ดนตรีคลาสสิกเป็นประเพณีของดนตรีศิลปะในโลกตะวันตกซึ่งถือว่าแตกต่างจากดนตรีพื้นบ้านตะวันตกหรือดนตรีป๊อปบางครั้งก็ถูกเรียกว่าดนตรีคลาสสิกตะวันตกเนื่องจากคำว่า "ดนตรีคลาสสิก" สามารถนำไปใช้กับดนตรีศิลปะที่ไม่ใช่ตะวันตกได้เช่นกัน ดนตรีคลาสสิกมักมีลักษณะเฉพาะคือความเป็นทางการและความซับซ้อนในรูปแบบดนตรีและการจัดระเบียบฮาร์โมนิก [ ^{1 ] โดย}เฉพาะอย่างยิ่งการใช้โพลีโฟนี [ ^{2 ] นับ}ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมา ดนตรีคลาสสิกเป็นประเพณีที่เขียนเป็นหลัก[ ^{2 ] ก่อ}ให้เกิด ระบบ การบันทึก ที่ซับซ้อน รวมถึงวรรณกรรมประกอบในด้านการ วิเคราะห์การวิจารณ์ประวัติศาสตร์ดนตรีวิทยาและปรัชญา

ดนตรีในยุคกลางตอนต้นที่หลงเหลืออยู่มีรากฐานมาจากการอุปถัมภ์ของโบสถ์และราชสำนักในยุโรป^{[ 1 ]}โดยส่วนใหญ่เป็นดนตรีทางศาสนา ดนตรีแบบเสียงเดียวและดนตรีขับร้อง ต้นฉบับดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่มีอายุตั้งแต่สมัยจักรวรรดิคาโรลิง (800–887) ^{[ 3 ]}ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่เพลงสวด แบบตะวันตก ค่อยๆ รวมตัวกันเป็นสิ่งที่เรียกว่าเพลงสวดเกรกอเรียน [ ^{4 ] ศูนย์กลาง}ทางดนตรีมีอยู่ที่อารามเซนต์กัล ล์ อารามเซนต์มาร์เชียลและอารามเซนต์เอ็มเมอรัมในขณะที่ศตวรรษที่ 11 ได้เห็นการพัฒนาระบบโน้ตดนตรีและผลงานที่เพิ่มขึ้นจากนักทฤษฎีดนตรีในยุคกลางในช่วงกลางศตวรรษที่ 12 ฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์กลางทางดนตรีที่สำคัญของยุโรป^{[ 3 ]} โรงเรียนดนตรี ทางศาสนานอเทรอดาม เป็นกลุ่มแรกที่สำรวจ จังหวะที่เป็นระบบและดนตรีหลายเสียงอย่างเต็มที่ในขณะที่ ดนตรี ฆราวาสเฟื่องฟูด้วย ประเพณี ของนักกวีและนักดนตรีที่นำโดยขุนนาง^{[ 5 ]} สิ่งนี้ถึงจุดสูงสุดใน ars nova ของฝรั่งเศส และTrecento ของอิตาลี ที่ได้รับการสนับสนุนจากราชสำนักซึ่งพัฒนาไปสู่​​ars subtiliorซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวทางสไตล์ที่มีความหลากหลายทางจังหวะอย่างมาก^{[ 5 ]}เริ่มต้นในต้นศตวรรษที่ 15 นักประพันธ์เพลง ยุคเรเนสซองส์ของโรงเรียน Franco-Flemish ที่ทรงอิทธิพล ได้สร้างขึ้นบนหลักการประสานเสียงในcontenance angloise ของอังกฤษ นำดนตรีประสานเสียงไปสู่มาตรฐานใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงมิสซาและโมเต็ต [ ^{6 ] ใน}ไม่ช้าอิตาลีตอนเหนือก็กลายเป็นภูมิภาคดนตรีศูนย์กลาง ซึ่งโรงเรียนโรมันได้มีส่วนร่วมในวิธีการประสานเสียงที่ซับซ้อนอย่างมากในประเภทต่างๆ เช่นมาดริกัล [ ^{6 ] ซึ่ง} เป็นแรงบันดาลใจให้กับโรงเรียน มา ดริกัลของอังกฤษในช่วงเวลาสั้นๆ

ยุคบาโรก (ค.ศ. 1580–1750) ได้เห็นการกำหนดมาตรฐานของโทนเสียงตามแบบแผนทั่วไป [ ^{7 ]}รวมถึงความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรีซึ่งพัฒนาไปสู่วงดนตรีขนาดใหญ่ อิตาลียังคงมีบทบาทสำคัญ โดยเป็นแหล่งกำเนิดของโอเปราแนวเพลงคอนแชร์โตที่เน้นนักร้องเดี่ยว^รูปแบบโซนาตา ที่มีการจัดระเบียบ ตลอดจนแนวเพลงออราโทริโอและแคนตาตาที่เน้นเสียงร้องขนาดใหญ่เทคนิคฟิวก์ที่โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค ยกย่องเป็นตัวอย่างของแนวโน้มบาโรกที่เน้นความซับซ้อน และเพื่อเป็นการตอบโต้ จึงได้มีการพัฒนารูปแบบดนตรีแบบกาลังต์และเอมพฟินด์ซัมไคต์ที่เรียบง่ายและเหมือนเพลงร้องขึ้น มา ในยุคคลาสสิก ที่สั้นกว่าแต่มีความสำคัญ (ค.ศ. 1750–1820) นักประพันธ์เพลงอย่างWolfgang Amadeus Mozart , Joseph HaydnและLudwig van Beethoven ได้สร้างผลงานที่ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวาง ซึ่ง เป็น ตัวแทนของดนตรีสัมบูรณ์^{[ 8 ] [ 9 ]}ซึ่งรวมถึงซิมโฟนีควอเต็ตเครื่องสายและคอนแชร์โตดนตรีโรแมนติก ในยุคต่อมา (ค.ศ. 1800–1910) มุ่งเน้นไปที่ดนตรีโปรแกรม แทน ซึ่งเพลงศิลปะบทกวีซิมโฟนีและ ประเภท เปียโน ต่างๆ เป็นเครื่องมือสำคัญ ในช่วงเวลานี้ความสามารถทางเทคนิคได้รับการยกย่อง ความยิ่งใหญ่ได้รับการส่งเสริม ในขณะที่ปรัชญาและชาตินิยมถูกฝังอยู่ ซึ่งทั้งหมดนี้เป็นแง่มุมที่มาบรรจบกันในโอเปราของ Richard Wagner

ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นเอกภาพทางสไตล์ค่อยๆ จางหายไป ในขณะที่ดนตรีป็อปได้รับความนิยมมากขึ้น นักแต่งเพลงหลายคนหลีกเลี่ยงเทคนิคและแนวเพลงในอดีตอย่างจริงจังในมุมมองของ ดนตรี สมัยใหม่โดยบางคนละทิ้งโทนัลลิตี้และหันมาใช้ซี เรียลลิสม์ แทน ในขณะที่บางคนได้รับแรงบันดาลใจใหม่จากทำนองเพลงพื้นบ้านหรือ ความรู้สึก แบบอิมเพรสชันนิสม์ หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 เป็นครั้งแรกที่ผู้ชมให้คุณค่ากับดนตรีเก่ามากกว่า ผลงาน ร่วมสมัยซึ่งเป็นความชอบที่ได้รับการตอบสนองโดยการเกิดขึ้นและการแพร่หลายของการบันทึกเสียงเชิงพาณิชย์^{[ 10 ]}แนวโน้มตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 20 จนถึงปัจจุบัน ได้แก่ความเรียบง่ายแบบใหม่ความซับซ้อนแบบใหม่มินิมัลลิสม์ดนตรีสเปกตรัมและล่าสุดคือดนตรีโพสต์โมเดิ ร์น และโพสต์มินิมัลลิสม์ผู้ปฏิบัติงานจากอเมริกา แอฟริกา และเอเชียมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในระดับโลก^{[ 3 ]}ในขณะที่วงซิมโฟนีออร์เคสตราและโรงโอเปราปรากฏขึ้นทั่วโลก

(จากซ้ายไปขวา) ไฮดน์ โมสาร์ท และเบโธเฟน จากงานรำลึกเบโธเฟน-ไฮดน์-โมสาร์ท ปี 1904 ทั้งสามคนเป็นส่วนหนึ่งของสำนักเวียนนาแห่งแรกและเป็นนักประพันธ์เพลงกลุ่มแรกๆ ที่ถูกเรียกว่า "เพลงคลาสสิก"

ทั้งคำภาษาอังกฤษclassicalและคำภาษาเยอรมันที่เทียบเท่ากันKlassikพัฒนามาจากคำภาษาฝรั่งเศสclassiqueซึ่งมาจากคำภาษาละตินclassicusซึ่งเดิมหมายถึงชนชั้น สูงสุด ของพลเมืองโรมันโบราณ [ ^{11 ] [ n 1 ]}ในการใช้ภาษาโรมัน คำนี้ต่อมากลายเป็นวิธีการแยกแยะบุคคลสำคัญทางวรรณกรรมที่ได้รับ การยกย่อง ^{[ 11 ]}นักเขียนชาวโรมันAulus Gelliusยกย่องนักเขียนเช่นDemosthenesและVirgilว่าเป็นclassicus ^{[ 13 ]}เมื่อถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคำคุณศัพท์นี้ได้รับความหมายที่กว้างขึ้น: รายการในA Dictionarie of the French and English Tongues ของ Randle Cotgraveในปี 1611 เป็นหนึ่งในคำจำกัดความที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังคงมีอยู่ โดยแปลclassiqueว่า "คลาสสิก เป็นทางการเป็นระเบียบ อยู่ในลำดับที่เหมาะสมหรือสมควร นอกจากนี้ยัง ได้รับการอนุมัติ แท้จริง หัวหน้า หลัก" ^{[ 11 ] [ 14 ]}นักดนตรีวิทยาDaniel Heartzสรุปสิ่งนี้เป็นสองคำจำกัดความ: 1) "ระเบียบวินัยที่เป็นทางการ" และ 2) "แบบอย่างแห่งความเป็นเลิศ" ^{[ 11 ]}เช่นเดียวกับ Gellius นักวิชาการยุคเรเนสซองส์รุ่นหลังที่เขียนเป็นภาษาละตินใช้คำว่า classicusในการอ้างอิงถึงนักเขียนในสมัยโบราณคลาสสิก [ ^{12 ] [ n 2 ]}อย่างไรก็ตาม ความหมายนี้ค่อยๆ พัฒนาขึ้น และในช่วงหนึ่งอยู่ภายใต้อุดมคติคลาสสิกที่กว้างกว่าของความเป็นทางการและความเป็นเลิศ^{[ 15 ]}วรรณกรรมและทัศนศิลป์ ซึ่งมีตัวอย่างจากกรีกและโรมันโบราณจำนวนมาก ในที่สุดก็ใช้คำว่า "คลาสสิก" ในความหมายที่เกี่ยวข้องกับสมัยโบราณคลาสสิก แต่แทบไม่มีดนตรีในยุคนั้นให้แก่นักดนตรีในยุคเรเนสซองส์ ทำให้ความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีคลาสสิกกับโลกกรีก-โรมันมี จำกัด ^{[ 15 ] [ n 3 ]}

