เรียงตามเข็มนาฬิกาจากซ้ายไปขวา:

• ซาราห์ เบิร์นฮาร์ดต์ในปี 1899 รับบทเป็นแฮมเล็ตในโศกนาฏกรรมชื่อเดียวกันของเชกสเปียร์
• ตัวละครซุนวูคงในละครงิ้วปักกิ่งจากเรื่องไซอิ๋ว
• เอดูอาร์โด เดอ ฟิลิปโปรับบทเป็นปุลซิเนลลาตัวละครจากCommedia dell'arte
• กูทู (Koothu)เป็นศิลปะการแสดงโบราณของอินเดียที่มีต้นกำเนิดในทมิฬนาฑู (Tamilakam) ยุคแรก

ละครเวทีหรือเธียเตอร์^[ก]เป็นรูปแบบศิลปะการแสดง แบบร่วมมือกัน ที่ใช้ผู้แสดงสด ซึ่งโดยปกติคือนักแสดงเพื่อนำเสนอประสบการณ์ของเหตุการณ์จริงหรือจินตนาการต่อหน้าผู้ชมสดในสถานที่เฉพาะ ซึ่งมักจะเป็นเวที ผู้แสดงอาจสื่อสารประสบการณ์นี้ไปยังผู้ชมผ่านการผสมผสานของท่าทางคำพูดเพลงดนตรีและการเต้นรำ

ละครเป็นรูปแบบที่เก่าแก่ที่สุดแม้ว่าปัจจุบันละครสดจะมีรูปแบบการบันทึกสมัยใหม่เข้ามาผสมผสานด้วยก็ตาม องค์ประกอบของศิลปะ เช่น ฉากที่วาดและการจัดฉากเช่นแสงไฟถูกนำมาใช้เพื่อเพิ่มความสมจริง ความมีชีวิตชีวา และความทันทีทันใดของประสบการณ์^{[ 1 ]}สถานที่ ซึ่งโดยปกติคืออาคาร ที่มีการแสดงเป็นประจำ เรียกว่า "โรงละคร" (หรือ "theaters") ซึ่งมาจากภาษากรีกโบราณ θέατρον (théatron, "สถานที่สำหรับชม") ซึ่งมาจาก θεάομαι (theáomai, "ดู", "เฝ้าดู", "สังเกต")

ละครตะวันตกสมัยใหม่ส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลมาจากละครของกรีกโบราณโดยยืมคำศัพท์ทางเทคนิค การจำแนกประเภทเป็นแนวต่างๆ และ ธีมตัวละครหลัก และองค์ประกอบ ของ พล็ อตหลายอย่าง ศิลปินละครPatrice Pavisนิยามความเป็นละครภาษาละครการเขียนบทละคร และความเฉพาะเจาะจง ของละครว่าเป็นคำที่มีความหมายเหมือน กัน ซึ่งทำให้ละครแตกต่างจาก ศิลปะการแสดงอื่นๆวรรณกรรมและศิลปะโดยทั่วไป^{[ 2 ] [ b ]}

บริษัทโรงละครคือองค์กรที่ผลิตการแสดงละคร^{[ 3 ]}ซึ่งแตกต่างจากคณะละคร (หรือบริษัทการแสดง) ซึ่งเป็นกลุ่มนักแสดงละครที่ทำงานร่วมกัน^{[ 4 ] [ 5 ]}

ละครสมัยใหม่ประกอบด้วยการแสดงละครเวทีและละครเพลงศิลปะรูปแบบบัลเลต์และโอเปร่าก็จัดเป็นละครเช่นกัน และใช้ธรรมเนียมหลายอย่าง เช่นการแสดงเครื่องแต่งกาย และการจัดฉาก ซึ่งมีอิทธิพลต่อการพัฒนาละครเพลง

นครรัฐเอเธนส์เป็นแหล่งกำเนิดของละครตะวันตก[ ^{7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ c ] เป็น}ส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมการแสดงละครและการแสดงในกรีกโบราณ ที่กว้างขวางกว่า ซึ่งรวมถึงเทศกาลพิธีกรรมทางศาสนาการเมืองกฎหมายกีฬาและยิมนาสติก ดนตรีบทกวีงานแต่งงาน งานศพ และงานสังสรรค์^{[ 10 ] [ 9 ] [ 11 ] [ 12 ] [ d ]}

การเข้าร่วมในเทศกาลต่างๆ มากมายของรัฐเมือง—และการเข้าร่วมงาน City Dionysia อย่างบังคับ^{ในฐานะผู้ชม (หรือแม้แต่ในฐานะผู้เข้าร่วมในการแสดงละคร) โดยเฉพาะอย่างยิ่ง—เป็นส่วนสำคัญของการเป็นพลเมือง [} 14 ] การมี^{ส่วนร่วม}ในกิจการพลเมืองยังเกี่ยวข้องกับการประเมินวาทศิลป์ของนักพูดที่ปรากฏในการแสดงในศาลยุติธรรมหรือสภาการเมืองซึ่งทั้งสองอย่างนี้เข้าใจได้ว่าคล้ายคลึงกับโรงละครและค่อยๆ ซึมซับคำศัพท์ทางละครมากขึ้นเรื่อยๆ^{[ 15 ] [ 16 ]}ชาวกรีกยังได้พัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับการวิจารณ์ละครและสถาปัตยกรรมโรงละคร อีกด้วย ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} นักแสดงเป็นได้ทั้งมือสมัครเล่นหรืออย่าง ดีที่สุดก็เป็นกึ่งมืออาชีพ^{[ 20 ]}โรงละครของกรีกโบราณประกอบด้วยละคร สามประเภท ได้แก่โศกนาฏกรรมตลกและละครเสียดสี^{[ 21 ]}

ตามที่อริสโตเติล (384–322 ปีก่อนคริสตกาล) นักทฤษฎีละครคนแรกกล่าวไว้ ต้นกำเนิดของโรงละครในกรีกโบราณนั้น มาจากงานเทศกาลที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ไดโอนิซัสการแสดงจะจัดขึ้นในหอประชุมรูปครึ่งวงกลมที่เจาะเข้าไปในเนินเขา สามารถจุผู้ชมได้ 10,000–20,000 คน เวทีประกอบด้วยพื้นที่เต้นรำ (orchestra) ห้องแต่งตัว และพื้นที่สร้างฉาก (skene) เนื่องจากคำพูดเป็นส่วนที่สำคัญที่สุด เสียงที่ดีและการพูดที่ชัดเจนจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง นักแสดง (เป็นผู้ชายเสมอ) สวมหน้ากากที่เหมาะสมกับตัวละครที่พวกเขาแสดง และแต่ละคนอาจเล่นหลายบทบาท^{[ 22 ]}

โศกนาฏกรรมเอเธนส์—รูปแบบโศกนาฏกรรมที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังคงหลงเหลืออยู่—เป็นละคร รำประเภทหนึ่งที่เป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมการละครของรัฐเมือง^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 23 ] [ 24 ] [ e ]}เกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช เฟื่องฟูในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช (ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 5 เป็นต้นมา ก็เริ่มแพร่กระจายไปทั่วโลกกรีก) และยังคงได้รับความนิยมจนถึงช่วงต้น ยุคเฮลเลนิ สติก^{[ 26 ] [ 27 ] [ 8 ] [ f ]}

ไม่มีบทละครโศกนาฏกรรมใดจากศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราชที่ยังหลงเหลืออยู่ และมีเพียง 32 เรื่องจากกว่าพันเรื่องที่แสดงในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราชเท่านั้น^{[ 29 ] [ 30 ] [ g ]}เรามีบทละครฉบับ สมบูรณ์ ของเอสคิลัส โซโฟคลีส และยูริพิดิส^{[ 31 ] [ h ]}ต้นกำเนิดของโศกนาฏกรรมยังคงคลุมเครือ แม้ว่าในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช โศกนาฏกรรมจะถูกจัดตั้งขึ้นในรูปแบบการแข่งขัน ( agon ) ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของงานเฉลิมฉลองไดโอนิซัส ( เทพเจ้าแห่งไวน์และความอุดมสมบูรณ์ ) ^{[ 32 ] [ 33 ]}ในฐานะผู้เข้าแข่งขันในงานประกวดซิตี้ไดโอนิเซีย (เทศกาลที่มีชื่อเสียงที่สุดสำหรับการแสดงละคร) นักเขียนบทละครจะต้องนำเสนอ บทละคร สี่เรื่อง (แม้ว่าผลงานแต่ละชิ้นจะไม่จำเป็นต้องเชื่อมโยงกันด้วยเรื่องราวหรือธีม) ซึ่งโดยปกติจะประกอบด้วยโศกนาฏกรรมสามเรื่องและละครเสียดสีหนึ่งเรื่อง^{[ 34 ] [ 35 ] [ i ]}การแสดงละครโศกนาฏกรรมในงาน City Dionysia อาจเริ่มต้นขึ้นตั้งแต่ปี 534 ก่อนคริสต์ศักราช บันทึกอย่างเป็นทางการ ( didaskaliai ) เริ่มต้นตั้งแต่ปี 501 ก่อนคริสต์ศักราช เมื่อมีการนำละครซาไทร์เข้ามา^{[ 36 ] [ 34 ] [ j ]}

