะศิลปินในช่วงทศวรรษ 1980, 1990 และ 2000 ได้ขยายเทคนิคการวิพากษ์วิจารณ์ตนเองนี้ออกไปนอกเหนือศิลปะชั้นสูงไปสู่การสร้างภาพทางวัฒนธรรมทั้งหมด รวมถึงภาพแฟชั่นการ์ตูนป้ายโฆษณาและภาพลามกอนาจาร^{[ 138 ] [ 139 ]}

ดูชองป์เคยเสนอว่าศิลปะคือกิจกรรมทุกประเภท – ทุกสิ่งทุกอย่าง อย่างไรก็ตาม วิธีที่กิจกรรมบางอย่างถูกจัดประเภทเป็นศิลปะในปัจจุบันนั้นเป็นการสร้างทางสังคม^{[ 140 ]}มีหลักฐานที่บ่งชี้ว่าอาจมีความจริงอยู่บ้าง ในหนังสือThe Invention of Art: A Cultural Historyแลร์รี ไชเนอร์ได้ตรวจสอบการสร้างระบบศิลปะสมัยใหม่ นั่นคือวิจิตรศิลป์ เขาพบหลักฐานว่าระบบศิลปะแบบเก่าก่อนระบบสมัยใหม่ของเรา (วิจิตรศิลป์) ถือว่าศิลปะคือกิจกรรมของมนุษย์ที่มีทักษะใดๆ ตัวอย่างเช่น สังคมกรีกโบราณไม่ได้ใช้คำว่าศิลปะแต่ ใช้คำว่าเท คเน เทคเนไม่สามารถเข้าใจได้ว่าเป็นศิลปะหรืองานฝีมือ เหตุผลก็คือการแบ่งแยกศิลปะและงานฝีมือเป็นผลผลิตทางประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นในภายหลังในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ เทคเนรวมถึงการวาดภาพ การแกะสลัก และดนตรี แต่ยังรวมถึงการทำอาหาร การแพทย์การขี่ม้าเรขาคณิตงานไม้การทำนายและการทำฟาร์ม เป็นต้น^{[ 141 ]}

หลังจาก Duchamp ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ได้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญไปสู่ทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ทั่วไป ซึ่งพยายามนำทฤษฎีสุนทรียศาสตร์มาประยุกต์ใช้ระหว่างศิลปะรูปแบบต่างๆ รวมถึงศิลปะวรรณกรรมและศิลปะทัศนศิลป์ ส่งผลให้เกิด สำนัก วิจารณ์แนวใหม่ (New Criticism)และการถกเถียงเกี่ยวกับความผิดพลาดของเจตนา ประเด็นคือคำถามที่ว่าเจตนาทางสุนทรียศาสตร์ของศิลปินในการสร้างสรรค์งานศิลปะ ไม่ว่าจะมีรูปแบบเฉพาะใด ควรนำมาเชื่อมโยงกับการวิจารณ์และการประเมินผลงานศิลปะขั้นสุดท้ายหรือไม่ หรือว่างานศิลปะควรได้รับการประเมินตามคุณค่าของตัวมันเองโดยไม่ขึ้นอยู่กับเจตนาของศิลปิน^{[ 142 ] [ 143 ]}

ในปี พ.ศ. 2489 William K. WimsattและMonroe Beardsleyได้ตีพิมพ์บทความวิจารณ์แนวใหม่ที่คลาสสิกและเป็นที่ถกเถียงกันเรื่อง " The Intentional Fallacy " ซึ่งพวกเขาโต้แย้งอย่างหนักแน่นถึงความสำคัญของเจตนาของผู้เขียนหรือ "ความหมายที่ตั้งใจไว้" ในการวิเคราะห์งานวรรณกรรม สำหรับ Wimsatt และ Beardsley คำที่อยู่บนหน้ากระดาษนั้นสำคัญที่สุด การนำความหมายจากภายนอกข้อความเข้ามาถือว่าไม่เกี่ยวข้อง และอาจทำให้เสียสมาธิได้^{[ 144 ] [ 145 ]}