ในอังกฤษช่วงศตวรรษที่ 18 คำว่า 'คลาสสิก' "เริ่มมีความหมายถึงผลงานเฉพาะกลุ่มในการแสดง" ^{[ 15 ]}ลอนดอนได้พัฒนาวงการดนตรีคอนเสิร์ตสาธารณะที่โดดเด่น ซึ่งไม่เคยมีมาก่อนและไม่มีเมืองอื่นใดในยุโรปเทียบได้^{[ 11 ]}ราชสำนักค่อยๆ สูญเสียการผูกขาดด้านดนตรีไป ส่วนใหญ่เกิดจากความไม่มั่นคงที่ การล่มสลายของ เครือจักรภพแห่งอังกฤษและการปฏิวัติอันรุ่งโรจน์ส่งผลกระทบต่อนักดนตรีในราชสำนัก^{[ 11 ] [ n 4 ]} ในปี 1672 จอห์น แบนิสเตอร์อดีตนักดนตรีในราชสำนักเริ่มจัดคอนเสิร์ตสาธารณะที่ได้รับความนิยมในโรงเตี๊ยมแห่งหนึ่งในลอนดอน^{[ n 5 ]}ความนิยมของเขาทำให้คอนเสิร์ตสาธารณะในลอนดอนกลายเป็นที่นิยมอย่างรวดเร็ว^{[ 19 ]}แนวคิดเรื่อง "ดนตรีคลาสสิก" หรือที่เรียกกันบ่อยกว่าว่า "ดนตรีโบราณ" ได้ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งยังคงสร้างขึ้นบนหลักการของรูปแบบและความเป็นเลิศ และตามที่ Heartz กล่าวไว้ว่า "พิธีกรรมทางพลเมือง ศาสนา และการเคลื่อนไหวทางศีลธรรมมีบทบาทสำคัญในการสร้างรสนิยมทางดนตรีรูปแบบใหม่นี้" ^{[ 15 ]}การแสดงดนตรีประเภทนี้มีความเชี่ยวชาญโดยสถาบันดนตรีโบราณและต่อมาใน ชุด คอนเสิร์ตดนตรีโบราณซึ่งมีการนำเสนอผลงานของนักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 16 และ 17 ที่ได้รับการคัดเลือก^{[ 20 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่งGeorge Frideric Handel [ ^{15 ] [ n 6 ]}ในฝรั่งเศส รัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ( ครอง ราชย์ ค.ศ. 1638–1715 ) ได้เห็นการฟื้นฟูทางวัฒนธรรม ซึ่งในตอนท้าย นักเขียนเช่นMolière , Jean de La FontaineและJean Racineได้รับการยกย่องว่าเหนือกว่าความสำเร็จของยุคโบราณคลาสสิก^{[ 21 ]}ดังนั้นจึงถูกจัดประเภทเป็น "คลาสสิก" เช่นเดียวกับดนตรีของJean-Baptiste Lully (และต่อมาChristoph Willibald Gluck ) ซึ่งถูกกำหนดให้เป็น "l'opéra française classique" ^{[ 21 ]}ในส่วนอื่นๆ ของทวีปยุโรปการละทิ้งการนิยาม "คลาสสิก" ในลักษณะที่เทียบเคียงได้กับโลกกรีก-โรมันนั้นช้ากว่า ส่วนใหญ่เป็นเพราะการสร้างคลังเพลงมาตรฐานนั้นมีน้อยมากหรือจำกัดเฉพาะชนชั้นสูงเท่านั้น^{[ 15 ]}

นักวิจารณ์ชาวยุโรปหลายคนในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 พบการรวมเป็นหนึ่งใหม่ในคำจำกัดความของดนตรีคลาสสิก: โดยนำนักประพันธ์รุ่นเก่าอย่างWolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydnและ (ไม่รวมผลงานในภายหลัง บางส่วนของเขา ) Ludwig van Beethovenมาเป็น "คลาสสิก" เมื่อเทียบกับรูปแบบดนตรีโรแมนติกที่ กำลังเกิดขึ้น ^{[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่งนักประพันธ์ทั้งสามคนนี้ถูกจัดกลุ่มอยู่ในโรงเรียนเวียนนาแห่งแรกซึ่งบางครั้งเรียกว่า "ดนตรีคลาสสิกเวียนนา" ^{[ n 7 ]}ซึ่งการจัดกลุ่มนี้ยังคงมีปัญหาอยู่เนื่องจากไม่มีใครในสามคนนี้เกิดในเวียนนา และ Haydn กับ Mozart ใช้เวลาอยู่ในเมืองนี้น้อยมาก^{[ 25 ]}แม้ว่านี่จะเป็นลักษณะที่แสดงออกบ่อยครั้ง แต่มันก็ไม่ใช่ลักษณะที่เคร่งครัด ในปี พ.ศ. 2422 ชาร์ลส์ เคนซิงตัน ซาลาแมน นักประพันธ์เพลง ได้นิยามนักประพันธ์เพลงต่อไปนี้ว่าเป็นเพลงคลาสสิก ได้แก่บาค , ฮันเดล, ไฮดน์, โมสาร์ท, เบโธเฟน, เวเบอร์ , สปอร์และเมนเดลโซห์น^{[ 26 ]}ในวงกว้างขึ้น นักเขียนบางคนใช้คำว่า "คลาสสิก" เพื่อยกย่องผลงานที่เป็นที่ยอมรับของนักประพันธ์เพลงหลายคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งผู้ที่สร้างผลงานจำนวนมากในประเภทดนตรีที่เป็นที่ยอมรับ^{[ 11 ] [ n 8 ]}

ความเข้าใจร่วมสมัยเกี่ยวกับคำว่า "ดนตรีคลาสสิก" ยังคงคลุมเครือและหลากหลาย^{[ 30 ] [ 31 ]}คำอื่นๆ เช่น "ดนตรีศิลปะ" "ดนตรีคลาสสิก" "ดนตรีที่ได้รับการขัดเกลา" และ "ดนตรีที่จริงจัง" ส่วนใหญ่มีความหมายเหมือนกัน^{[ 32 ]}คำว่า "ดนตรีคลาสสิก" มักถูกระบุหรือบอกเป็นนัยว่าเกี่ยวข้องกับโลกตะวันตกเท่านั้น^{[ 33 ]}และในทางกลับกัน ในประวัติศาสตร์เชิงวิชาการหลายเรื่อง คำว่า "ดนตรีตะวันตก" ไม่รวมดนตรีตะวันตกที่ไม่ใช่คลาสสิก^{[ 34 ] [ n 9 ]}ความซับซ้อนอีกประการหนึ่งคือ "ดนตรีคลาสสิก" บางครั้งถูกใช้เพื่ออธิบายดนตรีศิลปะที่ไม่ใช่ตะวันตกซึ่งแสดงลักษณะที่คล้ายคลึงกันในระยะยาวและซับซ้อน ตัวอย่างเช่นดนตรีคลาสสิกอินเดีย ดนตรี กาเมลันและรูปแบบต่างๆ ของราชสำนักจีน (ดูyayueเป็นต้น) ^{[ 1 ]} ดังนั้นในช่วงปลายศตวรรษ ที่20 คำต่างๆ เช่น "ดนตรีคลาสสิกตะวันตก" และ "ดนตรีศิลปะตะวันตก" จึงถูกนำมาใช้เพื่อแก้ไขปัญหานี้^{[ 33 ]}นักดนตรีวิทยาRalph P. Lockeตั้งข้อสังเกตว่าทั้งสองคำนี้ไม่เหมาะสม เนื่องจากก่อให้เกิด "ความซับซ้อนที่น่าสนใจ" เมื่อพิจารณาถึง "ผู้ปฏิบัติงานด้านดนตรีศิลปะตะวันตกบางคนที่มาจากวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ตะวันตก" ^{[ 36 ] [ n 10 ]}

ความซับซ้อนของรูปแบบดนตรีและการจัดระเบียบฮาร์โมนิกเป็นลักษณะทั่วไปของดนตรีคลาสสิก^{[ 1 ]}พจนานุกรมภาษาอังกฤษ Oxford ( OED ) ให้คำจำกัดความสามประการสำหรับคำว่า "คลาสสิก" ที่เกี่ยวข้องกับดนตรี: ^{[ 27 ]}

1. "ได้รับการยอมรับในความเป็นเลิศ"
2. "เกี่ยวกับ หรือมีลักษณะเฉพาะของขนบดนตรีที่เป็นทางการ ซึ่งแตกต่างจากดนตรีพื้นบ้านหรือดนตรีสมัยนิยม"
3. และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "เกี่ยวกับหรือสัมพันธ์กับดนตรีแบบยุโรปที่เป็นทางการในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งมีลักษณะเด่นคือ ความกลมกลืน ความสมดุล และการยึดมั่นในรูปแบบการประพันธ์ที่กำหนดไว้"

คำจำกัดความสุดท้ายเกี่ยวข้องกับสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่ายุคคลาสสิกซึ่งเป็นยุครูปแบบเฉพาะของดนตรียุโรปตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 ^{[ 37 ]}