โศกนาฏกรรมของเอเธนส์ส่วนใหญ่นำเสนอเหตุการณ์จากเทพปกรณัมกรีกแม้ว่า เรื่อง The Persiansซึ่งแสดงปฏิกิริยาของชาวเปอร์เซียต่อข่าวความพ่ายแพ้ทางทหารในยุทธการซาลามิสในปี 480 ก่อนคริสต์ศักราช จะเป็นข้อยกเว้นที่น่าสนใจในบรรดาละครที่ยังหลงเหลืออยู่^{[ 34 ] [ k ]}เมื่อเอสคิลัสได้รับรางวัลที่หนึ่งจากการแสดงเรื่องนี้ในงาน City Dionysia ในปี 472 ก่อนคริสต์ศักราช เขาได้เขียนโศกนาฏกรรมมานานกว่า 25 ปีแล้ว แต่การนำเสนอโศกนาฏกรรมเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ล่าสุดนี้เป็นตัวอย่างละคร ที่เก่าแก่ที่สุด ที่ยังหลงเหลืออยู่^{[ 34 ] [ 38 ]}กว่า 130 ปีต่อมา นักปรัชญาอริสโตเติลได้วิเคราะห์โศกนาฏกรรมของเอเธนส์ในศตวรรษที่ 5 ในงานทฤษฎีละคร ที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ นั่น คือPoetics ของเขา ( ประมาณ 335 ก่อนคริสต์ศักราช )

ละครตลกของเอเธนส์โดยทั่วไปแบ่งออกเป็นสามช่วง ได้แก่ "ละครตลกยุคเก่า" "ละครตลกยุคกลาง" และ "ละครตลกยุคใหม่" ละครตลกยุคเก่าส่วนใหญ่ยังคงหลงเหลืออยู่จนถึงปัจจุบันในรูปแบบของบทละคร 11 เรื่องที่ยังคงหลงเหลืออยู่ของอริสโตฟานิสในขณะที่ละครตลกยุคกลางส่วนใหญ่สูญหายไปแล้ว (เหลือเพียงเศษเสี้ยวสั้นๆ ในงานเขียนของนักเขียนเช่นอเทเนอุสแห่งนอคราติส ) ละครตลกยุคใหม่เป็นที่รู้จักกันส่วนใหญ่จากเศษกระดาษปาปิรัสจำนวนมากของเมนันเดอร์อริสโตเติลนิยามละครตลกว่าเป็นภาพสะท้อนของผู้คนที่น่าหัวเราะซึ่งเกี่ยวข้องกับความผิดพลาดหรือความน่าเกลียดบางอย่างที่ไม่ก่อให้เกิดความเจ็บปวดหรือภัยพิบัติ^{[ l ]}

นอกจากประเภทของละครตลกและโศกนาฏกรรมในงานเทศกาลไดโอนิเซียของเมืองแล้ว เทศกาลนี้ยังรวมถึงละครซาไทร์ด้วย ละครซาไทร์มีต้นกำเนิดมาจากพิธีกรรมทางการเกษตรในชนบทที่อุทิศให้กับไดโอนิซัส และในที่สุดก็ได้แพร่หลายไปยังเอเธนส์ในรูปแบบที่รู้จักกันดีที่สุด ซาไทร์เองนั้นมีความเกี่ยวข้องกับเทพไดโอนิซัสในฐานะสหายผู้ภักดีในป่า มักจะร่วมสนุกสนานเฮฮาและก่อเรื่องวุ่นวายเคียงข้างเขา ละครซาไทร์เองนั้นถูกจัดอยู่ในประเภทโศกนาฏกรรมปนสุข โดยมีแนวโน้มไปทางประเพณีเบอร์เลสค์สมัยใหม่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เนื้อเรื่องของละครมักจะเกี่ยวข้องกับการกระทำของเทพเจ้าและบทบาทของพวกเขาในกิจการของมนุษย์ โดยมีคณะนักร้องประสานเสียงของซาไทร์ คอยสนับสนุน อย่างไรก็ตาม ตามที่Webster กล่าวไว้ นักแสดงซาไทร์ไม่ได้แสดงท่าทางแบบซาไทร์ทั่วไปเสมอไป และจะแหวกแนวจากประเพณีการแสดงที่กำหนดให้กับตัวละครประเภทสิ่งมีชีวิตในป่าในตำนาน^{[ 39 ]}

ชาวกรีกที่อพยพมาตั้งถิ่นฐานในอิตาลีตอนใต้หรือที่เรียกว่าMagna Graeciaได้นำศิลปะการละครมาจากบ้านเกิดของพวกเขา^{[ 40 ]}โรงละครกรีกแห่งซีราคิวส์โรงละครกรีกแห่งเซเกสตา โรงละครกรีกแห่งทิน ดารี โรง ละคร กรีกแห่งฮิปปานา โรงละครกรีก แห่งอัคราอิ โรงละครกรีกแห่งมอนเตจาโต โรงละครกรีกแห่งมอร์กันติ นา และโรงละครกรีกแห่งทาออร์มินาที่มีชื่อเสียงที่สุดล้วนเป็นเครื่องพิสูจน์ถึงสิ่งนี้ แม้ว่าจะเหลือเพียงเศษเสี้ยวของผลงานละครดั้งเดิมอยู่บ้าง แต่โศกนาฏกรรมของสามผู้ยิ่งใหญ่ อย่าง เอสคิลัสโซโฟคลีสและยูริพิดิสและละครตลกของอริสโตฟานิสก็เป็นที่รู้จัก^{[ 41 ]} นักเขียนบทละครชื่อดังบางคนในภาษากรีกมาจาก Magna Graeciaโดยตรง ส่วนคนอื่นๆ เช่น เอสคิลัสและเอปิคาร์มัส ทำงานอยู่ใน ซิซิลีเป็นเวลานานเอพิคาร์มัสถือได้ว่าเป็นชาวซีราคิวส์โดยแท้จริง เนื่องจากเขาทำงานตลอดชีวิตกับทรราชแห่งซีราคิวส์ละครตลกของเขามาก่อนละครตลกของอริสโตฟานิสผู้มีชื่อเสียง โดยนำเสนอเทพเจ้าเป็นครั้งแรกในละครตลก ขณะที่เอสคิลัส หลังจากพำนักอยู่ในอาณานิคมซิซิลีเป็นเวลานาน ก็เสียชีวิตในซิซิลี ณ อาณานิคมเจลาในปี 456 ก่อนคริสต์ศักราช เอพิคาร์มัสและฟอร์มิสซึ่งทั้งคู่มีชีวิตอยู่ในศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช เป็นพื้นฐานสำหรับอริสโตเติลในการคิดค้นละครตลกกรีก ดังที่เขากล่าวไว้ในหนังสือPoetics ของเขาว่า : ^{[ 42 ]}

ส่วนการเรียบเรียงเรื่องราว (เอปิคาร์มัสและฟอร์มิส) นั้น เริ่มแรกมีต้นกำเนิดมาจากซิซิลี

นอกจากฟอร์มิเดสแห่งซีราคิวส์ที่กล่าวถึงแล้ว นักเขียนบทละครพื้นเมืองคนอื่นๆ ของมาญญาเกรเซีย ได้แก่ อะเคียสแห่งซีราคิวส์ , อพอลโลโดรัสแห่งเจลา , ฟิเลมอนแห่งซีราคิวส์และฟิเลมอนผู้เยาว์ซึ่งเป็นบุตรชายของเขา จาก คา ลาเบรียโดยเฉพาะจากอาณานิคม ทูรี มีนักเขียนบทละครชื่ออเล็กซิสในขณะที่รินธอนแม้จะเป็นชาวซิซิลีจากซีราคิวส์ แต่ก็ทำงานเกือบทั้งหมดให้กับอาณานิคมทารันโตในอาปูเลีย^{[ 43 ]}

โรงละครตะวันตกพัฒนาและขยายตัวอย่างมากภายใต้การ ปกครอง ของโรมันนักประวัติศาสตร์โรมันลิวีเขียนว่าชาวโรมันได้สัมผัสกับโรงละครเป็นครั้งแรกในศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช โดยเป็นการแสดงของนักแสดงชาวเอตรัสกัน^{[ 44 ]}บีแชมแย้งว่าชาวโรมันคุ้นเคยกับ "แนวปฏิบัติก่อนโรงละคร" มาสักระยะหนึ่งก่อนที่จะมีการบันทึกการติดต่อดังกล่าว^{[ 45 ]}