ในบทความอีกเรื่องหนึ่งชื่อ " The Affective Fallacy " ซึ่งทำหน้าที่เป็นเหมือนบทความคู่ขนานกับ "The Intentional Fallacy" วิมแซตต์และเบียร์ดสลีย์ยังมองข้ามปฏิกิริยาทางอารมณ์ส่วนตัวของผู้อ่านที่มีต่องานวรรณกรรมว่าเป็นวิธีการวิเคราะห์ข้อความที่ถูกต้อง ความผิดพลาดนี้ต่อมาถูกปฏิเสธโดยนักทฤษฎีจากสำนักทฤษฎีวรรณกรรม ที่ เน้นการตอบสนองของผู้อ่าน ที่ น่าขัน คือ สแตนลีย์ ฟิช หนึ่งในนักทฤษฎีชั้นนำจากสำนักนี้ เองก็ได้รับการฝึกฝนจากนักวิจารณ์กลุ่มใหม่ ฟิชวิจารณ์วิมแซตต์และเบียร์ดสลีย์ในบทความปี 1970 ของเขาเรื่อง "Literature in the Reader" ^{[ 146 ] [ 147 ]}

ดังที่ Berys Gaut และ Paisley Livingston สรุปไว้ในบทความเรื่อง "การสร้างสรรค์ศิลปะ" ว่า "นักทฤษฎีและนักวิจารณ์แนวโครงสร้างนิยมและหลังโครงสร้างนิยมวิพากษ์วิจารณ์หลายแง่มุมของ New Criticism อย่างรุนแรง โดยเริ่มจากการเน้นย้ำเรื่องการชื่นชมความงามและสิ่งที่เรียกว่าความเป็นอิสระของศิลปะ แต่พวกเขาย้ำการโจมตีสมมติฐานของการวิจารณ์เชิงชีวประวัติที่ว่ากิจกรรมและประสบการณ์ของศิลปินเป็นหัวข้อวิจารณ์พิเศษ" ^{[ 148 ]}ผู้เขียนเหล่านี้โต้แย้งว่า "ผู้ต่อต้านเจตนา เช่น ฟอร์มาลิสต์ ถือว่าเจตนาที่เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ศิลปะนั้นไม่เกี่ยวข้องหรือเป็นเพียงส่วนประกอบในการตีความศิลปะอย่างถูกต้อง ดังนั้นรายละเอียดของการกระทำในการสร้างงาน แม้ว่าอาจจะน่าสนใจในตัวเอง แต่ก็ไม่มีผลต่อการตีความงานอย่างถูกต้อง" ^{[ 149 ]}

Gaut และ Livingston นิยามเจตนาว่าแตกต่างจากรูปแบบนิยมโดยระบุว่า: "เจตนานิยมต่างจากรูปแบบนิยมตรงที่ถือว่าการอ้างอิงถึงเจตนาเป็นสิ่งจำเป็นในการกำหนดการตีความผลงานที่ถูกต้อง" พวกเขาอ้างคำพูดของRichard Wollheimว่า "ภารกิจของการวิจารณ์คือการสร้างกระบวนการสร้างสรรค์ขึ้นใหม่ โดยที่กระบวนการสร้างสรรค์นั้นจะต้องถูกมองว่าไม่ใช่สิ่งที่หยุดอยู่แค่เพียงผลงานศิลปะ แต่เป็นการสิ้นสุดที่ตัวผลงานศิลปะเอง" ^{[ 149 ]}

ช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ก่อให้เกิดการถกเถียงอย่างกว้างขวางซึ่งรู้จักกันในชื่อ การถกเถียง เรื่องการเปลี่ยนผ่านทางภาษาหรือ "การถกเถียงเรื่องดวงตาที่บริสุทธิ์" ในปรัชญาศิลปะ การถกเถียงนี้กล่าวถึงการเผชิญหน้าของงานศิลปะว่าถูกกำหนดโดยขอบเขตที่การเผชิญหน้าเชิงแนวคิดกับงานศิลปะมีอิทธิพลเหนือการเผชิญหน้าเชิงการรับรู้กับงานศิลปะ^{[ 150 ]}