ประเพณีดนตรีคลาสสิกตะวันตกเริ่มต้นอย่างเป็นทางการด้วยดนตรีที่สร้างขึ้นโดยและเพื่อคริสตจักรยุคแรก^{[ 38 ]}เป็นไปได้ว่าคริสตจักรยุคแรกต้องการแยกตัวออกจากดนตรีที่โดดเด่นของกรีกและโรมัน โบราณ เนื่องจากเป็นเครื่องเตือนใจถึงศาสนานอกรีต ที่ คริสตจักรเคยข่มเหงและถูกข่มเหง [ ^{38 ] ด้วย}เหตุนี้ จึงยังไม่ชัดเจนว่าดนตรีของคริสตจักร และดนตรีคลาสสิกตะวันตกโดยรวม ได้รับอิทธิพลจากดนตรีโบราณ ก่อน หน้า มากน้อยเพียงใด ^{[ 39 ]}ทัศนคติทั่วไปที่มีต่อดนตรีนั้นรับมาจากนักทฤษฎีและนักวิจารณ์ดนตรีของกรีกและโรมัน โบราณ ^{[ 40 ] [ n 11 ]}เช่นเดียวกับในสังคมกรีก-โรมัน ดนตรีถือเป็นสิ่งสำคัญในการศึกษา เช่นเดียวกับเลขคณิต เรขาคณิต และดาราศาสตร์ ดนตรีถูกรวมอยู่ในquadriviumซึ่งเป็นสี่วิชาในระดับสูงของการศึกษาศิลปศาสตร์ มาตรฐาน ในยุคกลาง^{[ 42 ] ความเคารพอย่างสูงต่อดนตรีนี้ได้รับการ ส่งเสริม}เป็นครั้งแรกโดยนักวิชาการCassiodorus , Isidore แห่ง Seville [ ^{43 ]}และโดยเฉพาะอย่างยิ่งBoethius [ ^{44 ]}ซึ่งการถ่ายทอดและการขยายมุมมองด้านดนตรีจากPythagoras , AristotleและPlatoมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาความคิดทางดนตรีในยุคกลาง^{[ 45 ] อย่างไรก็ตาม}นักวิชาการนักทฤษฎีดนตรีและนักประพันธ์ เพลงในยุคกลาง มักตีความผิดหรือเข้าใจผิดเกี่ยวกับงานเขียนของบรรพบุรุษชาวกรีกและโรมัน^{[ 46 ]}นี่เป็นเพราะไม่มีผลงานดนตรีของกรีก-โรมันหลงเหลืออยู่สำหรับนักดนตรีในยุคกลาง^{[ 46 ] [ n 12 ]}ถึงขนาดที่ Isidore แห่ง Seville ( ประมาณ ค.ศ. 559 – 636 ) กล่าวว่า "หากมนุษย์ไม่จดจำเสียง เสียงเหล่านั้นก็จะสูญหายไป เพราะไม่สามารถเขียนลงได้" โดยไม่ทราบถึงแนวทางการบันทึกโน้ตอย่างเป็นระบบของกรีกโบราณเมื่อหลายศตวรรษก่อน^{[ 47 ] [ n 13 ]}นักดนตรีวิทยาอย่างไรก็ตาม Gustave Reeseตั้งข้อสังเกตว่าข้อความกรีก-โรมันจำนวนมากยังคงถือได้ว่ามีอิทธิพลต่อดนตรีคลาสสิกตะวันตก เนื่องจากนักดนตรีในยุคกลางอ่านงานเหล่านั้นเป็นประจำ ไม่ว่าพวกเขาจะอ่านอย่างถูกต้องหรือไม่ก็ตาม^{[ 46 ]}

อย่างไรก็ตาม มีความต่อเนื่องทางดนตรีที่ไม่อาจปฏิเสธได้จาก^โลกโบราณ [ ^{48 ]}ลักษณะพื้นฐาน เช่นโมโนโฟนีการด้นสดและการครอบงำของเนื้อร้องในบริบททางดนตรี เป็นสิ่งที่โดดเด่นทั้งในยุคกลางตอนต้นและดนตรีของอารยธรรมโบราณเกือบทั้งหมด^{[ 49 ]}อิทธิพลของกรีกโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ได้แก่โหมดโบสถ์ (ซึ่งเป็นลูกหลานของการพัฒนาโดยอริสโตเซนัสและพีทาโกรัส) ^{[ 50 ]}ทฤษฎีเสียงพื้นฐานจากการปรับเสียงแบบพีทาโกเรียน [ ^{39 ] รวม}ถึงหน้าที่หลักของเตตระคอร์ด [ ^{51 ] เครื่องดนตรี}กรีกโบราณ เช่นออโลส ( เครื่องดนตรีประเภทกก ) และไลร์ (เครื่องดนตรีประเภทสายที่คล้ายกับพิณขนาด เล็ก ) ในที่สุดก็นำไปสู่เครื่องดนตรีสมัยใหม่หลายชนิดของวงออร์เคสตราซิมโฟนี^{[ 52 ]}อย่างไรก็ตามDonald Jay Groutตั้งข้อสังเกตว่าการพยายามสร้างความเชื่อมโยงเชิงวิวัฒนาการโดยตรงจากดนตรีโบราณไปสู่ยุคกลางตอนต้นนั้นไม่มีพื้นฐาน เนื่องจากดนตรีโบราณได้รับอิทธิพลเกือบทั้งหมดจากทฤษฎีดนตรีกรีก-โรมัน ไม่ใช่จากการแสดงหรือการปฏิบัติ^{[ 53 ]}

ดนตรีในยุคกลางรวมถึงดนตรีของยุโรปตะวันตกตั้งแต่หลังการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันตะวันตกในปี ค.ศ. 476 จนถึงประมาณปี ค.ศ. 1400 บทสวด แบบโมโนโฟนิก หรือที่เรียกว่าเพลงสวดแบบเรียบง่ายหรือบทสวดเกรกอเรียนเป็นรูปแบบที่โดดเด่นจนถึงประมาณปี ค.ศ. 1100 ^{[ 54 ]}พระสงฆ์คริสเตียนได้พัฒนารูปแบบแรกของการบันทึกโน้ตดนตรีของยุโรปเพื่อสร้างมาตรฐานให้กับพิธีกรรมทางศาสนาทั่วทั้งคริสตจักร^{[ 55 ] [ 56 ]} ดนตรี แบบโพลีโฟนิก (หลายเสียง) พัฒนามาจากบทสวดแบบโมโนโฟนิกตลอดช่วงปลายยุคกลางและเข้าสู่ยุคเรเนสซองส์รวมถึงการเรียบเรียงเสียงที่ซับซ้อนมากขึ้นของโมเต็ตในช่วงต้นยุคกลางดนตรีขับร้องจาก ประเภท พิธีกรรมซึ่งส่วนใหญ่เป็น บทสวด เกรกอเรียนเป็นแบบโมโนโฟนิกโดยใช้ทำนองเสียงร้องเพียงเส้นเดียวที่ไม่มีดนตรีประกอบ^{[ 57 ]} แนวเพลงร้อง ประสานเสียงซึ่งใช้ทำนองเสียงร้องอิสระหลายทำนอง เริ่มพัฒนาขึ้นในช่วงยุคกลางตอนปลายและแพร่หลายในช่วงปลายศตวรรษที่ 13 และต้นศตวรรษที่ 14 นักแต่งเพลงยุคกลางที่มีชื่อเสียง ได้แก่Hildegard of Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco LandiniและJohannes Ciconia

เครื่องดนตรีในยุคกลางหลายชนิดยังคงมีอยู่ แต่ในรูปแบบที่แตกต่างกัน เครื่องดนตรีในยุคกลางได้แก่ฟลุตรีคอร์เดอร์และเครื่องดนตรีประเภทดีดสายเช่นลูทนอกจากนี้ ยัง มี ออร์แกนและไวโอลิน (หรือวิเอล ) รุ่นแรกๆ อีกด้วย เครื่องดนตรีในยุคกลางของยุโรปส่วนใหญ่มักใช้เล่นเดี่ยวๆ โดยมักเล่นพร้อมกับ เสียง โดรนหรือบางครั้งก็เล่นเป็นส่วนๆ อย่างน้อยตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ถึงศตวรรษที่ 15 มีการแบ่งประเภทเครื่องดนตรีออกเป็นhaut (เครื่องดนตรีเสียงดัง แหลม ใช้เล่นกลางแจ้ง) และbas (เครื่องดนตรีเสียงเบา ใช้เล่นในบรรยากาศส่วนตัว) ^{[ 58 ] เครื่องดนตรีจำนวนหนึ่งมีรากฐานมาจากเครื่องดนตรีในตะวันออกที่รับมาจากโลกอิสลามในยุคกลาง [ 59 ] ตัวอย่าง}เช่นเรบั^บของชาวอาหรับเป็นบรรพบุรุษของเครื่องดนตรีประเภทสีสาย ของยุโรปทั้งหมด รวมถึงลีราเรเบคและไวโอลิน^{[ 60 ] [ 61 ]}

ยุคดนตรีเรเนสซองส์กินเวลาระหว่างปี ค.ศ. 1400 ถึง 1600 มีลักษณะเด่นคือการใช้เครื่องดนตรี มากขึ้น มีการใช้ทำนองที่สอดประสานกันหลายแนว และมีการใช้เครื่องดนตรีเบส ในรูปแบบดั้งเดิม มากขึ้น การเต้นรำทางสังคมแพร่หลายมากขึ้น ดังนั้นรูปแบบดนตรีที่เหมาะสมกับการบรรเลงประกอบการเต้นรำจึงเริ่มเป็นมาตรฐาน ในช่วงเวลานี้เองที่การเขียนโน้ตดนตรีบนบรรทัดห้าเส้นและองค์ประกอบอื่นๆ ของโน้ตดนตรีเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้น^{[ 62 ]}สิ่งประดิษฐ์นี้ทำให้สามารถแยกการประพันธ์เพลงออกจากการถ่ายทอดได้หากไม่มีโน้ตดนตรี การถ่ายทอดจะเป็นแบบปากเปล่าและอาจเปลี่ยนแปลงได้ทุกครั้งที่ถ่ายทอด แต่ด้วยโน้ตดนตรีผลงานดนตรีสามารถแสดงได้โดยไม่ต้องมีผู้ประพันธ์เพลงอยู่ด้วย^{[ 63 ]}การประดิษฐ์แท่นพิมพ์ แบบตัวอักษรเคลื่อนที่ได้ ในศตวรรษที่ 15 มีผลกระทบอย่างกว้างขวางต่อการอนุรักษ์และการถ่ายทอดดนตรี^{[ 64 ]}

