แอนิเมชั่นคือวิธีการสร้างภาพเคลื่อนไหวจากภาพนิ่ง มีประวัติศาสตร์ทั้งในยุคแรกและยุคใหม่ ซึ่งเริ่มต้นจากการประดิษฐ์ฟิล์มเซลลูลอยด์ในปี 1888 ระหว่างปี 1895 ถึง 1920 ในช่วงที่อุตสาหกรรมภาพยนตร์เฟื่องฟู เทคนิคแอนิเมชั่นหลายแบบได้รับการพัฒนาหรือคิดค้นขึ้นใหม่ รวมถึงแอนิเมชั่นแบบสต็อปโมชั่นโดย ใช้ วัตถุ หุ่นกระบอกดินเหนียวหรือภาพตัดปะและแอนิเมชั่นแบบวาดหรือระบายสี แอนิเมชั่นแบบวาดด้วยมือ ซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยภาพนิ่งที่วาดลงบนแผ่นเซลลูลอยด์ ต่อเนื่องกัน เป็นเทคนิคที่โดดเด่นที่สุดในศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ แอนิเมชั่ น แบบดั้งเดิม

ปัจจุบันแอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์เป็นเทคนิคแอนิเมชั่นที่โดดเด่นในหลายภูมิภาค แม้ว่าแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม เช่นอนิเมะ ญี่ปุ่น และงานวาดด้วยมือของยุโรปยังคงได้รับความนิยมอยู่นอกสหรัฐอเมริกา แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับลักษณะสามมิติที่มีรายละเอียดการแรเงาและแสงเงาอย่างละเอียด แม้ว่าจะมีสไตล์แอนิเมชั่นที่แตกต่างกันมากมายที่ถูกสร้างหรือจำลองขึ้นด้วยคอมพิวเตอร์ก็ตาม ผลงานบางชิ้นอาจได้รับการยอมรับว่าเป็นแอนิเมชั่น Flashแต่ในทางปฏิบัติ แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ที่มีลักษณะค่อนข้างสองมิติ เส้นขอบคมชัด และการแรเงาเพียงเล็กน้อย มักจะถูกพิจารณาว่าเป็น "แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม" แม้ว่าจะสร้างขึ้นด้วยคอมพิวเตอร์ก็ตาม ภาพยนตร์เรื่องแรกที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์โดยไม่ใช้กล้องคือThe Rescuers Down Under (1990) แต่สไตล์ของมันแทบจะแยกไม่ออกจากแอนิเมชั่น แบบเซลล์

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเป็นส่วนหนึ่งของประเพณีเก่าแก่ในการเล่าเรื่องศิลปะภาพและละครเทคนิคภาพเคลื่อนไหวที่นิยมใช้ก่อนยุคภาพยนตร์ ได้แก่การเล่นเงาสไลด์กลไก และเครื่องฉายภาพเคลื่อนที่ใน งานแสดง ภาพฉายวิเศษ (โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพลวงตา ) เทคนิคการใช้ตัวละครสามมิติเคลื่อนไหวอย่างมีจินตนาการ ได้แก่หน้ากากและเครื่องแต่งกายการเชิดหุ่นและหุ่นยนต์หนังสือภาพสำหรับเด็กการ์ตูนล้อเลียนการ์ตูนการเมืองและโดยเฉพาะอย่างยิ่งการ์ตูนช่องมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับแอนิเมชั่น และมีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบภาพและประเภทของอารมณ์ขัน

หลักการของแอนิเมชั่นสมัยใหม่นั้นอิงอยู่กับ ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหว แบบสโตรโบสโคปซึ่งถูกนำเสนอครั้งแรกในปี 1833 ด้วยแผ่นดิสก์สโตรโบสโคป (หรือที่รู้จักกันดีในชื่อฟีนาคิสติสโคป ) แผ่นดิสก์แอนิเมชั่นเหล่านี้มีภาพเฉลี่ย 8 ถึง 16 ภาพ ซึ่งมักออกแบบให้เป็นภาพวนซ้ำไม่รู้จบ สำหรับใช้ในบ้านเป็น"ของเล่นเชิงปรัชญา" ที่ใช้มือควบคุม แม้ว่าผู้บุกเบิกหลายคนหวังว่ามันจะสามารถนำไปใช้กับฉากที่ยาวขึ้นสำหรับการแสดงในโรงละครได้ แต่การพัฒนาเทคนิคนี้ตลอดศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เน้นไปที่การผสมผสานกับสเตอริโอสโคป (นำเสนอในปี 1838) และการถ่ายภาพ (นำเสนอในปี 1839) ความก้าวหน้าของภาพยนตร์ส่วนหนึ่งขึ้นอยู่กับความแปลกใหม่ของเทคนิคที่สามารถบันทึกและสร้างภาพเคลื่อนไหวที่เหมือนจริงได้ ในช่วงปีแรก ๆ การวาดภาพแอนิเมชั่นดูเหมือนจะเป็นเทคนิคที่ล้าสมัยเมื่อเทียบกัน จนกระทั่งศิลปินบางคนสร้างภาพยนตร์สั้นแอนิเมชั่นที่เป็นที่นิยมและมีอิทธิพล และผู้ผลิตได้นำเทคนิคราคาถูกมาใช้เพื่อเปลี่ยนการ์ตูนยอดนิยมให้เป็นภาพยนตร์การ์ตูนแอนิเมชั่น

ชาร์ลส์-เอมิล เรย์โนด์พัฒนาเครื่องฉายภาพแพรกซิโนสโคปของเขาให้กลายเป็น เธียเตอร์ ออป ติก (Théâtre Optique)โดยใช้ภาพสีสันสดใสที่วาดด้วยมือบนแถบยาวที่มีรูพรุนซึ่งม้วนอยู่ระหว่างแกนสองแกน ซึ่งเขาจดสิทธิบัตรในเดือนธันวาคม ค.ศ. 1888 ตั้งแต่วันที่ 28 ตุลาคม ค.ศ. 1892 ถึงเดือนมีนาคม ค.ศ. 1900 เรย์โนด์ได้จัดแสดงกว่า 12,800 รอบให้แก่ผู้เข้าชมกว่า 500,000 คน ณพิพิธภัณฑ์เกรแวง (Musée Grévin ) ในปารีส ภาพยนตร์แอนิเมชั่นชุด Pantomimes Lumineuses ของเขา แต่ละเรื่องประกอบด้วยเฟรมภาพ 300 ถึง 700 เฟรมที่ถูกตัดต่อสลับไปมาเพื่อให้มีความยาว 10 ถึง 15 นาทีต่อเรื่อง ฉากหลังจะฉายแยกต่างหาก ดนตรีเปียโน เพลง และบทสนทนาบางส่วนบรรเลงสด ในขณะที่เอฟเฟกต์เสียงบางส่วนซิงโครไนซ์กับแม่เหล็กไฟฟ้า รายการแรกประกอบด้วยการ์ตูนสามเรื่อง ได้แก่Pauvre Pierrot (สร้างในปี 1892), Un bon bock (สร้างในปี 1892 ปัจจุบันสูญหายไปแล้ว) และLe Clown et ses chiens (สร้างในปี 1892 ปัจจุบันสูญหายไปแล้ว) ต่อมา การ์ตูนเรื่อง Autour d'une cabine (สร้างในปี 1894) และA rêve au coin du feu (สร้างในปี 1894) ก็ได้ถูกนำมาแสดงด้วย

แม้ว่าภาพยนตร์ของเรย์โนด์จะประสบความสำเร็จ แต่ก็ต้องใช้เวลาระยะหนึ่งกว่าที่แอนิเมชั่นจะถูกนำมาปรับใช้ในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ ซึ่งเกิดขึ้นหลังจากการเปิดตัวเครื่องฉายภาพยนตร์ ของลูมิแยร์ ในปี 1895 ภาพยนตร์แฟนตาซีและภาพยนตร์เทคนิคพิเศษยุคแรกๆ ของจอร์จ เมลิเอส (ออกฉายระหว่างปี 1896 ถึง 1913) บางครั้งก็มีองค์ประกอบที่คล้ายกับแอนิเมชั่นอยู่บ้าง เช่น อุปกรณ์ประกอบฉากที่วาดขึ้น หรือสิ่งมีชีวิตที่วาดขึ้นซึ่งเคลื่อนไหวอยู่หน้าฉากหลังที่วาดขึ้น (ส่วนใหญ่ใช้ลวด) และการลงสีภาพยนตร์ด้วยมือ เมลิเอสยัง ทำให้เทคนิค สต็อปทริค เป็นที่นิยม โดยมีการเปลี่ยนแปลงฉากเพียงครั้งเดียวระหว่างช็อต ซึ่งเคยใช้ในภาพยนตร์เรื่องThe Execution of Mary Stuartของโทมัส เอดิสันในปี 1895 และอาจนำไปสู่การพัฒนา แอนิเมชั่น สต็อปโมชั่นในอีกหลายปีต่อมา^{[ 1 ]}จนกระทั่งปี 1906 ภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่เหมาะสมจึงปรากฏในโรงภาพยนตร์ การกำหนดอายุของภาพยนตร์แอนิเมชั่นบางเรื่องที่สันนิษฐานว่าสร้างขึ้นในยุคแรกๆ นั้นยังเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ ในขณะที่ภาพยนตร์ยุคแรกๆ เรื่องอื่นๆ ที่อาจใช้ เทคนิค สต็อปโมชั่นหรือเทคนิคแอนิเมชั่นอื่นๆ นั้นสูญหายไปหรือยังไม่สามารถระบุได้

ในปี ค.ศ. 1897 บริษัทผลิตของเล่นเยอรมันGebrüder Bing ได้สร้างต้นแบบ เครื่องฉายภาพยนตร์ของเล่นขึ้นเป็นครั้งแรก^{[ 2 ]}ซึ่งพวกเขาได้นำเสนอในงานประชุมของเล่นที่เมืองไลป์ซิกในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1898 ไม่นานหลังจากนั้น ผู้ผลิตของเล่นรายอื่น ๆ ในเยอรมนีและฝรั่งเศส รวมถึง Ernst Plank, Georges Carette และ Lapierre ก็เริ่มจำหน่ายอุปกรณ์ที่คล้ายกัน เครื่องฉายภาพยนตร์เหล่านี้โดยพื้นฐานแล้วคือเครื่องฉายภาพของเล่นแบบดั้งเดิมที่ดัดแปลงด้วยม้วนฟิล์มขนาดเล็กหนึ่งหรือสองม้วนที่ใช้ฟิล์ม 35 มม. มาตรฐาน "Edison perforation" คันโยก และชัตเตอร์ เครื่องฉายเหล่านี้มีจุดประสงค์เพื่อตลาดของเล่น "ความบันเทิงภายในบ้าน" ประเภทเดียวกับที่ผู้ผลิตส่วนใหญ่จัดหาให้กับเครื่องฉายภาพแบบ praxinoscope และเครื่องฉายภาพแบบ magic lantern อยู่แล้ว นอกเหนือจากภาพยนตร์ที่มีคนแสดงจริงที่มีราคาค่อนข้างสูงแล้ว ผู้ผลิตยังผลิตภาพยนตร์ราคาถูกจำนวนมากโดยการพิมพ์ ภาพวาด แบบลิโทกราฟภาพเคลื่อนไหวเหล่านี้น่าจะทำเป็นขาวดำตั้งแต่ปี ค.ศ. 1898 หรือ 1899 แต่ภายในปี ค.ศ. 1902 อย่างช้าที่สุดก็เริ่มผลิตเป็นสี ภาพเหล่านี้มักถูกลอกเลียนแบบมาจากภาพยนตร์ที่ถ่ายทำจริง (เช่นเดียวกับ เทคนิค โรโตสโคปปิ้ง ในภายหลัง ) ภาพยนตร์สั้นเหล่านี้มักแสดงภาพการกระทำซ้ำๆ ง่ายๆ และส่วนใหญ่ได้รับการออกแบบมาเพื่อฉายวนซ้ำ โดยเล่นไปเรื่อยๆ ด้วยการต่อปลายภาพยนตร์เข้าด้วยกัน กระบวนการพิมพ์หินและรูปแบบการฉายวนซ้ำนั้นสืบทอดมาจากธรรมเนียมที่กำหนดโดยแผ่นดิสก์สโตรโบสโคปซูโทรปและแพรกซิโนสโคป

มีการคาดการณ์ว่า Katsudō Shashin (ผลิตระหว่างปี 1907 ถึง 1912) เป็นผลงานแอนิเมชั่นที่เก่าแก่ที่สุดในญี่ปุ่น

เจ. สจวร์ต แบล็กตันเป็นผู้สร้างภาพยนตร์ชาวอังกฤษ-อเมริกัน ผู้ร่วมก่อตั้งVitagraph Studiosและเป็นหนึ่งในคนแรกๆ ที่ใช้แอนิเมชั่นในภาพยนตร์ของเขา ภาพยนตร์ เรื่อง The Enchanted Drawing (1900) ของเขาถือได้ว่าเป็นภาพยนตร์ฉายโรงเรื่องแรกที่บันทึกด้วยฟิล์มภาพมาตรฐานซึ่งมีองค์ประกอบแอนิเมชั่น แม้ว่าจะเป็นเพียงการเปลี่ยนแปลงภาพวาดเพียงไม่กี่เฟรมก็ตาม ภาพยนตร์แสดงให้เห็นแบล็กตันกำลังวาด "ภาพสเก็ตช์สายฟ้าแลบ" ของใบหน้า ซิการ์ ขวดไวน์ และแก้ว ใบหน้าจะเปลี่ยนสีหน้าเมื่อแบล็กตันเทไวน์ลงในปากของใบหน้า และเมื่อแบล็กตันหยิบซิการ์ขึ้นมา เทคนิคที่ใช้ในภาพยนตร์เรื่องนี้โดยพื้นฐานแล้วคือเทคนิคหยุดภาพ: การเปลี่ยนแปลงฉากเพียงอย่างเดียวคือการแทนที่ภาพวาดด้วยภาพวาดที่คล้ายกันแต่มีสีหน้าแตกต่างกัน ในบางฉาก ขวดและแก้วที่วาดไว้ถูกแทนที่ด้วยวัตถุจริง แบล็กตันอาจเคยใช้เทคนิคเดียวกันนี้ในภาพยนตร์ภาพสเก็ตช์สายฟ้าแลบที่สูญหายไปในปี 1896 ^{[ 1 ]}

ภาพยนตร์เรื่องHumorous Phases of Funny Faces ของแบล็กตันในปี 1906 มักได้รับการยกย่องว่าเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นวาดด้วยมือที่เก่าแก่ที่สุดเท่าที่รู้จักบนฟิล์มมาตรฐาน ภาพยนตร์เรื่องนี้มีฉากที่สร้างจากภาพวาดบนกระดานดำซึ่งเปลี่ยนไปในแต่ละเฟรมเพื่อแสดงใบหน้าสองใบที่เปลี่ยนสีหน้าและควันบุหรี่ที่พวยพุ่ง รวมถึงอีกสองฉากที่เป็นแอนิเมชั่นแบบตัดแปะที่มีลักษณะคล้ายกันเพื่อให้การเคลื่อนไหวดูไหลลื่นยิ่งขึ้น

อเล็กซานเดอร์ ชิริยาเยฟเป็นนักบัลเลต์ชาวรัสเซีย ครูสอนบัลเลต์ และนักออกแบบท่าเต้นที่ทำงานอยู่ที่โรงละครมารินสกีเขาได้รับการยกย่องว่าเป็นผู้คิดค้นแอนิเมชั่นแบบสต็อปโมชั่นอย่างอิสระ ระหว่างปี 1906 ถึง 1909 เขาได้สร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องแรกๆ ที่รู้จักกันในรัสเซีย โดยใช้เทคนิคแอนิเมชั่นหุ่นกระบอก แอนิเมชั่นวาดด้วยมือ และเทคนิคผสมผสาน แม้ว่าบางเรื่องจะสร้างขึ้นเพื่อการทดลอง (เช่น แอนิเมชั่นวาดด้วยมือความยาว 20 นาทีที่แสดงการบินของนกเป็นเส้นตรงต่อเนื่อง) แต่ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ของเขาทำขึ้นเพื่อวัตถุประสงค์ทางการศึกษา เพื่อแสดงให้นักบัลเลต์เห็นว่าท่าเต้นของพวกเขาควรเป็นอย่างไร แอนิเมชั่นหุ่นกระบอกมีความยาวตั้งแต่กว่าหนึ่งนาทีไปจนถึง 10 นาที ภาพยนตร์ของชิริยาเยฟฉายเฉพาะภายในโรงละครมารินสกีสำหรับนักแสดงเท่านั้น ไม่ได้ฉายต่อสาธารณะ และโดยทั่วไปไม่เป็นที่รู้จักจนกระทั่งปี 2003 เมื่อวิกเตอร์ โบชารอฟ นักทำสารคดีและนักประวัติศาสตร์บัลเลต์ชาวรัสเซีย ได้เผยแพร่ภาพยนตร์ความยาวหนึ่งชั่วโมงเรื่อง " การฉายรอบปฐมทัศน์ที่ล่าช้า"ซึ่งรวมถึงส่วนต่างๆ ของภาพยนตร์เหล่านั้น

ผู้สร้างภาพยนตร์ชาวสเปนSegundo de Chomónสร้างภาพยนตร์เทคนิคพิเศษมากมายให้กับบริษัทภาพยนตร์Pathé ของฝรั่งเศส ภายในปี 1906 เขาได้ใช้เทคนิคสต็อปโมชั่นในภาพยนตร์สั้นหลายเรื่อง รวมถึงLa Maison ensorcelée ^{[ 3 ]}และLe théâtre de Bob ^{[ 4 ]} (ทั้งสองเรื่องออกฉายในสหรัฐอเมริกาในเดือนเมษายน 1906) ภาพยนตร์เรื่อง The Haunted Hotel ของ Blackton (23 กุมภาพันธ์ 1907) ^{[ 5 ]}มีองค์ประกอบสต็อปโมชั่นที่คล้ายคลึงกับในLa Maison ensorcelée มาก หากวันที่ออกฉายถูกต้อง (และหากชื่อเรื่องที่แปลแล้วไม่สับสน) Blackton น่าจะได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของ De Chomón มากกว่าในทางกลับกัน แต่เชื่อกันว่าThe Haunted Hotelประสบความสำเร็จอย่างมากในฝรั่งเศสและประเทศอื่นๆ ในยุโรป และน่าจะเป็นภาพยนตร์ที่สร้างแรงบันดาลใจให้ผู้สร้างภาพยนตร์ในท้องถิ่น รวมถึง Émile Cohl เริ่มทำงานกับเทคนิคแอนิเมชั่นที่เป็นนวัตกรรมใหม่นี้^{[ 1 ]} De Chomon ยังสร้างภาพยนตร์สั้นที่เกี่ยวข้องเรื่องHôtel électrique (1908) ซึ่งมีฉากสั้นๆ ที่ใช้เทคนิคพิกเซล

ในปี ค.ศ. 1907 ศิลปินชาวฝรั่งเศสÉmile Cohlเริ่มต้นอาชีพการสร้างภาพยนตร์ด้วย^Japon de faintasie [ ^{6 ]}โดยใช้เทคนิคสต็อปโมชั่นอย่างสร้างสรรค์ ภาพยนตร์สั้นเรื่องถัดไปของเขาถือได้ว่าเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องแรกที่ใช้วิธีการสร้างแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม นั่นคือFantasmagorie ในปี ค.ศ. 1908 ^{[ 7 ]}ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ประกอบด้วยรูปคนแท่งที่เคลื่อนไหวไปมาและพบกับวัตถุที่เปลี่ยนรูปร่างได้หลากหลายรูปแบบ เช่น ขวดไวน์ที่แปลงร่างเป็นดอกไม้ นอกจากนี้ยังมีส่วนที่เป็นภาพเคลื่อนไหวจริงที่มือของนักสร้างแอนิเมชั่นเข้ามาในฉาก ภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างขึ้นโดยการวาดแต่ละเฟรมลงบนกระดาษแล้วถ่ายแต่ละเฟรมลงบนฟิล์มเนกาทีฟซึ่งทำให้ภาพดูเหมือนกระดานดำ ต่อมา Cohl ย้ายไปที่Fort Lee รัฐนิวเจอร์ซีย์ใกล้กับนิวยอร์กซิตี้ในปี ค.ศ. 1912 ซึ่งเขาทำงานให้กับสตูดิโอ Éclair ของฝรั่งเศสและเผยแพร่เทคนิคแอนิเมชั่นไปยังสหรัฐอเมริกา

ในช่วงทศวรรษ 1910 สตูดิโอแอนิเมชั่นขนาดใหญ่เริ่มเกิดขึ้น และศิลปินเดี่ยวก็ค่อยๆ หายไปจากสายตาของสาธารณชน^{[ 8 ]}แอนิเมเตอร์หญิงมืออาชีพคนแรกที่เป็นที่รู้จักคือเบสซี เมย์ เคลลีย์ซึ่งเริ่มต้นอาชีพของเธอในปี 1917 ^{[ 9 ]}

วินเซอร์ แม็กเคย์นักเขียนการ์ตูนหนังสือพิมพ์ชื่อดังเริ่มต้นด้วยภาพยนตร์สั้นในปี 1911 เกี่ยวกับตัวละครยอดนิยมของเขา อย่าง ลิตเติลนีโมโดยเขาได้ใส่รายละเอียดลงในแอนิเมชั่นที่วาดด้วยมือของเขามากกว่าแอนิเมชั่นใดๆ ที่เคยเห็นในโรงภาพยนตร์มาก่อน ภาพยนตร์เรื่องเกอร์ตีไดโนเสาร์ ในปี 1914 ของเขา นำเสนอตัวอย่างแรกๆ ของการพัฒนาตัวละครในแอนิเมชั่นที่วาดด้วยมือ^{[ 10 ]}นอกจากนี้ยังเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่ผสมผสานภาพจริงเข้ากับแอนิเมชั่น เดิมทีแม็กเคย์ใช้ภาพยนตร์เรื่องนี้ในการแสดงวอเดวิลล์ของเขา โดยเขาจะยืนอยู่ข้างจอและพูดคุยกับเกอร์ตี ซึ่งจะตอบสนองด้วยท่าทางต่างๆ เมื่อภาพยนตร์จบลง แม็กเคย์จะเดินไปด้านหลังจอฉายภาพ และถูกแทนที่ด้วยภาพที่บันทึกไว้ล่วงหน้าของตัวเขาเองที่เข้ามาในจอ ขึ้นไปบนหลังไดโนเสาร์การ์ตูน และขี่ออกไปนอกเฟรม^{[ 11 ] [ 12 ]}แม็กเคย์วาดภาพด้วยมือเกือบทุกภาพจากภาพวาดหลายพันภาพสำหรับภาพยนตร์ของเขา^{[ 8 ]}ผลงานที่น่าสนใจอื่นๆ ของ McCay ได้แก่How a Mosquito Operates (1912) และThe Sinking of the Lusitania (1918)

ระหว่างปี 1915 ถึง 1916 ดัดลีย์ บักซ์ตันและแอนสัน ไดเออร์ได้สร้างการ์ตูนล้อเลียนเหตุการณ์ปัจจุบันจำนวน 26 ตอนในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 โดยส่วนใหญ่ใช้แอนิเมชั่นแบบตัดต่อ ซึ่งพวกเขาได้เผยแพร่ในชื่อ^John Bull's Animated Sketchbook [ ^{13 ]}ตอนต่างๆ ประกอบด้วยเหตุการณ์ต่างๆ เช่น การระดมยิงเมืองสการ์โบโรห์โดยเรือรบของเยอรมัน^{[ 14 ]}และการจมเรือ RMS Lusitaniaในตอนที่ 4 ในเดือนมิถุนายน 1915 ^{[ 15 ]}