ผลงานจากอีกกระแสความคิดหนึ่ง ซึ่งก็คือลัทธิโครงสร้างนิยมของเฟอร์ดินานด์ เดอ ซอสซูร์และขบวนการหลังโครงสร้างนิยม ที่ตามมา มีบทบาทสำคัญในการถกเถียงเรื่องการเปลี่ยนแปลงทางภาษาในประวัติศาสตร์ศิลปะและมนุษยศาสตร์ ในปี 1981 มาร์ค แทนซีย์ ศิลปิน ได้สร้างงานศิลปะชื่อ " ดวงตาผู้บริสุทธิ์"เพื่อวิพากษ์วิจารณ์บรรยากาศแห่งความขัดแย้งในปรัชญาศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 นักทฤษฎีที่มีอิทธิพล ได้แก่จูดิธ บัตเลอร์ , ลูซ อิริการาย , จูเลีย คริสเตวา , มิเชล ฟูโกและฌาคส์ เดอร์ริดาพลังของภาษา โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำนวนโวหารบางอย่าง ในประวัติศาสตร์ศิลปะและวาทกรรมทางประวัติศาสตร์ได้รับการสำรวจโดยเฮย์เดน ไวท์ข้อเท็จจริงที่ว่าภาษาไม่ใช่สื่อความคิดที่โปร่งใสได้รับการเน้นย้ำโดยปรัชญาภาษา อีกรูปแบบหนึ่ง ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากผลงานของโยฮันน์ เกออร์ก ฮามานน์และวิลเฮล์ม ฟอน ฮุมโบลต์^{[ 151 ]} Ernst GombrichและNelson GoodmanในหนังสือLanguages ​​of Art: An Approach to a Theory of Symbols ของเขา ได้สรุปว่า การเผชิญหน้าเชิงแนวคิดกับงานศิลปะมีอิทธิพลเหนือกว่าการเผชิญหน้าเชิงการรับรู้และการมองเห็นกับงานศิลปะในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 ^{[ 152 ]}เขาถูกท้าทายโดยอ้างอิงจากงานวิจัยของRoger Sperry นักจิตวิทยาผู้ได้รับรางวัลโนเบล ซึ่งยืนยันว่า การเผชิญหน้าทางสายตาของมนุษย์ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงแค่แนวคิดที่แสดงออกมาในภาษาเท่านั้น (การเปลี่ยนแปลงทางภาษา) และรูปแบบอื่นๆ ของการแสดงออกทางจิตวิทยาของงานศิลปะก็มีความน่าเชื่อถือและพิสูจน์ได้เช่นกัน มุมมองของ Sperry ในที่สุดก็ได้รับชัยชนะในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 โดยนักปรัชญาสุนทรียศาสตร์เช่นNick Zangwillได้ปกป้องการกลับไปสู่รูปแบบสุนทรียศาสตร์แบบปานกลางอย่างแข็งขันท่ามกลางทางเลือกอื่นๆ^{[ 153 ]}