เครื่องดนตรีหลายชนิดถือกำเนิดขึ้นในยุคเรเนสซองส์ บางชนิดเป็นการดัดแปลงหรือปรับปรุงจากเครื่องดนตรีที่มีอยู่ก่อนหน้านั้น บางชนิดยังคงมีอยู่จนถึงปัจจุบัน บางชนิดได้หายไปแล้ว แต่ก็ได้รับการสร้างขึ้นใหม่เพื่อใช้ในการบรรเลงดนตรีด้วยเครื่องดนตรีในยุคนั้น เช่นเดียวกับในปัจจุบัน เครื่องดนตรีสามารถแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ ได้แก่ เครื่องเป่าทองเหลือง เครื่องสาย เครื่องเคาะ และเครื่องเป่าลมไม้ เครื่องเป่าทองเหลืองในยุคเรเนสซองส์นั้นโดยทั่วไปแล้วจะเล่นโดยนักดนตรีมืออาชีพที่เป็นสมาชิกของสมาคมต่างๆซึ่งได้แก่ทรัมเป็ตสไลด์คอร์เน็ตไม้ทรัมเป็ตไร้วาล์วและแซ็กบัตเครื่องเป่าสายได้แก่ วิโอ ลา รีเบคไลร์ (คล้ายพิณ ) เฮอร์ ดี้ - เกอร์ดีลูทกีตาร์ ซิ ทเทิร์นแบนโดราและออร์ฟาเรียน เครื่องดนตรี คีย์บอร์ดที่มีสายได้แก่ฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ด เครื่องดนตรีประเภทตี ได้แก่สามเหลี่ยม , พิณปาก , แทมบูรีน, ระฆัง, หม้อเสียง และกลองชนิดต่างๆ เครื่องดนตรีประเภทเป่าไม้ ได้แก่ชอว์ม ลิ้นคู่ (สมาชิกยุคแรกของ ตระกูล โอโบ ), ปี่ลิ้น , ปี่สกอต , ฟลุตขวาง, รีคอ ร์ เดอร์ , ดัลเซียนและครัมฮอ ร์น ออร์แกนแบบท่อธรรมดามีอยู่ แต่ส่วนใหญ่จำกัดอยู่เฉพาะในโบสถ์ แม้ว่าจะมีแบบพกพาได้ก็ตาม^{[ 65 ]}การพิมพ์ทำให้สามารถกำหนดมาตรฐานคำอธิบายและข้อกำหนดของเครื่องดนตรี ตลอดจนการสอนการใช้งานได้^{[ 66 ]}

ดนตรีขับร้องในยุคเรเนสซองส์โดดเด่นด้วยการเฟื่องฟูของ รูปแบบ โพลีโฟนิก ที่ซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ รูปแบบทางศาสนาหลักที่คงอยู่ตลอดช่วงยุคเรเนสซองส์คือเพลงมิสซาและเพลงโมเต็ต โดยมีการพัฒนาอื่นๆ เกิดขึ้นในช่วงปลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อนักประพันธ์เพลงศาสนาเริ่มนำรูปแบบทางโลก (เช่น เพลงมาดริกัล ) มาใช้ในการประพันธ์ของตนเอง ในช่วงปลายของยุคนี้ เราจะเห็นรูปแบบละครยุคแรกๆ ที่เป็นต้นกำเนิดของโอเปรา เช่น โมโนดีมาดริกัลคอมเม ดี้ และอินเตอร์ มีดิโอ ประมาณปี 1597 นักประพันธ์ชาวอิตาลีจาโคโป เปริได้ประพันธ์เพลงดาฟเนซึ่งเป็นผลงานชิ้นแรกที่เรียกว่าโอเปราในปัจจุบัน เขายังประพันธ์เพลงยูริดิเซซึ่งเป็นโอเปราเรื่องแรกที่ยังคงหลงเหลือมาจนถึงปัจจุบัน

นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุคเรอเนซองส์ ได้แก่Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt , Cipriano de RoreและFrancesco da Milano

ยุคดนตรีคลาสสิกทั่วไปมักถูกนิยามว่าเป็นยุคระหว่างการก่อตัวและการสิ้นสุดของระบบเสียง ดนตรีคลาสสิกทั่วไป โดยปกติแล้วคำนี้จะครอบคลุมระยะเวลาประมาณสองศตวรรษครึ่ง ซึ่งรวมถึงยุคบาโรค ยุคคลาสสิก และยุคโรแมนติก

ดนตรีบาโรกมีลักษณะเด่นคือการใช้การประสานเสียงที่ซับซ้อนและการใช้เบสต่อเนื่อง ( basso continuo ) ซึ่งเป็นแนวเสียงเบสที่ต่อเนื่อง ดนตรีมีความซับซ้อนมากขึ้นเมื่อเทียบกับเพลงที่เรียบง่ายในทุกยุคก่อนหน้า ^{[ 67 ]}จุดเริ่มต้นของรูปแบบโซนาตาเกิดขึ้นในแคนโซนาเช่นเดียวกับแนวคิดที่เป็นทางการมากขึ้นของธีมและการแปรผันโทนเสียงเมเจอร์และไมเนอร์ในฐานะวิธีการจัดการความไม่ลงรอยและโครมาติซึมในดนตรีได้ก่อตัวขึ้นอย่างสมบูรณ์^{[ 68 ]}

ในยุคบาโรก ดนตรีคีย์บอร์ดที่เล่นบนฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ และเครื่องดนตรีประเภทสายตระกูลไวโอลินก็มีรูปแบบที่เห็นกันทั่วไปในปัจจุบัน โอเปร่าในฐานะละครเพลงบนเวทีเริ่มแยกตัวออกจากรูปแบบดนตรีและละครในยุคก่อนหน้า และรูปแบบการขับร้องเช่นแคนตาตาและออราโทริโอก็แพร่หลายมากขึ้น^{[ 69 ]}เป็นครั้งแรกที่นักร้องเริ่มเพิ่มลูกเล่นให้กับดนตรี^{[ 67 ]}

ทฤษฎีเกี่ยวกับระบบเสียงเท่ากันเริ่มถูกนำไปใช้ในทางปฏิบัติมากขึ้น เนื่องจากทำให้สามารถสร้างความเป็นไปได้ทางโครมาติกได้หลากหลายมากขึ้นในเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ปรับเสียงยาก แม้ว่าเจ.เอส. บาคจะไม่ได้ใช้ระบบเสียงเท่ากัน แต่การเปลี่ยนแปลงของระบบเสียงจากระบบ meantone ที่ ใช้กันทั่วไปในสมัยนั้น ไปสู่ระบบเสียงต่างๆ ที่ทำให้การเปลี่ยนคีย์ระหว่างคีย์ทั้งหมดเป็นที่ยอมรับทางดนตรีได้ ทำให้Well-Tempered Clavier ของเขาเป็นไป ได้^{[ 70 ]}

เครื่องดนตรีในยุคบาโรคประกอบด้วยเครื่องดนตรีบางชนิดจากยุคก่อนหน้า (เช่น ฮาร์ดี้-เกอร์ดี และรีคอร์เดอร์) และเครื่องดนตรีใหม่ๆ อีกหลายชนิด (เช่น โอโบ บาสซูน เชลโล คอนทราเบส และฟอร์เตเปียโน) เครื่องดนตรีบางชนิดจากยุคก่อนหน้าเลิกใช้ไป เช่น ชอว์ม ซิ ทเทิร์นแร็กเก็ตต์และคอร์เน็ตไม้ เครื่องดนตรีสายที่สำคัญในยุคบาโรค ได้แก่ไวโอลินวิโอลา วิโอลา ดาโมเร เชลโล คอนทราเบส ลูทธีออร์โบ( ซึ่งมักเล่นในส่วนของเบสโซ คอนตินู โอ ) แมนโดลินกีตาร์บาโรคฮาร์ปและฮาร์ดี้-เกอร์ดี เครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่ฟลุตบา โรค โอโบบาโรครีคอร์เดอร์และบาสซูนเครื่องดนตรีทองเหลือง ได้แก่ คอ ร์เน็ตฮอร์นธรรมชาติทรัมเป็ตธรรมชาติ เซอร์เพนต์และทรอมโบนเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด ได้แก่คลาวิคอร์ด เปียโนแทนเจนต์ฮาร์ปซิคอร์ดออร์แกนและต่อมาในยุคนั้นก็มีฟอร์เตเปียโน (เปียโนรุ่นแรกๆ) ส่วนเครื่องดนตรีประเภทตี ได้แก่ทิมปานีกลองสแนร์แทมบูรีนและคาสตาเน็ต

ความแตกต่างที่สำคัญประการหนึ่งระหว่างดนตรีบาโรกกับยุคคลาสสิกที่ตามมาคือ ประเภทของเครื่องดนตรีที่ใช้ในวงดนตรีบาโรกนั้นมีมาตรฐานน้อยกว่ามาก วงดนตรีบาโรกอาจประกอบด้วยเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดหลายประเภท (เช่น ออร์แกนท่อหรือฮาร์ปซิคอร์ด) ^{[ 71 ]}เครื่องดนตรีสายที่เล่นคอร์ดเพิ่มเติม (เช่น ลูท) เครื่องสายที่ใช้คันชัก เครื่องเป่าลมไม้ และเครื่องดนตรีทองเหลือง และเครื่องดนตรีเบสจำนวนหนึ่งที่ไม่ระบุจำนวนที่เล่นเบสคอนตินูโอ (เช่น เชลโล คอนทราเบส วิโอลา บาสซูน เซอร์เพนต์ เป็นต้น)

ผลงานขับร้องในยุคบาโรกประกอบด้วยชุดเพลง เช่นโอราโทริโอและแคนตาตา [ ^{72 ] [ 73 ] ดนตรี}ฆราวาสพบได้น้อยกว่า และโดยทั่วไปมีลักษณะเป็นดนตรีบรรเลงเท่านั้น เช่นเดียวกับศิลปะบาโรก [ ^{74 ]}เนื้อหาโดยทั่วไปเป็นเรื่องศักดิ์สิทธิ์และมีจุดประสงค์เพื่อบริบททางศาสนา ^{คาทอลิก}

นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุคบาโรก ได้แก่Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lullyและไฮน์ริช ชูทซ์ .