ประมาณปี 1913 ราอูล บาร์เรได้พัฒนาระบบหมุดที่ทำให้การจัดเรียงภาพวาดง่ายขึ้น โดยการเจาะรูสองรูใต้ภาพวาดแต่ละภาพและวางลงบนหมุดคงที่สองตัว เขายังใช้เทคนิค "ตัดและฉีก" เพื่อไม่ต้องวาดพื้นหลังทั้งหมดหรือส่วนอื่นๆ ที่อยู่นิ่งสำหรับทุกเฟรม ส่วนที่ต้องเปลี่ยนแปลงสำหรับเฟรมถัดไปจะถูกตัดออกจากภาพวาดอย่างระมัดระวังและเติมเต็มด้วยการเปลี่ยนแปลงที่ต้องการบนแผ่นด้านล่าง^{[ 16 ]}หลังจากที่บาร์เรเริ่มต้นอาชีพในด้านแอนิเมชั่นที่Edison Studiosเขาได้ก่อตั้งหนึ่งในสตูดิโอภาพยนตร์แห่งแรกที่อุทิศให้กับแอนิเมชั่นในปี 1914 (ในตอนแรกร่วมกับบิล โนแลน ) Barré Studioประสบความสำเร็จในการผลิตภาพยนตร์ดัดแปลงจากการ์ตูนยอดนิยมMutt and Jeff (1916–1926) สตูดิโอได้จ้างนักสร้างแอนิเมชั่นหลายคนที่ต่อมามีอาชีพที่โดดเด่นในด้านแอนิเมชั่น รวมถึงแฟรงค์ โมเซอร์ , เกรกอรี ลา คาวา , เวอร์นอน สตอลลิงส์และแพท ซัลลิแวน

ในปี ค.ศ. 1914 จอห์น เบรย์ได้เปิดสตูดิโอจอห์น เบรย์ซึ่งปฏิวัติวิธีการสร้างแอนิเมชั่น^{[ 17 ]}เอิร์ล เฮิร์ด หนึ่งในพนักงานของเบรย์ ได้จดสิทธิบัตรเทคนิคเซล^{[ 18 ]}ซึ่งเกี่ยวข้องกับการสร้างแอนิเมชั่นวัตถุเคลื่อนไหวบนแผ่นเซลลูลอยด์โปร่งใส^{[ 19 ]}นักสร้างแอนิเมชั่นถ่ายภาพแผ่นเซลลูลอยด์ทับภาพพื้นหลังที่อยู่กับที่เพื่อสร้างลำดับภาพ วิธีนี้ รวมถึงการใช้นวัตกรรมของเบรย์ในการใช้สายการผลิต ทำให้สตูดิโอจอห์น เบรย์ สามารถสร้างColonel Heeza Liarซึ่งเป็นซีรีส์แอนิเมชั่นเรื่องแรกได้^{[ 20 ] [ 21 ]}นักเขียนการ์ตูนรุ่นใหม่หลายคนเริ่มต้นอาชีพที่เบรย์ รวมถึงพอล เทอร์รี (ผู้มีชื่อเสียง ในภายหลังจากHeckle and Jeckle ), แม็กซ์ เฟลเชอร์ (ผู้มีชื่อเสียงในภายหลังจากBetty BoopและPopeye ) และวอลเตอร์ แลนซ์ (ผู้มีชื่อเสียงในภายหลังจากWoody Woodpecker ) สตูดิโอการ์ตูนดำเนินการตั้งแต่ประมาณค.ศ. 1914 ตั้งแต่ ปี 1914ถึงปี 1928 ตัวการ์ตูนชื่อดังกลุ่มแรกๆ จากสตูดิโอเบรย์ ได้แก่ฟาร์เมอร์ อัลฟัลฟา (โดย พอล เทอร์รี) และ บ็อบบี้ บัมพ์ส (โดย เอิร์ล เฮิร์ด)

วิลเลียม แรนดอล์ฟ เฮิร์สต์เจ้าพ่อหนังสือพิมพ์ก่อตั้งบริษัทอินเตอร์เนชั่นแนล ฟิล์ม เซอร์วิสในปี 1916 เฮิร์สต์ดึงตัวนักสร้างแอนิเมชั่นส่วนใหญ่จากสตูดิโอ Barré ไป โดยเกรกอรี ลา คาวา ขึ้นเป็นหัวหน้าสตูดิโอ พวกเขาผลิตภาพยนตร์ดัดแปลงจากการ์ตูนช่องในหนังสือพิมพ์ของเฮิร์สต์ในรูปแบบที่ค่อนข้างจำกัด โดยให้ตัวละครเคลื่อนไหวเพียงเล็กน้อย ขณะที่ใช้ช่องคำพูดเป็นหลักในการเล่าเรื่อง ซีรีส์ที่โดดเด่นที่สุดคือKrazy Kat ซึ่งน่าจะเป็น ตัวละครแมวพูดได้ และ สัตว์พูดได้ อื่นๆ ตัวแรกๆก่อนที่สตูดิโอจะปิดตัวลงในปี 1918 พวกเขาได้ว่าจ้างคนเก่งๆ หลายคน รวมถึงเวอร์นอน สตอลลิงส์ , เบน ชาร์ปสตีน , แจ็ค คิง , จอห์น ฟอสเตอร์, กริม แนทวิค , เบิร์ต กิลเล็ตและอิซาดอร์ ไคลน์

ในปี พ.ศ. 2458 Max Fleischerได้ยื่นขอสิทธิบัตร ซึ่งได้รับการอนุมัติในปี พ.ศ. 2460 ^{[ 22 ]}สำหรับเทคนิคที่ต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อrotoscoping : กระบวนการใช้การบันทึกภาพยนตร์แบบไลฟ์แอ็กชั่นเป็นจุดอ้างอิงเพื่อสร้างการเคลื่อนไหวแอนิเมชั่นที่สมจริงได้ง่ายขึ้น เทคนิคนี้มักถูกใช้ใน ซีรีส์ Out of the Inkwellโดย John Bray Studios (และอื่นๆ) ซีรีส์นี้เกิดจากภาพ rotoscoping ทดลองของ Dave Fleischer น้องชายของ Max ที่แสดงเป็นตัวตลก ซึ่งพัฒนามาเป็นตัวละครที่ต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อKoko the Clown

ในปี พ.ศ. 2462 ออตโต เมสเมอร์แห่งสตูดิโอแพท ซัลลิแวน ได้สร้างเฟลิกซ์ เดอะ แค ท ขึ้น มาแพท ซัลลิแวนหัวหน้าสตูดิโอ ได้รับเครดิตทั้งหมดสำหรับเฟลิกซ์ ซึ่งเป็นธรรมเนียมปฏิบัติทั่วไปในยุคแรกๆ ของแอนิเมชั่นในสตูดิโอ^{[ 23 ]}เฟลิกซ์ เดอะ แคท จัดจำหน่ายโดยสตูดิโอพาราเมาท์และดึงดูดผู้ชมจำนวนมาก^{[ 24 ]}ในที่สุดก็กลายเป็นหนึ่งในตัวการ์ตูนที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ เฟลิกซ์เป็นตัวการ์ตูนตัวแรกที่ถูกนำไปจำหน่ายเป็นสินค้า^{[ 25 ]}

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องยาวเรื่องแรกที่เป็นที่รู้จักคือEl ApóstolโดยQuirino Cristianiซึ่งออกฉายเมื่อวันที่ 9 พฤศจิกายน 1917 ในอาร์เจนตินาภาพยนตร์เสียดสีความยาว 70 นาทีเรื่องนี้ประสบความสำเร็จ โดยใช้เทคนิคการตัดกระดาษแข็ง ซึ่งมีรายงานว่ามี 58,000 เฟรมที่ 14 เฟรมต่อวินาที ภาพยนตร์เรื่อง ยาวเรื่องถัดไปของ Cristiani คือSin dejar rastrosออกฉายในปี 1918 แต่ไม่ได้รับการรายงานข่าวจากสื่อและมีผู้ชมไม่มากนักก่อนที่จะถูกตำรวจยึดไปเนื่องจากเหตุผลทางการทูต^{[ 26 ]}ไม่มีภาพยนตร์เรื่องยาวเรื่องใดของ Cristiani ที่ยังคงเหลืออยู่^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}

เหตุการณ์สำคัญหลายอย่างเกิดขึ้นในทศวรรษ 1920 รวมถึงการพัฒนาแอนิเมชั่นเรื่องแรกที่มีเสียงประกอบและการก่อตั้งสตูดิโอวอลต์ ดิสนีย์นอกจากนี้ ในทศวรรษนี้ยังมีการปรากฏตัวครั้งแรกของมิกกี้เมาส์ใน ภาพยนตร์เรื่อง Steamboat Willie (1928) อีกด้วย

ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 ขบวนการภาพยนตร์นามธรรม (Absolute Film) ซึ่งมีศิลปินอย่างWalter Ruttmann , Hans Richter , Viking EggelingและOskar Fischingerได้สร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นนามธรรมขนาดสั้นซึ่งมีอิทธิพลอย่างมาก แม้ว่าผลงานแอนิเมชั่นนามธรรมในภายหลังบางชิ้นโดยLen LyeและNorman McLarenจะได้รับการชื่นชมอย่างกว้างขวาง แต่โดยส่วนใหญ่แล้วแนวศิลปะนี้ยังคงเป็นรูปแบบศิลปะแนวหน้าที่มีขอบเขตจำกัด ในขณะที่อิทธิพลโดยตรงหรือแนวคิดที่คล้ายคลึงกันจะปรากฏขึ้นเป็นครั้งคราวในแอนิเมชั่นกระแสหลัก เช่นในToccata and Fugue in D Minor in Fantasia (1940) ของดิสนีย์ ซึ่ง Fischinger มีส่วนร่วมในการสร้างในตอนแรกจนกระทั่งผลงานของเขาถูกยกเลิก และได้รับแรงบันดาลใจบางส่วนจากผลงานของ Lye หรือภาพยนตร์เรื่องThe Dot and the Line (1965) ในภายหลังโดย Chuck Jones

ระหว่างเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1924 ถึงกันยายน ค.ศ. 1926 สตูดิโอ Inkwell ของเดฟและแม็กซ์ ฟลายเชอร์ ผลิตการ์ตูนเสียง 19 เรื่อง ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ ซีรีส์ Song Car-Tunes โดยใช้กระบวนการ " เสียงบนฟิล์ม " ของ Phonofilm ซีรีส์นี้ยังแนะนำ " ลูกบอลกระเด้ง " เหนือเนื้อเพลงเพื่อนำทางผู้ชมให้ร้องเพลงตามไปด้วย ภาพยนตร์ เรื่อง My Old Kentucky Homeจากเดือนมิถุนายน ค.ศ. 1926 น่าจะเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่มีบทสนทนาแอนิเมชั่นที่ซิงโครไนซ์กันเล็กน้อย โดยมีบิมโบ เวอร์ชั่นแรก พูดคำว่า "ตามลูกบอลไป แล้วมาร่วมร้องด้วยกันทุกคน" ตัวละครบิมโบได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในTalkartoons ของฟลายเชอร์ (ค.ศ. 1929–1932)

ตอน " เวลาอาหารเย็น"ของพอล เทอร์รีจาก ชุด นิทานอีสอป (ค.ศ. 1921–1936) ออกอากาศครั้งแรกเมื่อวันที่ 1 กันยายน ค.ศ. 1928 พร้อมกับเสียงประกอบที่ซิงโครไนซ์กับบทสนทนา เทอร์รีถูกกดดันให้เพิ่มลูกเล่นนี้โดยที่เขาไม่เต็มใจจากแวน บิวเรน เจ้าของสตูดิโอคนใหม่ แม้ว่าซีรีส์และตัวละครหลักอย่างชาวนาอัล ฟัลฟาจะได้รับความนิยม แต่ผู้ชมก็ไม่ประทับใจกับตอนแรกที่มีเสียงนี้

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องยาวที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่คือDie Abenteuer des Prinzen Achmed (การผจญภัยของเจ้าชายอาห์เหม็ด)ซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นเงาในปี 1926 ที่ใช้ฟิล์มสี^{[ 29 ]}กำกับโดยLotte Reiniger ชาวเยอรมัน และสามีของเธอCarl Koch Walter Ruttmannสร้างเอฟเฟกต์ภาพพื้นหลังBerthold Bartoschหรือ Reiniger ผู้ร่วมงานชาวฝรั่งเศส/ฮังการีสร้างความลึกของภาพโดยการวางองค์ประกอบฉากและตัวละครบนแผ่นกระจกหลายระดับ โดยมีแสงส่องจากด้านล่างและกล้องอยู่ด้านบนในแนวตั้ง ต่อมาเทคนิคที่คล้ายกันนี้กลายเป็นพื้นฐานสำหรับกล้องมัลติเพลน

ระหว่างปี 1920 ถึง 1922 นักวาดการ์ตูนวอลต์ ดิสนีย์ , ยูบ ไอเวอร์กส์และเฟร็ด ฮาร์แมนทำงานที่บริษัท สไลด์ (ซึ่งต่อมาเปลี่ยนชื่อเป็น บริษัท แคนซัสซิตี้ ฟิล์ม แอด) ซึ่งผลิตโฆษณาแอนิเมชั่นแบบตัดแปะ ดิสนีย์เริ่มทดลองเทคนิคแอนิเมชั่นแบบวาดด้วยมือในโรงรถของพ่อแม่ และสามารถขายซีรีส์ที่ล้อเลียนประเด็นท้องถิ่นในขณะนั้นให้กับเจ้าของโรงภาพยนตร์นิวแมนสามแห่งในท้องถิ่น ในชื่อรายการNewman Laugh-O-Grams รายสัปดาห์ ในปี 1921 ด้วยบริษัทของเขาเองที่ชื่อLaugh-O-Gram Films, Inc. ซึ่งมีอายุสั้น ดิสนีย์ ร่วมกับไอเวอร์กส์ฮิวจ์ ฮาร์แมน น้องชายของเฟร็ด รูด อล์ฟ ไอซิงและคาร์แมน แม็กซ์เวลล์ผลิตการ์ตูนเทพนิยายสมัยใหม่ความยาวประมาณเจ็ดนาทีหลายเรื่อง โดยได้รับแรงบันดาลใจจากนิทานอีสปของ เทอร์ รี^{[ 30 ]}สตูดิโอล้มละลายในปี 1923 แต่ได้สร้างภาพยนตร์Alice's Wonderland ความยาว 12 นาทีที่ขายไม่ออก ซึ่งมีเด็กหญิง ( เวอร์จิเนีย เดวิส ) ที่เป็นนักแสดงจริงโต้ตอบกับตัวการ์ตูนมากมาย รวมถึงจูเลียส เดอะ แคท ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากเฟลิก ซ์ (ซึ่งเคยปรากฏตัวในนิทาน Laugh-O-Gram โดยไม่มีชื่อ) เมื่อดิสนีย์ย้ายไปฮอลลีวูด เขาจัดการปิดดีลกับมาร์กาเร็ต เจ. วิงค์เลอร์ ผู้จัดจำหน่ายภาพยนตร์ในนิวยอร์ก ซึ่งเพิ่งเสียสิทธิ์ใน Felix the Cat และOut of the Inkwellไป เพื่อสร้าง ซีรีส์ Alice Comedies (1923–1927) ไอเวอร์คส์จึงย้ายไปฮอลลีวูดเช่นกัน ต่อมาก็มีไอซิง ฮาร์แมน แม็กซ์เวลล์ และ ฟริซ เฟรเลงเพื่อนร่วมงานจาก Film Ad ตามมาซีรีส์นี้ประสบความสำเร็จมากพอที่จะมีทั้งหมด 57 ตอน แต่ในที่สุดดิสนีย์ก็เลือกที่จะสร้างซีรีส์แอนิเมชั่นเต็มรูปแบบใหม่ภาพยนตร์เรื่อง Oswald the Lucky Rabbitตามมาในปี 1927 และประสบความสำเร็จอย่างมาก แต่หลังจากการเจรจาเพื่อสานต่อในปี 1928 ล้มเหลว ชาร์ลส์ มินต์ซจึงเข้าควบคุมการผลิตโดยตรง และดิสนีย์ก็สูญเสียตัวละครของเขาและพนักงานส่วนใหญ่ให้กับมินต์ซ

ดิสนีย์และไอเวอร์คส์พัฒนาตัวละครมิกกี้เมาส์ ขึ้น ในปี 1928 เพื่อมาแทนที่ออสวาลด์ ภาพยนตร์เรื่องแรกชื่อPlane Crazyล้มเหลวในการสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมกลุ่มทดสอบ และไม่ได้รับความสนใจจากผู้จัดจำหน่ายมากพอ หลังจากที่ภาพยนตร์คนแสดงที่มีเสียงประกอบประสบความสำเร็จ ดิสนีย์จึงระงับการสร้างการ์ตูนมิกกี้เมาส์เรื่องใหม่The Gallopin' Gauchoเพื่อเริ่มต้นการผลิตภาพยนตร์เสียงพิเศษที่จะเปิดตัวซีรีส์ได้อย่างน่าเชื่อถือมากขึ้น ฉากส่วนใหญ่ในภาพยนตร์เรื่องSteamboat Willie (พฤศจิกายน 1928) เกี่ยวข้องกับการสร้างเสียง ตัวอย่างเช่น มิกกี้ใช้ปศุสัตว์บนเรือเป็นเครื่องดนตรี ภาพยนตร์เรื่องนี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก และมิกกี้เมาส์ก็กลายเป็นตัวการ์ตูนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในประวัติศาสตร์ในไม่ช้า

บอสโก้ถูกสร้างขึ้นในปี 1927 โดยฮิวจ์ ฮาร์แมนและรูดอล์ฟ ไอซิงโดยคำนึง ถึงภาพยนตร์ เสียง เป็นหลัก ในเวลานั้นพวกเขายังทำงานให้กับดิสนีย์อยู่ แต่ได้ลาออกไปในปี 1928 เพื่อไปทำงานเกี่ยวกับ การ์ตูนเรื่อง ออสวาลด์ เดอะ ลัคกี้ แร บบิท ที่ยูนิเวอร์แซลเป็นเวลาประมาณหนึ่งปี จากนั้นพวกเขาก็ผลิต ตอนนำร่อง เรื่องบอสโก้ เด็กพูดได้ในเดือนพฤษภาคม 1929 เพื่อหาผู้จัดจำหน่าย พวกเขาได้เซ็นสัญญากับลีออน ชเลสซิงเกอร์ โปร ดักชันส์ และเริ่มต้นซีรีส์ลูนีย์ ทูนส์ให้กับวอร์ เนอร์ บราเธอร์ส พิคเจอร์สในปี 1930 บอสโก้เป็นตัวเอกในการ์ตูนของวอร์เนอร์ บราเธอร์สถึง 39 ตอน ก่อนที่ฮาร์แมนและไอซิงจะนำบอสโก้ไปที่เอ็มจีเอ็มหลังจากออกจากวอร์เนอร์ บราเธอร์ส หลังจากการ์ตูนของเอ็มจีเอ็มสองตอน ตัวละครก็ได้รับการปรับโฉมครั้งใหญ่ซึ่งไม่เป็นที่ชื่นชอบของผู้ชมมากนัก อาชีพของบอสโก้สิ้นสุดลงในปี 1938

ในขณะที่เศรษฐกิจโลกกำลังเผชิญกับภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ตลอดช่วงทศวรรษ 1930 แอนิเมชั่นกลับเฟื่องฟูอย่างต่อเนื่อง กระบวนการสร้างภาพสีในยุคแรกเริ่มถูกนำมาใช้ พร้อมกับการใช้กล้องมัลติเพลน ในปี 1937 ภาพยนตร์ เรื่องสโนว์ไวท์ได้เข้าฉายในโรงภาพยนตร์ ซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมเรื่องยาวเรื่องแรก

เทคนิคการพิมพ์หินสีหลายสีของภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบวนซ้ำยุคแรกๆ ของยุโรปสำหรับใช้ในบ้าน ดูเหมือนว่าจะไม่ได้ถูกนำมาใช้กับภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ฉายในโรงภาพยนตร์ ถึงแม้ว่าฟิล์มต้นฉบับของเรื่องThe Adventures of Prince Achmedจะมีการลงสี แต่ภาพยนตร์แอนิเมชั่นส่วนใหญ่ที่ฉายในโรงภาพยนตร์ก่อนปี 1930 นั้นเป็นภาพขาวดำ ดังนั้น กระบวนการพิมพ์สีที่มีประสิทธิภาพจึงเป็นนวัตกรรมที่น่ายินดีในฮอลลีวูด และดูเหมือนจะเหมาะสมอย่างยิ่งสำหรับภาพยนตร์การ์ตูน

ฉากการ์ตูนในภาพยนตร์เรื่องKing of Jazz (เมษายน 1930) ซึ่งสร้างโดย Walter Lantz และ Bill Nolan เป็นแอนิเมชั่นเรื่องแรกที่นำเสนอด้วยระบบสี Technicolor สองแถบ

Fiddlesticksซึ่งออกฉายพร้อมกับ King of Jazzเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกของ Flip the Frogและเป็นโครงการแรกที่ Ub Iwerks ทำงานหลังจากออกจากดิสนีย์เพื่อก่อตั้งสตูดิโอของเขา ในอังกฤษ การ์ตูนเรื่องนี้ออกฉายในระบบสี Harris Color ^{[ 31 ]}ซึ่ง เป็นกระบวนการ สองสีน่าจะเป็นการ์ตูนแอนิเมชั่นเดี่ยวที่ออกฉายในโรงภาพยนตร์เรื่องแรกที่มีทั้งเสียงและสี

เมื่อ ซีรีส์ Silly Symphoniesซึ่งเริ่มต้นในปี 1929 ได้รับความนิยมน้อยกว่าที่ดิสนีย์หวังไว้ เขาจึงหันไปใช้เทคโนโลยีใหม่ๆ เพื่อเพิ่มผลกระทบของซีรีส์ ในปี 1932 เขาได้ร่วมงานกับ บริษัท Technicolorเพื่อสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นสีเต็มรูปแบบเรื่องแรกFlowers and Treesโดยเปิดตัว เทคนิค สามแถบ (การใช้งานครั้งแรกในภาพยนตร์คนแสดงเกิดขึ้นประมาณสองปีต่อมา) การ์ตูนเรื่องนี้ประสบความสำเร็จและได้รับรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์สั้นยอดเยี่ยม [ ^{32 ] ดิสนีย์}มีข้อตกลงชั่วคราวในการใช้เทคนิคสีเต็มรูปแบบของ Technicolor ในภาพยนตร์แอนิเมชั่นแต่เพียงผู้เดียว เขายังรออยู่ก่อนที่จะผลิตซีรีส์ Mickey Mouse ต่อเนื่องในรูปแบบสี เพื่อให้Silly Symphoniesมีเสน่ห์ดึงดูดใจผู้ชมเป็นพิเศษ หลังจากข้อตกลงพิเศษหมดอายุในเดือนกันยายน 1935 แอนิเมชั่นสีเต็มรูปแบบก็กลายเป็นมาตรฐานของอุตสาหกรรมในไม่ช้า

การ์ตูนชุด Silly Symphoniesเป็นแรงบันดาลใจให้กับการ์ตูนหลายเรื่องที่ใช้ระบบสีต่างๆ จนกระทั่ง Technicolor ไม่ได้เป็นของดิสนีย์แต่เพียงผู้เดียวอีกต่อไป ซึ่งรวมถึงComiColor Cartoons ของ Ub Iwerks (1933–1936), Rainbow ParadeของVan Beuren Studios (1934–1936), Color Classics ของ Fleischer (1934–1941), Color Rhapsodyของ Charles Mintz (1936–1949), Happy Harmoniesของ MGM (1934–1938), PuppetoonsของGeorge Pal (1932–1948) และSwing Symphony ของ Walter Lantz (1941–1945)

มีการพัฒนาเทคนิคหลายอย่างเพื่อสร้างความรู้สึกถึงความลึกเทคนิคที่ใช้กันมากที่สุดคือการให้ตัวละครเคลื่อนไหวระหว่างเลเยอร์หลายชั้นที่สามารถเคลื่อนไหวได้อย่างอิสระ โดยสอดคล้องกับกฎของทัศนียวิทยา (เช่น ยิ่งอยู่ไกลจากกล้อง ความเร็วในการเคลื่อนที่ก็จะยิ่งช้าลง)

Lotte Reiniger ได้ออกแบบกล้องมัลติเพลนประเภทหนึ่งสำหรับDie Abenteuer des Prinzen Achmed ^{[ 33 ]} แล้ว และBerthold Bartosch ผู้ร่วมงานของเธอได้ใช้การตั้งค่าที่คล้ายกันสำหรับภาพยนตร์ L'Idée (1932) ความยาว 25 นาทีที่มีรายละเอียดซับซ้อน

ในปี ค.ศ. 1933 Ub Iwerks ได้พัฒนาเครื่องถ่ายภาพแบบมัลติเพลน และใช้มันในการถ่ายทำตอน ต่างๆ ของ Willie Whopper (ค.ศ. 1933–1934) และComiColor Cartoons