ข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทสิ่งใดสิ่งหนึ่งว่าเป็นงานศิลปะหรือไม่นั้น เรียกว่า ข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทงานศิลปะ ข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทในศตวรรษที่ 20 ได้แก่ภาพวาดแบบคิว บิสต์ และอิมเพรสชันนิสต์ น้ำพุของดูชองป์ ภาพยนตร์การเลียนแบบธนบัตรชั้นยอดของเจ.เอส.จี. บ็อกส์ศิลปะเชิงแนวคิดและวิดีโอเกม [ ^{155 ] นัก}ปรัชญาเดวิด โนวิตซ์ ได้โต้แย้งว่า ความไม่เห็นด้วยเกี่ยวกับนิยามของศิลปะนั้น แทบจะไม่ใช่หัวใจสำคัญของปัญหา แต่ "ความกังวลและความสนใจอันแรงกล้าที่มนุษย์มอบให้แก่ชีวิตทางสังคมของพวกเขา" นั้น "เป็นส่วนสำคัญของข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทงานศิลปะทั้งหมด" ^{[ 156 ]}ตามที่โนวิตซ์กล่าว ข้อพิพาทเกี่ยวกับการจัดประเภทมักเป็นข้อพิพาทเกี่ยวกับค่านิยมทางสังคมและทิศทางที่สังคมพยายามจะไป มากกว่าที่จะเป็นข้อพิพาทเกี่ยวกับทฤษฎีโดยตรง ตัวอย่างเช่น เมื่อเดลีเมล์วิจารณ์ ผลงานของ เฮิร์สต์และเอมินโดยกล่าวว่า "ศิลปะเป็นหนึ่งในพลังแห่งอารยธรรมที่ยิ่งใหญ่ของเรามา 1,000 ปีแล้ว วันนี้ แกะดองและเตียงสกปรกคุกคามที่จะทำให้เราทุกคนกลายเป็นคนป่าเถื่อน" พวกเขาไม่ได้เสนอคำจำกัดความหรือทฤษฎีเกี่ยวกับศิลปะ แต่กำลังตั้งคำถามถึงคุณค่าของผลงานของเฮิร์สต์และเอมิน^{[ 157 ]}ในปี 1998 อาร์เธอร์ แดนโตได้เสนอการทดลองทางความคิดที่แสดงให้เห็นว่า "สถานะของสิ่งประดิษฐ์ในฐานะงานศิลปะเป็นผลมาจากแนวคิดที่วัฒนธรรมนำมาใช้กับมัน มากกว่าคุณสมบัติทางกายภาพหรือที่รับรู้ได้โดยธรรมชาติ การตีความทางวัฒนธรรม (ทฤษฎีศิลปะบางประเภท) จึงเป็นองค์ประกอบสำคัญของความเป็นศิลปะของวัตถุ" ^{[ 158 ] [ 159 ]}

ศิลปะต่อต้าน (Anti-art)เป็นฉลากสำหรับงานศิลปะที่ท้าทายพารามิเตอร์และค่านิยมของศิลปะที่กำหนดไว้โดยเจตนา ^{[ 160 ]}เป็นคำที่เกี่ยวข้องกับลัทธิดาดา (Dadaism ) และถูกยกให้เป็นผลงานของมาร์เซล ดูชองป์ (Marcel Duchamp) ก่อนสงครามโลกครั้ง ^ที่ 1 เล็กน้อย ^{[ 160 ]}เมื่อเขาสร้างงานศิลปะจากวัตถุที่พบ [ ^{160 ] หนึ่ง}ในนั้นคือ Fountain (1917 ^{) ซึ่ง}เป็นโถปัสสาวะธรรมดา ได้รับความนิยมและอิทธิพลอย่างมากในวงการศิลปะ ^[ 160 ] ศิลปะต่อต้านเป็นลักษณะเด่นของงานโดย Situationist International [ ^{161 ]} ขบวนการ ศิลปะจดหมายแบบ lo-fiและ Young British Artists [ ^{160 ] แม้ว่า}จะเป็นรูปแบบที่ Stuckists ยังคงปฏิเสธ [ ^{160 ] ซึ่งพวกเขา อธิบาย}ตัวเองว่าเป็นศิลปะต่อต้านศิลปะต่อต้าน ^{[ 162 ] [ 163 ]}

สถาปัตยกรรมมักถูกรวมอยู่ในศิลปะทัศนศิลป์ประเภทหนึ่ง อย่างไรก็ตาม เช่นเดียวกับศิลปะการตกแต่งหรือการโฆษณา สถาปัตยกรรมเกี่ยวข้องกับการสร้างวัตถุที่การพิจารณาถึงการใช้งานจริงเป็นสิ่งสำคัญ ซึ่งโดยปกติแล้วจะไม่เป็นเช่นนั้นในภาพวาด เป็นต้น^{[ 164 ]}