โรงละครในสมัยโรมันโบราณเป็นศิลปะการแสดงที่เฟื่องฟูและหลากหลาย ตั้งแต่การแสดงละครข้างถนนการเต้นรำเปลือย และกายกรรม ไปจนถึงการจัดแสดงละครตลกสถานการณ์ที่ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางของพลอตุสและ ละคร โศกนาฏกรรม ที่ มีรูปแบบ หรูหรา และใช้ภาษาที่ซับซ้อนของเซเนกาแม้ว่าโรมจะมีประเพณีการแสดงดั้งเดิมอยู่แล้ว แต่การรับอิทธิพลของวัฒนธรรมกรีกในศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราชได้ส่งผลกระทบอย่างลึกซึ้งและกระตุ้นโรงละครโรมัน และส่งเสริมการพัฒนาวรรณกรรมละตินคุณภาพสูงสำหรับเวทีการแสดง

หลังจากการขยายอำนาจของสาธารณรัฐโรมัน (509–27 ปีก่อนคริสตกาล) เข้าสู่ดินแดนกรีกหลายแห่งระหว่างปี 270 ถึง 240 ก่อนคริสตกาล โรมได้พบกับละครกรีก [ ^{46 ] ใน}ช่วงปลายของสาธารณรัฐและโดยผ่านทางจักรวรรดิโรมัน (27 ปีก่อนคริสตกาล-476 คริสตกาล) โรงละครได้แพร่กระจายไปทางตะวันตกทั่วยุโรป รอบทะเลเมดิเตอร์เรเนียน และไปถึงอังกฤษ โรงละครโรมันมีความหลากหลาย กว้างขวาง และซับซ้อนกว่าวัฒนธรรมใดๆ ก่อนหน้านั้น^{[ 47 ]}ในขณะที่ละครกรีกยังคงมีการแสดงตลอดช่วงยุคโรมัน ปี 240 ก่อนคริสตกาลถือเป็นจุดเริ่มต้นของละครโรมันอย่างเป็นทางการ^{[ 46 ] [ m ]}อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่เริ่มต้นจักรวรรดิ ความสนใจในละครเต็มเรื่องลดลง โดยหันไปสนใจความบันเทิงทางละครที่หลากหลายมากขึ้นแทน^{[ 48 ]}

ผลงานสำคัญชิ้นแรกของวรรณกรรมโรมันคือโศกนาฏกรรมและสุขนาฏกรรมที่ลิวิอุส อันโดรนิคัสเขียนขึ้นตั้งแต่ปี 240 ก่อนคริสต์ศักราช^{[ 49 ]}ห้าปีต่อมา กเนอุส นาเอวิอุสก็เริ่มเขียนบทละครเช่นกัน^{[ 49 ]}ไม่มีบทละครใดจากนักเขียนทั้งสองคนหลงเหลืออยู่ แม้ว่านักเขียนบทละครทั้งสองจะแต่งบทละครทั้งสองประเภทแต่อันโดรนิคัสได้รับการยกย่องมากที่สุดในด้านโศกนาฏกรรม และนาเอวิอุสได้รับการยกย่องมากที่สุดในด้านสุขนาฏกรรม ผู้สืบทอดของพวกเขามักจะเชี่ยวชาญในประเภทใดประเภทหนึ่ง ซึ่งนำไปสู่การแยกตัวของการพัฒนาบทละครแต่ละประเภทในภายหลัง^{[ 49 ]}ในช่วงต้นศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช ละครได้รับการสถาปนาอย่างมั่นคงในกรุงโรม และ มีการจัดตั้ง สมาคมนักเขียน ( collegium poetarum ) ขึ้น^{[ 50 ]}

ละครตลกโรมันที่หลงเหลืออยู่ล้วนเป็นfabula palliata (ละครตลกที่อิงจากเรื่องราวของกรีก) และมาจากนักเขียนบทละครสองคน ได้แก่Titus Maccius Plautus (Plautus) และPublius Terentius Afer (Terence) ^{[ 51 ]}ในการปรับปรุงบทละครต้นฉบับของกรีก นักเขียนบทละครตลกโรมันได้ยกเลิกบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงในการแบ่งละครออกเป็นตอนๆและนำดนตรีประกอบบทสนทนา มาใช้ (ระหว่างหนึ่งในสามของบทสนทนาในละครตลกของ Plautus และสองในสามในละครตลกของ Terence) ^{[ 52 ]}ฉากทั้งหมดเกิดขึ้นในสถานที่ภายนอก เช่น ถนน และความซับซ้อนของเรื่องมักเกิดจากการแอบฟัง [ ^{52 ] Plautus}ซึ่งเป็นที่นิยมมากกว่า เขียนขึ้นระหว่างปี 205 ถึง 184 ก่อนคริสต์ศักราช และมีละครตลกของเขาหลงเหลืออยู่ 20 เรื่อง ซึ่งละครตลกเสียดสี ของเขา เป็นที่รู้จักกันดีที่สุด เขาได้รับการยกย่องในเรื่องไหวพริบของบทสนทนาและการใช้ฉันทลักษณ์ที่ หลากหลาย ^{[ 53 ]}ละครตลกทั้งหกเรื่องที่เทเรนซ์เขียนขึ้นระหว่างปี 166 ถึง 160 ก่อนคริสต์ศักราชยังคงหลงเหลืออยู่ ความซับซ้อนของโครงเรื่องของเขา ซึ่งเขามักจะผสมผสานต้นฉบับภาษากรีกหลายเรื่องเข้าด้วยกัน บางครั้งก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์ แต่โครงเรื่องคู่ขนานของเขาทำให้สามารถนำเสนอพฤติกรรมของมนุษย์ที่แตกต่างกันได้อย่างซับซ้อน^{[ 53 ]}

ไม่มีบทละครโศกนาฏกรรมโรมันยุคแรกหลงเหลืออยู่ แม้ว่าจะได้รับการยกย่องอย่างสูงในสมัยนั้น นักประวัติศาสตร์รู้จักนักเขียนบทละครโศกนาฏกรรมยุคแรกสามคน ได้แก่ควินตัส เอนนิอุสมาร์คัส ปาคูวิอุสและลูเซียส แอคซิอุส [ ^{52 ] จาก}สมัยจักรวรรดิ ผลงานของนักเขียนบทละครโศกนาฏกรรมสองคนยังคงหลงเหลืออยู่ คนหนึ่งเป็นนักเขียนที่ไม่ทราบชื่อ ในขณะที่อีกคนหนึ่งคือนักปรัชญาสโตอิก เซเนกา [ ^{54 ] บท}ละครโศกนาฏกรรมของเซเนกาเก้าเรื่องยังคงหลงเหลืออยู่ ซึ่งทั้งหมดเป็นfabula crepidata (บทละครโศกนาฏกรรมที่ดัดแปลงมาจากต้นฉบับภาษากรีก) ตัวอย่างเช่น Phaedra ของเขา มีพื้นฐานมาจากHippolytusของยูริพิดิส [ ^{55 ] นัก}ประวัติศาสตร์ไม่ทราบว่าใครเป็นผู้เขียนบทละครfabula praetexta (บทละครโศกนาฏกรรมที่มีพื้นฐานมาจากเรื่องราวของโรมัน) เรื่องOctavia ซึ่ง เป็นตัวอย่างเดียว ที่ยังหลงเหลืออยู่แต่ในอดีตมีการเข้าใจผิดว่าเซเนกาเป็นผู้เขียน เนื่องจากเขาปรากฏตัวเป็นตัวละครในบทละครโศกนาฏกรรมเรื่องนี้^{[ 54 ]}

ตรงกันข้ามกับโรงละครกรีกโบราณ โรงละครในกรุงโรมโบราณอนุญาตให้นักแสดงหญิงแสดงได้ แม้ว่าส่วนใหญ่จะได้รับการว่าจ้างให้เต้นรำและร้องเพลง แต่ก็มีนักแสดงหญิงจำนวนน้อยที่แสดงบทพูด และมีนักแสดงหญิงที่ประสบความสำเร็จในด้านความมั่งคั่ง ชื่อเสียง และการยอมรับในศิลปะการแสดง เช่นEucharis , Dionysia , Galeria CopiolaและFabia Areteพวกเธอยังได้ก่อตั้งสมาคมนักแสดงของตนเองชื่อSociae Mimaeซึ่งเห็นได้ชัดว่าค่อนข้างร่ำรวย^{[ 56 ]}