แม้ว่าคำว่า "ดนตรีคลาสสิก" จะรวมถึงดนตรีศิลปะตะวันตกทั้งหมดตั้งแต่ยุคกลางจนถึงศตวรรษที่ 21 แต่ยุค คลาสสิก คือช่วงเวลาของดนตรีศิลปะตะวันตกตั้งแต่ช่วงปี 1750 ถึงต้นปี 1820 ^{[ 75 ]}ซึ่งเป็นยุคของWolfgang Amadeus Mozart , Joseph HaydnและLudwig van Beethoven

ยุคคลาสสิกได้วางบรรทัดฐานหลายอย่างของการประพันธ์ การนำเสนอ และรูปแบบ และเมื่อเปียโนกลายเป็นเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่โดดเด่น ส่วนประกอบ พื้นฐานที่จำเป็นสำหรับ วงออร์เคส ตราก็ได้รับการกำหนดมาตรฐานไว้บ้าง (แม้ว่าจำนวนเครื่องดนตรีจะเพิ่มขึ้นตามศักยภาพของเครื่องดนตรีที่หลากหลายมากขึ้น) ดนตรีแชมเบอร์เติบโตขึ้นจนรวมถึงวงดนตรีที่มีผู้แสดงมากถึง 8-10 คนสำหรับเพลงเซเรเนดโอเปร่ายังคงพัฒนาต่อไป โดยมีรูปแบบประจำภูมิภาคในอิตาลี ฝรั่งเศส และดินแดนที่พูดภาษาเยอรมัน โอเปร่าบุฟฟาซึ่งเป็นโอเปร่าตลกรูปแบบหนึ่ง ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นซิมโฟนีกลายเป็นรูปแบบดนตรีที่สมบูรณ์ และคอนแชร์โตได้รับการพัฒนาขึ้นเพื่อเป็นเครื่องมือในการแสดงทักษะการเล่นไวโอลินขั้นสูง วงออร์เคสตราไม่จำเป็นต้องมีฮาร์ปซิคอร์ด อีกต่อไป และมักนำโดยนักไวโอลินนำ (ปัจจุบันเรียกว่าคอนเสิร์ตมาสเตอร์ ) ^{[ 76 ]}

นักดนตรีในยุคคลาสสิกยังคงใช้เครื่องดนตรีหลายชนิดจากยุคบาโรค เช่น เชลโล คอนทราเบส รีคอร์เดอร์ ทรอมโบน ทิมปานี ฟอร์เตเปียโน (ต้นกำเนิดของเปียโน สมัยใหม่ ) และออร์แกน แม้ว่าเครื่องดนตรีบาโรคบางชนิดจะเลิกใช้ไป เช่น ธีออร์โบและแร็กเก็ตต์ แต่เครื่องดนตรีบาโรคหลายชนิดก็ถูกดัดแปลงเป็นเวอร์ชันที่ยังคงใช้กันอยู่ในปัจจุบัน เช่น ไวโอลินบาโรค (ซึ่งกลายเป็นไวโอลินในปัจจุบัน ) โอโบบาโรค (ซึ่งกลายเป็นโอโบในปัจจุบัน ) และทรัมเป็ตบาโรค ซึ่งเปลี่ยนไปเป็นทรัมเป็ตแบบมีวาล์วทั่วไป ในยุคคลาสสิก เครื่องดนตรีประเภทสายที่ใช้ในวงออร์เคสตราและดนตรีห้องเช่นวงควอเต็ตเครื่องสายได้รับการกำหนดมาตรฐานเป็นเครื่องดนตรีสี่ชนิดที่ประกอบเป็นส่วนเครื่องสายของวงออร์เคสตรา ได้แก่ ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส ส่วนเครื่องดนตรีประเภทสายในยุคบาโรค เช่น วิโอลาแบบมีเฟร็ตและใช้คันชักก็ค่อยๆ เลิกใช้ไปเครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่บาสเซ็ตคลาริเน็ต บาสเซ็ตฮอร์น คลาริเน็ตดามูร์คลาริเน็ตคลาสสิ ก ชา ลูโม ฟลุต โอโบ และบาสซูน เครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด ได้แก่ คลาวิคอร์ดและฟอร์เตเปียโนแม้ว่าฮาร์ปซิคอร์ดจะยังคงใช้ในการบรรเลงประกอบเบสคอนตินูโอในช่วงทศวรรษ 1750 และ 1760 แต่ก็เลิกใช้ไปในตอนปลายศตวรรษ เครื่องดนตรีประเภทเครื่องทองเหลือง ได้แก่บัคซินโอฟิไคลด์ (ซึ่งมาแทนที่เบสเซอร์เพนต์ซึ่งเป็นต้นกำเนิดของทูบา ) และ เน เชอรัลฮอร์น

เครื่องดนตรีประเภทเป่าลมได้รับการพัฒนาให้ดียิ่งขึ้นในยุคคลาสสิก ในขณะที่ เครื่องดนตรี ประเภทลิ้นคู่เช่น โอโบและบาสซูนได้รับการกำหนดมาตรฐานในระดับหนึ่งในยุคบาโรก แต่ตระกูลคลาริเน็ต ซึ่งเป็น เครื่องดนตรีประเภทลิ้นเดี่ยวกลับไม่เป็นที่นิยมใช้กันอย่างแพร่หลาย จนกระทั่งโมสาร์ทได้ขยายบทบาทของมันในวงออร์เคสตรา วงดนตรีขนาดเล็ก และคอนแชร์โต^{[ 77 ]}

นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุคคลาสสิก ได้แก่โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท , โจเซฟ ไฮดน์ , ฟรานซ์ ชูเบิร์ต , คาร์ล ฟิลิปป์ เอมานูเอล บาค , ลุยจิ บอคเคอรินี , อันโตนิโอ ซาลิเอรี , คาร์ล เชอร์นีและปิแอร์ โรเด ส่วนลุดวิก ฟาน เบโธเฟนมักถูกมองว่าเป็นนักประพันธ์เพลงในช่วงเปลี่ยนผ่าน ซึ่งดนตรีของเขารวมเอาองค์ประกอบของยุคคลาสสิกตอนปลายและยุคโรแมนติกตอนต้นเข้าไว้ด้วยกัน

ดนตรีในยุคโรแมนติกตั้งแต่ประมาณทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 มีลักษณะเด่นคือการให้ความสำคัญกับท่วงทำนองที่ยาวขึ้น รวมถึงองค์ประกอบที่แสดงออกและอารมณ์ความรู้สึก ซึ่งสอดคล้องกับลัทธิโรแมนติกในรูปแบบศิลปะอื่นๆ รูปแบบดนตรีเริ่มแยกตัวออกจากรูปแบบในยุคคลาสสิก (แม้ว่ารูปแบบเหล่านั้นจะถูกกำหนดเป็นกฎเกณฑ์แล้วก็ตาม) โดยมีการแต่งเพลงแบบอิสระ เช่นน็อคเทิร์นแฟนตาเซียและพรีลูดซึ่งละเลยหรือลดทอนแนวคิดที่ยอมรับกันเกี่ยวกับการนำเสนอและการพัฒนาของธีม^{[ 78 ]}ดนตรีกลายเป็นโครมาติกมากขึ้น มีเสียงที่ไม่กลมกลืน และมีสีสันทางโทนเสียงมากขึ้น โดยมีความตึงเครียด (เมื่อเทียบกับบรรทัดฐานที่ยอมรับกันของรูปแบบเก่า) เกี่ยวกับเครื่องหมายกุญแจเพิ่มมากขึ้น^{[ 79 ]}เพลงศิลปะ (หรือLied ) พัฒนาจนถึงขั้นสมบูรณ์ในยุคนี้ เช่นเดียวกับโอเปร่า ขนาดใหญ่ ซึ่งในที่สุดก็ถูกก้าวข้ามโดย^วง Ring cycleของริชาร์ด วากเนอร์ [ ^{80 ]}

ในศตวรรษที่ 19 สถาบันดนตรีได้หลุดพ้นจากการควบคุมของผู้อุปถัมภ์ผู้มั่งคั่ง เนื่องจากนักประพันธ์เพลงและนักดนตรีสามารถสร้างชีวิตที่เป็นอิสระจากชนชั้นสูงได้ ความสนใจในดนตรีที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นกลางที่กำลังเติบโตทั่วยุโรปตะวันตกกระตุ้นให้เกิดการสร้างองค์กรเพื่อการสอน การแสดง และการอนุรักษ์ดนตรี เปียโนซึ่งมีโครงสร้างที่ทันสมัยในยุคนี้ (ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากความก้าวหน้าทางอุตสาหกรรมโลหะวิทยา ) ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ชนชั้นกลาง ความต้องการเครื่องดนตรีนี้กระตุ้นให้มีผู้สร้างเปียโนจำนวนมาก วงออร์เคสตราซิมโฟนีหลายวงก่อตั้งขึ้นในยุคนี้^{[ 79 ]}นักดนตรีและนักประพันธ์เพลงบางคนเป็นดาวเด่นของยุคนั้น บางคนเช่นฟรานซ์ ลิสต์และนิคโคโล ปากานินีทำหน้าที่ทั้งสองบทบาท^{[ 81 ]}