ในทำนองเดียวกันกับข้างต้น คำว่าศิลปะยังถูกใช้เพื่อตัดสินคุณค่า เช่น ในสำนวนที่ว่า "อาหารมื้อนั้นเป็นผลงานศิลปะ" (พ่อครัวเป็นศิลปิน) หรือ "ศิลปะแห่งการหลอกลวง" (ทักษะระดับสูงของผู้หลอกลวงได้รับการยกย่อง) การใช้คำนี้เพื่อวัดคุณภาพและคุณค่าสูง ทำให้คำนี้มีลักษณะที่เป็นอัตวิสัย การตัดสินคุณค่าจำเป็นต้องมีพื้นฐานสำหรับการวิจารณ์ ในระดับที่ง่ายที่สุด วิธีหนึ่งในการพิจารณาว่าผลกระทบของวัตถุต่อประสาทสัมผัสตรงตามเกณฑ์ที่จะถือว่า เป็น ศิลปะหรือไม่ คือการพิจารณาว่าวัตถุนั้นดึงดูดใจหรือน่ารังเกียจ แม้ว่าการรับรู้จะถูกแต่งแต้มด้วยประสบการณ์เสมอ และเป็นสิ่งที่เป็นอัตวิสัยอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่โดยทั่วไปแล้วเข้าใจกันว่าสิ่งใดที่ไม่สร้างความพึงพอใจทางสุนทรียภาพก็ไม่สามารถเป็นศิลปะได้ อย่างไรก็ตาม ศิลปะ "ที่ดี" ไม่ได้ดึงดูดใจผู้ชมส่วนใหญ่เสมอไป หรือแม้แต่เป็นประจำ ในอีกแง่หนึ่ง แรงจูงใจหลักของศิลปินไม่จำเป็นต้องเป็นการแสวงหาความงามเสมอไป นอกจากนี้ ศิลปะมักแสดงภาพที่น่ากลัวซึ่งสร้างขึ้นด้วยเหตุผลทางสังคม ศีลธรรม หรือการกระตุ้นความคิด ตัวอย่างเช่น ภาพวาดของ ฟรานซิสโก โกยาที่แสดงถึงการประหารชีวิตพลเรือนชาวสเปนเมื่อวันที่ 3 พฤษภาคม ค.ศ. 1808 เป็นภาพที่แสดงให้เห็นถึงการประหารชีวิตพลเรือนที่กำลังอ้อนวอนอยู่หลายคนอย่างชัดเจน แต่ในขณะเดียวกัน ภาพที่น่าสยดสยองนี้ก็แสดงให้เห็นถึงความสามารถทางศิลปะอันเฉียบแหลมของโกยาในการจัดองค์ประกอบและการลงมือวาด และก่อให้เกิดความโกรธแค้นทางสังคมและการเมืองที่เหมาะสม ดังนั้น การถกเถียงจึงยังคงดำเนินต่อไปว่าความพึงพอใจทางสุนทรียภาพแบบใด หากมีอยู่ จำเป็นต่อการนิยามคำว่า 'ศิลปะ' ^{[ 165 ] [ 166 ]}

การยอมรับค่านิยมใหม่หรือการต่อต้านแนวคิดที่ยอมรับกันโดยทั่วไปเกี่ยวกับสิ่งที่เหนือกว่าในด้านสุนทรียศาสตร์ ไม่จำเป็นต้องเกิดขึ้นพร้อมกับการละทิ้งการแสวงหาสิ่งที่สวยงามอย่างสิ้นเชิง ในทางกลับกัน การทบทวนสิ่งที่คนส่วนใหญ่คิดว่าสวยงามในด้านสุนทรียศาสตร์ มักจะช่วยฟื้นฟูความรู้สึกด้านสุนทรียศาสตร์ และทำให้เกิดความชื่นชมใหม่ต่อมาตรฐานของศิลปะเอง มีหลายสำนักคิดที่เสนอวิธีการกำหนดคุณภาพของตนเอง แต่ดูเหมือนว่าทุกสำนักจะเห็นพ้องต้องกันอย่างน้อยหนึ่งประเด็น นั่นคือ เมื่อทางเลือกด้านสุนทรียศาสตร์ของพวกเขาได้รับการยอมรับแล้ว คุณค่าของงานศิลปะจะถูกกำหนดโดยความสามารถในการก้าวข้ามขีดจำกัดของสื่อที่เลือกใช้ เพื่อสร้างความรู้สึกร่วมในระดับสากล ด้วยความสามารถอันหายากของศิลปิน หรือการสะท้อนอย่างแม่นยำในสิ่งที่เรียกว่าจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยศิลปะมักมีจุดประสงค์เพื่อดึงดูดและเชื่อมโยงกับอารมณ์ของมนุษย์ มันสามารถปลุกเร้า ความรู้สึก ด้านสุนทรียศาสตร์หรือศีลธรรมและสามารถเข้าใจได้ว่าเป็นวิธีการสื่อสารความรู้สึกเหล่านี้ ศิลปินแสดงออกถึงบางสิ่งบางอย่างเพื่อให้ผู้ชมเกิดความรู้สึกตื่นเต้นในระดับหนึ่ง แต่พวกเขาไม่จำเป็นต้องทำเช่นนั้นโดยตั้งใจ ศิลปะอาจถือได้ว่าเป็นการสำรวจสภาพของมนุษย์นั่นคือ การเป็นมนุษย์คืออะไร^{[ 167 ]}