รูปแบบแรกของ โรง ^ละครอินเดียคือโรงละครสันสกฤต [ ^{57 ]}ซึ่งชิ้นส่วนที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่มีอายุตั้งแต่ศตวรรษที่ 1 หลังคริสต์ศักราช^{[ 58 ] [ 59 ]} โรงละคร นี้เริ่มต้นขึ้นหลังจากการพัฒนา โรงละคร กรีกและโรมันและก่อนการพัฒนาโรงละครในส่วนอื่นๆ ของเอเชีย^{[ 57 ]} โรงละคร นี้เกิดขึ้นในช่วงระหว่างศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราชและศตวรรษที่ 1 หลังคริสต์ศักราช และเจริญรุ่งเรืองระหว่างศตวรรษที่ 1 หลังคริสต์ศักราชและศตวรรษที่ 10 ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความสงบสุขในประวัติศาสตร์ของอินเดียซึ่งมีการเขียนบทละครหลายร้อยเรื่อง^{[ 60 ] [ 61 ]}หลักฐานทางโบราณคดีมากมายจากยุคก่อนหน้านี้ไม่ได้บ่งชี้ถึงการมีอยู่ของประเพณีโรงละคร^{[ 61 ]}

พระเวทโบราณ( บทสวดจากช่วงระหว่าง 1500 ถึง 1000 ปีก่อนคริสตกาล ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวอย่างวรรณกรรม ที่เก่าแก่ที่สุด ในโลก) ไม่มีร่องรอยใดๆ ของเรื่องนี้ (แม้ว่าจะมีจำนวนเล็กน้อยที่แต่งขึ้นในรูปแบบบทสนทนา ) และพิธีกรรมในยุคพระเวทก็ดูเหมือนจะไม่ได้พัฒนาไปสู่ละคร^{[ 61 ]}มหาภาษยะของปาตัญจลีมีการอ้างอิงถึงสิ่งที่อาจเป็นเมล็ดพันธุ์ของละครสันสกฤตที่เก่าแก่ที่สุด^{[ 62 ]} ตำรา ไวยากรณ์นี้จาก 140 ปีก่อนคริสตกาลให้วันที่ที่เป็นไปได้สำหรับการเริ่มต้นของละครในอินเดีย^{[ 62 ]}

แหล่งหลักฐานสำคัญเกี่ยวกับละครสันสกฤตคือตำราว่าด้วยละคร ( Nātyaśāstra ) ซึ่งเป็นตำราที่มีช่วงเวลาการแต่งที่ไม่แน่นอน (ประมาณการตั้งแต่ 200 ปีก่อนคริสต์ศักราชถึง 200 ปีหลังคริสต์ศักราช) และเชื่อกันว่าผู้แต่งคือภารตะมุนีตำรานี้เป็นงานด้านละครที่สมบูรณ์ที่สุดในโลกโบราณ กล่าวถึงการแสดงการเต้นรำดนตรีโครงสร้างละครสถาปัตยกรรมเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้าอุปกรณ์ประกอบฉากการจัดตั้งคณะละคร ผู้ชม การแข่งขัน และยังมี เรื่องราว ในตำนานเกี่ยวกับต้นกำเนิดของละครอีกด้วย^{[ 62 ]}ในการทำเช่นนั้น ตำรานี้ให้ข้อบ่งชี้เกี่ยวกับลักษณะของการปฏิบัติละครจริง ละครสันสกฤตแสดงบนพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์โดยนักบวชที่ได้รับการฝึกฝนทักษะที่จำเป็น (การเต้นรำ ดนตรี และการท่องบท) ในกระบวนการสืบทอดทางสายเลือด จุดมุ่งหมายคือทั้งให้ความรู้และความบันเทิง

ภายใต้การอุปถัมภ์ของราชสำนัก นักแสดงสังกัดคณะละครมืออาชีพที่กำกับโดยผู้จัดการเวที ( สุตราธารา ) ซึ่งอาจร่วมแสดงด้วยก็ได้^{[ 58 ] [ 62 ]}งานนี้ถือว่าคล้ายคลึงกับงานของคนเชิดหุ่น — ความหมายตามตัวอักษรของ " สุตราธารา " คือ "ผู้ถือเชือกหรือด้าย" ^{[ 62 ]}นักแสดงได้รับการฝึกฝนอย่างเข้มงวดในด้านเทคนิคการใช้เสียงและร่างกาย^{[ 63 ]}ไม่มีข้อห้ามใดๆ สำหรับนักแสดงหญิง คณะละครมีทั้งแบบชายล้วน หญิงล้วน และแบบผสมเพศ อย่างไรก็ตาม อารมณ์บางอย่างถือว่าไม่เหมาะสมสำหรับผู้ชายที่จะแสดง และคิดว่าเหมาะสมกับผู้หญิงมากกว่า นักแสดงบางคนเล่นเป็นตัวละครที่มีอายุเท่ากับตนเอง ในขณะที่บางคนเล่นเป็นตัวละครที่มีอายุแตกต่างจากตนเอง (ไม่ว่าจะอายุน้อยกว่าหรือแก่กว่า) ในบรรดาองค์ประกอบทั้งหมดของละครตำรา นี้ ให้ความสนใจกับการแสดง ( abhinaya ) มากที่สุด ซึ่งประกอบด้วยสองรูปแบบ ได้แก่ แบบสมจริง ( lokadharmi ) และแบบดั้งเดิม ( natyadharmi ) แม้ว่าจุดสนใจหลักจะอยู่ที่แบบหลังก็ตาม^{[ 63 ] [ n ]}

ละครของเรื่องนี้ถือเป็นผลงานชิ้นเอกของวรรณกรรมสันสกฤต [ ^{58 ] มี}การใช้ตัวละครแบบตายตัวเช่น พระเอก ( nayaka ) นางเอก ( nayika ) หรือตัวตลก ( vidusaka ) นักแสดงอาจมีความเชี่ยวชาญในบทบาทใดบทบาทหนึ่งโดยเฉพาะกาลิดาสะในศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช ถือได้ว่าเป็นนักเขียนบทละครสันสกฤตที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอินเดีย โบราณ บทละครโรแมนติกที่มีชื่อเสียงสามเรื่องที่เขียนโดยกาลิดาสะ ได้แก่ Mālavikāgnimitram ( มาลวิกาและอัคนิมิตร ), Vikramuurvashiiya ( เกี่ยวกับวิกรมและอุรวชี ) และAbhijñānaśākuntala ( การรู้จักศากุนตละ ) เรื่องสุดท้ายได้รับแรงบันดาลใจจากเรื่องราวในมหาภารตะ และเป็น เรื่องที่มีชื่อเสียงที่สุด เป็นเรื่องแรกที่ได้รับการแปลเป็นภาษาอังกฤษและเยอรมันŚakuntalā (ในฉบับแปลภาษาอังกฤษ) มีอิทธิพลต่อFaustของGoethe (1808–1832) ^{[ 58 ]}

นักเขียนบทละครชาวอินเดียผู้ยิ่งใหญ่คนถัดมาคือภวภูติ ( ประมาณ ศตวรรษที่ 7 ) กล่าวกันว่าเขาเขียนบทละครสามเรื่อง ได้แก่มาลาติ-มาธาวะมหาวีรจาริตาและอุตตรรามจาริตาในบรรดาบทละครทั้งสามเรื่องนี้ สองเรื่องหลังครอบคลุมมหากาพย์รามายณะทั้งหมดจักรพรรดิหรรษาผู้ทรงอำนาจของอินเดีย(ค.ศ. 606–648) ได้รับการยกย่องว่าเขียนบทละครสามเรื่อง ได้แก่ ละครตลกรัตนวลีปริยทรรศกะและละครพุทธศาสนานาคานันทะ

ราชวงศ์ถังบางครั้งถูกเรียกว่า "ยุคแห่งความบันเทิงนับพัน" ในยุคนี้ หมิงหวงได้ก่อตั้งโรงเรียนสอนการแสดงที่รู้จักกันในชื่อสวนลูกแพร์เพื่อสร้างละครรูปแบบหนึ่งที่เน้นดนตรีเป็นหลัก นั่นเป็นเหตุผลที่นักแสดงมักถูกเรียกว่า "ลูกหลานแห่งสวนลูกแพร์" ในสมัยราชวงศ์ของจักรพรรดินีหลิงการแสดงหุ่นเงาได้ถือกำเนิดขึ้นเป็นรูปแบบการแสดงละครที่ได้รับการยอมรับในประเทศจีนเป็นครั้งแรก มีหุ่นเงาอยู่สองรูปแบบที่แตกต่างกัน คือ หุ่นเงาปักกิ่ง (ทางเหนือ) และหุ่นเงากวางตุ้ง (ทางใต้) ความแตกต่างระหว่างสองรูปแบบนี้อยู่ที่วิธีการทำหุ่นและตำแหน่งของไม้ที่ใช้ควบคุมหุ่นมากกว่าประเภทของละครที่แสดงโดยหุ่น ทั้งสองรูปแบบโดยทั่วไปจะแสดงละครที่ depicting การผจญภัยและจินตนาการอันยิ่งใหญ่ ไม่ค่อยมีการใช้รูปแบบการแสดงละครที่มีสไตล์เฉพาะตัวนี้เพื่อการโฆษณาชวนเชื่อทางการเมือง