เฟลชเชอร์ได้พัฒนากระบวนการสเตอริโอพิกคอน ที่แตกต่างออกไป ในปี พ.ศ. 2476 ^{[ 34 ]}สำหรับColor Classics ของพวกเขา กระบวนการ นี้ถูกใช้ในตอนแรกBetty Boop in Poor Cinderella (พ.ศ. 2477) และตอนต่อๆ มาส่วนใหญ่ กระบวนการนี้เกี่ยวข้องกับฉากสามมิติที่สร้างและแกะสลักบนแท่นหมุนขนาดใหญ่ เซลล์ที่ถ่ายภาพไว้จะถูกวางไว้ภายในฉากที่เคลื่อนที่ได้ เพื่อให้ตัวละครแอนิเมชั่นปรากฏว่าเคลื่อนไหวอยู่ด้านหน้าและด้านหลังองค์ประกอบสามมิติภายในฉากเมื่อแท่นหมุนหมุน

วิลเลียม การิตีพนักงานของดิสนีย์ได้พัฒนาเครื่องถ่ายภาพหลายระนาบที่สามารถบันทึกภาพได้มากถึงเจ็ดชั้น กล้องนี้ได้รับการทดสอบในตอน "โรงสีเก่า" ( The Old Mill ) ของภาพยนตร์เรื่อง Silly Symphony ที่ได้รับรางวัลออสการ์ (ปี 1937) และถูกนำมาใช้ในภาพยนตร์เรื่องสโนว์ไวท์และภาพยนตร์เรื่องอื่นๆ ในเวลาต่อมา

หลังจากที่การเพิ่มเสียงและสีลงในภาพยนตร์การ์ตูนประสบความสำเร็จอย่างมากสำหรับดิสนีย์ สตูดิโออื่นๆ ก็เริ่มทำตาม จนกระทั่งสิ้นทศวรรษ ภาพยนตร์การ์ตูนที่ฉายในโรงภาพยนตร์เกือบทั้งหมดจึงถูกผลิตออกมาในรูปแบบสีเต็มรูปแบบ

ในระยะแรก ดนตรีและเพลงเป็นจุดสนใจหลักของซีรีส์หลายเรื่อง ดังที่เห็นได้จากชื่อเรื่องต่างๆ เช่นSong Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie MelodiesและLooney Tunesแต่ตัวละครที่คุ้นเคยต่างหากที่ครองใจผู้ชม มิกกี้เมาส์เป็นซูเปอร์สตาร์การ์ตูนตัวแรกที่ได้รับความนิยมมากกว่าเฟลิกซ์ เดอะ แคท แต่ในไม่ช้าก็มีซูเปอร์สตาร์การ์ตูนอีกหลายสิบตัวตามมา ซึ่งหลายตัวยังคงได้รับความนิยมมานานหลายทศวรรษ

วอร์เนอร์ บราเธอร์ส มีคลังเพลงมากมายที่สามารถนำมาใช้ในภาพยนตร์การ์ตูนได้ และยังเป็นแรงบันดาลใจให้กับการ์ตูนหลายเรื่อง ในขณะที่ดิสนีย์จำเป็นต้องสร้างเพลงประกอบสำหรับการ์ตูนทุกเรื่อง ลีออน ชเลสซิงเกอร์ ขายลิขสิทธิ์ซีรีส์ที่สองให้กับวอร์เนอร์ บราเธอร์ส ชื่อว่าเมอร์รี เมโลดีส์ซึ่งตามสัญญาจนถึงปี 1939 จะต้องมีท่อนฮุคอย่างน้อยหนึ่งท่อนจากคลังเพลง แตกต่างจากลูนีย์ ทูนส์ที่มีบอสโก้ เมอร์รี เมโลดีส์ มีตัวละครที่ปรากฏซ้ำๆ เพียงไม่กี่ตัว เช่นฟ็อกซีพิกกี้และกูปี้ เกียร์ก่อนที่ฮาร์แมนและไอซิงจะออกจากบริษัทไปในปี 1933 บอสโก้ถูกแทนที่ด้วยบัดดี้ในซีรีส์ลูนีย์ ทูนส์ แต่เขาอยู่ได้เพียงสองปี ในขณะที่เมอร์รี เมโลดีส์ ยังคงดำเนินต่อไปโดยไม่มีตัวละครที่ปรากฏซ้ำ ในที่สุด ซีรีส์ทั้งสองก็แยกไม่ออกและสร้างตัวละครใหม่ๆ มากมายที่ได้รับความนิยม บ็อบ แคลมเพ็ตต์ผู้กำกับและนักสร้างแอนิเมชันออกแบบพอร์กี้ พิก (1935) และแดฟฟี่ ดั๊ก (1937) และรับผิดชอบแอนิเมชั่นที่เต็มไปด้วยพลังและอารมณ์ขันที่ไม่เคารพกฎเกณฑ์ซึ่งเป็นเอกลักษณ์ของซีรีส์นี้ ในช่วงทศวรรษ 1930 ยังมีการปรากฏตัวของตัวละครนิรนามในยุคแรกๆ ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเอลเมอร์ ฟัดด์ (1937/1940) และบักส์ บันนี่ (1938/1940) โดยเริ่มตั้งแต่ปี 1937 เมล บลังค์เป็นผู้ให้เสียงพากย์ตัวละครส่วนใหญ่

ดิสนีย์ได้แนะนำตัวละครใหม่ๆ เข้าสู่จักรวาลมิกกี้เมาส์ซึ่งต่อมาได้รับความนิยมอย่างมาก ได้แก่มินนี่เมาส์ (1928), พลูโต (1930), กูฟฟี่ (1932) และตัวละครที่จะกลายเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนในเวลาต่อมา นั่นคือโดนัลด์ ดั๊ก (1934) ดิสนีย์ยังตระหนักว่าความสำเร็จของภาพยนตร์แอนิเมชั่นขึ้นอยู่กับการเล่าเรื่องที่ตรึงใจผู้ชม เขาจึงพัฒนา "แผนกเรื่องราว" ที่ซึ่งศิลปินสตอรี่บอร์ดแยกจากนักแอนิเมเตอร์ โดยมุ่งเน้นที่การพัฒนาเรื่องราวเพียงอย่างเดียว ซึ่งพิสูจน์คุณค่าของมันเมื่อสตูดิโอดิสนีย์ปล่อยภาพยนตร์แอนิเมชั่นสั้นเรื่องแรกที่มีตัวละครที่พัฒนามาอย่างดีในปี 1933 นั่นคือลูกหมูสามตัว [ ^{35 ] [ 36 ] [ 37 ] ดิสนีย์}ยังคงขยายสตูดิโอของเขาและเริ่มกิจกรรมการผลิตมากขึ้นเรื่อยๆ รวมถึงการ์ตูน สินค้า และสวนสนุก โครงการส่วนใหญ่มีพื้นฐานมาจากตัวละครที่พัฒนาขึ้นสำหรับภาพยนตร์สั้นฉายในโรงภาพยนตร์

สตูดิโอเฟลเชอร์ได้แนะนำตัวละครสุนัขนิรนามตัวหนึ่งให้เป็นแฟนสาวของบิมโบในภาพยนตร์เรื่องDizzy Dishes (1930) ซึ่งต่อมาได้พัฒนาเป็นตัวละครหญิงชื่อเบ็ตตี้ บู๊ป (1930–1939) และกลายเป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดของเฟลเชอร์ ในช่วงทศวรรษ 1930 พวกเขายังเพิ่ม ภาพยนตร์ เรื่อง Hunky and Spunky (1938) และ ภาพยนตร์แอนิเมชั่นยอดนิยม ที่ดัดแปลงมาจากตัวการ์ตูนป๊อปอาย (1933) เข้ามาในผลงานของพวกเขาด้วย

หลักเกณฑ์ด้านศีลธรรมในการผลิตภาพยนตร์ ของเฮย์ส (Hays ' Motion Picture Production Code)ถูกนำมาใช้ในปี 1930 และบังคับใช้อย่างเข้มงวดระหว่างปี 1934 ถึง 1968 มันส่งผลกระทบอย่างมากต่อผู้สร้างภาพยนตร์ที่ชอบสร้างเนื้อหาที่ค่อนข้างล่อแหลม ตัวอย่างที่โด่งดังคือ เบ็ตตี้ บู๊ป (Betty Boop) ได้รับผลกระทบอย่างมากเมื่อเธอต้องเปลี่ยนจากสาวน้อยร่าเริงที่มีเสน่ห์ทางเพศแบบใสซื่อไปเป็นตัวละครที่เรียบร้อยและสุภาพมากขึ้น โดยสวมชุดที่เปิดเผยมากขึ้น การหายตัวไปของบิมโบ (Bimbo) แฟนหนุ่มของเธอ อาจเป็นผลมาจากการที่หลักเกณฑ์ดังกล่าวไม่เห็นด้วยกับความสัมพันธ์ระหว่างสัตว์ต่างสายพันธุ์ด้วย

มีภาพยนตร์แอนิเมชั่นอย่างน้อยแปดเรื่อง ที่ออกฉายก่อน เรื่องสโนว์ไวท์กับคนแคระทั้งเจ็ดของดิสนีย์ในขณะที่โครงการภาพยนตร์แอนิเมชั่นก่อนหน้านี้อีกอย่างน้อยสองโครงการยังคงไม่เสร็จสมบูรณ์ ภาพยนตร์ส่วนใหญ่เหล่านี้ (ซึ่งเหลือรอดเพียงสี่เรื่อง) สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคการตัดต่อภาพภาพเงาหรือสต็อปโมชั่น ในบรรดาภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่สูญหายไปนั้น มีภาพยนตร์สามเรื่องของ Quirino Cristianiซึ่งฉายรอบปฐมทัศน์ภาพยนตร์เรื่องที่สามของเขาPeludópolisเมื่อวันที่ 18 กันยายน 1931 ในบัวโนสไอเรส^{[ 38 ]}พร้อมกับซาวด์แทร็กแบบซิงโครไนซ์Vitaphone sound-on-disc ภาพยนตร์เรื่อง นี้ได้รับการตอบรับในเชิงบวกจากนักวิจารณ์ แต่ไม่ประสบความสำเร็จและเป็นความล้มเหลวทางเศรษฐกิจสำหรับผู้สร้างภาพยนตร์ Cristiani ตระหนักในไม่ช้าว่าเขาไม่สามารถสร้างอาชีพด้วยแอนิเมชั่นในอาร์เจนตินาได้อีกต่อไป^{[ 26 ]}ภาพยนตร์อีกเรื่องเดียวคือAcademy Award Review of Walt Disney Cartoons —ซึ่งสร้างโดยดิสนีย์เช่นกัน—เป็นภาพยนตร์ที่วาดด้วยมือ ออกฉายเจ็ดเดือนก่อนสโนว์ไวท์เพื่อโปรโมตการออกฉายภาพยนตร์เรื่องนั้น หลายคนไม่ถือว่าภาพยนตร์เรื่อง The Reviewเป็นภาพยนตร์สารคดีอย่างแท้จริง เพราะเป็นภาพยนตร์ที่รวบรวมเรื่องสั้นหลายเรื่องเข้าด้วยกันและมีความยาวเพียง 41 นาที อย่างไรก็ตาม ภาพยนตร์เรื่องนี้ก็ตรงตามคำจำกัดความอย่างเป็นทางการของภาพยนตร์สารคดีจากสถาบันภาพยนตร์อังกฤษ (British Film Institute) สถาบันศิลปะและวิทยาศาสตร์ภาพยนตร์แห่งอเมริกา (Academy of Motion Picture Arts and Sciences)และสถาบันภาพยนตร์อเมริกัน (American Film Institute ) ซึ่งกำหนดว่าภาพยนตร์ต้องมีความยาวมากกว่า 40 นาที

เมื่อเป็นที่รู้กันว่าดิสนีย์กำลังสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นขนาวยาว นักวิจารณ์ต่างเรียกโครงการนี้ว่า "ความโง่เขลาของดิสนีย์" โดยเชื่อว่าผู้ชมคงทนกับสีสันสดใสและมุกตลกที่คาดหวังไว้เป็นเวลานานขนาดนั้นไม่ได้ แต่สุดท้ายแล้ว ภาพยนตร์เรื่องสโนว์ไวท์กับคนแคระทั้งเจ็ดก็เข้าฉายรอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 21 ธันวาคม 1937 และประสบความสำเร็จไปทั่วโลก

สตูดิโอเฟลเชอร์ได้ดำเนินรอยตามดิสนีย์ด้วยการสร้างภาพยนตร์เรื่องกัลลิเวอร์ส ทราเวลส์ในปี 1939 ซึ่งประสบความสำเร็จในระดับปานกลางในด้านรายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศ

ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2481 เมื่อมีโทรทัศน์เชื่อมต่อประมาณ 50 เครื่องNBCได้ออกอากาศการ์ตูนต้นทุนต่ำความยาวแปดนาทีเรื่องWillie the Wormซึ่งสร้างขึ้นเป็นพิเศษสำหรับการออกอากาศครั้งนี้โดย Chad Grothkopf อดีตพนักงานของดิสนีย์ โดยส่วนใหญ่ใช้ภาพตัดปะและแอนิเมชั่นเซลล์เล็กน้อย ประมาณหนึ่งปีต่อมา ในวันที่ 3 พฤษภาคม พ.ศ. 2482 Donald's Cousin Gus ของดิสนีย์ได้ออกฉายรอบปฐมทัศน์ทางช่อง W2XBSซึ่งเป็นช่องทดลองของ NBC ไม่กี่สัปดาห์ก่อนที่การ์ตูนสั้นจะเข้าฉายในโรงภาพยนตร์ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของรายการเต็มช่วงเย็นรายการแรก^{[ 39 ]}

รัฐบาลหลายแห่งได้นำแอนิเมชั่นมาใช้ในภาพยนตร์ประชาสัมพันธ์แล้ว เช่น ภาพยนตร์ของหน่วยงานภาพยนตร์ GPOในสหราชอาณาจักร และภาพยนตร์เพื่อการศึกษาของญี่ปุ่น ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง แอนิเมชั่นกลายเป็นสื่อที่ใช้กันอย่างแพร่หลายในการโฆษณาชวนเชื่อ รัฐบาลสหรัฐฯ ได้ว่าจ้างสตูดิโอที่ดีที่สุดของตนให้ทำงานเพื่อสนับสนุนการทำสงคราม

เพื่อเป็นการให้ความรู้แก่บุคลากรทางการทหารเกี่ยวกับเรื่องทางทหารทุกประเภทและเพื่อเสริมสร้างขวัญกำลังใจ วอร์เนอร์ บราเธอร์ส ได้รับสัญญาให้ผลิตภาพยนตร์สั้นหลายเรื่องและซีรีส์แอนิเมชั่นพิเศษเรื่องPrivate Snafuตัวละครนี้สร้างสรรค์โดยผู้กำกับภาพยนตร์ชื่อดังแฟรงค์ คาปราดร. ซูสมีส่วนร่วมในการเขียนบท และซีรีส์นี้กำกับโดย ชัค โจนส์ ดิสนีย์เองก็ผลิตภาพยนตร์สั้นให้ความรู้หลายเรื่องและยังให้ทุนสนับสนุนภาพยนตร์เรื่องยาวVictory Through Air Power (1943) ซึ่งส่งเสริมแนวคิดเรื่องการทิ้งระเบิดระยะไกลอีกด้วย

ตัวละครยอดนิยมหลายตัวได้ส่งเสริมการซื้อพันธบัตรสงครามเช่น บักส์ บันนี่ ในเรื่องAny Bonds Today? , เหล่าลูกหมูน้อยของดิสนีย์ในเรื่องThe Thrifty Pigและตัวละครดิสนีย์อีกมากมายในเรื่องAll Togetherแดฟฟี่ ดั๊ก ขอเศษโลหะเพื่อใช้ในสงครามในเรื่องScrap Happy Daffyมินนี่ เมาส์และพลูโต เชิญชวนพลเรือนให้รวบรวมไขมันจากการทำอาหารเพื่อใช้ทำวัตถุระเบิดในเรื่องOut of the Frying Pan Into the Firing Lineนอกจากนี้ยังมีภาพยนตร์สั้นโฆษณาชวนเชื่อทางการเมืองอีกหลายเรื่อง เช่นFifth Column Mouse ของวอร์เนอร์ บราเธอร์ส, Chicken Littleของดิสนีย์และเรื่องที่จริงจังกว่าอย่างEducation for Death and Reason and Emotion (ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์)

ภาพยนตร์ในช่วงสงครามเหล่านี้ได้รับความชื่นชมอย่างมาก บักส์ บันนี่ กลายเป็นสัญลักษณ์ประจำชาติ และภาพยนตร์สั้นโฆษณาชวนเชื่อของดิสนีย์เรื่องDer Fuehrer's Face (นำแสดงโดยโดนัลด์ ดั๊ก) ทำให้บริษัทได้รับรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์การ์ตูนสั้นเป็นครั้งที่สิบ

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นขนาวยาวเรื่องแรกของญี่ปุ่น เรื่อง桃太郎 海の神兵 (Momotaro: Sacred Sailors)สร้างขึ้นในปี 1944 ตามคำสั่งของกระทรวงกองทัพเรือญี่ปุ่น ภาพยนตร์เรื่องนี้ออกแบบมาสำหรับเด็ก และได้รับแรงบันดาลใจบางส่วนจากเรื่อง Fantasiaโดยมีจุดประสงค์เพื่อปลุกเร้าความฝันและความหวังในสันติภาพ ตัวละครหลักคือลิง สุนัข หมี และไก่ฟ้าที่มีลักษณะคล้ายมนุษย์ ซึ่งกลายเป็นทหารพลร่ม (ยกเว้นไก่ฟ้าที่กลายเป็นนักบิน) ที่ได้รับมอบหมายให้บุกเกาะเซเลเบสตอนจบของเรื่องบอกเป็นนัยว่าอเมริกาจะเป็นเป้าหมายของคนรุ่นต่อไป

ภาพยนตร์แอนิ เมชั่นสองเรื่องถัดมาของดิสนีย์ ( พิน็อกคิโอและภาพยนตร์คอนเสิร์ตเรื่องแฟนตาเซียซึ่งทั้งสองเรื่องออกฉายในปี 1940) และภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องที่สองของสตูดิโอเฟลเชอร์ เรื่อง มิสเตอร์บักโกส์ทูทาวน์ (1941/1942) ต่างได้รับการตอบรับที่ดีจากนักวิจารณ์ แต่ล้มเหลวในด้านรายได้จากการฉายในโรงภาพยนตร์ช่วงแรก สาเหตุหลักมาจากสงครามโลกครั้งที่สองที่ทำให้ตลาดต่างประเทศส่วนใหญ่ถูกตัดขาด ความล้มเหลวเหล่านี้ทำให้บริษัทส่วนใหญ่ที่วางแผนจะสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นท้อแท้

ดิสนีย์ลดต้นทุนสำหรับภาพยนตร์เรื่องต่อๆ ไป และปล่อยภาพยนตร์เรื่องแรกคือThe Reluctant Dragonซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยภาพยนตร์คนแสดงจริงที่พาชมสตูดิโอใหม่ในเบอร์แบงก์ โดยบางส่วนเป็นภาพขาวดำ พร้อมด้วยการ์ตูนสั้นสี่เรื่อง ภาพยนตร์เรื่องนี้ประสบความสำเร็จในระดับปานกลางในบ็อกซ์ออฟฟิศทั่วโลก และเพียงไม่กี่เดือนต่อมาก็ปล่อยDumbo (1941) ออกมา ซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นในสไตล์ที่ค่อนข้างเรียบง่ายและมีความยาวเพียง 64 นาที ความยาวที่จำกัดและเทคนิคที่มีประสิทธิภาพทางเศรษฐกิจช่วยให้ภาพยนตร์เรื่องนี้ทำกำไรได้ในบ็อกซ์ออฟฟิศ และนักวิจารณ์และผู้ชมก็ตอบรับในเชิงบวก ภาพยนตร์เรื่องต่อไปของดิสนีย์คือBambi (1942) กลับมาใช้ทุนสร้างที่มากขึ้นและสไตล์ที่หรูหรา แต่เรื่องราวที่ดราม่ามากขึ้น บรรยากาศที่มืดมนกว่า และการขาดองค์ประกอบแฟนตาซีไม่ได้รับการตอบรับที่ดีในช่วงการฉายครั้งแรก และภาพยนตร์เรื่องนี้ขาดทุนในบ็อกซ์ออฟฟิศ

แม้ว่าภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องอื่นๆ อีกแปดเรื่องของดิสนีย์ในช่วงทศวรรษ 1940 จะเป็นภาพยนตร์แบบรวมหลายเรื่อง หรือเป็นการผสมผสานกับภาพยนตร์คนแสดง (เช่นSaludos Amigos (1943) และThe Three Caballeros (1944)) แต่ดิสนีย์ก็ยังคงเชื่อมั่นในภาพยนตร์แอนิเมชั่น มีเพียงสตูดิโอแอนิเมชั่นอเมริกันไม่กี่แห่งเท่านั้นที่สามารถสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นได้มากกว่าสองสามเรื่องก่อนทศวรรษ 1990

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบเซลล์ของอเมริกาครองตลาดการผลิตและการบริโภคภาพยนตร์แอนิเมชั่นในโรงภาพยนตร์ทั่วโลกมาตั้งแต่ทศวรรษ 1920 โดยเฉพาะอย่างยิ่งผลงานของดิสนีย์ได้รับความนิยมและมีอิทธิพลอย่างมากทั่วโลก สตูดิโอจากประเทศอื่นๆ แทบจะไม่สามารถแข่งขันกับผลงานของอเมริกาได้ ดังนั้นผู้ผลิตแอนิเมชั่นจำนวนมากนอกสหรัฐอเมริกาจึงเลือกใช้เทคนิคอื่นๆ นอกเหนือจากแอนิเมชั่นแบบเซลล์ เช่น แอนิเมชั่นหุ่นกระบอก หรือแอนิเมชั่นแบบตัดแปะ อย่างไรก็ตาม หลายประเทศ (โดยเฉพาะรัสเซีย จีน และญี่ปุ่น) ได้พัฒนาอุตสาหกรรมแอนิเมชั่นแบบ "ดั้งเดิม" ขนาดใหญ่ของตนเอง สตูดิโอแอนิเมชั่น Soyuzmultfilm ของรัสเซีย ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1936 จ้างคนงานที่มีทักษะมากถึง 700 คน และในช่วงยุคโซเวียต ผลิตภาพยนตร์เฉลี่ยปีละ 20 เรื่อง ภาพยนตร์บางเรื่องที่ได้รับความสนใจนอกตลาดในประเทศของตนเอง ได้แก่铁扇公主 ​​(Princess Iron Fan) ^{[ 40 ]} (จีน 1941 มีอิทธิพลในญี่ปุ่น), Конёк-Горбуно́к (The Humpbacked Horse) (รัสเซีย 1947 ได้รับรางวัลพิเศษจากคณะกรรมการตัดสินในเทศกาลภาพยนตร์เมืองคานส์ในปี 1950), I Fratelli Dynamite (The Dynamite Brothers) (อิตาลี 1949) และLa Rosa di Bagdad (The Rose of Baghdad) (อิตาลี 1949 ฉบับพากย์ภาษาอังกฤษปี 1952 นำแสดงโดยJulie Andrews )

ในช่วง " ยุคทองของแอนิเมชั่นอเมริกัน " สตูดิโอใหม่ๆ แข่งขันกับสตูดิโอที่รอดพ้นจากการแข่งขันด้านนวัตกรรมเสียงและสีในทศวรรษก่อนๆตัวการ์ตูนสัตว์ยังคงเป็นเรื่องปกติ และดนตรียังคงเป็นองค์ประกอบสำคัญ แต่บ่อยครั้งที่ดนตรีสูญเสียเสน่ห์หลักไปให้กับการเล่าเรื่องที่เกินจริงของดิสนีย์ หรืออารมณ์ขันสุดฮาในลูนีย์ทูนส์และการ์ตูนอื่นๆ