แนวคิดและสถาบันทางวัฒนธรรมของยุโรปเริ่มแพร่กระจายตามการขยายอาณานิคมไปยังส่วนอื่นๆ ของโลก นอกจากนี้ยังมีการเพิ่มขึ้นของลัทธิชาตินิยมในดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงปลายยุค (ซึ่งในบางกรณีสะท้อนถึงความรู้สึกทางการเมืองในยุคนั้น) เนื่องจากนักประพันธ์เพลงอย่างEdvard Grieg , Nikolai Rimsky-KorsakovและAntonín Dvořákได้นำดนตรีพื้นบ้านดั้งเดิมของบ้านเกิดมาใช้ในการประพันธ์เพลงของพวกเขา^{[ 82 ]}

ในยุคโรแมนติกเปียโน สมัยใหม่ ที่มีโทนเสียงทรงพลังและต่อเนื่องกว่า รวมถึงช่วงเสียงที่กว้างกว่า ได้เข้ามาแทนที่ฟอร์เตเปียโนที่มีเสียงเบากว่า ในวงออร์เคสตรา เครื่องดนตรีและส่วนต่างๆ ของดนตรีคลาสสิกที่มีอยู่เดิมยังคงถูกรักษาไว้ ( ส่วนเครื่องสายเครื่องเป่าลมไม้ เครื่องทองเหลือง และเครื่องเคาะ) แต่โดยทั่วไปแล้วส่วนต่างๆ เหล่านี้จะถูกขยายออกไปเพื่อให้ได้เสียงที่เต็มอิ่มและใหญ่ขึ้น ตัวอย่างเช่น ในขณะที่วงออร์เคสตราในยุคบาโรคอาจมีผู้เล่นดับเบิลเบสสองคน วงออร์เคสตราในยุคโรแมนติกอาจมีมากถึงสิบคน “เมื่อดนตรีมีความแสดงออกมากขึ้น จานสีของวงออร์เคสตรามาตรฐานก็ไม่อุดมสมบูรณ์เพียงพอสำหรับนักประพันธ์เพลงในยุคโรแมนติกหลายคน” ^{[ 83 ]}

ประเภทของเครื่องดนตรีที่ใช้ โดยเฉพาะในวงออร์เคสตรา มีขนาดใหญ่ขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งกระบวนการนี้ถึงจุดสูงสุดในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ด้วยวงออร์เคสตราขนาดใหญ่มากที่ใช้โดยนักประพันธ์เพลงยุคโรแมนติกตอนปลายและยุคโมเดิร์น เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเคาะเริ่มมีหลากหลายมากขึ้น เครื่องดนตรีประเภททองเหลืองมีบทบาทมากขึ้น เนื่องจากการนำวาล์วหมุน มา ใช้ทำให้สามารถเล่นโน้ตได้หลากหลายช่วงมากขึ้น ขนาดของวงออร์เคสตรา (โดยทั่วไปประมาณ 40 คนในยุคคลาสสิก) เพิ่มขึ้นเป็นมากกว่า 100 คน^{[ 79 ]} ตัวอย่างเช่นซิมโฟนีหมายเลข 8ของกุสตาฟ มาห์เลอร์ ในปี 1906 ได้รับการบรรเลงโดยนักดนตรีมากกว่า 150 คน และคณะนักร้องประสานเสียงมากกว่า 400 คน ^{[ 84 ]}มีการเพิ่มเครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าไม้ใหม่ เช่นคอนทรา บา สซูน คลาริเน็ตเบสและปิคโคโลและมีการเพิ่มเครื่องดนตรีประเภทเครื่องเคาะจังหวะใหม่ ได้แก่ไซโลโฟนกลองสแนร์เซเลสตา (เครื่องดนตรีประเภทแป้นพิมพ์คล้ายระฆัง) ระฆังและสามเหลี่ยม^{[ 83 ]}พิณออร์เคสตราขนาดใหญ่และแม้แต่เครื่องสร้างเสียงลมสำหรับเอฟเฟกต์เสียงแซกโซโฟนปรากฏในโน้ตเพลงบางเพลงตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 เป็นต้นไป โดยมักจะนำเสนอเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวมากกว่าที่จะเป็นส่วนหนึ่งของวงออร์เคสตรา

ทูบาของวากเนอร์ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ดัดแปลงมาจากตระกูลฮอร์น ปรากฏอยู่ใน บทเพลงชุด Der Ring des Nibelungenของริชาร์ด วากเนอร์นอกจากนี้ยังมีบทบาทสำคัญในซิมโฟนีหมายเลข 7 ในบันไดเสียง E เมเจอร์ของอันตอน บรุคเนอร์และยังถูกใช้ในผลงานยุคโรแมนติกตอนปลายและยุคโมเดิร์นหลายชิ้นของริชาร์ด สเตราส์เบลา บาร์ต็อกและคนอื่นๆ^{[ 85 ]}คอร์เน็ตปรากฏอยู่เป็นประจำในบทเพลงของศตวรรษที่ 19 ควบคู่ไปกับทรัมเป็ตซึ่งถือว่ามีความคล่องตัวน้อยกว่า อย่างน้อยก็จนถึงปลายศตวรรษ

นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในยุคโรแมนติก ได้แก่ลุดวิกฟาน เบโธ เฟน , ปิโอตร์ อิล ยิช ไชโกฟสกี , เฟรเดอริก โชแปง , เฮคเตอร์ แบร์ลิโอซ์ , ฟ รานซ์ ชูเบิร์ต , โรเบิร์ ต ชูมันน์ , คลารา ชูมันน์ , เฟลิ กซ์ เมนเดลโซห์น , แฟนนี เฮนเซล , ฟรานซ์ ลิสต์ , จูเซปเป แวร์ดี, ริชาร์ด วากเนอร์ , โยฮั นเนส บราห์มส์ , อเล็กซานเดอร์ สครีบิน , นิโคไล เมดต์เนอร์ , เอ็ดเวิร์ด กรีเอ็กและโยฮันน์ สเตราส์ที่ 2 กุส ตาฟ มาห์เลอร์และริชาร์ด สเตราส์มักถูกมองว่าเป็นนักประพันธ์เพลงในช่วงเปลี่ยนผ่าน ซึ่งดนตรีของพวกเขารวมเอาทั้งองค์ประกอบของยุคโรแมนติกตอนปลายและยุคสมัยใหม่ตอนต้นเข้าไว้ด้วยกัน

เมื่อเข้าสู่ศตวรรษใหม่ ดนตรีมีลักษณะเป็น แบบ โรแมน ติกตอนปลาย โดยมีท่วงทำนองที่แสดงออกถึงอารมณ์ ความกลมกลืนที่ซับซ้อน และรูปแบบที่กว้างขวาง ยุคนี้โดดเด่นด้วยผลงานของนักประพันธ์เพลงหลายคนที่ผลักดันการเขียนซิมโฟนีแบบหลังโรแมนติก นักประพันธ์เพลงอย่างกุสตาฟ มาห์เลอร์และริชาร์ด สเตราส์ยังคงพัฒนาประเพณีดนตรีคลาสสิกตะวันตกด้วยซิมโฟนีและโอเปร่าที่กว้างขวาง ในขณะที่ฌอง ซิเบลิ อุส และวอห์ น วิลเลียมส์ ได้ผสมผสานองค์ประกอบชาตินิยมและอิทธิพลจากเพลงพื้นบ้านลงในผลงานของพวกเขาเซอร์เกย์ โปรโคฟีฟเริ่มต้นในประเพณีนี้ แต่ในไม่ช้าก็ก้าวเข้าสู่ดินแดนสมัยใหม่ ในขณะเดียวกัน ขบวนการอิมเพรสชันนิสต์ซึ่งนำโดยโคลด เดอบุสซีก็กำลังพัฒนาในฝรั่งเศส โดยมีมอริซ ราเวลเป็นผู้บุกเบิกที่โดดเด่นอีกคนหนึ่ง^{[ 86 ]}

ดนตรีคลาสสิกสมัยใหม่ครอบคลุมรูปแบบการประพันธ์หลายแบบที่สามารถจำแนกได้เป็นแบบโพสต์โรแมนติก อิมเพรสชันนิสต์ เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ และนีโอคลาสสิก สมัยใหม่ถือเป็นยุคที่นักประพันธ์เพลงหลายคนปฏิเสธคุณค่าบางอย่างของยุคปฏิบัติทั่วไป เช่น โทนเสียง ทำนอง เครื่องดนตรี และโครงสร้างแบบดั้งเดิม^{[ 87 ]}นักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนมองว่าดนตรีสมัยใหม่เป็นยุคที่ขยายจากประมาณปี 1890 ถึง 1930 ^{[ 88 ] [ 89 ]}คนอื่นๆ พิจารณาว่าสมัยใหม่สิ้นสุดลงพร้อมกับสงครามโลกครั้งที่หนึ่งหรือครั้งที่สอง^{[ 90 ]}ยังมีผู้เชี่ยวชาญอีกกลุ่มหนึ่งที่อ้างว่าสมัยใหม่ไม่ได้เกี่ยวข้องกับยุคประวัติศาสตร์ใดๆ แต่เป็น " ทัศนคติของนักประพันธ์เพลง โครงสร้างที่มีชีวิตที่สามารถพัฒนาไปตามกาลเวลาได้" ^{[ 91 ]}แม้จะเสื่อมถอยลงในช่วงหนึ่งในสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 แต่ในช่วงปลายศตวรรษก็ยังมีกลุ่มนักประพันธ์เพลงหลักที่ยังคงพัฒนาแนวคิดและรูปแบบของดนตรีสมัยใหม่ต่อไป เช่นPierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard WilsonและRalph Shapey ^{[ 92 ]}