โดยนัยแล้ว Emily L. Spratt ได้โต้แย้งว่าการพัฒนาปัญญาประดิษฐ์เชิงสร้างสรรค์โดยเฉพาะอย่างยิ่งในส่วนที่เกี่ยวกับศิลปะปัญญาประดิษฐ์จำเป็นต้องมีการประเมินทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ในประวัติศาสตร์ศิลปะในปัจจุบันใหม่ และการพิจารณาขีดจำกัดของความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ใหม่^{[ 168 ] [ 169 ]}ดนตรีและปัญญาประดิษฐ์ได้ดำเนินไปในเส้นทางที่คล้ายคลึงกัน เช่นเดียวกับการใช้แบบจำลองภาษาขนาดใหญ่ในการสร้างข้อความสร้างสรรค์

ประเด็นทางกฎหมายที่สำคัญ ได้แก่การปลอมแปลง งาน ศิลปะการลอกเลียนแบบการทำซ้ำและงานศิลปะที่ดัดแปลงมาจากงานศิลปะอื่นอย่างมาก

กฎหมายทรัพย์สินทางปัญญามีบทบาทสำคัญในวงการศิลปะ การคุ้มครองลิขสิทธิ์มอบให้แก่ศิลปินสำหรับผลงานต้นฉบับของพวกเขา โดยให้สิทธิ์แต่เพียงผู้เดียวในการทำซ้ำ แจกจ่าย และจัดแสดงผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขา การคุ้มครองนี้ช่วยให้ศิลปินสามารถควบคุมการใช้งานผลงานของตนและป้องกันการคัดลอกหรือการละเมิดโดยไม่ได้รับอนุญาต^{[ 170 ]}

การค้าขายงานศิลปะหรือการส่งออกงานศิลปะจากประเทศหนึ่งๆ อาจอยู่ภายใต้ข้อบังคับทางกฎหมาย ในระดับนานาชาติก็มีความพยายามอย่างกว้างขวางในการปกป้องงานศิลปะที่สร้างขึ้น องค์การสหประชาชาติองค์การยูเนสโกและบลูชีลด์อินเตอร์เนชั่นแนลพยายามที่จะสร้างความมั่นใจในการคุ้มครองอย่างมีประสิทธิภาพในระดับประเทศ และเข้าแทรกแซงโดยตรงในกรณีที่เกิดความขัดแย้งทางอาวุธหรือภัยพิบัติ ซึ่งอาจส่งผลกระทบต่อพิพิธภัณฑ์ หอจดหมายเหตุ คอลเลกชันงานศิลปะ และแหล่งขุดค้นทางโบราณคดีได้เป็นอย่างมาก สิ่งนี้ควรจะช่วยรักษาพื้นฐานทางเศรษฐกิจของประเทศ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพราะงานศิลปะมักมีความสำคัญต่อการท่องเที่ยวคาร์ล ฟอน ฮับส์บูร์ ก ประธานผู้ก่อตั้งบลูชีลด์อินเตอร์เนชั่นแนล ได้อธิบายถึงความเชื่อมโยงเพิ่มเติมระหว่างการทำลายทรัพย์สินทางวัฒนธรรมและสาเหตุของการอพยพหนีภัย ในระหว่างภารกิจในเลบานอนเมื่อเดือนเมษายน 2019 ว่า "สินค้าทางวัฒนธรรมเป็นส่วนหนึ่งของอัตลักษณ์ของผู้คนที่อาศัยอยู่ในสถานที่นั้นๆ หากคุณทำลายวัฒนธรรมของพวกเขา คุณก็ทำลายอัตลักษณ์ของพวกเขาด้วย ผู้คนจำนวนมากถูกถอนรากถอนโคน มักไม่มีอนาคต และเป็นผลให้ต้องหนีออกจากบ้านเกิด" ^{[ 171 ] [ 172 ] [ 173 ] [ 174 ] [ 175 ] [ 176 ]}เพื่อรักษาความหลากหลายของเอกลักษณ์ทางวัฒนธรรมองค์การยูเนสโกจึงปกป้องสมบัติทางวัฒนธรรมของมนุษย์ผ่านอนุสัญญาว่าด้วยการคุ้มครองมรดกทางวัฒนธรรมที่จับต้องไม่ได้