ดิสนีย์ยังคงประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องในวงการการ์ตูน โดยเพิ่มเดซี่ ดั๊ก (1937/1940) และชิป แอนด์ เดล (1943/1947) เข้ามาในจักรวาลของมิกกี้ เมาส์ขณะที่วอร์เนอร์ บราเธอร์สได้พัฒนาตัวละครใหม่ๆ เพื่อเข้าร่วมกับตัวละครยอดนิยมใน Merrie Melodies/Looney Tunes ซึ่งรวมถึงทวีตี้ , เฮนรี่ ฮอว์ก (ทั้งคู่ในปี 1942), เปเป้ เลอ พิว , ซิลเวสเตอร์ เดอะ แคท , โยเซมิตี้ แซม ​​(ทั้งหมดในปี 1945), ฟ็อกฮอร์น เลกฮอร์น , บาร์นยาร์ด ดอว์ก , กอสซาเมอร์ (ทั้งหมดในปี 1946), มาร์วิน เดอะ มาร์เชียน (1948) และไวล์ อี. โคโยตี้และโร้ด รันเนอร์ (1949)

ตัวละครและซีรีส์ยอดนิยมอื่นๆ ที่เพิ่งสร้างเสร็จ ได้แก่Mighty Mouse (1942–1961) และHeckle and Jeckle (1946–1966) จาก Terrytoons และ The Fox and the Crow (1941–1950) จากScreen Gems

เฟลเชอร์ได้เปิดตัวการดัดแปลงซูเปอร์แมน ที่น่าตื่นตาตื่นใจ ในปี 1941 ความสำเร็จนั้นมาสายเกินไปที่จะช่วยสตูดิโอจากปัญหาทางการเงิน และในปี 1942 พาราเมาท์ พิคเจอร์สได้เข้าซื้อกิจการสตูดิโอจากพี่น้องเฟลเชอร์ที่ลาออก สตูดิโอซึ่งเปลี่ยนชื่อเป็นเฟมัส สตูดิโอส์ยังคงดำเนิน ซีรีส์ ป๊อปอายและซูเปอร์แมน ต่อ ไป พัฒนาการดัดแปลงยอดนิยมของลิตเติลลูลู (1943–1948 ได้รับลิขสิทธิ์จากโกลด์คีย์คอมิกส์) แคสเปอร์ ผีใจดี (1945) และสร้างซีรีส์ใหม่ เช่นลิตเติลออเดรย์ (1947–1958) และเบบี้ฮิวอี้ (1950–1959)

วอลเตอร์ แลนซ์เริ่มต้นอาชีพด้านแอนิเมชั่นที่สตูดิโอของเฮิร์สต์เมื่ออายุ 16 ปี เขายังเคยทำงานให้กับเบรย์ สตูดิโอส์ และยูนิเวอร์แซล พิคเจอร์สซึ่งเขาได้ควบคุม การ์ตูน เรื่องออสวาลด์ เดอะ ลัคกี้ แรบบิทในปี 1929 (มีรายงานว่าเขาได้ตัวละครและควบคุมสตูดิโอมาจากการพนันโป๊กเกอร์กับคาร์ล แลมม์เล ประธานของยูนิเวอร์แซล ) ในปี 1935 สตูดิโอของยูนิเวอร์แซลได้เปลี่ยนเป็นวอลเตอร์ แลนซ์ โปรดักชันส์ ซึ่งเป็นบริษัท อิสระ แต่ยังคงตั้งอยู่ในบริเวณของยูนิเวอร์แซลและผลิตการ์ตูนเพื่อจัดจำหน่ายต่อไป เมื่อความนิยมของออสวาลด์ลดลงและตัวละครนี้ถูกปลดระวางในที่สุดในปี 1938 ผลงานของแลนซ์ก็ขาดตัวละครที่ประสบความสำเร็จไปจนกระทั่งเขาสร้างแอนดี้ แพนด้าขึ้นมาในปี 1939 แพนด้าที่มีลักษณะคล้ายมนุษย์ตัวนี้ได้แสดงนำในภาพยนตร์การ์ตูนมากกว่าสองโหลจนถึงปี 1949 แต่ในไม่ช้าเขาก็ถูกบดบังรัศมีโดยวู้ดดี้ วู้ดเพ็กเกอร์ ตัวละครที่เป็นสัญลักษณ์ ซึ่งเปิดตัวในภาพยนตร์การ์ตูนเรื่อง Knock Knock ของ แอนดี้ แพนด้าในปี 1940 ตัวละครยอดนิยมอื่นๆ ของแลนซ์ ได้แก่วอลลี่ วอลรัส (1944), บัซ บัซซาร์ด (1948), ชิลลี่ วิลลี่ (1953), ฮิคคอรี่, ดิคคอรี่ และด็อก (1959)

หลังจากจัดจำหน่ายการ์ตูนเรื่อง Flip the FrogและWillie Whopperของ Ub Iwerks และHappy HarmoniesของHarman และ Ising แล้ว Metro -Goldwyn-Mayer ก็ได้ก่อตั้งสตูดิโอการ์ตูนของตนเอง ขึ้น ในปี 1937 สตูดิโอแห่งนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากกับBarney Bear (1939–1954), Tom and JerryของWilliam HannaและJoseph Barbera (1940) และSpike and Tyke (1942)

ในปี 1941 เท็กซ์ เอเวอรี่ออกจากวอร์เนอร์ บราเธอร์ส ไปอยู่กับเอ็มจีเอ็ม และสร้างตัวละครอย่าง ดรูปี้ (1943), สครูวี่ สควอ เรล (1944) และจอร์จกับจูเนียร์ (1944) ที่นั่น

ในขณะที่ดิสนีย์และสตูดิโออื่นๆ ส่วนใหญ่แสวงหาความลึกซึ้งและความสมจริงในแอนิเมชั่น แต่ แอนิเมเตอร์ ของ UPA (รวมถึง จอห์น ฮับลีย์อดีตพนักงานของดิสนีย์) กลับมีวิสัยทัศน์ทางศิลปะที่แตกต่างออกไป พวกเขาพัฒนาแอนิเมชั่นรูปแบบที่เรียบง่ายและมีสไตล์มากกว่า โดยได้รับแรงบันดาลใจจากตัวอย่างของรัสเซีย สตูดิโอแห่งนี้ก่อตั้งขึ้นในปี 1943 และเริ่มต้นจากการทำงานภายใต้สัญญาของรัฐบาล ไม่กี่ปีต่อมา พวกเขาได้เซ็นสัญญากับโคลัมเบีย พิคเจอร์ส รับช่วงต่อเรื่องThe Fox and the Crowจากสกรีน เจมส์ และได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์จากภาพยนตร์สั้นสองเรื่องแรกในปี 1948 และ 1949 ในขณะที่วงการแอนิเมชั่นในขณะนั้นถูกครอบงำด้วยสัตว์ที่มีลักษณะคล้ายมนุษย์ เมื่อสตูดิโอได้รับอนุญาตให้สร้างตัวละครใหม่ พวกเขากลับสร้างตัวละครชายชราสายตาสั้นขึ้นมามิสเตอร์มากู (1949) กลายเป็นที่นิยมและถูกนำไปสร้างเป็นภาพยนตร์สั้นอีกหลายเรื่อง ระหว่างปี 1949 ถึง 1959 UPA ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์ถึง 15 ครั้ง และได้รับรางวัลออสการ์ครั้งแรกจากภาพยนตร์ดัดแปลงจากนวนิยาย ของ ดร. ซูส เรื่อง Gerald McBoing-Boing (1950) ตามมาด้วยอีกสองรางวัลจากเรื่องWhen Magoo Flew (1954) และMagoo's Puddle Jumper (1956) สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์นี้มีอิทธิพลอย่างมากและส่งผลกระทบต่อสตูดิโอใหญ่ๆ รวมถึง Warner Bros. และ Disney ด้วย นอกเหนือจากอิสรภาพในการแสดงออกทางศิลปะอย่างมีประสิทธิภาพแล้ว UPA ยังพิสูจน์ให้เห็นว่าแอนิเมชั่นที่เรียบง่ายกว่าก็สามารถได้รับความชื่นชมได้มากเท่ากับ (หรืออาจมากกว่า) สไตล์ที่หรูหราและมีราคาแพง

คลังการ์ตูนแอนิเมชั่นเก่าจากหลายสตูดิโอ ซึ่งเดิมผลิตขึ้นเพื่อฉายในโรงภาพยนตร์เป็นระยะเวลาสั้นๆ นั้น พิสูจน์แล้วว่ามีคุณค่าอย่างมากสำหรับการออกอากาศทางโทรทัศน์รายการ Movies for Small Fry (1947) ซึ่งนำเสนอโดย "พี่ใหญ่" บ็อบ เอเมอรีในช่วงเย็นวันอังคารทางช่อง WABD-TV ในนิวยอร์ก เป็นหนึ่งในซีรีส์โทรทัศน์สำหรับเด็กเรื่องแรกๆ และมีการ์ตูนคลาสสิกจากสตูดิโอแวน บิวเรนมากมาย รายการนี้ได้รับการสานต่อในเครือข่ายโทรทัศน์ดูมอนต์ในชื่อรายการประจำวันSmall Fry Club (1948–1951) โดยมีผู้ชมสดในสตูดิโอ

ซีรีส์คลาสสิกมากมายจากWalter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGMและDisneyต่างก็ได้รับการสร้างใหม่ในรูปแบบรายการโทรทัศน์สำหรับเด็ก โดยมีการฉายซ้ำเป็นเวลานานหลายทศวรรษ แทนที่จะเป็นการถ่ายทำในสตูดิโอและนำเสนอแบบคนแสดงจริง บางรายการจะใช้แอนิเมชั่นใหม่เพื่อนำเสนอหรือเชื่อมโยงการ์ตูนเก่าๆ เข้าด้วยกัน

ซีรีส์แอนิเมชั่นอเมริกันเรื่องแรกที่ผลิตขึ้นเพื่อออกอากาศทางโทรทัศน์โดยเฉพาะเกิดขึ้นในปี 1949 ได้แก่Adventures of Pow Wow (43 ตอน ตอนละ 5 นาที ออกอากาศในเช้าวันอาทิตย์ตั้งแต่เดือนมกราคมถึงพฤศจิกายน) และJim and Judy in Teleland (52 ตอน ซึ่งต่อมาได้ขายลิขสิทธิ์ให้กับเวเนซุเอลาและญี่ปุ่นด้วย)

การ์ตูนฉายโรงภาพยนตร์ส่วนใหญ่ผลิตขึ้นสำหรับผู้ชมทั่วไป การกระทำที่โลดโผนและมุกตลกที่มีสัตว์พูดได้ในสไตล์การวาดภาพที่ชัดเจนและสีสันสดใสเป็นสิ่งที่ดึงดูดใจเด็กเล็กโดยธรรมชาติ แต่การ์ตูนเหล่านั้นมักมีเนื้อหาเกี่ยวกับความรุนแรงและการเสียดสีทางเพศ และมักฉายพร้อมกับข่าวสารและภาพยนตร์ที่ไม่ได้เหมาะสำหรับเด็ก หลังจากที่คำสั่งของพาราเมาท์ได้ยกเลิก การ จองฉายแบบเหมาช่วงในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1950 การผลิตแอนิเมชั่นจึงเปลี่ยนจากการ์ตูนฉายโรงภาพยนตร์ไปเป็นแอนิเมชั่นสำหรับโทรทัศน์เจสัน มิตเทลล์แย้งว่าในช่วงเวลานั้น การเปลี่ยนแปลงไปสู่โทรทัศน์ยังทำให้ความเข้าใจเกี่ยวกับแอนิเมชั่นในหมู่ประชาชนเปลี่ยนไปโดยไม่ตั้งใจ ด้วยการเกิดขึ้นของรายการการ์ตูนเช้าวันเสาร์ มิตเทลล์สังเกตว่าเมื่อถึงปลายทศวรรษ 1960 แอนิเมชั่นได้เปลี่ยนจาก "ประเภทที่ได้รับความนิยมในวงกว้างซึ่งมีเสน่ห์ดึงดูดใจแบบ 'เด็กและผู้ใหญ่' [และ] กลายเป็นสิ่งที่ถูกลดบทบาทลงไปอยู่ในกลุ่มรายการสำหรับเด็กในเช้าวันเสาร์เท่านั้น" ^{[ 41 ]}ในโทรทัศน์ของสหรัฐอเมริกา การ์ตูนส่วนใหญ่ถูกจัดรายการสำหรับเด็ก โดยจัดในช่วงเวลาที่เหมาะสมในเช้าวันสุดสัปดาห์ บ่ายวันธรรมดา หรือช่วงเย็น

ข้อจำกัดด้านการจัดตารางเวลาของกระบวนการสร้างแอนิเมชั่นโทรทัศน์ของอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1950 และปัญหาที่สำคัญของการจัดการทรัพยากร (ต้องผลิตปริมาณที่มากขึ้นในเวลาที่น้อยลงด้วยงบประมาณที่ต่ำกว่าเมื่อเทียบกับแอนิเมชั่นสำหรับโรงภาพยนตร์) นำไปสู่การพัฒนาเทคนิคต่างๆ ที่ปัจจุบันรู้จักกันในชื่อ แอนิเม ชั่นแบบจำกัดแอนิเมชั่นแบบกระชับซึ่งเดิมทีเป็นทางเลือกทางศิลปะของ UPA ได้รับการยอมรับในฐานะวิธีการลดเวลาและต้นทุนการผลิต แอนิเมชั่นแบบเต็มเฟรม ("on ones") กลายเป็นของหายากในสหรัฐอเมริกา นอกเหนือจากการใช้งานสำหรับการผลิตภาพยนตร์ในโรงภาพยนตร์ที่มีจำนวนลดลงชัค โจนส์บัญญัติศัพท์ "วิทยุภาพประกอบ" เพื่ออ้างถึงรูปแบบที่ไม่ค่อยดีของการ์ตูนโทรทัศน์ส่วนใหญ่ที่พึ่งพาเสียงประกอบมากกว่าภาพ^{[ 42 ]}ผู้ผลิตบางรายยังพบว่าแอนิเมชั่นแบบจำกัดดูดีกว่ารูปแบบแอนิเมชั่นแบบเต็มรูปแบบบนหน้าจอโทรทัศน์ขาวดำขนาดเล็กในสมัยนั้น^{[ 43 ]}

เจย์ วอร์ดเป็นผู้ผลิตการ์ตูนเรื่อง Crusader Rabbit ที่ ได้รับความนิยม (ทดลองออกอากาศในปี 1948 และออกอากาศจริงในปี 1949–1952 และ 1957–1959) โดยใช้รูปแบบแอนิเมชั่นแบบจำกัดซึ่งประสบความสำเร็จ

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 สตูดิโอหลายแห่งที่ทุ่มเทให้กับการผลิตแอนิเมชั่นทางโทรทัศน์เริ่มแข่งขันกัน ในขณะที่จุดสนใจของการแข่งขันในแอนิเมชั่นสำหรับโรงภาพยนตร์นั้นอยู่ที่คุณภาพและนวัตกรรม แต่ตอนนี้กลับเปลี่ยนไปเป็นการผลิตแอนิเมชั่นอย่างรวดเร็วและราคาถูก นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตว่าคุณภาพของรายการหลายรายการมักจะแย่เมื่อเทียบกับการ์ตูนคลาสสิก โดยมีแอนิเมชั่นที่เร่งรีบและเรื่องราวธรรมดาๆ ผู้บริหารเครือข่ายพอใจตราบใดที่มีผู้ชมมากพอ^{[ 44 ]}และผู้ชมวัยเยาว์จำนวนมากก็ไม่ได้กังวลกับคุณภาพที่นักวิจารณ์มองเห็น การดู รายการ การ์ตูนในเช้าวันเสาร์ซึ่งมีความยาวถึงสี่ชั่วโมง กลายเป็นกิจกรรมยามว่างที่เด็กๆ ชาวอเมริกันส่วนใหญ่ชื่นชอบในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และเป็นสิ่งที่ได้รับความนิยมอย่างต่อเนื่องมาหลายทศวรรษ

ดิสนีย์เริ่มผลิตรายการโทรทัศน์ค่อนข้างเร็ว แต่ก็งดเว้นจากการสร้างซีรีส์แอนิเมชั่นใหม่ๆ มาเป็นเวลานาน แทนที่จะสร้างใหม่ ดิสนีย์กลับนำเสนอซีรีส์รวมเรื่องสั้นออกอากาศในช่วงเวลาไพรม์ไทม์นานสามชั่วโมงมาตั้งแต่ปี 1954 โดยเริ่มจาก ซีรีส์ Walt Disney's Disneyland (1954–1958) ซึ่งเป็นการโปรโมต สวนสนุก ดิสนีย์แลนด์ที่เปิดในปี 1955 อย่างชัดเจน วอลต์ ดิสนีย์เป็นผู้ดำเนินรายการด้วยตนเอง โดยนอกจากเรื่องการ์ตูนเก่าๆ แล้ว ยังมีช่วงที่พาไปชมเบื้องหลังการสร้างภาพยนตร์ หรือการผจญภัยแบบคนแสดงจริงเรื่องใหม่ๆ เป็นต้น

วิลเลียม ฮันนา และโจเซฟ บาร์เบรา (ผู้สร้างทอมกับเจอร์รี่) ยังคงดำเนินงานในชื่อHanna-Barbera ต่อไป หลังจากที่ Metro-Goldwyn-Mayer ปิดสตูดิโอแอนิเมชั่นของพวกเขาในปี 1957 เมื่อ MGM พิจารณาว่าแคตตาล็อกเก่าของพวกเขาเพียงพอสำหรับการขายต่อไป^{[ 45 ]}แม้ว่า Hanna-Barbera จะสร้างซีรีส์ที่ออกฉายในโรงภาพยนตร์เพียงเรื่องเดียวคือLoopy de Loop (1959–1965) แต่พวกเขาก็พิสูจน์แล้วว่าเป็นผู้ผลิตซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ที่มีผลงานมากที่สุดและประสบความสำเร็จมากที่สุดเป็นเวลาหลายทศวรรษ เริ่มต้นด้วยThe Ruff and Reddy Show (1957–1960) พวกเขายังคงสร้างซีรีส์ที่ประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่อง เช่นThe Huckleberry Hound Show (1958 ซึ่งเป็นรายการโทรทัศน์ครึ่งชั่วโมงรายการแรกที่มีเฉพาะแอนิเมชั่น) ^{[ 46 ]}และThe Quick Draw McGraw Show (1959–1961)

รายการที่โดดเด่นอื่นๆ ได้แก่Gerald McBoing BoingของUPA (1956–1957), Colonel Bleep ของ Soundac (1957–1960 ซึ่งเป็นซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์สีเรื่องแรก), Tom TerrificของTerrytoons (1958) และThe Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends ของ Jay Ward (1959–1964)

ตรงกันข้ามกับตลาดภาพยนตร์ระหว่างประเทศ (ซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงยุคภาพยนตร์เงียบที่ปัญหาด้านภาษาจำกัดอยู่เพียงแค่คำบรรยาย) การบุกเบิกวงการโทรทัศน์ในประเทศส่วนใหญ่ (ซึ่งมักเชื่อมโยงกับการออกอากาศทางวิทยุ) มุ่งเน้นไปที่การผลิตรายการสดภายในประเทศ แทนที่จะนำเข้าซีรีส์แอนิเมชั่นซึ่งโดยปกติแล้วจะต้องพากย์เสียง รายการสำหรับเด็กสามารถผลิตได้ง่ายและถูกกว่าด้วยวิธีอื่น (ตัวอย่างเช่น การใช้หุ่นกระบอก) วิธีการที่โดดเด่นอย่างหนึ่งคือการ "สร้างแอนิเมชั่น" แบบเรียลไทม์ของหุ่นตัดกระดาษในเรื่องCaptain Pugwash (1957) ทางช่อง BBCหนึ่งในซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ยุคแรกๆ ไม่กี่เรื่องที่ได้ชมกันนอกประเทศผู้ผลิตคือLes Aventures de Tintin, d'après Hergé (การผจญภัยของตินตินโดยแอร์เจ)ของBelvision Studios (เบลเยียม 1957–1964 กำกับโดยเรย์ กูสเซนส์ ) ออกอากาศทาง BBC ในปี 1962 และเผยแพร่ซ้ำในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 1963 ถึง 1971

บริษัท Warner Bros. ได้แนะนำตัวละครใหม่ ได้แก่แกรนนี่และซิลเวสเตอร์ จูเนียร์ (ทั้งคู่ในปี 1950), สปีดี้ กอนซาเลส , ราล์ฟ วูล์ฟ และแซม ชีพด็อก (ทั้งสามตัวในปี 1953) และแทสเมเนียน เดวิล (ปี 1954)

หลังจากที่ดิสนีย์สร้างภาพยนตร์แบบรวมหลายเรื่องและภาพยนตร์คนแสดงผสมแอนิเมชั่นมาหลายเรื่อง เขาก็กลับมาสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นเต็มรูปแบบอีกครั้งด้วยเรื่องซินเดอเรลล่าในปี 1950 (เรื่องแรกนับตั้งแต่แบมบี้ ) ความสำเร็จของภาพยนตร์เรื่องนี้ช่วยให้บริษัทรอดพ้นจากภาวะล้มละลาย ตามมาด้วยอลิซในดินแดนมหัศจรรย์ (1951) ซึ่งล้มเหลวในบ็อกซ์ออฟฟิศและได้รับคำวิจารณ์เชิงลบในตอนแรก ส่วนปีเตอร์แพน (1953) และเลดี้แอนด์เดอะแทรมป์ (1955) ประสบความสำเร็จ ขณะที่ภาพยนตร์ เรื่องเจ้าหญิง นิทรา (1959) ซึ่งมีความทะเยอทะยาน ล่าช้า และมีต้นทุนสูงกว่ากลับขาดทุนในบ็อกซ์ออฟฟิศและทำให้เกิดความสงสัยเกี่ยวกับอนาคตของแผนกแอนิเมชั่นของวอลต์ ดิสนีย์ แต่เช่นเดียวกับ "อลิซในดินแดนมหัศจรรย์" และภาพยนตร์ที่ล้มเหลวส่วนใหญ่ของดิสนีย์ ภาพยนตร์เรื่องนี้ก็ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ในภายหลังจากการนำกลับมาฉายใหม่ และในที่สุดก็ได้รับการยกย่องว่าเป็นภาพยนตร์คลาสสิกอย่างแท้จริง

• Jeannot l'intrépide (จอห์นนี่นักฆ่ายักษ์) (ฝรั่งเศส สารคดีปี 1950)
• Érase una vez... (สเปน ค.ศ. 1950 สารคดี)
• Le Roi et l'Oiseau (พระราชาและนกม็อกกิ้งเบิร์ด) (ฝรั่งเศส, ภาพยนตร์ฉบับเต็มปี 1952 ที่ยังไม่เสร็จสมบูรณ์, ภาพยนตร์ฉบับสมบูรณ์ปี 1980, มีอิทธิพลต่อฮายาโอะ มิยาซากิและอิซาโอะ ทาคาฮาตะ )
• แอนิมอล ฟาร์ม (ภาพยนตร์อังกฤษ/อเมริกา ปี 1954)
• 乌鸦为什么是黑的 (ทำไมอีกาถึงเคลือบดำ) (จีน, หนังสั้นปี 1956,เทศกาลภาพยนตร์เวนิส )
• Снежная королева (ราชินีหิมะ) (สหภาพโซเวียต, 1957 สารคดี)
• Krtek (Mole) (เชโกสโลวาเกีย, ภาพยนตร์สั้นชุดปี 1956)
• 白蛇伝 (แพนด้ากับงูวิเศษ) (ญี่ปุ่น พ.ศ. 2501 สารคดี)
• 少年猿飛佐助 (Magic Boy) (ญี่ปุ่น, พ.ศ. 2502, อนิเมะเรื่องแรกที่ออกในสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2504)

Total Televisionก่อตั้งขึ้นในปี 1959 เพื่อส่งเสริม ผลิตภัณฑ์ของ General Millsโดยใช้ตัวการ์ตูนดั้งเดิมในโฆษณาCocoa Puffs (ปี 1960–1969) และซีรีส์โทรทัศน์ที่ได้รับการสนับสนุนจาก General Mills ได้แก่ King Leonardo and His Short Subjects (ปี 1960–1963, นำมาฉายซ้ำจนถึงปี 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (ปี 1963–1966, นำมาฉายซ้ำจนถึงปี 1972), The Underdog Show (ปี 1964–1967, นำมาฉายซ้ำจนถึงปี 1973) และThe Beagles (ปี 1966–1967) แอนิเมชั่นสำหรับซีรีส์ทั้งหมดนี้ผลิตที่ Gamma Studios ในเม็กซิโก Total Television หยุดการผลิตหลังจากปี 1969 เมื่อ General Mills ไม่ต้องการสนับสนุนอีกต่อไป

ซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ของอเมริกาหลายเรื่องในช่วงทศวรรษ 1960 ถึง 1980 สร้างขึ้นจากตัวละครและรูปแบบที่ได้รับความนิยมในสื่ออื่นๆ มาก่อนแล้ว UPA ผลิตรายการ The Dick Tracy Show (1961–1962) ซึ่งดัดแปลงมาจากหนังสือการ์ตูนFilmationซึ่งดำเนินงานตั้งแต่ปี 1962 ถึง 1989 สร้างตัวละครดั้งเดิมเพียงไม่กี่ตัว แต่ดัดแปลงจากDC Comics หลายเรื่อง รวมถึงซีรีส์โทรทัศน์แบบคนแสดง (เช่นLassie's Rescue Rangers (1973–1975) และStar Trek: The Animated Series ) และภาพยนตร์แบบคนแสดง (เช่นJourney to the Center of the Earth (1967–1969) และอื่นๆ ) Grantray-Lawrence Animationเป็นสตูดิโอแรกที่ดัดแปลง ซูเปอร์ฮีโร่ จาก Marvel Comicsในปี 1966 นอกจากนี้ยังมีวงดนตรีป๊อปที่ได้รับการสร้างเป็นแอนิเมชั่นในชื่อThe Beatles (1965–1966) และThe Jackson 5ive (1971–1972) และThe Osmonds (1972) ของRankin/Bass ด้วย Hanna-Barbera ได้เปลี่ยนนักแสดงตลกให้กลายเป็นตัวการ์ตูนด้วยรายการLaurel and Hardy (1966–1967) และThe Abbott and Costello Cartoon Show (1967–1968) รายการ The Alvin Show (1961–1962) ของFormat Filmsเป็นรายการที่แตกแขนงมาจากเพลงแปลกใหม่ในปี 1958 และหนังสือการ์ตูนที่ตามมา โดยมีการออกแบบAlvin and the Chipmunks ใหม่ ซีรีส์อื่นๆ ก็มีการนำผลงานของผู้อื่นมาใช้โดยไม่ได้รับอนุญาตเช่นกัน ตัวอย่างเช่น รายการ The Flintstones (1960–1966) ของ Hanna-Barbera ได้รับแรงบันดาลใจจากซิตคอมเรื่องThe Honeymoonersและผู้สร้างJackie Gleasonเคยคิดจะฟ้องร้อง Hanna-Barbera แต่เขาไม่อยากถูกมองว่าเป็น "คนที่ดึง Fred Flintstone ออกจากรายการ" ^{[ 47 ]}

เดอะ ฟลินท์สโตนส์ เป็น ซีรีส์แอนิเมชั่นเรื่องแรก ที่ออกอากาศ ในช่วงเวลา ไพรม์ไทม์และได้รับความนิยมอย่างมาก โดยยังคงเป็นซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ที่ออกอากาศยาวนานที่สุดของเครือข่ายเป็นเวลาสามทศวรรษ ฮันนา-บาร์เบราประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องกับรายการอื่นๆ เช่น เดอะ โยกี้ แบร์ โชว์ (1960–1962), เดอะ เจ็ตสันส์ (1962–1963, 1985, 1987) และสกูบี้-ดู อยู่ที่ไหน! (1969–1970 ซึ่งต่อมามีซีรีส์สกูบี้-ดูอื่นๆ ตามมา)

ตั้งแต่ราวปี พ.ศ. 2511 หลังจากเหตุการณ์ลอบสังหารมาร์ติน ลูเธอร์ คิง จูเนีย ร์ และโรเบิร์ต เอฟ. เคนเนดีรวมถึงเหตุการณ์ความรุนแรงอื่นๆ ทำให้สาธารณชนไม่สบายใจกับความรุนแรงในสื่อบันเทิง เครือข่ายต่างๆ จึงจ้างผู้ตรวจสอบเพื่อห้ามสิ่งใดก็ตามที่ถือว่ารุนแรงหรือชวนให้คิดไปในทางลามกเกินไปจากรายการสำหรับเด็ก^{[ 48 ]}

นอกเหนือจากซีรีส์โทรทัศน์ทั่วไปแล้ว ยังมีรายการพิเศษทางโทรทัศน์แอนิเมชั่น (ช่วงเทศกาล) ที่น่าสนใจอีกหลายเรื่อง เริ่มต้นด้วยเรื่องMister Magoo's Christmas Carol ของ UPA (ปี 1962) ตามมาด้วยตัวอย่างคลาสสิกอื่นๆ ในอีกไม่กี่ปีต่อมา เช่น รายการ พิเศษ PeanutsของBill Melendez (ปี 1965–2011 สร้างจาก หนังสือการ์ตูนของ Charles M. Schulz ) และเรื่องHow the Grinch Stole Christmas! ของ Chuck Jones (ปี 1966 สร้างจากเรื่องราวของDr. Seuss )

Cambria Productions ใช้แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมเพียงบางครั้ง และมักจะใช้การเคลื่อนไหวของกล้อง การเคลื่อนไหวแบบเรียลไทม์ระหว่างภาพพื้นหน้าและพื้นหลัง และการผสมผสานภาพจริง ผู้สร้างClark Haasอธิบายว่า: "เราไม่ได้สร้างการ์ตูนแอนิเมชั่น เรากำลังถ่ายภาพ 'การเคลื่อนไหวด้วยมอเตอร์' และ—กลเม็ดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด—คือการผสมผสานกับภาพจริง... ภาพที่ดิสนีย์ทำในราคา 250,000 ดอลลาร์ เราทำในราคา 18,000 ดอลลาร์" ^{[ 49 ]}กลเม็ดที่โด่งดังที่สุดของพวกเขาคือ เทคนิค Syncro-Voxซึ่งเป็นการซ้อนภาพริมฝีปากที่พูดได้ลงบนใบหน้าของตัวการ์ตูน แทนที่จะสร้างแอนิเมชั่นปากที่ซิงโครไนซ์กับบทสนทนา ระบบการพิมพ์ด้วยแสงนี้ได้รับการจดสิทธิบัตรในปี 1952 โดยEdwin Gillette หุ้นส่วนและช่างภาพของ Cambria และถูกนำมาใช้ครั้งแรกในโฆษณา "สัตว์พูดได้" ที่ได้รับความนิยม ต่อมาวิธีการนี้ถูกนำไปใช้กันอย่างแพร่หลายเพื่อสร้างความตลกขบขัน แต่แคมเบรียใช้มันโดยตรงในซีรีส์Clutch Cargo (1959–1960), Space Angel (1962) และCaptain Fathom (1965) ด้วยเรื่องราวที่สร้างสรรค์Clutch Cargoจึงประสบความสำเร็จอย่างไม่คาดคิด ซีรีส์สุดท้ายของพวกเขาThe New 3 Stooges (1965–1966) ไม่ได้ใช้ Syncro-Vox ประกอบด้วยฉากถ่ายทำจริงใหม่ 40 ตอนของThree Stooges ดั้งเดิม ซึ่งถูกนำมาฉายซ้ำใน 126 ตอนของแอนิเมชั่นใหม่ (บางครั้งทำให้ผู้ชมปิดทีวีเมื่อฉากถ่ายทำจริงถูกฉายซ้ำ เพราะคิดว่าเคยดูตอนนั้นมาแล้ว)

สำหรับ ภาพยนตร์เรื่อง One Hundred and One Dalmatians (1961) ต้นทุนการผลิตถูกจำกัดไว้ด้วย กระบวนการ ถ่ายเอกสารแบบซีร็อกซ์ซึ่งช่วยลดขั้นตอนการลงหมึก แม้ว่าภาพที่ได้จากการถ่ายเอกสารแบบซีร็อกซ์จะมีลักษณะค่อนข้างหยาบและมักถูกวิพากษ์วิจารณ์จากนักประวัติศาสตร์และนักวิจารณ์ แต่เหล่าแอนิเมเตอร์ในสมัยนั้นกลับชื่นชอบการที่สามารถถ่ายโอนภาพวาดของพวกเขาลงบนภาพสำเร็จรูปได้โดยตรง ช่วงเวลานี้ของดิสนีย์ยังตรงกับการเติบโตของกลุ่ม "เก้าคนเฒ่า" ซึ่งเป็นกลุ่มแอนิเมเตอร์ที่สนิทสนมกันมาก และวอลต์ไว้วางใจให้พวกเขารับผิดชอบการพัฒนาและการสร้างแอนิเมชั่นภาพยนตร์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อวอลต์ทุ่มเทเวลาให้กับการสร้างสวนสนุกและโครงการอื่นๆ มากขึ้น แอนิเมเตอร์ส่วนใหญ่มองว่าช่วงเวลานี้ในประวัติศาสตร์ของสตูดิโอเป็นช่วงเวลาที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในแง่ของฝีมือการวาดภาพและคุณภาพโดยรวมของแอนิเมชั่น แอนิเมชั่น การออกแบบตัวละคร และแบบจำลองตัวละครจากช่วงเวลานี้ยังคงถูกใช้เป็นแหล่งอ้างอิงโดยโรงเรียนและสตูดิโอแอนิเมชั่นในปัจจุบัน " หนึ่งร้อยหนึ่งดัลเมเชียน " เป็นภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากสำหรับสตูดิโอ เช่นเดียวกับ"ดาบในหิน " (1963) แม้ว่าเมื่อเวลาผ่านไป ภาพยนตร์เรื่องนี้จะกลายเป็นหนึ่งในภาพยนตร์ของดิสนีย์ที่คนรู้จักน้อยที่สุดก็ตาม ในปี 1964 ดิสนีย์ได้ปล่อยภาพยนตร์ลูกผสมระหว่างภาพยนตร์คนแสดงและแอนิเมชั่นเรื่อง " แมรี่ ป๊อปปินส์ " (1964) ซึ่งได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์ถึง 13 สาขา รวมถึงสาขาภาพยนตร์ยอดเยี่ยม ภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของดิสนีย์ในทศวรรษ 1960 คือ " เดอะ จังเกิล บุ๊ค " (1967) ซึ่งประสบความสำเร็จทั้งในด้านคำวิจารณ์และรายได้ นี่เป็นภาพยนตร์เรื่องสุดท้ายที่ วอลต์ ดิสนีย์ดูแลก่อนที่เขาจะเสียชีวิตในปี 1966 หลังจากวอลต์จากไป สตูดิโอก็เข้าสู่ช่วงเวลาแห่งความตกต่ำอย่างยาวนาน แต่ด้วยการนำของกลุ่ม "เก้าคนเฒ่า" สตูดิโอยังคงผลิตภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จมากพอที่จะทำให้สตูดิโอสามารถดำเนินต่อไปได้ เมื่อนักสร้างแอนิเมชั่นรุ่นเก๋าเริ่มมีอายุมากขึ้น จึงมีการนำโปรแกรมฝึกอบรมมาใช้เพื่อบ่มเพาะคนรุ่นใหม่ที่มีความสามารถ การจากไปของดอน บลูธ ทำให้สตูดิโอสูญเสียนักสร้างแอนิเมชั่นรุ่นเก๋าไปหลายคน และบังคับให้นักสร้างแอนิเมชั่นรุ่นใหม่หลายคนต้องรับผิดชอบงานที่ใหญ่ขึ้น ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 กลุ่ม "เก้าผู้เฒ่า" ได้เกษียณอายุไปแล้ว สมาชิกอาวุโสหลายคนก็จากไป และกลุ่มนี้กำลังดิ้นรนเพื่อรักษาสตูดิโอให้ดำเนินต่อไปได้

UPA สร้างภาพยนตร์เรื่องแรกของพวกเขาคือ1001 Arabian Nights (1959) (นำแสดงโดยมิสเตอร์มากูในบทบาทลุงของอะลาดิน) ให้กับ Columbia Pictures แต่ไม่ประสบความสำเร็จมากนัก พวกเขาพยายามอีกครั้งกับGay Purr-eeในปี 1962 ซึ่งจัดจำหน่ายโดย Warner Bros. ภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับการตอบรับที่ดีจากนักวิจารณ์ แต่ล้มเหลวในด้านรายได้ และจะเป็นภาพยนตร์เรื่องสุดท้ายที่สตูดิโอสร้างขึ้น

คำตัดสินของศาลฎีกาในคดีต่อต้านการผูกขาดฮอลลีวูดในปี 1948ห้าม "การจองแบบเหมาจ่าย" ซึ่งภาพยนตร์ยอดนิยมจะถูกเสนอขายให้กับเจ้าของโรงภาพยนตร์แต่เพียงผู้เดียวในรูปแบบแพ็กเกจร่วมกับข่าวสารและภาพยนตร์การ์ตูนหรือภาพยนตร์สั้นแบบถ่ายทำจริง แทนที่จะได้รับส่วนแบ่งที่เหมาะสมจากข้อตกลงแบบแพ็กเกจ ภาพยนตร์การ์ตูนสั้นจะต้องขายแยกต่างหากในราคาที่เจ้าของโรงภาพยนตร์ยินดีจ่าย ภาพยนตร์การ์ตูนสั้นมีราคาค่อนข้างสูงและสามารถตัดออกจากโปรแกรมได้โดยที่ผู้ชมไม่เสียความสนใจในภาพยนตร์หลัก ซึ่งกลายเป็นวิธีที่สมเหตุสมผลในการลดต้นทุนเมื่อผู้ชมภาพยนตร์จำนวนมากขึ้นดูเหมือนจะอยู่บ้านดูหนังทางโทรทัศน์ ภาพยนตร์การ์ตูนส่วนใหญ่ต้องนำกลับมาฉายซ้ำหลายครั้งเพื่อชดเชยงบประมาณที่ลงทุนไป^{[ 50 ] [ 51 ]}ภายในสิ้นทศวรรษ 1960 สตูดิโอส่วนใหญ่ได้หยุดผลิตภาพยนตร์การ์ตูนสำหรับฉายในโรงภาพยนตร์ แม้แต่บริษัทอย่างวอร์เนอร์ บราเธอร์ส และดิสนีย์ ก็หยุดสร้างการ์ตูนสั้นฉายโรงภาพยนตร์หลังจากปี 1969 โดยมีข้อยกเว้นบ้างเป็นครั้งคราว วอลเตอร์ แลนซ์ เป็นผู้ผลิตการ์ตูนคลาสสิกคนสุดท้ายที่เลิกทำ เมื่อเขาปิดสตูดิโอของเขาในปี 1973

บริษัท DePatie–Freleng Enterprisesก่อตั้งโดยFriz FrelengและDavid H. DePatieในปี 1963 หลังจากที่ Warner Bros. ปิดแผนกแอนิเมชั่นไป เป็นสตูดิโอเดียวที่ประสบความสำเร็จอีกครั้งกับซีรีส์การ์ตูนสั้นฉายโรงภาพยนตร์หลังจากทศวรรษ 1950 พวกเขาสร้างPink Pantherในปี 1963 สำหรับเครดิตเปิดและปิดของภาพยนตร์ชุดPink Panther ฉบับคนแสดงที่นำแสดงโดย Peter Sellersความสำเร็จของมันนำไปสู่ภาพยนตร์สั้นหลายเรื่อง (1964–1980) และซีรีส์ทางโทรทัศน์ (1969–1980) Pink Panther ตามมาด้วยภาคแยกอย่างThe Inspector (1965–1969), The Ant and the Aardvark (1969–1971) และซีรีส์ฉายโรงภาพยนตร์อื่นๆ อีกหลายเรื่องThe Dogfather (1974–1976) เป็นซีรีส์ใหม่เรื่องสุดท้าย แต่การ์ตูน Pink Panther ยังคงฉายในโรงภาพยนตร์จนถึงปี 1980 ไม่นานก่อนที่สตูดิโอจะปิดตัวลงในปี 1981 ระหว่างปี 1966 ถึง 1981 DePatie–Freleng ยังผลิตซีรีส์และรายการพิเศษทางโทรทัศน์อีกมากมาย

ญี่ปุ่นเป็นประเทศที่มีผลงานแอนิเมชั่นที่โดดเด่นและประสบความสำเร็จอย่างมาก ซึ่งในภาษาอังกฤษเรียกกันว่า Japanimation และต่อมาเรียกว่าanimeโดยทั่วไปแล้ว anime พัฒนาขึ้นโดยใช้เทคนิคแอนิเมชั่นแบบจำกัด ซึ่งเน้นคุณภาพด้านสุนทรียศาสตร์มากกว่าการเคลื่อนไหว เมื่อเทียบกับแอนิเมชั่นของสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1960 นอกจากนี้ยังใช้แนวทางที่ค่อนข้าง "เป็นภาพยนตร์" ด้วยการซูม การแพนกล้อง ภาพเคลื่อนไหวที่ซับซ้อน และการให้ความสำคัญกับฉากหลังซึ่งเป็นสิ่งสำคัญในการสร้างบรรยากาศ

อะนิเมะออกอากาศในประเทศเป็นครั้งแรกทางทีวีในญี่ปุ่นเมื่อปี 1960 การส่งออกภาพยนตร์อนิเมะเริ่มในช่วงเวลาเดียวกัน ภายในเวลาไม่กี่ปี มีการสร้างซีรีส์ทีวีอนิเมะหลายเรื่องซึ่งจะได้รับการออกอากาศในระดับที่แตกต่างกันในสหรัฐอเมริกาและประเทศอื่น ๆ โดยเริ่มจาก鉄腕ARTム (Astro Boy) ที่มีอิทธิพลอย่างสูง (1963) ตามมาด้วยジャングル大帝 (Kimba the White Lion) (1965–1966),エイトマン (8th Man) (พ.ศ. 2508),魔法使いサリー (Sally the Witch) (พ.ศ. 2509–2510) และマッハGoGoGo (Mach GoGoGo หรือที่รู้จักในชื่อ Speed ​​Racer) (พ.ศ. 2510)

ซาซาเอะซัง (Sazae-san)ซึ่งเป็นที่นิยมในประเทศเริ่มออกอากาศในปี 1969 และเป็นรายการโทรทัศน์แอนิเมชั่นที่ออกอากาศยาวนานที่สุดในโลกตามบันทึกของกินเนสส์ โดยมีมากกว่า 2,250 ตอน^{[ 52 ]}

ก่อนสิ้นสุดทศวรรษ 1960 แทบไม่มีการผลิตแอนิเมชั่นสำหรับผู้ใหญ่ เลย ข้อยกเว้นที่โดดเด่นคือภาพยนตร์สั้นลามกอนาจารเรื่อง Eveready Harton in Buried Treasure (1928) ซึ่งสันนิษฐานว่าสร้างโดยนักสร้างแอนิเมชั่นชื่อดังเพื่อปาร์ตี้ส่วนตัวเพื่อเป็นเกียรติแก่ Winsor McCay และไม่ได้ฉายต่อสาธารณะจนกระทั่งปลายทศวรรษ 1970 หลังจากปี 1934 รหัส Haysทำให้ผู้สร้างภาพยนตร์ในสหรัฐอเมริกามีอิสระน้อยมากในการเผยแพร่เนื้อหาที่มีความเสี่ยง จนกระทั่งรหัสนี้ถูกแทนที่ด้วยระบบการจัดเรตภาพยนตร์ของสมาคมภาพยนตร์แห่งอเมริกาในปี 1968 ในขณะที่รายการแอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ทำให้คนส่วนใหญ่คิดว่ามันเป็นสื่อสำหรับเด็กหรือความบันเทิงในครอบครัว แต่แอนิเมชั่นในโรงภาพยนตร์เรื่องใหม่ๆ ได้พิสูจน์ให้เห็นเป็นอย่างอื่น

อาจกล่าวได้ว่า เนื้อหาเชิงปรัชญา จิตวิทยา และสังคมวิทยาของ รายการพิเศษทางโทรทัศน์ เรื่อง Peanutsนั้นค่อนข้างเหมาะสำหรับผู้ใหญ่ ในขณะเดียวกันก็เป็นที่สนุกสนานสำหรับเด็ก ๆ ด้วย ในปี 1969 ผู้กำกับบิล เมเลนเดซ ได้ขยายความสำเร็จของซีรีส์นี้ไปสู่โรงภาพยนตร์ด้วยเรื่องA Boy Named Charlie Brownภาพยนตร์ภาคต่อSnoopy Come Home (1972) ล้มเหลวในด้านรายได้ แม้ว่าจะได้รับคำวิจารณ์ในเชิงบวกก็ตามRace for Your Life, Charlie Brown (1977) และBon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back!!) (1980) เป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมเรื่องอื่น ๆ ของPeanuts ที่ฉายในโรงภาพยนตร์ ส่วนรายการพิเศษทางโทรทัศน์ยังคงออกอากาศต่อไปจนถึงปี 2011

กระแส ต่อต้านสถาบันในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ส่งผลกระทบต่อฮอลลีวูดตั้งแต่เนิ่นๆ ในวงการแอนิเมชั่น ความรู้สึกต่อต้านสงครามปรากฏให้เห็นในภาพยนตร์สั้นใต้ดินหลายเรื่อง เช่นEscalation (1968) ของWard Kimball (สร้างขึ้นโดยอิสระจากการทำงานที่ดิสนีย์) และภาพยนตร์ล้อเลียนMickey Mouse in Vietnam (1969) ส่วนภาพยนตร์สั้นใต้ดินสำหรับผู้ใหญ่ เรื่อง Bambi meets Godzilla (1969) ของ Marv Newland ซึ่งเป็นภาพยนตร์ล้อเลียนที่ไม่เกี่ยวข้องกับการเมืองมากนัก ถือเป็นภาพยนตร์คลาสสิกที่ยอดเยี่ยม และจากผลสำรวจความคิดเห็นของผู้คนในวงการแอนิเมชั่นกว่า 1,000 คน ทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้ถูกรวมอยู่ใน50 การ์ตูนที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

มีรายงานว่า กระแสความนิยมในแนวเพลงไซคีเดเลีย ทำให้ภาพยนตร์เรื่อง แฟนตาเซียของดิสนีย์ที่นำกลับมาฉายใหม่ในปี 1969 ได้รับความนิยมในหมู่วัยรุ่นและนักศึกษา และทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้เริ่มทำกำไรได้ ในทำนองเดียวกัน ภาพยนตร์เรื่องอลิซในดินแดนมหัศจรรย์ ของดิสนีย์ ก็ได้รับความนิยมจากการฉายทางโทรทัศน์ในช่วงเวลานั้น และจากการนำกลับมาฉายในโรงภาพยนตร์อีกครั้งในปี 1974

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเพลงเรื่องYellow Submarine (1968) ของ วง The Beatlesซึ่งได้รับอิทธิพลจากการปฏิวัติทางด้านศิลปะ ไซคีเดลิก ได้แสดงให้ผู้ชมจำนวนมากเห็นว่าแอนิเมชั่นนั้นสามารถแตกต่างจากภาพยนตร์การ์ตูนทางโทรทัศน์และภาพยนตร์ของดิสนีย์ที่เราคุ้นเคยได้อย่างไร การออกแบบที่โดดเด่นนั้นมาจากฝีมือของผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ ไฮนซ์ เอเดลแมนภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางและพิสูจน์แล้วว่ามีอิทธิพลต่อวงการภาพยนตร์ ปีเตอร์ แม็กซ์ได้นำสไตล์ภาพที่คล้ายคลึงกันมาใช้ในงานศิลปะของเขาด้วย

• わんぱく王子の大蛇退治 (เจ้าชายน้อยกับมังกรแปดหัว) (ญี่ปุ่น พ.ศ. 2506 สารคดี)
• 大鬧天宮 (หายนะในสวรรค์) (จีน, สารคดีปี 1963)
• ガルーの宇宙旅行 (Gulliver's Travels Beyond the Moon) (ญี่ปุ่น สารคดีปี 1965)
• คาลิเมโร (อิตาลี/ญี่ปุ่น 1963–1972, ซีรีส์โทรทัศน์)
• ภาพยนตร์เรื่อง Pinocchio in Outer SpaceของBelvision (เบลเยียม/สหรัฐอเมริกา 1965, ภาพยนตร์กำกับโดยเรย์ กูสเซนส์ )
• เวสต์แอนด์โซดา (อิตาลี 1965 ภาพยนตร์เรื่องแรกของบรูโน บอซเซตโต )