รูปแบบละครญี่ปุ่นอย่างคาบูกิโนและเคียวเก็นพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17 ^{[ 64 ]}

หุ่นเงากวางตุ้งมีขนาดใหญ่กว่าหุ่นเงาปักกิ่ง ทำจากหนังหนาทำให้เกิดเงาที่ดูสมจริงกว่า สีที่ใช้ก็มีความสำคัญมากเช่นกัน หน้าสีดำหมายถึงความซื่อสัตย์ หน้าสีแดงหมายถึงความกล้าหาญ แท่งที่ใช้ควบคุมหุ่นเงากวางตุ้งจะติดตั้งฉากกับหัวของหุ่น ดังนั้นผู้ชมจึงมองไม่เห็นแท่งเหล่านั้นเมื่อเกิดเงา ส่วนหุ่นเงาปักกิ่งนั้นบอบบางและเล็กกว่า ทำจากหนังบางโปร่งแสง (โดยปกติจะมาจากท้องของลา) ทาสีด้วยสีสันสดใส ทำให้เกิดเงาที่มีสีสันมาก แท่งบางๆ ที่ใช้ควบคุมการเคลื่อนไหวของหุ่นจะติดอยู่กับปลอกคอหนังที่คอของหุ่น แท่งเหล่านั้นขนานไปกับลำตัวของหุ่นแล้วหักมุม 90 องศาเพื่อเชื่อมต่อกับคอ แม้ว่าแท่งเหล่านี้จะมองเห็นได้เมื่อเกิดเงา แต่ก็อยู่นอกเงาของหุ่น จึงไม่รบกวนลักษณะของหุ่น แท่งไม้จะถูกติดไว้ที่คอเพื่ออำนวยความสะดวกในการใช้หัวหลายหัวกับตัวเดียว เมื่อไม่ได้ใช้งาน หัวเหล่านั้นจะถูกเก็บไว้ในหนังสือผ้าฝ้ายหรือกล่องบุผ้า หัวจะถูกนำออกทุกคืนเสมอ นี่เป็นไปตามความเชื่อโบราณที่ว่า หากปล่อยทิ้งไว้โดยไม่ถอดออก หุ่นเชิดจะกลับมามีชีวิตในเวลากลางคืน นักเชิดหุ่นบางคนถึงกับเก็บหัวไว้ในหนังสือเล่มหนึ่งและตัวไว้ในอีกเล่มหนึ่ง เพื่อลดโอกาสที่หุ่นเชิดจะกลับมามีชีวิต การแสดงหุ่นเงาว่ากันว่าได้ถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาทางศิลปะในศตวรรษที่สิบเอ็ด ก่อนที่จะกลายเป็นเครื่องมือของรัฐบาล

ในสมัยราชวงศ์ซ่งมีละครยอดนิยมมากมายที่เกี่ยวข้องกับการแสดงกายกรรมและดนตรี ละครเหล่านี้พัฒนาขึ้นในสมัยราชวงศ์หยวน จนกลาย เป็นรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น เรียกว่าจาจู (zaju)ซึ่งมีโครงสร้างสี่หรือห้าองก์ ละครสมัยราชวงศ์หยวนแพร่กระจายไปทั่วประเทศจีนและแตกแขนงออกเป็นรูปแบบต่างๆ ในแต่ละภูมิภาค หนึ่งในรูปแบบที่รู้จักกันดีที่สุดคืองิ้วปักกิ่งซึ่งยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

เซียงเซิงเป็นรูปแบบการแสดงตลกแบบดั้งเดิมของจีนประเภทหนึ่ง ซึ่งมีทั้งแบบบทพูดคนเดียวหรือบทสนทนา

ในอินโดนีเซียการแสดงละครได้กลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมท้องถิ่น การแสดงละครในอินโดนีเซียได้รับการพัฒนามาเป็นเวลาหลายพันปีแล้ว รูปแบบละครที่เก่าแก่ที่สุด ของอินโดนีเซีย ส่วนใหญ่ เชื่อมโยงโดยตรงกับประเพณีวรรณกรรมท้องถิ่น (ทั้งแบบปากเปล่าและแบบลายลักษณ์อักษร) โรงละครหุ่นกระบอก ที่มีชื่อเสียง — วายังโกเลก (ละครหุ่นกระบอกไม้) ของชาวซุนดานและวายังกุลิท (ละครหุ่นกระบอกหนัง) ของชาวชวาและบาหลี — ดึงเอาเรื่องราวจากรามายณะและมหาภารตะ ฉบับดัดแปลงพื้นเมืองมาใช้ในบทละครส่วนใหญ่ เรื่องราวเหล่านี้ยังเป็นแหล่งข้อมูลสำหรับวายังวงศ์ (ละครมนุษย์) ของชวาและบาหลีซึ่งใช้นักแสดง อย่างไรก็ตาม การแสดงวายังโกเลกบางเรื่องยังนำเสนอเรื่องราวของชาวมุสลิมที่เรียกว่าเมนัก^{[ 65 ] [ 66 ]}

วายังเป็นรูปแบบการเล่าเรื่องโบราณที่มีชื่อเสียงในด้านหุ่น/คนที่มีความประณีตและรูปแบบดนตรีที่ซับซ้อน^{[ 67 ]}หลักฐานที่เก่าแก่ที่สุดมาจากช่วงปลายสหัสวรรษที่ 1 ในตำราสมัยกลางและแหล่งโบราณคดี^{[ 68 ]}บันทึกที่เก่าแก่ที่สุดที่รู้จักเกี่ยวกับวายังมาจากศตวรรษที่ 9 ประมาณปี 840 จารึกภาษาชวาโบราณ (Kawi) ที่เรียกว่าจารึก Jaha ซึ่งออกโดยมหาราชาศรีโลกาปาละแห่งอาณาจักรมาตารัมในชวาตอนกลางกล่าวถึงนักแสดงสามประเภท ได้แก่ อะตาปูกัน อาริงกิต และอะบานอล อาริงกิตหมายถึงการแสดงหุ่นวายัง อะตาปูกันหมายถึงการแสดงรำหน้ากาก และอะบานอลหมายถึงศิลปะการแสดงตลก อาริงกิตถูกอธิบายไว้ในบทกวีชวาในศตวรรษที่ 11 ว่าเป็นร่างเงาหนัง

โรงละครในโลกอิสลามยุคกลางประกอบด้วย โรงละคร หุ่นกระบอก (ซึ่งรวมถึงหุ่นมือละครเงาและ การแสดง หุ่นกระบอก ) และละครสดที่เรียกว่าta'ziyehซึ่งนักแสดงจะแสดงเหตุการณ์จากประวัติศาสตร์ของชาวมุสลิมโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ละคร อิสลามนิกายชีอะห์จะเกี่ยวกับistishhād (การพลีชีพ) ของบุตรชายของอาลีคือ ฮาซัน อิบนุ อาลีและฮุเซน อิบนุ อาลีละครฆราวาสเรียกว่าakhrajaซึ่งบันทึกไว้ใน วรรณกรรม adab ยุคกลาง แม้ว่าจะพบได้น้อยกว่าละครหุ่นกระบอกและละครta'ziya ก็ตาม ^{[ 69 ]}

ละครเวทีในโลกตะวันตกมีรูปแบบทางเลือกมากมายระหว่างศตวรรษที่ 15 ถึง 19 รวมถึงคอมเมเดีย เดลลาร์เตจากละครเวทีของอิตาลีและเมโลดราม่าแนวโน้มโดยทั่วไปคือการหันเหออกจากละครเชิงกวีของชาวกรีกและยุคเรเนสซองส์ไปสู่รูปแบบบทสนทนาแบบร้อยแก้วที่เป็นธรรมชาติมากขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจาก การ ปฏิวัติอุตสาหกรรม^{[ 70 ]}

วงการละครหยุดชะงักไปนานตั้งแต่ปี 1642 ถึง 1660 ในอังกฤษเนื่องจากการปกครอง ของ พวกพิวริตัน^{[ 71 ]}ความรู้สึกต่อต้านละครที่เพิ่มสูงขึ้นในหมู่พวกพิวริตันทำให้วิลเลียม พรินน์เขียนHistriomastix (1633) ซึ่งเป็นการโจมตีละครที่โด่งดังที่สุดก่อนที่จะมีการสั่งห้าม^{[ 71 ]}พวกพิวริตันมองว่าละครเป็นบาป จึงสั่งปิดโรงละครในลอนดอนในปี 1642 [ ^{72 ] ใน}วันที่ 24 มกราคม 1643 นักแสดงได้ประท้วงต่อต้านการสั่งห้ามโดยการเขียนจุลสารชื่อThe Actors remonstrance or complaint for the silencing of their profession, and banishment from their severall play-houses [ ^{73 ] ช่วง}เวลาที่ซบเซานี้สิ้นสุดลงเมื่อชาร์ลส์ที่ 2 กลับมาครองราชย์ในปี 1660 ในยุคฟื้นฟูราชวงศ์ วงการละคร (และศิลปะแขนงอื่นๆ) เฟื่องฟูอย่างมาก โดยได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมฝรั่งเศส เนื่องจากชาร์ลส์เคยลี้ภัยอยู่ในฝรั่งเศสในช่วงหลายปีก่อนขึ้นครองราชย์