กระแสทางดนตรีสองกระแสที่โดดเด่นในช่วงเวลานี้ ได้แก่ ลัทธิอิมเพรสชันนิสต์ที่เริ่มต้นราวปี 1890 และลัทธิเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ที่เริ่มต้นราวปี 1908 นับเป็นช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาที่หลากหลายในการท้าทายและตีความประเภทดนตรีแบบเก่าใหม่ นวัตกรรมที่นำไปสู่แนวทางใหม่ในการจัดระเบียบและการเข้าถึงแง่มุมของดนตรี ทั้งด้านฮาร์โมนิก เมโลดิก เสียง และจังหวะ รวมถึงการเปลี่ยนแปลงในมุมมองทางสุนทรียศาสตร์ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับช่วงเวลาของลัทธิโมเดิร์นในศิลปะในยุคนั้น คำสำคัญที่เกี่ยวข้องกับยุคนี้คือ "นวัตกรรม" ^{[ 93 ]}คุณลักษณะเด่นของยุคนี้คือ "ความหลากหลายทางภาษา" ซึ่งหมายความว่าไม่มีแนวดนตรี ใดแนวเดียว ที่เคยครองตำแหน่งที่โดดเด่น^{[ 94 ]}

วงออร์เคสตราเติบโตอย่างต่อเนื่องในช่วงต้นยุคสมัยใหม่ โดยถึงจุดสูงสุดในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 แซกโซโฟนซึ่งปรากฏให้เห็นไม่บ่อยนักในช่วงศตวรรษที่ 19 กลับถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีเสริมมากขึ้น แต่ไม่เคยเป็นเครื่องดนตรีหลักของวงออร์เคสตรา แม้ว่าจะปรากฏเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่โดดเด่นในบางผลงาน เช่นการเรียบเรียงดนตรีของมอริซ ราเวล สำหรับ Pictures at an Exhibition ของ โมเดสต์ มุสซอร์ก สกี และSymphonic Dancesของเซอร์เกย์ ราคมันินอฟ แต่แซกโซโฟนก็ถูกรวมอยู่ในผลงานอื่นๆ เช่นRomeo and Juliet Suites 1 และ 2ของเซอร์เกย์ โปร โคฟีฟ และผลงานอื่นๆ อีกมากมายในฐานะสมาชิกของวงออร์เคสตรา ในบางบทประพันธ์ เช่นBoléro ของราเวล มีการใช้แซกโซโฟนสองตัวขึ้นไปที่มีขนาดแตกต่างกันเพื่อสร้างเป็นส่วนทั้งหมดเช่นเดียวกับส่วนอื่นๆ ของวงออร์เคสตรา เครื่องดนตรีประเภทยูโฟเนียมปรากฏอยู่ใน ผลงาน ดนตรีโรแมนติก ตอนปลาย และ ผลงาน ในศตวรรษที่ 20 บางชิ้น โดยมักจะเล่นในส่วนที่ระบุว่า "เทเนอร์ทูบา" เช่น ในผลงานThe PlanetsของGustav HolstและEin HeldenlebenของRichard Strauss

ในทำนองเดียวกัน ในศตวรรษที่ 20 ทั้งแอคคอร์เดียนและ แอค คอร์เดียนเบสอิสระ ซึ่งเป็นญาติกัน นั้น บางครั้งก็ถูกบรรเลงเป็น "เครื่องดนตรีที่ถูกต้องตามกฎหมาย" ที่ได้รับการยอมรับในบทเพลงคลาสสิกสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราและวงดนตรีแชมเบอร์^{[ 95 ]}ผลงานสำคัญสำหรับแอคคอร์เดียน ได้แก่คอนแชร์โตสำหรับแอคคอร์เดียนและวงออร์เคสตรา Op. 75ของPaul Creston [ ^{96 ] ได} เวอร์ติเมนโตสำหรับฟลุต คลาริเน็ต บาสซูน และแอคคอ ร์เดียนของRobert Davine ^{[ 97 ] [ 98 ]}คอนแชร์โตแอคคอร์เดียนใน G Minor หมายเลข 1ของAnthony Galla-Rini ^{[ 99 ]}และ คอนแชร์โตสำหรับแอคคอร์ เดียนเบสอิสระของJohn Serry ^{[ 100 ] [ 101 ]}

นักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ได้แก่อิกอร์ สตราวินสกี , โคลดเดอบุ สซี , เซอร์เกย์ ราคมันินอฟ , เซอร์ เกย์ โปรโคฟีฟ , อาร์โนล ด์ เชินเบิร์ก , นิ คอส สกัลคอตตั ส, ไฮเตอร์ วิลลา-โลบอส , คาโรล ซี มานอฟสกี , แอ นตัน เวเบิร์น , อัลบัน เบิร์ก , เซ ซิลชามินาเด , พอล ฮินเดมิธ, อาราม คาชาตูเรียน , จอร์จ เกอร์ชวิน , เอมี บีช , เบลา บาร์ต็อกและดมิทรี โชสตาโควิช รวมถึงมาห์เลอร์และสเตราส์ที่กล่าวถึงไปแล้ว ซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในช่วงเปลี่ยนผ่านจากศตวรรษที่ 19

ดนตรีโพสต์โมเดิร์นเป็นช่วงเวลาของดนตรีที่เริ่มต้นขึ้นตั้งแต่ปี พ.ศ. 2473 ตามที่ผู้เชี่ยวชาญบางท่านกล่าวไว้^{[ 88 ] [ 89 ]}มีลักษณะร่วมกับศิลปะโพสต์โมเดิร์นนั่นคือ ศิลปะที่เกิดขึ้นภายหลังและต่อต้านศิลปะ สมัยใหม่

ผู้เชี่ยวชาญบางท่านได้เทียบเคียงดนตรีโพสต์โมเดิร์นกับ "ดนตรีร่วมสมัย" ที่แต่งขึ้นหลังปี 1930 ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 20 จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 ^{[ 102 ] [ 103 ]}ขบวนการที่หลากหลายในยุคโพสต์โมเดิร์น/ร่วมสมัย ได้แก่ นีโอโรแมนติก นีโอมีเดียล มินิมัลลิสต์ และโพสต์มินิมัลลิสต์

ดนตรีคลาสสิกร่วมสมัยในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 มักถูกพิจารณาว่ารวมถึงรูปแบบดนตรีทั้งหมดหลังปี 1945 ^{[ 104 ]}หนึ่งชั่วอายุคนต่อมา คำนี้จึงหมายถึงดนตรีในปัจจุบันที่แต่งโดยนักประพันธ์เพลงที่ยังมีชีวิตอยู่ ซึ่งเป็นดนตรีที่ได้รับความนิยมในช่วงกลางทศวรรษ 1970 ดนตรีประเภทนี้ประกอบด้วยดนตรีสมัยใหม่ ดนตรีหลังสมัยใหม่ดนตรี โร แมนติกใหม่และดนตรีพหุนิยมในรูป แบบต่างๆ ^{[ 92 ]}

นักแสดงที่ศึกษาดนตรีคลาสสิกอย่างกว้างขวางเรียกว่า "ได้รับการฝึกฝนแบบคลาสสิก" การฝึกฝนนี้อาจมาจากการเรียนส่วนตัวกับครูสอนเครื่องดนตรีหรือครูสอนร้องเพลง หรือจากการสำเร็จหลักสูตรอย่างเป็นทางการที่เปิดสอนโดยวิทยาลัยดนตรี มหาวิทยาลัย หรือสถาบันดนตรี เช่นปริญญาตรีดนตรีหรือ ปริญญา โทดนตรี (ซึ่งรวมถึงการเรียนส่วนตัวกับอาจารย์) ในดนตรีคลาสสิก "...จำเป็นต้องมีการศึกษาและการฝึกอบรมดนตรีอย่างเป็นทางการอย่างกว้างขวาง ซึ่งมักจะถึงระดับบัณฑิตศึกษา [ปริญญาโท]" ^{[ 105 ]}

การแสดงดนตรีคลาสสิกต้องอาศัยความชำนาญในการอ่านโน้ตและการเล่นเป็นวง ความเข้าใจ หลักการประสานเสียงการฝึกฝนการฟัง ที่ดี (เพื่อแก้ไขและปรับระดับเสียงด้วยการฟัง) ความรู้เกี่ยวกับธรรมเนียมการแสดง (เช่น การประดับประดาแบบบาโรก) และความคุ้นเคยกับรูปแบบ/สำเนียงดนตรีที่คาดหวังจากนักประพันธ์หรือผลงานดนตรีนั้นๆ (เช่น ซิมโฟนีของบราห์มส์ หรือคอนแชร์โตของโมสาร์ท)

ลักษณะสำคัญของดนตรีคลาสสิกยุโรปที่แตกต่างจากดนตรีสมัยนิยมดนตรีพื้นบ้านและดนตรีคลาสสิกอื่นๆ เช่นดนตรีคลาสสิกอินเดียคือ บทเพลงมักจะถูกบันทึกไว้ในโน้ตดนตรีซึ่งสร้างเป็นส่วนประกอบทางดนตรีหรือโน้ตเพลงโน้ตเพลงนี้โดยทั่วไปจะกำหนดรายละเอียดของจังหวะ ระดับเสียง และในกรณีที่มีนักดนตรีสองคนขึ้นไป (ไม่ว่าจะเป็นนักร้องหรือนักดนตรี) จะกำหนดวิธีการประสานงานของส่วนต่างๆ คุณภาพของการเขียนโน้ตดนตรีทำให้เกิดความซับซ้อนในระดับสูงภายในบทเพลง ตัวอย่างเช่น ฟิวก์ (fugue)ประสบความสำเร็จในการผสมผสานท่วงทำนองที่โดดเด่นอย่างชัดเจนเข้ากับการประสานเสียงอย่างลงตัวการใช้โน้ตดนตรียังช่วยรักษาบันทึกของผลงานและทำให้นักดนตรีคลาสสิกสามารถบรรเลงดนตรีจากหลายศตวรรษก่อนได้