ราล์ฟ บักชีคิดว่าแนวคิดที่ว่า "ผู้ชายวัยผู้ใหญ่นั่งอยู่ในห้องทำงานเล็กๆ วาดภาพผีเสื้อบินอยู่เหนือทุ่งดอกไม้ ในขณะที่เครื่องบินอเมริกันกำลังทิ้งระเบิดในเวียดนามและเด็กๆ กำลังเดินขบวนประท้วงบนท้องถนนนั้นเป็นเรื่องไร้สาระ" ^{[ 53 ]}ดังนั้น เขาจึงสร้างแอนิเมชั่นประเภทที่เน้นด้านสังคมและการเมืองมากขึ้น โดยเริ่มจากFritz the Cat (1972) ซึ่งสร้างจากหนังสือการ์ตูนของโรเบิร์ต ครัมบ์ และเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องแรกที่ได้รับ เรตติ้ง Xเรตติ้ง X ถูกนำมาใช้เพื่อโปรโมตภาพยนตร์และทำให้กลายเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นอิสระที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาล ความสำเร็จของHeavy Traffic (1973) ทำให้บักชีเป็นคนแรกนับตั้งแต่ดิสนีย์ที่มีภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ประสบความสำเร็จทางการเงินสองเรื่องติดต่อกัน ภาพยนตร์เรื่องนี้ใช้เทคนิคทางศิลปะผสมผสานกัน โดยใช้ภาพนิ่งเป็นฉากหลังในบางส่วน ฉากถ่ายทำจริงของนางแบบที่ทาสีหน้าด้วยเทคนิคเนกาทีฟซีนีโมชั่น ฉากที่สร้างด้วยแอนิเมชั่นร่างแบบจำกัดและลงสีเพียงบางส่วน ภาพวาดรายละเอียด ฟุตเทจจากคลังภาพ และตัวละครส่วนใหญ่สร้างเป็นแอนิเมชั่นสไตล์การ์ตูนที่สม่ำเสมอ ยกเว้นสิบนาทีสุดท้ายที่ถ่ายทำเป็นภาพยนตร์คนแสดงจริงแบบมาตรฐาน เขายังคงทดลองใช้เทคนิคต่างๆ ในโครงการต่อๆ ไปของเขา โครงการต่อมาของเขา ได้แก่Hey Good Lookin' (สร้างเสร็จในปี 1975 แต่ถูก Warner Bros. เก็บไว้จนกระทั่งออกฉายในเวอร์ชันปรับปรุงในปี 1982) และCoonskin (ปี 1975 ซึ่งถูกประท้วงเรื่องการเหยียดเชื้อชาติในขณะที่เสียดสีประเด็นนี้) ประสบความสำเร็จน้อยกว่า แต่ได้รับการชื่นชมมากขึ้นในภายหลังและกลายเป็นภาพยนตร์คัลท์

บัคชีประสบความสำเร็จอีกครั้งกับภาพยนตร์แฟนตาซีเรื่อง Wizards (1977) และThe Lord of the Rings (1978) ทั้งสองเรื่องใช้เทคนิคโรโตสโคปปิ้งสำหรับฉากการต่อสู้ขนาดใหญ่ สำหรับWizardsเทคนิคนี้ใช้กับฟุตเทจเก่าเพื่อแก้ปัญหาเรื่องงบประมาณ และแสดงผลในสไตล์ศิลปะแบบไซคีเดลิค ส่วนThe Lord of the Ringsนั้น เทคนิคนี้กลายเป็นวิธีการสร้างรูปลักษณ์ที่บัคชีอธิบายว่า "ภาพประกอบที่สมจริง ไม่ใช่การ์ตูน" สำหรับภาพยนตร์ที่เขาต้องการให้ซื่อตรงต่อผลงานของโทลคีน โดยใช้ภาพอ้างอิงที่ถ่ายทำโดยนักแสดงที่แต่งกายในชุดโบราณในสเปน ภาพยนตร์โทรทัศน์ที่เน้นกลุ่มครอบครัวมากขึ้น เรื่อง The Return of the King (1980) โดยRankin/BassและTopcraftบางครั้งถูกมองว่าเป็นภาคต่ออย่างไม่เป็นทางการหลังจากที่ภาคสองที่บัคชีตั้งใจจะสร้างนั้นไม่ได้สร้างขึ้น แต่พวกเขาได้เริ่มดัดแปลงเรื่องราวนี้ทางโทรทัศน์อย่างอิสระแล้วด้วยเรื่องThe Hobbitในปี 1977

ภาพยนตร์ไซไฟฝรั่งเศส/เช็กที่สร้างสรรค์เรื่อง^La Planète sauvage (1973) ได้รับรางวัล Grand Prix พิเศษจากคณะกรรมการตัดสินในเทศกาลภาพยนตร์เมืองคานส์ปี 1973 [ ^{54 ]} และในปี 2016 นิตยสาร Rolling Stone จัดอันดับให้เป็นภาพยนตร์ แอนิเมชั่นที่ดีที่สุดตลอดกาลอันดับที่ 36 ^{[ 55 ]}

ภาพยนตร์อังกฤษเรื่อง Watership Down (1978) ประสบความสำเร็จอย่างมากในระดับนานาชาติ ภาพยนตร์เรื่องนี้มีตัวละครสัตว์ที่ดูสมจริงมากกว่าตัวละครที่เหมือนมนุษย์ โดยมีฉากหลังเป็นภาพวาดสีน้ำ ถึงแม้จะมีเนื้อหาที่มืดมนและรุนแรง แต่ก็ได้รับการพิจารณาว่าเหมาะสมสำหรับผู้ชมทุกวัยในสหราชอาณาจักร และได้รับการจัดเรตPGในสหรัฐอเมริกา

การนำเข้าอะนิเมะนำเสนอซีรีส์แอนิเมชันที่มีราคาไม่แพงนัก แต่ผู้ออกอากาศในยุโรปบางรายมองว่าแอนิเมชันเป็นสิ่งสำหรับเด็กเล็กและซีรีส์แอนิเมชันที่ตั้งโปรแกรมไว้ตามนั้น สิ่งนี้นำไปสู่การวิพากษ์วิจารณ์อย่างมากเมื่อบางรายการถือว่ามีความรุนแรงเกินไปสำหรับเด็ก^{[ 56 ]}การดัดแปลงเรื่องราวของยุโรปให้เหมาะกับเด็กทำให้ประสบความสำเร็จมากขึ้นในยุโรป โดยมีชื่อยอดนิยมเช่นアルプスの少女ハイジ (Heidi, Girl of the Alps) (1974) และみつばちマーヤの冒険 (Maya the Honey Bee) (1975)

ในยุโรปมีสตูดิโอแอนิเมชั่นเพียงไม่กี่แห่ง และการเริ่มต้นสตูดิโอใหม่ต้องใช้เวลา ความพยายาม และเงินจำนวนมาก สำหรับผู้ผลิตในยุโรปที่สนใจซีรีส์แอนิเมชั่น การร่วมมือกับสตูดิโอในญี่ปุ่นซึ่งสามารถผลิตแอนิเมชั่นคุณภาพสูงในราคาที่เหมาะสมจึงเป็นเรื่องที่สมเหตุสมผล ผลงานที่เกิดจากความร่วมมือเหล่านี้ ได้แก่Barbapapa (เนเธอร์แลนด์/ญี่ปุ่น/ฝรั่งเศส 1973–1977), Wickie und die to starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (ออสเตรีย/เยอรมนี/ญี่ปุ่น 1974), Il était une fois... (Once Upon a Time...) (ฝรั่งเศส/ญี่ปุ่น 1978) และDoctor Snuggles (เนเธอร์แลนด์/เยอรมนีตะวันตก/ญี่ปุ่น/สหรัฐอเมริกา 1979)

ภาพยนตร์แอนิเมชั่นสั้นส่วนใหญ่กลายเป็นสื่อสำหรับเทศกาลภาพยนตร์ ซึ่งเป็นเวทีให้นักสร้างแอนิเมชั่นอิสระได้แสดงฝีมือ เนื่องจากสตูดิโอใหญ่ๆ ถอนตัวออกจากวงการรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์แอนิเมชั่นสั้นยอดเยี่ยมและการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 จึงมักตกเป็นของศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก

La Linea (อิตาลี 1971, 1978, 1986) เป็นซีรีส์แอนิเมชั่นยอดนิยมที่มีตัวละครหลักเป็นส่วนหนึ่งของเส้นสีขาวตรงที่ทอดยาวในแนวนอนบนหน้าจอ

ตามที่ปีเตอร์ ฟินน์กล่าวไว้ ยูริ นอร์สไตน์นักสร้างแอนิเมชันชาวโซเวียต/รัสเซีย"ได้รับการยกย่องจากหลายคนว่าไม่เพียงแต่เป็นนักสร้างแอนิเมชันที่ดีที่สุดในยุคของเขาเท่านั้น แต่ยังเป็นนักสร้างแอนิเมชันที่ดีที่สุดตลอดกาลอีกด้วย" ^{[ 57 ]}เขาสร้างภาพยนตร์สั้นที่ได้รับรางวัลมากมายในช่วงทศวรรษ 1970:

• การต่อสู้ที่ Kerzhenets ( Сеча при Керженце , 1971) ร่วมกับ Ivan Ivanov-Vano
• สุนัขจิ้งจอกกับกระต่าย ( лиса и заяц , 1973) ^{[ 58 ]}
• นกกระสาและนกกระเรียน ( цапля и журавль , 1974)
• เม่นในสายหมอก ( Ёжик в тумане , 1975) ^{[ 59 ]}
• Tale of Tales ( Сказка сказок , 1979)

Norstein ทำงานในThe Overcoat ( Шинель ) มาตั้งแต่ปี 1981 และมีส่วนร่วมในWinter Days (冬の日; 2003 )

แม้ว่าการผสมผสานระหว่างดนตรีและแอนิเมชั่นจะมีมาอย่างยาวนาน แต่ก็ต้องใช้เวลาพอสมควรกว่าที่แอนิเมชั่นจะกลายเป็นส่วนหนึ่งของมิวสิกวิดีโอหลังจากที่สื่อประเภทนี้ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการในช่วงกลางทศวรรษ 1970

Halas และ Batchelor ผลิตวิดีโอแอนิเมชั่นสำหรับภาพยนตร์เรื่องLove Is All (1974) ของ Roger Glover ซึ่งออกอากาศไปทั่วโลกเป็นเวลาหลายทศวรรษ โดยมักฉายในรูปแบบรายการคั่นระหว่างรายการหลักและรายการย่อย

มิว สิกวิดีโอเพลงWelcome to the Machineของ Pink Floyd ในปี 1977 ซึ่งสร้างแอนิเมชั่นโดย Gerald Scarfe นั้น เดิมทีถูกใช้เป็นเพียงฉากหลังสำหรับการแสดงคอนเสิร์ตเท่านั้น

วิดีโอ เพลง Accidents Will Happen (1979) ของElvis Costelloสร้างโดย Annabelle Jackel และ Rocky Morton ซึ่งเป็นที่รู้จักจากโฆษณาแอนิเมชั่นของพวกเขา แม้ว่าในตอนแรกจะได้รับการตอบรับที่ไม่ค่อยดีนัก^{[ 60 ]}แต่วิดีโอเพลงนี้ก็ได้รับการยกย่องในเวลาต่อมา

Roger MainwoodและJohn Halasสร้างมิวสิกวิดีโอแอนิเมชั่นสำหรับเพลง AutobahnของKraftwerkในปี 1979 ^{[ 61 ]}สารคดีสั้นที่ไม่มีคำพูดเรื่องMaking it move...แสดงให้เห็นกระบวนการผลิต^{[ 62 ]}

การ์ตูนสำหรับเพลง Seaside WomanของLinda McCartneyสร้างโดย Oscar Grillo และได้รับรางวัล Palme d'Or สาขาภาพยนตร์สั้นยอดเยี่ยมในเทศกาลภาพยนตร์เมืองคานส์ในปี 1980 ^{[ 63 ]}

แอนิเมชั่นสำหรับรายการโทรทัศน์อเมริกันช่วงเช้าวันเสาร์เริ่มมีรูปแบบตายตัวมากขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 โดยอิงจากตัวการ์ตูนและตัวละครจากหนังสือการ์ตูนเก่าๆ (Superfriends, Scooby Doo, Popeye) ^{[ 64 ]}ความต้องการเนื้อหาการ์ตูนเพิ่มมากขึ้นเมื่อรัฐบาลเรแกนยกเลิกกฎระเบียบเกี่ยวกับการ์ตูนสำหรับเด็ก ทำให้สามารถออกอากาศในช่วงเช้าและบ่ายทาง ช่อง UHFและเคเบิลที่มุ่งเป้าไปที่เด็กๆ^{[ 65 ]}การ์ตูนที่สะท้อนถึงการกระทำ จินตนาการ และนิยายวิทยาศาสตร์เป็นเรื่องปกติ โดยมีเนื้อเรื่องที่ซับซ้อนกว่าการ์ตูนในทศวรรษก่อนหน้า ซีรีส์แอนิเมชั่นทางโทรทัศน์ยอดนิยมหลายเรื่องในช่วงเวลานี้สร้างขึ้นจากของเล่น เช่นHe-Man and the Masters of the UniverseของMattel (1983–1985) และGI JoeของHasbro (1983–1986), The Transformers (1984–1987) และMy Little Pony (1986–1987) การ์ตูนเรื่องอื่นๆ ดัดแปลงมาจากหนังสือการ์ตูนซูเปอร์ฮีโร่ บุคคลในวงการโทรทัศน์ (แกรี่ โคลแมน, ชัค นอร์ริส, มิสเตอร์ที) รายการโทรทัศน์แบบคนแสดงจริงอื่นๆ (อัลฟ์, พังค์กี้ บรูว์สเตอร์) ภาพยนตร์แอ็คชั่นหรือไซไฟสำหรับผู้ใหญ่ (โรโบคอป, แรมโบ้, โกสต์บัสเตอร์ส, ทีนวูล์ฟ) วิดีโอเกม ( แพ็กแมน , โพล โพซิชั่น , กัปตันเอ็น ) หรือวรรณกรรมสำหรับเด็ก ( เดอะลิตเติลส์ , เบเรนสไตน์แบร์ ส ) นอกจากนี้ ซีรีส์อนิเมะญี่ปุ่นยังถูกตัดต่อและผสมผสานให้เข้ากับแนวทางการออกอากาศของอเมริกา ( โรโบเทค , ฟอร์ซไฟว์ )

โดยส่วนใหญ่แล้ว ภาพยนตร์ของดิสนีย์ถูกมองว่าอยู่ในช่วงยุคมืดในช่วงหลายทศวรรษหลังจากที่วอลต์ ดิสนีย์เสียชีวิตในปี 1966 (แม้ว่าจะประสบความสำเร็จในด้านรายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศมากกว่าในช่วงหลายทศวรรษที่วอลต์ยังมีชีวิตอยู่ก็ตาม) ความล้มเหลวของThe Black Cauldron (1985) ซึ่งสร้างด้วยงบประมาณที่สูงลิบลิ่ว ถือเป็นจุดต่ำสุดครั้งใหม่ทิม เบอร์ตันอ้างถึงความล้มเหลวของดิสนีย์ในการฝึกอบรมแอนิเมเตอร์รุ่นใหม่ในช่วงทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ว่าเป็นสาเหตุของการเสื่อมถอย โดยดิสนีย์กลับพึ่งพาแต่กลุ่มแอนิเมเตอร์รุ่นเก่าที่อายุมากแล้ว^{[ 66 ]}

ดอน บลูธซึ่งออกจากดิสนีย์ในปี 1979 พร้อมกับแอนิเมเตอร์อีกเก้าคน เริ่มแข่งขันกับอดีตนายจ้างของเขาในโรงภาพยนตร์ในปี 1982 ด้วยภาพยนตร์เรื่องThe Secret of NIMHภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับการยกย่องจากนักวิจารณ์ แต่ประสบความสำเร็จในระดับปานกลางในด้านรายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศ

เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานแอนิเมชั่นของอเมริกาในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ผลงานร่วมผลิตระหว่างประเทศดูมีความสร้างสรรค์และมีอนาคตที่สดใสกว่า เรื่องThe Smurfs (1981–1989) ซึ่งผลิตโดยSEPP International ของFreddy Monnickendam จากเบลเยียม ร่วมกับ Hanna-Barbera ประสบความสำเร็จอย่างสูง ตามมาด้วย Snorks (1984–1989) และFoofur (1986–1988) SEPP ยังรับผิดชอบการผลิต Bibifoc (Seabert) (1984–1988) ของ Bzz Films ด้วย ผลงานร่วมผลิตระหว่างประเทศที่น่าสนใจอื่นๆ ได้แก่Inspector Gadget (ฝรั่งเศส/สหรัฐอเมริกา 1983) และThe Wonderful Wizard of Oz (แคนาดา/ญี่ปุ่น 1986–1987)

ในสหราชอาณาจักรซีรีส์โทรทัศน์ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากของCosgrove Hall Films เรื่อง Danger Mouseออกอากาศครั้งแรกในเดือนกันยายน ปี 1981 และดำเนินต่อไปจนถึงปี 1992 โดยได้รับ การเสนอชื่อเข้าชิงรางวัล BAFTA ถึง 11 ครั้ง ระหว่างปี 1983 ถึง 1987 นอกจากนี้ยังออกอากาศทางช่อง Nickelodeon ด้วย ซีรีส์ ล้อเลียนสายลับ สุดฮา ที่มีตัวเอกเป็นหนูตัวนี้ได้รับความนิยมทั้งในกลุ่มผู้ชมเด็กและผู้ใหญ่ชาวอเมริกัน และได้สร้าง ภาคแยกออกมาคือ Count Duckula (1988–1993)

อนิเมะและมังงะ ที่ตีพิมพ์เป็น เล่มได้สร้างฐานแฟนคลับขนาดใหญ่ในญี่ปุ่นและกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมกระแสหลักของประเทศ ในบรรดาอนิเมะหลายประเภทเมคา (นิยายวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับหุ่นยนต์ยักษ์) กลายเป็นประเภทที่โดดเด่นเป็นพิเศษ มังงะที่ตีพิมพ์เป็นเล่มโดยเฉพาะอย่างยิ่งเข้าสู่ยุคทองในช่วงทศวรรษ 1980 โดยได้รับแรงหนุนจากซีรีส์ต่างๆ เช่นดราก้อนบอล (1984–1995) และซีรีส์เหล่านี้ได้รับการดัดแปลงเป็นอนิเมะที่ประสบความสำเร็จและฉายยาวนาน ตลาด วิดีโอสำหรับชมที่บ้าน ซึ่งค่อนข้างใหม่ เติบโตขึ้นอย่างมาก และอนิเมะวิดีโอต้นฉบับ (OVA) กลายเป็นสื่อที่ได้รับความนิยมอย่างมาก โดยมักมีคุณภาพการผลิตสูงกว่าที่สร้างขึ้นสำหรับโทรทัศน์ (ตรงกันข้ามกับสหรัฐอเมริกา ซึ่ง การวางจำหน่าย โดยตรงในรูปแบบวิดีโอส่วนใหญ่เป็นสื่อสำหรับการเผยแพร่ที่ไม่คาดว่าจะได้รับความนิยมมากพอที่จะรับประกันการฉายในโรงภาพยนตร์หรือการออกอากาศทางโทรทัศน์ ดังนั้นจึงมักผลิตด้วยงบประมาณที่ต่ำกว่ามาก) โดยธรรมชาติแล้ว สื่อ OVA ก็เหมาะสมสำหรับการรับชมอนิเมะอีโรติกและอนาจารด้วยเช่นกัน OVA แนวอีโรติกครั้งแรกคือซีรีส์ theロリーTAARニメ (อะนิเมะโลลิต้า)ตั้งแต่เดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2527 ถึงพฤษภาคม พ.ศ. 2528 ตามมาด้วย ซีรีส์ Cream Lemon (สิงหาคม พ.ศ. 2527 – พ.ศ. 2548) ประเภทนี้เป็นที่รู้จักในระดับสากลในชื่อเฮ็นไทและมีชื่อเสียงจากการที่มักมีเนื้อหาที่บิดเบือน รวมถึงการมีเพศสัมพันธ์กับผู้ที่ยังไม่บรรลุนิติภาวะ เพศสัตว์ประหลาด และเพศหนวด (แต่เดิมคิดค้นขึ้นเพื่อหลีกเลี่ยงกฎเกณฑ์การเซ็นเซอร์ของญี่ปุ่น) ซีรีส์อนิเมะใหม่ที่สร้างจากเนื้อหาของยุโรป ได้แก่ニルスのふしぎな旅 (The Wonderful Adventures of Nils) (1980–1981) และスプーンおばさん (Mrs. Pepper Pot) (1983–1984)

การแสดงละครมหากาพย์ของฮายาโอะ มิยาซากิ ประกอบด้วย Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) ซึ่งสร้างจากมังงะของเขา และ天空の城ラピュTa (Castle in the Sky) (1986) ได้รับการยกย่องอย่างสม่ำเสมอว่าเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดบาง เรื่อง ตลอดกาลCastle in the Skyเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกของStudio Ghibliซึ่งก่อตั้งในปี 1985 โดยมิยาซากิร่วมกับอิซาโอะ ทาคาฮาตะและคนอื่นๆ Studio Ghibli ยังคงสานต่อความสำเร็จด้วยภาพยนตร์สงครามโลกครั้งที่สองของทาคาฮาตะ火垂TROの墓 (Grave of the Firefly) (1988) และภาพยนตร์อันโด่งดังของมิยาซากิとなりのトロ (My Neighbor Totoro) (1988) และ魔女の宅急便 (Kiki's Delivery Service) (1989)

ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา แอนิเมชั่นของอเมริกาได้กลับมาเฟื่องฟูอีกครั้ง ซึ่งเป็นผลมาจากกลุ่มคนมากความสามารถที่จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะแห่งแคลิฟอร์เนียโดยเฉพาะอย่างยิ่งกลุ่มที่เรียนที่นั่นในทศวรรษ 1970 ภายใต้การสอนของมาร์ค เดวิสหนึ่งใน เก้าผู้ทรงอิทธิพล (Nine Old Men)ที่มีอิทธิพลต่อภาษาของแอนิเมชั่นในทศวรรษ 1920 และ 1930 ในเวลานั้น สมาชิกหลายคนในกลุ่มเก้าผู้ทรงอิทธิพลกำลังจะเกษียณอายุ และเพื่อเป็นการเล่นมุกตลกภายในกลุ่ม นักเรียนหลายคนในห้องเรียนA113จึงใส่รหัสห้องลงในภาพยนตร์ ซีรีส์โทรทัศน์ และอื่นๆ ของพวกเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นักเรียนของ A113 ได้แก่เจอร์รี รีส์ , จอห์น ลาสเซเตอร์ , ทิม เบอร์ตัน , ไมเคิล เปราซาและแบรด เบิร์ด^{[ 66 ]}สมาชิกอีกสองคนจากกลุ่มเก้าคนเก่าแก่ ได้แก่ออลลี จอห์นสตันและแฟรงค์ โทมัสได้ตีพิมพ์ หนังสือสอนทำแอนิเมชั่ นชื่อ The Illusion of Lifeในปี 1981 ซึ่งได้รับการโหวตให้เป็นหนังสือแอนิเมชั่นที่ดีที่สุดตลอดกาล และมีอิทธิพลต่อเจมส์ แบ็กซ์เตอร์รวมถึงนักสร้างแอนิเมชั่นสมัยใหม่คนอื่นๆ^{[ 67 ] [ 68 ]}