ในปี ค.ศ. 1660 บริษัทสองแห่งได้รับอนุญาตให้ทำการแสดง ได้แก่บริษัทของดยุคและบริษัทของกษัตริย์การแสดงจัดขึ้นในอาคารที่ดัดแปลง เช่นสนามเทนนิสของลิสล์ โรงละครเวสต์เอนด์แห่งแรกซึ่งรู้จักกันในชื่อโรงละครรอยัลในโคเวนต์การ์เดนลอนดอน ออกแบบโดยโทมัส คิลลิกรูว์และสร้างขึ้นบนพื้นที่ของโรงละครรอยัล ดรูรีเลนใน ปัจจุบัน ^{[ 74 ]}

หนึ่งในความเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่คือโรงละครแห่งใหม่ แทนที่จะเป็นแบบในยุคเอลิซาเบธ เช่นโรงละครโกลบ ซึ่งเป็นทรงกลม ไม่มีที่สำหรับนักแสดงเตรียมตัวสำหรับการแสดงองก์ต่อไป และไม่มี "มารยาทในโรงละคร" โรงละครกลับกลายเป็นสถานที่แห่งความประณีต มีเวทีอยู่ด้านหน้าและที่นั่งแบบอัฒจันทร์หันหน้าเข้าหาเวที เนื่องจากที่นั่งไม่ได้อยู่รอบเวทีอีกต่อไป ที่นั่งจึงถูกจัดลำดับความสำคัญ ที่นั่งบางที่ย่อมดีกว่าที่อื่นอย่างเห็นได้ชัด พระมหากษัตริย์จะทรงประทับในที่นั่งที่ดีที่สุดในโรงละคร นั่นคือตรงกลางโรงละคร ซึ่งสามารถมองเห็นเวทีได้กว้างที่สุด รวมถึงมุมมองและจุดรวมสายตาที่เวทีถูกสร้างขึ้นมาได้ดีที่สุดฟิลิปป์ ฌาคส์ เดอ ลูเธอร์บูร์กเป็นหนึ่งในนักออกแบบฉากที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนั้น เนื่องจากการใช้พื้นที่และฉากของเขา

เนื่องจากความวุ่นวายก่อนหน้านี้ จึงยังคงมีข้อถกเถียงเกี่ยวกับสิ่งที่ควรและไม่ควรนำเสนอบนเวทีเจเรมี คอลลิเออร์นักเทศน์ เป็นหนึ่งในผู้นำของขบวนการนี้ผ่านบทความของเขาเรื่อง "มุมมองสั้นๆ เกี่ยวกับความไม่เหมาะสมและความหยาบคายของเวทีอังกฤษ"ความเชื่อในบทความนี้ส่วนใหญ่มาจากผู้ที่ไม่ไปโรงละครและกลุ่มพิวริตันที่เหลืออยู่ รวมถึงผู้ที่เคร่งศาสนามากในสมัยนั้น คำถามหลักคือ การเห็นสิ่งที่ไม่เหมาะสมบนเวทีส่งผลต่อพฤติกรรมในชีวิตของผู้ดูหรือไม่ ซึ่งเป็นข้อถกเถียงที่ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้^{[ 75 ]}

ศตวรรษที่สิบเจ็ดได้นำผู้หญิงขึ้นสู่เวที ซึ่งก่อนหน้านี้ถือว่าไม่เหมาะสม ผู้หญิงเหล่านี้ได้รับการยกย่องว่าเป็นคนดัง (ซึ่งเป็นแนวคิดใหม่เช่นกัน อันเนื่องมาจากแนวคิดเรื่องปัจเจกนิยมที่เกิดขึ้นหลังจากยุคมนุษยนิยมเรเนสซองส์ ) แต่ในทางกลับกัน การที่พวกเธอขึ้นเวทีก็ยังเป็นเรื่องใหม่และปฏิวัติวงการอยู่ และบางคนก็กล่าวว่าพวกเธอไม่เหมาะสมกับความเป็นผู้หญิง และดูถูกพวกเธอ พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 ไม่ทรงโปรดให้ชายหนุ่มเล่นบทหญิงสาว ดังนั้นพระองค์จึงทรงขอให้ผู้หญิงเล่นบทของตนเอง^{[ 76 ]}เนื่องจากผู้หญิงได้รับอนุญาตให้ขึ้นเวที นักเขียนบทละครจึงมีอิสระมากขึ้นในการพลิกผันเรื่องราว เช่น ผู้หญิงแต่งตัวเป็นผู้ชาย และการรอดพ้นจากสถานการณ์ที่ผิดศีลธรรมอย่างหวุดหวิดในรูปแบบของเรื่องตลก

ละครตลกเต็มไปด้วยคนหนุ่มสาวและเป็นที่นิยมอย่างมาก โดยเนื้อเรื่องจะติดตามชีวิตรักของพวกเขา โดยทั่วไปแล้วพระเอกหนุ่มเจ้าเล่ห์จะสารภาพรักกับนางเอกผู้บริสุทธิ์และมีใจอิสระในช่วงท้ายของละคร คล้ายกับเรื่องThe School for Scandalของเชอริแดนละครตลกหลายเรื่องสร้างขึ้นตามแบบฝรั่งเศส โดยเฉพาะโมลิแยร์ ซึ่งย้อนกลับไปถึงอิทธิพลของฝรั่งเศสที่กษัตริย์และราชวงศ์นำกลับมาหลังจากถูกเนรเทศโมลิแยร์เป็นหนึ่งในนักเขียนบทละครตลกชั้นนำของยุคนั้น เขาได้ปฏิวัติวิธีการเขียนและการแสดงละครตลกโดยการผสมผสานละครตลกอิตาลีcommedia dell'arteและ ละครตลกฝรั่งเศส แบบนีโอคลาสสิกเพื่อสร้างละครตลกเสียดสีที่มีอิทธิพลและคงอยู่ยาวนานที่สุด^{[ 77 ]}ละครโศกนาฏกรรมก็ประสบความสำเร็จในทำนองเดียวกันในแง่ของการแก้ไขอำนาจทางการเมือง โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีความสำคัญเนื่องจากการฟื้นฟูราชบัลลังก์เมื่อไม่นานมานี้^{[ 78 ]}ละครเหล่านั้นยังเป็นการเลียนแบบโศกนาฏกรรมของฝรั่งเศส แม้ว่าชาวฝรั่งเศสจะแยกแยะระหว่างละครตลกและโศกนาฏกรรมได้ชัดเจนกว่า ในขณะที่ชาวอังกฤษมักจะปรับเปลี่ยนบทพูดบ้างเป็นครั้งคราวและใส่บทตลกบางส่วนลงในโศกนาฏกรรมของพวกเขา รูปแบบทั่วไปของละครที่ไม่ใช่แนวตลก ได้แก่ ละครตลกแนวโรแมนติก รวมถึงละครประเภทที่ต่อมาเรียกว่าtragédie bourgeoiseหรือโศกนาฏกรรมในครัวเรือนซึ่งก็คือโศกนาฏกรรมของชีวิตประจำวัน ซึ่งได้รับความนิยมในอังกฤษมากกว่าเพราะเข้ากับความรู้สึกของชาวอังกฤษได้มากกว่า^{[ 79 ]}

ในขณะที่คณะละครมักจะเดินทางไปมา แนวคิดเรื่องโรงละครแห่งชาติได้รับการสนับสนุนในศตวรรษที่ 18 โดยได้รับแรงบันดาลใจจากลุดวิก โฮลเบิร์กผู้ส่งเสริมหลักของแนวคิดเรื่องโรงละครแห่งชาติในเยอรมนี และของ กวีกลุ่ม Sturm und Drang ก็ คืออาเบล เซย์เลอร์เจ้าของHamburgische EntrepriseและSeyler Theatre Company ^{[ 80 ]}

ตลอดศตวรรษที่ 19รูปแบบละครที่เป็นที่นิยมของโรแมนติซิสซึมเมโลดราม่า ละครตลกแบบวิคตอเรียนและบทละครที่สร้างสรรค์อย่างดีของScribeและSardouได้ถูกแทนที่ด้วยบทละครที่มีปัญหาของธรรมชาตินิยมและสัจนิยมละครตลกของFeydeau ละครโอเปร่าGesamtkunstwerk ของ Wagner ละครเพลง (รวมถึง โอเปร่าของ Gilbert และ Sullivan ) ละครตลกในห้องรับแขก ของ FC Burnand , WS GilbertและOscar Wilde สัญลักษณ์ นิยม ต้นแบบ ของ ^{ลัทธิ} เอ็กซ์เพรสชัน นิสม์ในผลงานช่วงปลายของAugust StrindbergและHenrik Ibsen [ ^{82 ]}และละครเพลงตลกสมัยเอ็ดเวิร์ด