• เจตนาโดยออสการ์ ไวลด์^{[ 177 ]}
• Katharine Everett Gilbertและ Helmut Kuhn, ประวัติศาสตร์แห่งสุนทรียศาสตร์ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2 ฉบับปรับปรุง อินเดียนา: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอินเดียนา, 1953
• Stephen Davies, นิยามของศิลปะ , 1991 ^{[ 178 ]}
• Nina Felshinบรรณาธิการแต่มันคือศิลปะหรือ? 1995 ^{[ 179 ]}
• Catherine de Zegher (บรรณาธิการ). Inside the Visible . MIT Press, 1996 ^{[ 180 ]}
• อีฟลิน แฮทเชอร์ (บรรณาธิการ) ศิลปะในฐานะวัฒนธรรม: บทนำสู่มานุษยวิทยาของศิลปะ , 1999
• โนเอล แคร์โรลล์, ทฤษฎีศิลปะในปัจจุบัน , 2000
• จอห์น ไวท์เฮด. คว้าจับสายลม , 2001
• Michael Ann Hollyและ Keith Moxey (บรรณาธิการ) ประวัติศาสตร์ศิลปะ สุนทรียศาสตร์ การศึกษาด้านทัศนศิลป์นิวเฮเวน: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเยล, 2002. ISBN 0300097891
• ไชเนอร์, แลร์รี. การประดิษฐ์ศิลปะ: ประวัติศาสตร์ทางวัฒนธรรม . ชิคาโก: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยชิคาโก, 2003. ISBN 978-0-226-75342-3
• อาเธอร์ แดนโต , การใช้ความงามในทางที่ผิด: สุนทรียศาสตร์และแนวคิดเรื่องศิลปะ. 2003
• Dana Arnoldและ Margaret Iversen, บรรณาธิการ. ศิลปะและความคิด . ลอนดอน: Blackwell, 2003. ISBN 0631227156
• ฌอง โรเบิร์ตสัน และ เครก แมคแดเนียล, หัวข้อหลักของศิลปะร่วมสมัย, ศิลปะทัศนศิลป์หลังปี 1980 , 2005