ในโรงภาพยนตร์ ภาพยนตร์แอนิเมชั่นผสมคนแสดงเรื่องWho Framed Roger Rabbit (1988) ของ โรเบิร์ต เซเมคิสก็ได้หวนรำลึกถึงคุณภาพและอารมณ์ขันสุดฮาของยุคทองแห่งการ์ตูน โดยมีตัวละครซูเปอร์สตาร์มากมายจากยุคนั้นมาร่วมแสดงรับเชิญ เช่น มิกกี้ มิกกี้ มินนี่ โดนัลด์ กูฟฟี่ เบ็ตตี้ บู๊ป ดรูปี้ วู้ดดี้ วู้ดเพ็กเกอร์ และบักส์ บันนี่ แดฟฟี่ ดั๊ก พอร์คกี้ พิก ทวีตี้ และซิลเวสเตอร์ ที่ให้เสียงพากย์โดยเมล บลังค์ นอกจากนี้ยังมีตัวละครดั้งเดิมอย่างโรเจอร์ แรบบิทเจสสิกา แรบบิทเบบี้ เฮอ ร์แมน และเบนนี่ เดอะ แค็บภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับรางวัลออสการ์หลายรางวัลและช่วยฟื้นความสนใจในภาพยนตร์แอนิเมชั่นฉายโรงและการ์ตูนคลาสสิกภาพยนตร์ สั้นแอนิเมชั่น เรื่อง Tummy Trouble (1989) ของโรเจอร์ แรบบิท ถูกนำมาฉายควบคู่กับภาพยนตร์ตลกสำหรับครอบครัวเรื่องHoney, I Shrunk the Kidsและเชื่อกันว่าช่วยให้ภาพยนตร์เรื่องนั้นประสบความสำเร็จอย่างรวดเร็วในบ็อกซ์ออฟฟิศ^{[ 69 ]}ด้วยความร่วมมือกับAmblin EntertainmentของSteven Spielberg ทำให้ An American Tail (1986) ของ Bluth กลายเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ไม่ใช่ของดิสนีย์ที่ทำรายได้สูงสุดในขณะนั้นThe Land Before Time (1988) ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน แต่ภาพยนตร์เรื่องยาวอีกห้าเรื่องถัดมาของ Bluth กลับล้มเหลว

Mighty Mouse: The New Adventures (1987–1989) เป็นหนึ่งในรายการโทรทัศน์แอนิเมชั่นเรื่องแรกๆ ที่นำคุณภาพและความเป็นเอกลักษณ์ของภาพยนตร์การ์ตูนอเมริกันในยุคแรกๆ กลับมาอีกครั้ง รายการนี้ผลิตโดย Ralph Bakshi และซีซั่นแรกได้รับการดูแลโดย John Kricfalusiซึ่งอนุญาตให้นักแอนิเมเตอร์มีอิสระทางศิลปะอย่างเต็มที่ แทนที่จะเป็นการนำซีรีส์ Terrytoons ดั้งเดิมมาทำซ้ำอย่างคิดถึง รายการนี้พยายามที่จะสร้างคุณภาพและอารมณ์ขันสุดฮาของ Looney Tunesคลาสสิก

ซีรีส์การ์ตูนเรื่อง The SimpsonsของMatt Groeningเริ่มต้นในเดือนเมษายน ปี 1987 ในรูปแบบตอนสั้นๆ แทรกอยู่ในรายการตลกThe Tracey Ullman Showจากนั้นจึงเปิดตัวเป็นซิทคอมความยาวครึ่งชั่วโมงออกอากาศในช่วงเวลาไพรม์ไทม์ในเดือนธันวาคม ปี 1989 ซีรีส์นี้กลายเป็นหนึ่งในรายการการ์ตูนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในประวัติศาสตร์ และเป็นซีรีส์โทรทัศน์อเมริกันที่ออกอากาศในช่วงเวลาไพรม์ไทม์ยาวนานที่สุด

แม้ว่าความสำเร็จของThe Great Mouse Detective (1986) และOliver and Company (1988) จะช่วยให้สตูดิโอ Disney กลับมาอยู่ในเส้นทางที่ถูกต้องแล้ว แต่พวกเขาก็ประสบความสำเร็จอย่างมากกับภาพยนตร์ที่ทำลายสถิติรายได้บ็อกซ์ออฟฟิศอย่างThe Little Mermaid (1989) ฉากลำดับสายรุ้งในตอนท้ายของThe Little Mermaidเป็นงานแอนิเมชั่นเรื่องยาวชิ้นแรกที่สร้างขึ้นด้วย ระบบ Computer Animation Production System (CAPS) ที่ Disney และPixarร่วมกันประกอบขึ้น ระบบ หมึกและสีดิจิทัล นี้ เข้ามาแทนที่วิธีการลงหมึกและระบายสีเซลล์ด้วยมือที่มีราคาแพง และมอบเครื่องมือสร้างสรรค์ใหม่ๆ ให้กับผู้สร้างภาพยนตร์ ภายในปี 1990 กระแสความนิยมของภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ประสบความสำเร็จถูกยกย่องว่าเป็นการกลับมาที่อาจเทียบได้กับยุคทองของการ์ตูน^{[ 69 ]}

ภาพยนตร์เพลงร็อก เรื่อง American Pop (1981) ของบักชีประสบความสำเร็จอีกเรื่องหนึ่ง โดยส่วนใหญ่สร้างด้วยเทคนิคโรโตสโคป ผสมผสานกับสีน้ำ กราฟิกคอมพิวเตอร์ ภาพถ่ายจริง และฟุตเทจจากคลังภาพ ภาพยนตร์เรื่องถัดมาของเขาFire and Ice (1983) เป็นผลงานร่วมกับศิลปินแฟรงค์ ฟราเซตตาเป็นหนึ่งในภาพยนตร์หลายเรื่องใน แนว ดาบและเวทมนตร์ที่ออกฉายหลังจากความสำเร็จของConan the Barbarian (1982) และThe Beastmaster (1982) นักวิจารณ์ชื่นชมภาพและฉากแอ็คชั่น แต่ไม่ชื่นชมบทภาพยนตร์ และภาพยนตร์เรื่องนี้ล้มเหลวในบ็อกซ์ออฟฟิศ หลังจากล้มเหลวในการสร้างหลายโครงการ บักชีจึงเกษียณตัวเองไปพักใหญ่

ภาพยนตร์รวมเรื่องสั้นยอดฮิตจากแคนาดาเรื่องHeavy Metal (1981) สร้างจากหนังสือการ์ตูนที่ตีพิมพ์ในนิตยสารHeavy Metal ที่ได้รับความนิยม และร่วมผลิตโดยผู้ก่อตั้งนิตยสาร ภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับคำวิจารณ์ทั้งดีและไม่ดี โดยบางเรื่องดูไม่ลงตัว ไร้สาระ และเหยียดเพศ ต่อมาได้มีการสร้างภาคต่อHeavy Metal 2000 ในปี 2000 ซึ่งไม่ได้รับเสียงวิจารณ์ ที่ดีนัก และถูกนำมาสร้างใหม่เป็นซีรีส์ทาง Netflix เรื่อง Love, Death & Robotsในปี 2019

ภาพยนตร์โอเปร่าร็อกสุดดาร์คเรื่องPink Floyd – The Wall (1982) ประกอบด้วยฉากแอนิเมชั่นความยาว 15 นาที ฝีมือของเจอรัลด์ สการ์ฟ นักวาดการ์ตูนชาวอังกฤษ ผู้ซึ่งเคยออกแบบงานศิลปะที่เกี่ยวข้องสำหรับอัลบั้มปี 1979และทัวร์คอนเสิร์ตปี 1980-81มาก่อนแล้ว บางส่วนของเนื้อหาแอนิเมชั่นในภาพยนตร์เรื่องนี้เคยถูกใช้ในมิ ว สิกวิดีโอ ปี 1979 สำหรับเพลง " Another Brick in the Wall: Part 2 " และสำหรับทัวร์คอนเสิร์ตมาก่อนเช่นกัน สการ์ฟยังเคยสร้างแอนิเมชั่นสำหรับ ทัวร์ In the Fleshของ Pink Floyd ในปี 1977 อีกด้วย

ภาพยนตร์ อังกฤษเรื่องWhen the Wind Blows (1986) ที่ประสบความสำเร็จเกี่ยวกับภัยพิบัติทางนิวเคลียร์ นำเสนอตัวละครที่วาดด้วยมือบนฉากหลังจริง โดยใช้เทคนิคสต็อปโมชั่นสำหรับวัตถุที่เคลื่อนไหว

อนิเมะแนวไซเบอร์พังก์หลังวันสิ้นโลก สุดโหด เรื่อง Akira (1988) ได้รับความนิยมอย่างมากนอกประเทศญี่ปุ่น และปัจจุบันได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นอนิเมะคลาสสิกเรื่องหนึ่ง

MTVเปิดตัวในปี 1981 และทำให้สื่อมิวสิกวิดีโอเป็นที่นิยมมากขึ้น ซึ่งเปิดโอกาสให้มีการแสดงออกทางศิลปะและเทคนิคการสร้างสรรค์ที่ค่อนข้างอิสระ มิวสิกวิดีโอที่โด่งดังที่สุดหลายเรื่องในยุค 1980 มีการใช้แอนิเมชั่น ซึ่งมักสร้างด้วยเทคนิคที่แตกต่างจากแอนิเมชั่นแบบเซลล์ทั่วไป ตัวอย่างเช่น มิวสิกวิดีโออันโด่งดังของเพลงSledgehammer (1986) ของ Peter Gabriel ใช้ เทคนิค Claymation , Pixilationและ Stop Motion โดยAardman AnimationsและBrothers Quay

มิวสิ กวิดีโอเพลง " Take On Me " (1985) ของ A-haผสมผสานภาพยนตร์คนแสดงเข้ากับแอนิเมชั่นภาพวาดดินสอที่สมจริงโดยMichael Patterson ได้อย่างโด่งดัง วิดีโอเพลงนี้กำกับโดยSteve Barronซึ่งต่อมาได้กำกับภาพยนตร์แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์เรื่อง" Money for Nothing " ของ Dire Straitsในปีเดียวกัน วิดีโอเพลงของ A-ha ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์จบการศึกษา ของ Alex Patterson จาก CalArts เรื่อง Commuter (1984) ซึ่งดึงดูดความสนใจของผู้บริหาร Warner Bros. Records ^{[ 60 ]} และจะถูกนำมาใช้บางส่วนอีกครั้งใน วิดีโอ เพลง Train of Thoughtของ A-ha

นอกจากนี้ แพตเตอร์สันยังกำกับภาพยนตร์เรื่อง Opposites Attract (1989) ของพอลลา อับดุล ซึ่งมีตัวละครแอนิเมชั่นที่เขาสร้างขึ้นเองอย่าง MC Skat Katร่วม แสดงด้วย

มิวสิกวิดีโอ เพลง " The Harlem Shuffle " (1986) ของ วง The Rolling Stonesมีองค์ประกอบแอนิเมชั่นที่กำกับโดยRalph BakshiและJohn Kricfalusiซึ่งสร้างเสร็จภายในเวลาไม่กี่สัปดาห์

กันชนรายการลงจอดบนดวงจันทร์ดั้งเดิมของ MTV ถูกถอนออกในช่วงต้นปี 1986 หลังเกิดภัยพิบัติยานชาเลนเจอร์^{[ 70 ]}จากนั้น MTV ก็พัฒนาภาพลักษณ์ศิลปะ โพสต์ โมเดิร์นที่แปลก ใหม่ ด้วยกันชนรายการทดลองมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพเคลื่อนไหว^{[ 71 ]}โดยปกติแล้วนักสร้างภาพเคลื่อนไหวจะไม่ได้รับเครดิต แต่มีอิสระที่จะทำงานในสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง ตัวอย่างเช่นแดนนี่ แอนโทนุช ชี นักสร้างภาพเคลื่อนไหวชาวแคนาดา ได้สร้างผลงานโดยไม่เปิดเผยตัวตน โดยมี ตัวละคร ลูโป เดอะ บุตเชอร์ที่ได้รับอนุญาตให้พูดจาเพ้อเจ้ออย่างบ้าคลั่ง

ตั้งแต่ประมาณปี 1987 MTV มีแผนกแอนิเมชั่น เป็นของตัวเอง และค่อยๆ เริ่มนำแอนิเมชั่นมาแทรกในรายการเพลงมากขึ้นเรื่อยๆMicrotoonsของBill Plymptonเป็นตัวอย่างแรกๆ

การทดลองใช้คอมพิวเตอร์เพื่อสร้างภาพเคลื่อนไหว (แบบนามธรรม) เริ่มขึ้นตั้งแต่ทศวรรษ 1940 แต่ไม่ได้รับความสนใจมากนักจนกระทั่งเกมวิดีโออาร์เคด เชิงพาณิชย์ เริ่มวางจำหน่ายในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เกม Pong (1972) โดยAtari, Inc.ซึ่งใช้กราฟิกขาวดำสองมิติที่เรียบง่ายมาก และเกม Space InvadersของTaitoประสบความสำเร็จอย่างมากและปูทางไปสู่สื่อที่สามารถถือได้ว่าเป็นสาขาหนึ่งของการสร้างภาพเคลื่อนไหวด้วยคอมพิวเตอร์ แบบโต้ตอบ ตั้งแต่ปี 1974 การประชุม SIGGRAPH ประจำปี ได้ถูกจัดขึ้นเพื่อแสดงพัฒนาการและการวิจัยใหม่ๆ ในสาขากราฟิกคอมพิวเตอร์ (รวมถึงCGI ) แต่ภาพเคลื่อนไหวด้วยคอมพิวเตอร์นั้นแทบจะไม่เคยปรากฏให้เห็นในโทรทัศน์หรือโรงภาพยนตร์ (ยกเว้นการสาธิตโมเดลโครงร่าง3 มิติ ในฐานะเทคโนโลยีแห่งอนาคตที่ปรากฏบนหน้าจอในภาพยนตร์ฮอลลีวูดเรื่องใหญ่ๆ เช่นFutureworld (1976) และStar Wars (1977))

แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ 3 มิติเริ่มมีอิทธิพลทางวัฒนธรรมในวงกว้างมากขึ้นในช่วงทศวรรษ 1980 ตัวอย่างเช่น ในภาพยนตร์เรื่องTron ปี 1982 และมิวสิกวิดีโอเพลงMoney for Nothing (1985) ของวง Dire Straits แนวคิดนี้ยังก่อให้เกิดตัวละครAI แอนิเมชั่น 3 มิติปลอมที่ได้รับความนิยมอย่างมาก นั่นคือ Max Headroom (เปิดตัวในปี 1985)

ในช่วงทศวรรษ 1980 แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ยังกลายเป็นวิธีการที่ค่อนข้างแพร่หลายในการสร้างภาพเคลื่อนไหวสำหรับโลโก้และข้อความในโฆษณาทางทีวีและลำดับไตเติ้ลภาพยนตร์

ทศวรรษ 1990 เป็นช่วงเวลาที่ดิสนีย์ปล่อยภาพยนตร์ออกมามากมาย ซึ่งประสบความสำเร็จทั้งในด้านคำวิจารณ์และรายได้ กลับคืนสู่จุดสูงสุดที่ไม่เคยเห็นมาก่อนนับตั้งแต่ยุคทองของพวกเขาในช่วงทศวรรษ1930 ถึง 1960ช่วงเวลาระหว่างปี 1989 ถึง 1999 ปัจจุบันถูกเรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของดิสนีย์หรือยุคทองครั้งที่สอง และเริ่มต้นด้วยการออกฉายของเรื่องThe Little Mermaid (1989) ความสำเร็จของพวกเขาทำให้สตูดิโอภาพยนตร์รายใหญ่อื่นๆ ก่อตั้งแผนกแอนิเมชั่นใหม่ เช่นAmblimation , Fox Animation StudiosหรือWarner Bros. Feature Animationเพื่อเลียนแบบความสำเร็จของดิสนีย์โดยการเปลี่ยนภาพยนตร์แอนิเมชั่นของพวกเขาให้เป็นมิวสิคัลสไตล์ดิสนีย์ บางครั้งทศวรรษ 1990 จึงถูกเรียกว่า "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของแอนิเมชั่น" สำหรับแอนิเมชั่นโดยรวม รวมถึงทั้งภาพยนตร์แอนิเมชั่นในโรงภาพยนตร์และซีรีส์การ์ตูนทางโทรทัศน์

ภาพยนตร์แอนิเมชั่น ของดิสนีย์เรื่องBeauty and the Beast (1991) (ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องแรกที่ได้รับการเสนอชื่อ เข้าชิง รางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์ยอดเยี่ยม ), Aladdin (1992) และThe Lion King (1994) ต่างทำลายสถิติรายได้บ็อกซ์ออฟฟิศอย่างต่อเนื่อง ส่วนPocahontas (1995) ได้รับคำวิจารณ์ที่หลากหลายจากนักวิจารณ์ แต่ประสบความสำเร็จทางการเงิน ได้รับรางวัลออสการ์ สองรางวัล และได้รับการตอบรับที่ดีจากผู้ชมMulan (1998) และTarzan (1999) ไม่ได้ทำลายสถิติราย ได้สูงสุด ของ The Lion Kingในฐานะภาพยนตร์แอนิเมชั่น (แบบดั้งเดิม) ตลอดกาลแต่ได้รับการตอบรับที่ดีจากผู้ชมและด้านการเงิน โดยแต่ละเรื่องทำรายได้มากกว่า 300 ล้านดอลลาร์ทั่วโลกThe Hunchback of Notre Dame (1996) ประสบความสำเร็จทางการเงินในขณะนั้น แต่มีเนื้อหาที่มืดมนและเป็นเรื่องของผู้ใหญ่ และต่อมากลายเป็นหนึ่งในภาพยนตร์ที่คนรู้จักน้อยกว่าของดิสนีย์ แม้ว่าจะมีกลุ่มแฟนคลับเฉพาะกลุ่มอยู่ก็ตาม มีเพียงภาคต่ออย่างThe Rescuers Down Under (1990) และHercules (1997) เท่านั้นที่ทำรายได้ต่ำกว่าที่คาดการณ์ไว้ แต่ทั้งสองเรื่องก็ได้รับการตอบรับที่ดีจากผู้ชมเช่นเดียวกับภาพยนตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของดิสนีย์เรื่องอื่นๆ

ตั้งแต่เรื่องThe Return of Jafarในปี 1994 จนถึงTinker Bell and the Legend of the NeverBeastในปี 2015 ดิสนีย์ยังคงสร้างภาคต่อความยาวเต็มเรื่องของภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จ แต่เป็นการ วางจำหน่าย ในรูปแบบวิดีโอโดยตรงผ่านทางWalt Disney Studios Home Entertainmentเท่านั้น

รายการ The Ren & Stimpy Show (1991–1996) ผลงาน อันทรงอิทธิพลของ John Kricfalusi ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวาง ตลอดช่วงการออกอากาศครั้งแรก รายการนี้เป็นรายการโทรทัศน์เคเบิลที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา แม้ว่าจะออกอากาศในฐานะการ์ตูนสำหรับเด็กทาง ช่อง Nickelodeonแต่ก็เป็นที่ถกเถียงกัน อย่างมาก เนื่องจากอารมณ์ขันที่มืดมนการพูดจาเสียดสีทางเพศอารมณ์ขันของผู้ใหญ่เนื้อหาที่ค่อนข้างรุนแรงคำหยาบความรุนแรงและความน่าตกใจ The Ren & Stimpy Showเป็นการ์ตูนเรื่องที่สามที่ออกอากาศพร้อมกับDoug (1991–1994, 1996–1999) และRugrats (1991–1994, 1997–2004) ทางช่องโทรทัศน์ Nickelodeon ที่ต้องเสียค่า เข้าชม Klasky Csupoสตูดิโอแอนิเมชั่นที่อยู่เบื้องหลัง Rugrats ได้ผลิตและสร้างแอนิเมชั่นรายการที่กำหนดยุคสมัยให้กับช่องสำหรับเด็กในช่วงทศวรรษ 1990 และ 2000 เมื่อสตูดิโอดังกล่าวค่อยๆ เลือนหายไปจากวงการในปี 2008 ก็ได้มีการแต่งตั้งFrederator Studios เข้ามาแทนที่ ซึ่งเป็นสตูดิโอที่อยู่เบื้องหลังการ์ตูนเรื่องThe Fairly OddParents (2001–2006, 2009–2017) Frederator ยังคงดำเนินกิจการต่อไปในช่วงปี 2000 และ 2010 ก่อนที่จะค่อยๆ เลือนหายไปจากวงการในปี 2017

ก่อนปี 1991 นิคเคโลเดียนจะนำการ์ตูนจากช่องอื่นมาฉายในเครือข่ายของตน ซึ่งเป็นแนวทางที่ยังคงดำเนินอยู่จนถึงปัจจุบัน ตัวอย่างการ์ตูนที่นำเข้าสู่ช่องนิคเคโลเดียน ได้แก่Angela Anaconda (1999–2001) จากFox Family Channel (พร้อมการฉายในต่างประเทศ), Wayside (2005, 2007–2008) จากช่องTeletoon ของแคนาดา และGrowing Up Creepie (2006–2008) จากDiscovery Kidsการ์ตูนที่นำเข้าและประสบความสำเร็จมากที่สุดคือPAW Patrol (2013–ปัจจุบัน) จากSpin Masterซึ่งเป็นเครือข่ายของแคนาดาอีกแห่งหนึ่ง โดยออกอากาศในช่องย่อยNick Jr. ของนิคเคโลเดียน ซึ่งรายการในช่องนี้มุ่งเป้าไปที่เด็กเล็กมากกว่าเด็กหรือวัยรุ่นส่วนการ์ตูนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดใน Nick Jr. คือDora the Explorer (2000-2019) หลายปีก่อนที่ช่อง Nick จะรุ่งเรืองในยุค 90 ช่อง Nickelodeon ได้เปิดตัวตอนนำร่อง (ที่ไม่ได้ออกอากาศ) ของVideo Dream Theatreในปี 1979 หรือ 1980 และในไม่ช้าก็มีผลงานแอนิเมชั่นต้นฉบับอีกสองเรื่องที่ล้มเหลว ซึ่งได้แก่ตอนนำร่องที่ออกอากาศของChristmas in Tattertownในปี 1988 และNick's Thanksgiving Festในปี 1989

ถึงแม้ว่า Doug, Rugrats และ The Ren & Stimpy Show จะเป็นสามการ์ตูนเรื่องแรกๆ ที่ เป็นซูเปอร์สตาร์ ของ Nicktoonsในประวัติศาสตร์ แต่ Nicktoons ก็ได้ออกอากาศตอนแรกของRocko's Modern Lifeในวันที่ 18 กันยายน 1993 (1996-2019) นอกจากนี้ Nicktoons ยังเริ่มนำเสนอการ์ตูนเรื่องอื่นๆ เพิ่มเติม เช่นHey Arnold! (1996-2004, 2017), The Angry Beavers (1997-2001), CatDog (1998-2001/2005) และRocket Power (1999-2004) ในช่วงแรกRugratsเป็นแฟรนไชส์หลักของ Nickelodeon ก่อนที่จะถูกแซงหน้าโดยSpongeBob SquarePants (1999-ปัจจุบัน) ในปี 2004 เมื่อช่องเปลี่ยนชื่อใหม่พร้อมกับการออกอากาศภาพยนตร์ SpongeBob เรื่องแรก เช่นเดียวกับรายการ The Ren & Stimpy Showการ์ตูนSpongeBob SquarePantsก็มีเนื้อหาที่สื่อถึงเรื่องเพศ มุกตลกสำหรับผู้ใหญ่ เนื้อหาที่เกี่ยวกับผู้ใหญ่ มุกตลกเสียดสี ความรุนแรง และการสร้างความตกใจ

เมื่อวันที่ 13 กันยายน 1993 ช่อง Fox Kids ได้ออกอากาศตอนแรกของAnimaniacs (1993–1998, 2020–2023) และในปี 1999 ภาพยนตร์ Animaniacsเรื่องWakko's Wishก็ได้ออกฉาย ความสำเร็จอย่างมหาศาลของThe Simpsons (1989–ปัจจุบัน) ได้กระตุ้นให้เกิดรายการการ์ตูนแอนิเมชั่นสำหรับผู้ใหญ่ที่แปลกใหม่และค่อนข้างท้าทายมากขึ้น เช่นSouth Park (1997–ปัจจุบัน), King of the Hill (1997–2010), Family Guy (1999-ปัจจุบัน) และFuturama (1999–2003, 2008–2013, 2023–ปัจจุบัน)