แนวโน้มเหล่านี้ยังคงดำเนินต่อไปตลอดศตวรรษที่ 20ในแนวสัจนิยมของสตานิสลาฟสกีและลี สตราสเบิร์กละครการเมืองของเออร์วิน ปิสกาเตอร์และเบอร์โทลต์ เบรชต์ ละคร ที่เรียกว่า " ละครแห่งความไร้สาระ"ของซามูเอล เบ็กเก็ตต์และเออแฌน ไอโอเนสโกละครเพลงอเมริกันและอังกฤษ ผลงานสร้างสรรค์ร่วมกันของคณะนักแสดงและผู้กำกับ เช่นเธียเตอร์เวิร์คช็อปของโจน ลิตเติลวูด ละครทดลองและละครหลังสมัยใหม่ของโรเบิร์ต วิลสันและโรเบิร์ตเลปาจละครหลังยุคอาณานิคมของออกัสต์ วิลสันหรือทอมสัน ไฮเวย์และละครแห่งผู้ถูกกดขี่ของออกุสโต โบอัล

ละครเป็นรูป แบบเฉพาะ ของนิยายที่แสดงออกมาในรูปแบบการแสดง [ ^{83 ] คำ}นี้มาจาก คำ ภาษากรีกที่หมายถึง " การกระทำ " ซึ่งมาจากคำกริยา δράω, dráōซึ่งหมายถึง "ทำ" หรือ "แสดง" การแสดงละครในโรงละคร ซึ่งแสดงโดยนักแสดงบนเวทีต่อหน้าผู้ชมบ่งบอกถึง รูปแบบการผลิตแบบ ร่วมมือและการรับชมแบบรวม หมู่ โครงสร้างของบทละครนั้น แตกต่างจาก วรรณกรรมรูปแบบอื่น ๆตรงที่ได้รับอิทธิพลโดยตรงจากการผลิตแบบร่วมมือและการรับชมแบบรวมหมู่นี้^{[ 84 ]}

โศกนาฏกรรมยุคต้นสมัยใหม่เรื่องแฮมเล็ต (ค.ศ. 1601) โดยเชกสเปียร์และโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกของเอเธนส์เรื่องโอเอดีปัสเร็กซ์ ( ค.ศ. 429 ก่อนคริสต์ศักราช ) โดยโซโฟคลีสจัดเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะการละคร^{[ 85 ]}ตัวอย่างสมัยใหม่คือLong Day's Journey into Nightโดยยูจีน โอนีล (ค.ศ. 1956) ^{[ 86 ]}

โดยทั่วไปแล้ว รูปแบบละครถือเป็นประเภทหนึ่งของบทกวี และถูกนำมาเปรียบเทียบกับรูป แบบมหากาพย์และ รูปแบบ บทกวีมาตั้งแต่สมัยอริสโตเติลในหนังสือ Poetics ( ประมาณ 335 ปีก่อนคริสตกาล ) ซึ่งเป็นงานเขียนทฤษฎีละครที่เก่าแก่ที่สุด[ o ^{]การใช้}คำว่า "ละคร" ในความหมายแคบเพื่อระบุประเภทของละคร โดยเฉพาะนั้น มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 19ละครในความหมายนี้หมายถึงละครที่ไม่ใช่ทั้งตลกหรือโศกนาฏกรรม ตัวอย่างเช่นThérèse Raquinของโซลา (1873) หรือIvanovของเชคอฟ (1887) อย่างไรก็ตาม ในสมัยกรีกโบราณ คำว่าละครครอบคลุมละครเวทีทุกประเภท ไม่ว่าจะเป็นโศกนาฏกรรม ตลก หรืออะไรก็ตามที่อยู่ระหว่างนั้น

ละครมักผสมผสานกับดนตรีและการเต้นรำ : ละครโอเปร่าโดยทั่วไปจะร้องเพลงตลอดทั้งเรื่อง; ละครเพลงโดยทั่วไปจะรวมทั้งบทสนทนาและเพลง ; และละครบางรูปแบบมีดนตรีประกอบหรือดนตรีบรรเลงเพื่อเน้นย้ำบทสนทนา ( เช่นเมโลดราม่าและโน ของญี่ปุ่น) ^{[ p ]}ในบางช่วงเวลาของประวัติศาสตร์ (เช่น สมัยโรมัน โบราณ และยุคโรแมนติก สมัยใหม่ ) ละครบางเรื่องถูกเขียนขึ้นเพื่อให้อ่านมากกว่าแสดง^{[ q ]}ในการแสดงแบบด้นสดละครไม่ได้มีอยู่ก่อนช่วงเวลาของการแสดง; นักแสดงจะคิดบทละครขึ้นมาเองโดยธรรมชาติต่อหน้าผู้ชม^{[ r ]}

ดนตรีและละครมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ— ตัวอย่างเช่นโศกนาฏกรรมเอเธนส์ เป็นรูปแบบหนึ่งของ ละครเต้นรำที่ใช้ คณะ นักร้องประสานเสียงซึ่งร้องเพลง (โดยมี เครื่องดนตรี ออโลส บรรเลงประกอบ ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่เทียบได้กับโอโบ ในปัจจุบัน ) เช่นเดียวกับการตอบโต้ของนักแสดงบางคนและ 'เพลงเดี่ยว' ( โมโนดี ) ของพวกเขา ^{[ 87 ]}ละครเพลงสมัยใหม่เป็นรูปแบบหนึ่งของละครที่ผสมผสานดนตรี บทสนทนา และการเต้นรำเข้าด้วยกัน โดยเกิดขึ้นจากโอเปร่าตลก (โดยเฉพาะของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน ) วาไรตี้ วอเด วิลล์และ มิวสิค ฮอลล์ในช่วงปลาย ศตวรรษ ที่ 19และต้นศตวรรษที่ 20 ^{[ 88 ] [ 89 ]}

หลังจากละครเพลงแนวตลกในยุคเอ็ดเวิร์ดที่เริ่มต้นในช่วงทศวรรษ 1890 ละครเพลง ของโรงละครปรินเซสในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และละครตลกในช่วงทศวรรษ 1920 และ 1930 (เช่น ผลงานของร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สไตน์ ) ละครเพลงก็เริ่มมีทิศทางที่เน้นดราม่ามากขึ้น ด้วย เรื่อง Oklahoma! (1943) ^{[ s ]}ละครเพลงที่มีชื่อเสียงในช่วงหลายทศวรรษต่อมา ได้แก่My Fair Lady (1956), West Side Story ( 1957), The Fantasticks ( 1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980) , Cats (1981), Into the Woods (1986) และThe Phantom of the Opera (1986) ^{[ 90 ]}รวมถึงละครเพลงที่ได้รับความนิยมในยุคปัจจุบัน เช่นRent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) และFrozen (2018)

ละครเพลงอาจถูกจัดแสดงในขนาดที่เล็กกว่า เช่นใน โรงละคร นอกบรอดเวย์โรงละครระดับภูมิภาคและที่อื่นๆ แต่โดยทั่วไปแล้วมักจะมีการแสดงที่ยิ่งใหญ่ตระการตา ตัวอย่างเช่น ละครเพลง บนบรอดเวย์และเวสต์เอนด์มักจะมีเครื่องแต่งกายและฉากที่หรูหราอลังการ ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากงบประมาณหลายล้านดอลลาร์

ละครเวทีที่ใช้ความตลกเป็นเครื่องมือในการเล่าเรื่องจัดเป็นละครตลก ตัวอย่าง เช่น ละครตลก สมัยใหม่ อย่างBoeing Boeingหรือละครคลาสสิกอย่างAs You Like It ส่วน ละครที่นำเสนอเรื่องราวที่มืดมน ขัดแย้ง หรือเป็นเรื่องต้องห้ามในรูปแบบที่ตลกขบขันโดยเจตนา เรียกว่าตลกดำ (Black Comedy ) ตลกดำมีหลายประเภท เช่น ตลกแบบตบตี ตลกเสียดสี และตลกประชดประชัน

ดังนั้น โศกนาฏกรรมจึงเป็นการเลียนแบบการกระทำที่จริงจัง สมบูรณ์ และมีขนาดใหญ่โต: ในภาษาที่ประดับประดาด้วยเครื่องประดับทางศิลปะทุกชนิด ซึ่งแต่ละชนิดจะพบได้ในส่วนต่างๆ ของบทละคร; ในรูปแบบของการกระทำ ไม่ใช่การเล่าเรื่อง; และความสงสารและความกลัวเป็นตัวช่วยในการชำระล้างอารมณ์เหล่านี้อย่างเหมาะสม