• อินา โคลจากห้องทำงานของประติมากร: บทสนทนากับศิลปินผู้ทรงอิทธิพล 20 ท่าน (ลอนดอน: สำนักพิมพ์ลอเรนซ์ คิง จำกัด, 2021) ISBN 9781913947590OCLC  1420954826​
• Antony Briant และGriselda Pollock (บรรณาธิการ) Digital and Other Virtualities: Renegotiating the image . ลอนดอนและนิวยอร์ก: IB Tauris, 2010. ISBN 978-1441676313
• ออโกรส, โรเบิร์ต เอ็ม., สแตนซิอู, จอร์จ เอ็น. เรื่องราวใหม่ของวิทยาศาสตร์: จิตใจและจักรวาล , เลคบลัฟฟ์, อิลลินอยส์: เร็กเนอรี่ เกตเวย์, 1984. ISBN 0-89526-833-7(หนังสือเล่มนี้มีเนื้อหาสำคัญเกี่ยวกับศิลปะและวิทยาศาสตร์)
• เบเนเด็ตโต โครเช . สุนทรียศาสตร์ในฐานะวิทยาศาสตร์แห่งการแสดงออกและภาษาศาสตร์ทั่วไป , 2002
• Botar, Oliver AI Technical Detours: The Early Moholy-Nagy Reconsidered . หอศิลป์แห่งบัณฑิตวิทยาลัย มหาวิทยาลัยซิตี้แห่งนิวยอร์ก และมูลนิธิ Salgo Trust for Education, 2006. ISBN 978-1599713571
• Burguete, Maria และ Lam, Lui (บรรณาธิการ) (2011). ศิลปะ: เรื่องวิทยาศาสตร์ . World Scientific: สิงคโปร์. ISBN 978-981-4324-93-9
• Carol ArmstrongและCatherine de Zegher (บรรณาธิการ) ศิลปินหญิงในยุคสหัสวรรษแมสซาชูเซตส์: October Books/The MIT Press, 2006. ISBN 026201226X
• โคลวิน, ซิดนีย์ (1911). "ศิลปะ" ในชิสโฮล์ม, ฮิวจ์ (บรรณาธิการ). สารานุกรมบริแทนนิกาเล่ม 2 (ฉบับที่ 11). สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์ หน้า  657–660 .
• คาร์ล จุง , มนุษย์และสัญลักษณ์ของเขา . ลอนดอน: แพนบุ๊คส์, 1978. ISBN 0330253212
• อี.เอช. กอมบริช , เรื่องราวของศิลปะ . ลอนดอน: สำนักพิมพ์ไพดอน, 1995. ISBN 978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis และ Michael Schwab (บรรณาธิการ) บ้านนกแห่งปัญญา: การปฏิบัติทางศิลปะในฐานะการวิจัยลอนดอน: Koening Books, 2012. ISBN 978-3863351182
• Kristine StilesและPeter Selz (บรรณาธิการ) ทฤษฎีและเอกสารเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยเบิร์กลีย์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนีย, 1986
• ไคลเนอร์, การ์ดเนอร์, มามิยะ และ แทนซีย์. ศิลปะผ่านยุคสมัย ฉบับที่สิบสอง (2 เล่ม)วาดส์เวิร์ธ, 2004. ISBN 0-534-64095-8(เล่ม 1) และISBN 0-534-64091-5(เล่ม 2)
• ริชาร์ด วอลไฮม์ , ศิลปะและวัตถุของมัน: บทนำสู่สุนทรียศาสตร์ . นิวยอร์ก: ฮาร์เปอร์ แอนด์ โรว์, 1968. OCLC 1077405 
• วิล กอมเพิร์ตซ์ . คุณกำลังมองอะไรอยู่?: 150 ปีแห่งศิลปะสมัยใหม่ในพริบตาเดียว . นิวยอร์ก: ไวกิ้ง, 2012. ISBN 978-0670920495

• ศิลปะและการเล่นจากพจนานุกรมประวัติศาสตร์ความคิด
• สารบบงานศิลปะเชิงลึก
• แฟ้มข้อมูลงานศิลปะและศิลปินในคอลเล็กชันห้องสมุดสมิธโซเนียน (2005) ห้องสมุดดิจิทัลสมิธโซเนียน
• บริการข้อมูลทัศนศิลป์ (VADS) – แหล่งรวบรวมข้อมูลออนไลน์จากพิพิธภัณฑ์ หอศิลป์ และมหาวิทยาลัยในสหราชอาณาจักร
• RevolutionArt – นิตยสารศิลปะที่จัดนิทรรศการ ประกาศรับสมัคร และจัดการแข่งขันทั่วโลก
• อาดาเจียน, โทมัส. "นิยามของศิลปะ"ในซัลตา, เอ็ดเวิร์ด เอ็น. (บรรณาธิการ). สารานุกรมปรัชญาแห่งสแตนฟอร์ด . ISSN  1095-5054 . OCLC  429049174 .
• Fieser, James; Dowden, Bradley (บรรณาธิการ). "นิยามของศิลปะ" . สารานุกรมปรัชญาออนไลน์ . ISSN  2161-0002 . OCLC  37741658 .