แม้ว่าดนตรีคลาสสิกในช่วงทศวรรษ 2000 จะสูญเสียประเพณีการด้นสดทางดนตรี ไปเกือบทั้งหมด ตั้งแต่ยุคบาโรกจนถึงยุคโรแมนติก แต่ก็ยังมีตัวอย่างของนักแสดงที่สามารถด้นสดในสไตล์ของยุคนั้นๆ ได้ ในยุคบาโรก นักแสดงออร์แกนจะด้นสดบทนำนักแสดงคีย์บอร์ดที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ดจะด้นสดคอร์ดจาก สัญลักษณ์ เบสที่มีตัวเลขกำกับอยู่ใต้โน้ตเบสของส่วนเบสคอนตินูโอ และทั้งนักร้องและนักดนตรีจะด้นสดเครื่องประดับทางดนตรี [ 106 ] โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในด้านการด้นสดที่ซับซ้อนของเขา [ 107 ] ในยุคคลาสสิก นักแต่งเพลงและนักแสดงโวล์^{ฟกังอ}มาเด^{อุสโมสาร์ท}มีชื่อเสียงในด้านความสามารถในการด้นสดทำนองเพลงในสไตล์ต่างๆ^{[ 108 ]}ในยุคคลาสสิก นักดนตรีเดี่ยวผู้มีฝีมือบางคนจะด้นสด ส่วน คาเดนซาของคอนแชร์โต ในช่วงยุคโรแมนติกลุดวิก ฟาน เบโธเฟนจะด้นสดที่เปียโน^{[ 109 ]}

ดนตรีคลาสสิกมักผสมผสานองค์ประกอบหรือเนื้อหาจากดนตรีสมัยนิยมของผู้ประพันธ์ ตัวอย่างเช่น ดนตรีเฉพาะกิจ เช่น การที่บราห์มส์ใช้เพลงดื่มเหล้า ของนักเรียน ในAcademic Festival Overture ของเขา แนวเพลงที่ยกตัวอย่างได้จากThe Threepenny Operaของเคิร์ต ไวล์และอิทธิพลของ ดนตรีแจ๊สที่มีต่อผู้ประพันธ์ เพลงในช่วงต้นและกลางศตวรรษที่ 20 รวมถึงมอริซ ราเวลซึ่งยกตัวอย่างได้จากท่อนที่ชื่อว่า "Blues" ในโซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโนของเขา^{[ 110 ]} ผู้ประพันธ์เพลงคลาส สิ กแบบโพส ต์โมเดิร์น มินิมัลลิสต์และ โพ สต์มินิมัลลิสต์บางคนยอมรับว่าได้รับอิทธิพลจากดนตรีสมัยนิยม^{[ 111 ]}

ผลงานประพันธ์สำหรับวงออร์เคสตรา เรื่อง Rhapsody in BlueของGeorge Gershwin ที่แต่งขึ้นในปี 1924 ได้รับการอธิบายว่าเป็นดนตรีแจ๊สสำหรับวงออร์เคสตรา หรือดนตรีแจ๊สแบบซิมโฟนีโดยเป็นการผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีคลาสสิกเข้ากับอิทธิพลของดนตรีแจ๊ส

ตัวอย่างมากมายแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลในทิศทางตรงกันข้าม รวมถึงเพลงยอดนิยมที่อิงจากดนตรีคลาสสิก การนำเพลง Canon ของ Pachelbelมาใช้ตั้งแต่ทศวรรษ 1970 และ ปรากฏการณ์ การผสมผสาน ทางดนตรี ซึ่งนักดนตรีคลาสสิกประสบความสำเร็จในวงการเพลงยอดนิยม^{[ 112 ]}ในดนตรีเฮ ฟวีเมทัล นักกีตาร์นำหลายคน(ที่เล่นกีตาร์ไฟฟ้า ) รวมถึงRitchie BlackmoreและRandy Rhoads [ ^{113 ] ได้จำลองรูปแบบการเล่นของพวกเขาตามดนตรีบรรเลง ใน}ยุคบาโรกหรือยุคคลาสสิก^{[ 114 ]}

นักประพันธ์เพลงคลาสสิกมักใช้ดนตรีพื้นบ้าน (ดนตรีที่สร้างโดยนักดนตรีที่ไม่ได้รับการฝึกฝนแบบคลาสสิก มักมาจากประเพณีการถ่ายทอดด้วยวาจาล้วนๆ) นักประพันธ์บางคน เช่นDvořákและSmetana [ ^{115 ]}ใช้ทำนองพื้นบ้านเพื่อถ่ายทอดกลิ่นอายชาตินิยมให้กับผลงานของพวกเขา ในขณะที่นักประพันธ์คนอื่นๆ เช่นBartókใช้ทำนองเฉพาะที่ยกมาจากต้นกำเนิดดนตรีพื้นบ้าน^{[ 116 ]} Khachaturian ได้ผสมผสานดนตรีพื้นบ้านของ อาร์เมเนียซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขาเข้ากับผลงานของเขาอย่างกว้างขวางแต่ยังรวมถึงกลุ่มชาติพันธุ์อื่นๆ ในตะวันออกกลางและยุโรปตะวันออก^{ด้วย[ 117 ] [ 118 ]}

ดนตรีคลาสสิกบางประเภทมักถูกนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์ (ทั้งในโฆษณาหรือในเพลงประกอบภาพยนตร์) ในโฆษณาทางโทรทัศน์ มีหลายท่อนที่กลายเป็นแบบแผนโดยเฉพาะอย่างยิ่งท่อนเปิดของAlso sprach ZarathustraของRichard Strauss (ซึ่งโด่งดังจากภาพยนตร์เรื่อง2001: A Space Odyssey ) และท่อนเปิด " O Fortuna " ของCarmina BuranaของCarl Orffตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ " Dies irae " จากRequiem ของ Verdi , " In the Hall of the Mountain King " จากPeer Gynt ของ Edvard Grieg , ^{[ 119 ]}ท่อนเปิดของSymphony No. 5ของBeethoven , " Sabre Dance " ของAram Khachaturian , " Ride of the Valkyries " จากDie Walküre ของ Wagner , " Flight of the Bumblebee " ของRimsky-Korsakovและบางส่วนจากRodeoของAaron Coplandผลงานหลายชิ้นจากยุคทองของแอนิเมชั่นได้จับคู่การกระทำกับดนตรีคลาสสิก ตัวอย่างที่โดดเด่น ได้แก่^Fantasia ของ Walt Disney [ ^{120 ]} Johann MouseของTom and JerryและRabbit of SevilleและWhat's Opera, Doc?ของWarner Bros. ^{[ 121 ]}

ในทำนองเดียวกัน ภาพยนตร์และโทรทัศน์มักใช้ตัวอย่างเพลงคลาสสิกที่เป็นมาตรฐานและซ้ำซากจำเจเพื่อสื่อถึงความประณีตหรือความหรูหรา ตัวอย่างเพลงที่ได้ยินบ่อยที่สุดในหมวดหมู่นี้ ได้แก่Cello Suite No. 1ของBach , Eine kleine NachtmusikของMozart , Four SeasonsของVivaldi , Night on Bald MountainของMussorgsky (เรียบเรียงโดย Rimsky-Korsakov) และWilliam Tell OvertureของRossini Shawn Vancour ^{โต้แย้ง}ว่าการนำเพลงคลาสสิกมาใช้ในเชิงพาณิชย์ในช่วงทศวรรษ 1920 อาจส่งผลเสียต่ออุตสาหกรรมดนตรี [ ^{122 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1990 มีงานวิจัยและหนังสือยอดนิยมหลายเล่มที่เขียนเกี่ยวกับสิ่งที่เรียกว่า " ปรากฏการณ์โมสาร์ท " ซึ่งก็คือการสังเกตพบว่าคะแนนใน การทดสอบ การให้เหตุผลเชิงพื้นที่ เพิ่มขึ้นเล็กน้อยชั่วคราว อันเป็นผลมาจากการฟังเพลงของโมสาร์ท แนวทางนี้ได้รับความนิยมในหนังสือของดอน แคมป์เบล และอิงจากการทดลองที่ตีพิมพ์ในวารสารNatureซึ่งชี้ให้เห็นว่าการฟังเพลงของโมสาร์ทช่วยเพิ่มIQ ของนักเรียนได้ชั่วคราว 8 ถึง 9 คะแนน^{[ 123 ]}ทฤษฎีเวอร์ชันที่ได้รับความนิยมนี้ถูกแสดงออกมาอย่างกระชับโดยอเล็กซ์ รอสส์ คอลัมนิ สต์ด้านดนตรีของนิวยอร์กไทมส์ว่า "นักวิจัย... ได้สรุปว่าการฟังเพลงของโมสาร์ททำให้คุณฉลาดขึ้นจริง ๆ" ^{[ 124 ]}ผู้โปรโมตทำการตลาดซีดีที่อ้างว่าสามารถทำให้เกิดผลดังกล่าวได้ รัฐฟลอริดาออกกฎหมายบังคับให้เด็กเล็กในโรงเรียนของรัฐฟังเพลงคลาสสิกทุกวัน และในปี 1998 ผู้ว่าการรัฐจอร์เจียได้จัดสรรงบประมาณ 105,000 ดอลลาร์ต่อปีเพื่อจัดหาเทปหรือซีดีเพลงคลาสสิกให้กับเด็กทุกคนที่เกิดในรัฐจอร์เจีย หนึ่งในผู้ร่วมเขียนงานวิจัยต้นฉบับเกี่ยวกับผลกระทบของโมสาร์ทได้แสดงความคิดเห็นว่า "ฉันไม่คิดว่ามันจะเป็นอันตรายอะไร ฉันสนับสนุนให้เด็กๆ ได้สัมผัสกับประสบการณ์ทางวัฒนธรรมที่ยอดเยี่ยม แต่ฉันคิดว่าเงินน่าจะถูกใช้ไปกับ โครงการ การศึกษาดนตรี ได้ดีกว่า " ^{[ 125 ]}

• ดนตรีคลาสสิกของสหราชอาณาจักร
• ดนตรีคลาสสิกของสหรัฐอเมริกา
• ดนตรีคลาสสิกอิตาลี
• ดนตรีคลาสสิกรัสเซีย
• ผู้หญิงในวงการดนตรีคลาสสิก

• Grove Music Online – พจนานุกรมดนตรีและนักดนตรีฉบับใหม่ของ Grove ในรูปแบบ ออนไลน์
• MGG Online – Die Musik เวอร์ชันออนไลน์ใน Geschichte und Gegenwart
• บันทึกเสียงคลาสสิกเก่าแก่จากหอจดหมายเหตุเสียงของห้องสมุดแห่งชาติอังกฤษ
• เว็บไซต์อย่างเป็นทางการของ ClassicalMusicOnly