การใช้แอนิเมชั่นใน MTV เพิ่มขึ้นเมื่อช่องเริ่มสร้างรายการที่ไม่เข้ากับคำจำกัดความของ "โทรทัศน์เพลง" มากขึ้น รายการLiquid Television (1991–1995) นำเสนอผลงานที่ส่วนใหญ่สร้างโดยนักแอนิเมเตอร์อิสระที่สร้างขึ้นเพื่อรายการโดยเฉพาะ และก่อให้เกิดรายการแยกต่างหาก ได้แก่ Æon Flux (1991-1995), Beavis and Butt-Head (1993–1997) และDaria (1997–2002) ซีรีส์การ์ตูนอื่นๆ ในยุค 1990 ของ MTV ได้แก่The Head (1994–1996) และThe Maxx (1995) ซึ่งทั้งสองรายการอยู่ภายใต้ แบนเนอร์ Oddities ของ MTVในปี 2001 MTV ได้ปิดแผนกแอนิเมชั่น เริ่มจ้างผลิตซีรีส์แอนิเมชั่นจากภายนอก และในที่สุดก็เริ่มนำเข้ารายการจากเครือข่ายพันธมิตร

ช่องCartoon Network ของ Warner Bros. ซึ่งออกอากาศ ตลอด 24 ชั่วโมงเปิดตัวในสหรัฐอเมริกาเมื่อวันที่ 1 ตุลาคม 1992 และตามมาด้วยเวอร์ชันต่างประเทศ ในเวลาต่อ มา เดิมทีรายการประกอบด้วยการ์ตูนคลาสสิกจากคลังภาพยนตร์ของ Warner Bros., MGM, Fleischer/Famous และ Hanna-Barbera ตั้งแต่ปี 1996 ถึง 2003 มีซีรีส์ต้นฉบับใหม่ออกอากาศในชื่อCartoon Cartoonsซึ่งรวมถึงเรื่องยอดนิยมอย่างDexter's Laboratory (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000), The Powerpuff Girls (1998–2005), Ed, Edd n Eddy (1999–2009) และCourage the Cowardly Dog (1999–2002)

แอนิเมชั่นสำหรับเด็กทางโทรทัศน์ยังคงเฟื่องฟูในสหรัฐอเมริกาทางช่องเคเบิลเฉพาะกลุ่มอื่นๆ เช่นDisney Channel / Disney XD , PBS Kidsและในช่วงเวลาออกอากาศซ้ำในตอนบ่าย ตัวอย่างการ์ตูนแอนิเมชั่นของดิสนีย์ในยุค 90 ได้แก่TaleSpin (1990–1991 ), Darkwing Duck ( 1991–1992), Goof Troop (1992, 1995, 2000), Bonkers (1993–1994), Aladdin (1994–1995, 1996), Gargoyles (1994–1997), Timon & Pumbaa (1995–1999), 101 Dalmatians (1997–1998), Pepper Ann (1997–2000) และDisney's Recess (1997–2001, 2003)

ช่อง Disney Channel (เป็นของDisney Branded Television ), Nickelodeon (เป็นของViacomซึ่งปัจจุบันรู้จักกันในชื่อParamount Skydance ) และ Cartoon Network (เป็นของWarner Bros. Animation ) ครองตลาดอุตสาหกรรมโทรทัศน์แอนิเมชั่น ช่องทั้งสามนี้ถือเป็น "สามช่องใหญ่" ของวงการบันเทิงสำหรับเด็ก

ในช่วงทศวรรษ 1990 แอนิเมชั่น 3 มิติเริ่มเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ โดยเฉพาะในวิดีโอเกม และในที่สุดก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในปี 1995 กับภาพยนตร์ เรื่องToy Story ของ Pixar

แอนิเมชั่น 3 มิติที่สมจริงราวกับภาพถ่ายถูกนำมาใช้เป็นเทคนิคพิเศษในโฆษณาและภาพยนตร์บางเรื่องตั้งแต่ทศวรรษ 1980 ก่อนที่จะมีการสร้างเทคนิคพิเศษที่ก้าวล้ำในภาพยนตร์เรื่องTerminator 2: Judgment Day (1991) และJurassic Park (1993) นับตั้งแต่นั้นมา เทคนิคต่างๆ ก็พัฒนาไปถึงขั้นที่ความแตกต่างระหว่างภาพที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์กราฟิก (CGI) กับภาพยนตร์ที่ถ่ายทำจริงแทบจะไม่ชัดเจน ผู้สร้างภาพยนตร์สามารถผสมผสานภาพทั้งสองประเภทเข้าด้วยกันได้อย่างไร้รอยต่อด้วยการถ่ายทำภาพยนตร์เสมือนจริง ภาพยนตร์เรื่องThe Matrix (1999) และภาคต่ออีกสองภาค มักถูกมองว่าเป็นภาพยนตร์ที่สร้างความก้าวหน้าในด้านนี้

การสร้างโลกเสมือนจริงช่วยให้สามารถ สร้างแอนิเมชั่น แบบเรียลไทม์ใน ความเป็นจริงเสมือน ซึ่งเป็นสื่อที่ได้รับการทดลองใช้มาตั้งแต่ปี 1962 และเริ่มมีการนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์เพื่อความบันเทิงในช่วงทศวรรษ 1990

การเปิดตัวเวิลด์ไวด์เว็บทำให้ความสนใจในกราฟิกเคลื่อนไหวและแอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์เพิ่มสูงขึ้น ก่อให้เกิดแอปพลิเคชัน เทคนิค และตลาดใหม่ๆ มากมายสำหรับสิ่งที่ต่อมาเรียกว่าสื่อใหม่

หลังจากความสำเร็จของToy Story (1995) จากPixarและShrek (2001) จากDreamWorks Animationแอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ก็กลายเป็นเทคนิคแอนิเมชั่นที่โดดเด่นในสหรัฐอเมริกาและอีกหลายประเทศ แม้แต่แอนิเมชั่นที่ดูเหมือนแบบดั้งเดิมก็มักสร้างขึ้นด้วยคอมพิวเตอร์ทั้งหมด โดยใช้เทคนิคต่างๆ เช่น การลงสีแบบเซลล์เชดดิ้งเพื่อจำลองรูปลักษณ์ที่ต้องการของแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม (การลงสีแบบเซลล์เชดดิ้งแบบเรียลไทม์อย่างแท้จริงได้รับการแนะนำครั้งแรกในปี 2000 โดยJet Set RadioของSegaสำหรับ เครื่อง Dreamcast ) แต่ในปี 2004 มีเพียงงานสร้างขนาดเล็กเท่านั้นที่ยังคงใช้เทคนิคแบบดั้งเดิมอยู่

ช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 ภาพยนตร์ 3 มิติ ก็ กลายเป็นกระแสหลักในโรงภาพยนตร์ กระบวนการผลิตและรูปแบบภาพของ CGI เหมาะสมอย่างยิ่งสำหรับการรับชมแบบ 3 มิติ มากกว่ารูปแบบและวิธีการสร้างแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิม อย่างไรก็ตาม ภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมหลายเรื่องก็สามารถสร้างผลลัพธ์ที่น่าประทับใจในรูปแบบ 3 มิติได้ ดิสนีย์ประสบความสำเร็จในการปล่อยภาพยนตร์เรื่องThe Lion King เวอร์ชัน 3 มิติ ในปี 2011 ตามด้วยBeauty and the Beastในปี 2012 เวอร์ชัน 3 มิติของThe Little Mermaid ที่วางแผนไว้ ถูกยกเลิกเมื่อBeauty and the Beastและภาพยนตร์ของพิกซาร์อีกสอง เรื่อง ที่แปลงเป็น 3 มิติไม่ประสบความสำเร็จมากพอในบ็อกซ์ออฟฟิศ^{[ 72 ]}

ดิสนีย์เริ่มผลิตภาพยนตร์แอนิเมชั่น 3 มิติด้วยคอมพิวเตอร์ในเรื่องDinosaurและChicken Littleแต่ก็ยังคงสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นในรูปแบบดั้งเดิมต่อไป ได้แก่The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003) และHome on the Range (2004)

Treasure PlanetและHome on the Rangeล้มเหลวอย่างมากแม้จะมีงบประมาณมหาศาล และดูเหมือนว่าดิสนีย์จะยังคงใช้แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ 3 มิติต่อไป การวิเคราะห์ทางการเงินในปี 2549 พิสูจน์ให้เห็นว่าดิสนีย์ขาดทุนจากการผลิตแอนิเมชั่นในช่วงสิบปีที่ผ่านมา^{[ 73 ]}ในขณะเดียวกัน ภาพยนตร์แอนิเมชั่น CGI ของพิกซาร์กลับประสบความสำเร็จอย่างมาก เพื่อพลิกสถานการณ์ ดิสนีย์จึงเข้าซื้อกิจการพิกซาร์ในปี 2549 และมอบอำนาจควบคุมความคิดสร้างสรรค์ของทั้งพิกซาร์และวอลต์ดิสนีย์แอนิเมชั่น สตูดิโอ ให้กับจอห์น ลาสเซ เตอร์ แห่งพิกซาร์ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของข้อตกลง สตูดิโอทั้งสองจะยังคงเป็นนิติบุคคล แยกต่างหาก ภายใต้การบริหารของลาสเซเตอร์ สตูดิโอของดิสนีย์ได้พัฒนาโครงการแอนิเมชั่นทั้งแบบดั้งเดิมและแบบ 3 มิติ

ภาพยนตร์สั้นเรื่องHow to Hook Up Your Home Theater (2007) ทดสอบว่ากระบวนการสร้างแอนิเมชั่นแบบไร้กระดาษแบบใหม่สามารถนำมาใช้สร้างภาพที่คล้ายกับการ์ตูนในยุคปี 1940 และ 1950 ได้หรือไม่ โดยกูฟฟี่กลับมารับบทบาท " ตัวแทนคนธรรมดา " อีกครั้งในการปรากฏตัวเดี่ยวครั้งแรกในรอบ 42 ปี

ภาพยนตร์เรื่อง The Princess and the Frog (2009) ของรอน เคลเมนต์และจอห์น มัสเกอร์ประสบความสำเร็จในระดับปานกลางทั้งในด้านรายได้และคำวิจารณ์ แต่ไม่ใช่ภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากจนทำให้ภาพยนตร์แนวนี้กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งอย่างที่สตูดิโอหวังไว้ ความล้มเหลวที่เกิดขึ้นส่วนใหญ่เกิดจากการใช้คำว่า "เจ้าหญิง" ในชื่อเรื่อง ทำให้ผู้ชมคิดว่าภาพยนตร์เรื่องนี้เหมาะสำหรับเด็กผู้หญิงตัวเล็กๆ เท่านั้น และล้าสมัยไปแล้ว

วินนี่เดอะพูห์ (2011) ได้รับคำวิจารณ์ในเชิงบวก แต่ล้มเหลวในด้านรายได้บ็อกซ์ออฟฟิศ และเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมเรื่องล่าสุดของดิสนีย์จนถึงปัจจุบัน แม้ว่าสตูดิโอจะระบุในปี 2019 และ 2023 ว่าพวกเขายินดีรับข้อเสนอจากผู้สร้างภาพยนตร์สำหรับโครงการภาพยนตร์แอนิเมชั่นแบบวาดด้วยมือในอนาคต ^{[ 74 ] [ 75 ]}โฟรเซ่น (2013) เดิมทีถูกสร้างขึ้นในรูปแบบดั้งเดิม แต่เปลี่ยนมาใช้ CGI 3 มิติ เพื่อให้สามารถสร้างองค์ประกอบภาพที่จำเป็นบางอย่างได้ ภาพยนตร์เรื่องนี้กลายเป็นภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของดิสนีย์ในขณะนั้น แซงหน้าทั้งเดอะไลออนคิง และ ทอยสตอรี่ 3ของพิกซาร์ในฐานะภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาลและได้รับรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์แอนิเมชั่นยอดเยี่ยมเป็นครั้งแรกของสตูดิโอ

แอนิเมชั่นที่วาดด้วยมือยังคงได้รับความนิยมอย่างมากนอกสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะในญี่ปุ่น ซึ่งอนิเมะในรูปแบบดั้งเดิมยังคงเป็นเทคนิคที่โดดเด่น ความนิยมของอนิเมะยังคงเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องทั้งในประเทศ โดยมีจำนวนซีรีส์อนิเมะออกอากาศทางโทรทัศน์สูงเป็นประวัติการณ์ถึง 340 เรื่องในปี 2015 รวมถึงในระดับนานาชาติด้วย โดยมี รายการ Toonamiทาง Cartoon Network (1997–2008) และAdult Swim (ตั้งแต่ปี 2012) และบริการสตรีมมิ่งอย่างNetflixและAmazon Primeที่ได้รับลิขสิทธิ์และผลิตอนิเมะเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ

Studio Ghibli ยังคงประสบความสำเร็จอย่างมากกับผลงานของมิยาซากิเรื่องSpirited Away (2001),ハウルの動く城 (Howl's Moving Castle) (2004),崖の上のポニョ (Ponyo) (2008) และ風立ちぬ (The Wind Rises) (2013) และHiromasa Yonebayashi借りぐらしのロエッテイ (The Secret World of Arrietty) (2010) ซึ่งทำรายได้ทั้งหมดมากกว่า 100 ล้านเหรียญทั่วโลก และปรากฏใน 20 อันดับแรกของภาพยนตร์อนิเมะที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาล (ณ ปี 2024) ภาพยนตร์เรื่อง かぐや姫の物語 (The Tale of the Princess Kaguya)ของทาคา ฮาตะ (2013) ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์แอนิเมชันยอดเยี่ยม Academy Award และรางวัลอื่นๆ อีกมากมาย

Makoto Shinkaiกำกับเรื่องYour Name ( 2016 ซึ่งเป็นภาพยนตร์อนิเมะที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาลในระดับสากล) และ天気の子 (Weathering with You) (2019)

การ์ตูน Nicktoons ในศตวรรษที่ 21 ได้แก่Invader Zim (2001–2006, 2019), Jimmy Neutron (2001, 2002–2006), ChalkZone (2002–2008), Avatar: The Last Airbender (2005–2008), และCatscratch (2005-2007), Back at the Barnyard (2006, 2007-2011), The Mighty B! (2008-2011), ซีรีส์ภาคแยกของ Avatar เรื่อง The Legend of Korra (2012–2014), Harvey Beaks (2015–2017), Pig Goat Banana Cricket (2015–2018), It's Pony (2020–2022), Glitch Techs (2020), Middlemost Post (2021-2022), Star Trek: Prodigy (2021-2022), Big Nate (2022-2024), Rock Paper Scissors (2024–ปัจจุบัน) และWylde Pak (2025–ปัจจุบัน)

ตัวอย่างการ์ตูนของ Cartoon Network ในศตวรรษที่ 21 ได้แก่Samurai Jack (2001–2004, 2017), Codename: Kids Next Door (2002–2008), Teen Titans (2003–2006), Foster's Home for Imaginary Friends (2004-2009), Ben 10 (2005–2008), The Marvelous Misadventures of Flapjack (2008-2010), Adventure Time (2010–2018), Regular Show (2010–2017), The Amazing World of Gumball (2011–2019) และSteven Universe (2013–2019)

หลังจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของดิสนีย์ (Disney Renaissance) ดิสนีย์ได้ผลิตรายการต่างๆ เช่นKim Possible (2002–2006, 2007), Phineas and Ferb (2007–ปัจจุบัน) , Gravity Falls (2012–2016) , Star vs. the Forces of Evil (2015–2019), The Lion Guard ( 2016–2019), DuckTales (2017–2021), Big City Greens (2018-ปัจจุบัน), Amphibia (2019–2022), The Owl House (2020–2023) และMonsters at Work (2021–2024)

หลังจากผลงานบุกเบิกของบุคคลสำคัญอย่างเจ. สจ๊วต แบล็กตัน , เซกุนโด เดอ โชโมนและอาร์เธอร์ เมลเบิร์น-คูเปอร์แอนิเมชั่นแบบสต็อปโมชั่นก็กลายเป็นสาขาหนึ่งของแอนิเมชั่นที่มีบทบาทน้อยกว่าแอนิเมชั่นแบบวาดด้วยมือและแอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ อย่างไรก็ตาม ก็มีภาพยนตร์และซีรีส์โทรทัศน์แบบสต็อปโมชั่นที่ประสบความสำเร็จมากมาย ในบรรดานักสร้างแอนิเมชั่นที่มีผลงานหุ่นดินเหนียวเคลื่อนไหวที่ได้รับการยกย่องสูงสุด ได้แก่วลาดิสลาฟ สตาเรวิช , จอร์จ พาลและเฮนรี เซลิคผลงานยอดนิยมที่ใช้ดินเหนียวในการเคลื่อนไหวได้แก่กัมบี้ (1955), มิโอ เหมา (1970), เดอะ เรด แอนด์ เดอะ บลู (1976), พลอนสเตอร์ส (1987-1997), ฟ็อกซี่ เฟเบิลส์ (1989), ปิงกู (1990–2000) และผลงานของอาร์ดแมน แอนิเมชั่น อีกมากมาย ( มอร์ฟ (1977) และวอลเลซ แอนด์ กรอมิต (1989))

ในมือของผู้สร้างภาพยนตร์ที่มีอิทธิพลอย่างเช่นแยน สวานก์มาเยอร์และบราเธอร์ส เควย์ภาพเคลื่อนไหวแบบสต็อปโมชั่นได้รับการยกย่องว่าเป็นสื่อศิลปะชั้นสูง

ก่อนที่จะถูกแทนที่ด้วยเทคนิคแอนิเมชั่นด้วยคอมพิวเตอร์ แอนิเมชั่นแบบสต็อปโมชั่นก็เป็นเทคนิคยอดนิยมสำหรับการสร้างเอฟเฟ็กต์พิเศษในภาพยนตร์คนแสดงเช่นกันวิลลิส โอ' ไบรอัน ผู้บุกเบิก และเรย์ แฮร์ริเฮาเซน ลูกศิษย์ของเขา ได้สร้างแอนิเมชั่นสัตว์ประหลาดและสิ่งมีชีวิตมากมายสำหรับภาพยนตร์ฮอลลีวูดคนแสดง โดยใช้โมเดลหรือหุ่นที่มีโครงสร้าง ในทางตรงกันข้าม แอนิเมชั่นที่วาดด้วยมือมักถูกนำมาใช้ร่วมกับภาพยนตร์คนแสดง แต่โดยปกติแล้วจะเป็นในลักษณะที่เห็นได้ชัดเจน และมักใช้เป็นลูกเล่นที่น่าประหลาดใจซึ่งผสมผสานโลก "แห่งความเป็นจริง" กับโลกแห่งจินตนาการหรือความฝัน มีเพียงไม่กี่ครั้งเท่านั้นที่แอนิเมชั่นที่วาดด้วยมือถูกนำมาใช้เป็นเอฟเฟ็กต์พิเศษที่น่าเชื่อถือ (ตัวอย่างเช่น ในฉากไคลแม็กซ์ของHighlander (1986))

เทคนิคการตัดแปะภาพถูกนำมาใช้ค่อนข้างบ่อยในภาพยนตร์แอนิเมชั่น จนกระทั่งแอนิเมชั่นแบบเซลล์กลายเป็นวิธีการมาตรฐาน (อย่างน้อยก็ในสหรัฐอเมริกา) ภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องยาวเรื่องแรกๆ โดยQuirino CristianiและLotte Reinigerก็เป็นแอนิเมชั่นแบบตัดแปะภาพเช่นกัน

ก่อนปี พ.ศ. 2477 แอนิเมชั่นญี่ปุ่นส่วนใหญ่ใช้เทคนิคการตัดต่อภาพมากกว่าแอนิเมชั่นแบบเซลลูลอยด์ เนื่องจากเซลลูลอยด์มีราคาแพงเกินไป^{[ 76 ] [ 77 ]}

เนื่องจากภาพตัดปะมักวาดด้วยมือ และบางผลงานผสมผสานเทคนิคการสร้างแอนิเมชั่นหลายอย่างเข้าด้วยกัน แอนิเมชั่นภาพตัดปะจึงอาจดูคล้ายกับแอนิเมชั่นแบบดั้งเดิมที่วาดด้วยมือมาก

แม้ว่าบางครั้งจะถูกนำมาใช้เป็นวิธีการสร้างแอนิเมชั่นที่เรียบง่ายและราคาถูกในรายการสำหรับเด็ก (เช่นในเรื่องIvor the Engine ) แต่แอนิเมชั่นแบบตัดกระดาษก็ยังคงเป็นสื่อศิลปะและเชิงทดลองที่ค่อนข้างโดดเด่นในมือของผู้สร้างภาพยนตร์อย่างHarry Everett Smith , Terry Gilliam , John KortyและJim Blashfield

ปัจจุบัน แอนิเมชั่นแบบตัดแปะมักผลิตโดยใช้คอมพิวเตอร์โดยใช้ภาพที่สแกนหรือกราฟิกเวกเตอร์แทนการตัดวัสดุจริงSouth Parkเป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของการเปลี่ยนแปลงนี้ เนื่องจากตอนแรกสุด ของเรื่อง สร้างด้วยการตัดกระดาษก่อนที่จะเปลี่ยนมาใช้ซอฟต์แวร์คอมพิวเตอร์การเลือกใช้สไตล์ที่คล้ายคลึงกันและการผสมผสานเทคนิคต่างๆ ในแอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ ทำให้ยากที่จะแยกแยะความแตกต่างระหว่างแอนิเมชั่นแบบ "ดั้งเดิม" แบบตัดแปะ และแบบ Flash

• ปี 1970: ฮวน ปาดรอนสร้างตัวละครเอลปิโด วัลเดสตัวเอกของซีรีส์ภาพยนตร์สั้นที่ฉายต่อเนื่องยาวนาน และภาพยนตร์อีกสองเรื่อง
• 1992: มีการเพิ่มหมวดหมู่แอนิเมชันในFestival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano

• พ.ศ. 2478 (ค.ศ. 1935) Alfonso Vergara อำนวยการสร้างPaco Perico en premierซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชันขนาดสั้น
• พ.ศ. 2517 (ค.ศ. 1974) เฟอร์นันโด รุยซ์ผลิต Los tres Reyes Magosซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องยาวเรื่องแรกของเม็กซิโก
• ปี 1977: อานูอาร์ บาดิน สร้างภาพยนตร์เรื่องLos supersabiosโดยดัดแปลงมาจากหนังสือการ์ตูน
• 1983: ราชาแห่งอวกาศ

• 1977: Allegro Non Troppoผลงานคลาสสิกที่ล้อเลียน/ยกย่องFantasia ของดิสนีย์ เป็นผลงานที่ทะเยอทะยานที่สุดของ ผู้กำกับ Bruno Bozzetto และเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นขนาวยาวเรื่องที่สามของเขา ต่อจาก ภาพยนตร์แนวคาวบอยตะวันตกเรื่องWest and Sodaและภาพยนตร์ล้อเลียนซูเปอร์ฮีโร่เรื่อง VIP my Brother Supermanและหลังจากภาพยนตร์สั้นที่โดดเด่นหลายเรื่อง (รวมถึงMr. RossiและGrasshoppers (Cavallette) ที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์ ) ^{[ 78 ]}

• ปี 1953: บริษัท Zagreb Filmเปิดโรงเรียนสอนแอนิเมชั่นแห่งซาเกร็บ อย่างเป็นทางการ
• พ.ศ. 2518 (ค.ศ. 1975): Škola Animiranog Filma Šakovec (ŠAF) เปิดตัวโรงเรียนสอนแอนิเมชันŠakovec

• ภาคต่อในปี 1921 ของ " เกอร์ตี้ ไดโนเสาร์ " ผลงานของวินเซอร์ แม็กเคย์ในปี 1914 ซึ่งเป็นการ์ตูนเรื่องแรกที่มีแอนิเมชั่นแบบมีบุคลิก

• ครั้งแรกในวงการแอนิเมชั่น
• ประวัติของอนิเมะ
• ประวัติศาสตร์ศิลปะ
• ประวัติของ Cartoon Network
• ประวัติศาสตร์ของหนังสือการ์ตูน
• ประวัติของดิสนีย์แชนแนล
• ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์
• ประวัติของมังงะ
• ประวัติของนิคเคโลเดียน
• ประวัติศาสตร์ของโทรทัศน์
• ประวัติของวิดีโอเกม
• ประวัติของ YouTube

• Llewellyn, Richard (2013). "Chronology of Animation Introduction". Richard's Animated Divots. Archived from the original on 2021-01-19. Retrieved 2011-02-28.
• "List of animation films produced in Europe". Animation Europe.
• Herbert, Stephen. "Animation before film". Wheel of Life. Archived from the original on June 13, 2013.
• Chinese Film Classics: Animation and cartoons (manhua): Examples and discussion of animation in the early Chinese film industry, from the scholarly website chinesefilmclassics.org