วลีของอริสโตเติลที่ว่า "มีหลายประเภทปรากฏอยู่ในส่วนต่างๆ ของบทละคร" นั้นหมายถึงต้นกำเนิดทางโครงสร้างของละคร โดยส่วนที่เป็นบทพูดเขียนด้วยสำเนียงแอทติกในขณะที่ส่วนที่เป็นบทประสานเสียง (ที่ท่องหรือขับร้อง) เขียนด้วยสำเนียงดอริกความแตกต่างเหล่านี้สะท้อนให้เห็นถึงต้นกำเนิดทางศาสนาและฉันทลักษณ์ของบทกวี ที่แตกต่างกัน ในแต่ละส่วน ซึ่งถูกหลอมรวมเข้าด้วยกันเป็นสิ่งใหม่ นั่นคือละครเวที

โศกนาฏกรรมหมายถึงประเพณีละคร เฉพาะ ที่มีบทบาทสำคัญและเป็นเอกลักษณ์ในการกำหนดตัวตนของอารยธรรมตะวันตกในอดีต[ 92 ] ^{[ 93 ] ประเพณีดังกล่าว}มีหลากหลายและไม่ต่อเนื่องกัน แต่คำนี้มักถูกใช้เพื่อปลุกเร้าผลกระทบอันทรงพลังของอัตลักษณ์ทางวัฒนธรรมและความต่อเนื่องทางประวัติศาสตร์—" ชาวกรีกและชาวเอลิซาเบธในรูปแบบทางวัฒนธรรมเดียวกัน ชาว เฮลเลนและชาวคริสต์ในกิจกรรมร่วมกัน" ดังที่เรย์มอนด์ วิลเลียมส์กล่าวไว้^{[ 94 ]}จากจุดเริ่มต้นที่ไม่ชัดเจนในโรงละครของเอเธนส์เมื่อ 2,500 ปีก่อน ซึ่งเหลือรอดมาเพียงเศษเสี้ยวของผลงานของเอสคิลัสโซโฟคลีสและยูริพิดิสผ่านการแสดงออกที่โดดเด่นในผลงานของเชกสเปียร์โลเป เดอ เวการาซีนและชิลเลอร์ ไปจนถึงโศกนาฏกรรม แบบธรรมชาติในยุคหลังของ สตริน ด์เบิร์ก การใคร่ครวญ แบบสมัยใหม่ของเบ็ค เก็ตต์ เกี่ยวกับความตาย การสูญเสีย และความทุกข์ทรมาน และ การปรับปรุง ใหม่แบบโพสต์โมเดิร์นของมุลเลอร์เกี่ยวกับโศกนาฏกรรม โศกนาฏกรรมยังคงเป็นพื้นที่สำคัญของการทดลองทางวัฒนธรรม การเจรจา การต่อสู้ และการเปลี่ยนแปลง^{[ 95 ] [ 96 ]}หลังจากPoetics ของอริสโตเติล (335 ปีก่อนคริสตกาล) โศกนาฏกรรมถูกนำมาใช้เพื่อ แบ่ง ประเภทไม่ว่าจะเป็นในระดับของบทกวีโดยทั่วไป (ซึ่งโศกนาฏกรรมแยกจากมหากาพย์และบทกวี ) หรือในระดับของละคร (ซึ่งโศกนาฏกรรมตรงข้ามกับตลก ) ใน ยุค ปัจจุบันโศกนาฏกรรมยังถูกนิยามโดยเปรียบเทียบกับละครเมโลดราม่า โศกนาฏกรรม ปนตลกและละครมหากาพย์^{[ t ]}

การแสดงแบบด้นสดเป็นคุณลักษณะที่ปรากฏอย่างต่อเนื่องในวงการละคร โดยละคร Commedia dell'arte ในศตวรรษที่สิบหกได้รับการยอมรับว่าเป็นรูปแบบการแสดงแบบด้นสดรูปแบบแรก ละครแบบด้นสดได้รับความนิยมจากดาริโอ โฟผู้ได้รับรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรมปี 1997และคณะละครต่างๆ เช่นUpright Citizens Brigadeและยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องด้วยกระแสและปรัชญาที่หลากหลาย

Keith JohnstoneและViola Spolinได้รับการยอมรับว่าเป็นครูสอนการแสดงด้นสดคนแรกในยุคสมัยใหม่ โดย Johnstone ได้สำรวจการแสดงด้นสดในฐานะทางเลือกแทนละครที่มีบท และ Spolin และผู้สืบทอดของเธอได้สำรวจการแสดงด้นสดเป็นหลักในฐานะเครื่องมือในการพัฒนางานหรือทักษะด้านการแสดง หรือในฐานะรูปแบบของละครตลกสถานการณ์ Spolin ยังสนใจว่ากระบวนการเรียนรู้การแสดงด้นสดสามารถนำไปใช้กับการพัฒนาศักยภาพของมนุษย์ได้อย่างไร^{[ 100 ]}

พอล ซิลส์บุตรชายของสโปลินเป็นผู้ทำให้ละครด้นสดเป็นที่นิยมในฐานะรูปแบบศิลปะการแสดงละคร เมื่อเขาก่อตั้งและดำรงตำแหน่งผู้กำกับคนแรกของโรงละครเซคันด์ซิตี้ในชิคาโก

ละครเวทีเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมมนุษย์มานานกว่า 2,500 ปี และได้พัฒนา ทฤษฎี และแนวปฏิบัติ ที่หลากหลายบางส่วนเกี่ยวข้องกับอุดมการณ์ทางการเมืองหรือทางจิตวิญญาณ ในขณะที่บางส่วนตั้งอยู่บนพื้นฐานของ "ศิลปะ" อย่างแท้จริง บางกระบวนการเน้นที่เรื่องราว บางกระบวนการเน้นที่ละครเวทีในฐานะเหตุการณ์ และบางกระบวนการเน้นที่ละครเวทีในฐานะตัวเร่งปฏิกิริยาสำหรับการเปลี่ยนแปลงทางสังคม

อริสโตเติลนักปรัชญากรีกโบราณ ในงานเขียนสำคัญของเขาเรื่อง Poetics ( ประมาณ 335 ปีก่อนคริสตกาล ) เป็นตัวอย่างที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ และข้อโต้แย้งของเขามีอิทธิพลต่อทฤษฎีละครมาตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา^{[ 17 ] [ 18 ]}ในงานเขียนนี้ เขาได้เสนอคำอธิบายเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเรียกว่า "บทกวี" (คำนี้ในภาษากรีกมีความหมายตรงตัวว่า "การสร้าง" และในบริบทนี้รวมถึงละคร — ตลกโศกนาฏกรรมและละครซาไทร์—ตลอดจนบทกวี抒情บทกวีมหากาพย์และบทเพลงสรรเสริญ ) เขาตรวจสอบ "หลักการพื้นฐาน" และระบุประเภทและองค์ประกอบพื้นฐาน การวิเคราะห์โศกนาฏกรรมของเขาถือเป็นแก่นหลักของการอภิปราย^{[ 101 ]}

อริสโตเติลกล่าวว่าโศกนาฏกรรมประกอบด้วยองค์ประกอบเชิงคุณภาพหกส่วน ได้แก่ (เรียงตามลำดับความสำคัญ) มิโทสหรือ "โครงเรื่อง" เอโทสหรือ"ตัวละคร" ไดอาโนเอียหรือ "ความคิด" เล็กซิสหรือ "ถ้อยคำ" เมโลสหรือ "บทเพลง" และออปซิสหรือ "การแสดง" ^{[ 102 ] [ 103 ]} "แม้ว่า Poeticsของอริสโตเติลจะได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางใน ประเพณีวิจารณ์ ตะวันตก " มาร์วิน คาร์ลสันอธิบาย "รายละเอียดเกือบทุกอย่างเกี่ยวกับงานชิ้นเอกของเขาก่อให้เกิดความคิดเห็นที่แตกต่างกัน" ^{[ 104 ]}ผู้ปฏิบัติงานด้านละครที่สำคัญในศตวรรษที่ 20ได้แก่Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith JohnstoneและRobert Wilson (ผู้กำกับ )

Stanislavski ถือว่าละครเป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระจากวรรณกรรมและควรเคารพในผลงานของ นัก เขียนบทละคร ในฐานะที่เป็นเพียงส่วนหนึ่งของกลุ่มศิลปินผู้สร้างสรรค์ ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ] [ 108 ] [ u ]}ผลงานนวัตกรรมของเขาในทฤษฎีการแสดงสมัยใหม่ยังคงเป็นหัวใจสำคัญของการฝึกอบรมการแสดงกระแสหลักของตะวันตกตลอดศตวรรษที่ผ่านมา^{[ 109 ] [ 110 ] [ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]}ข้อเท็จจริงที่ว่าหลักการหลายอย่างของระบบการฝึกอบรมนักแสดง ของเขา ดูเหมือนจะเป็นสามัญสำนึกและชัดเจนในตัวเอง เป็นเครื่องยืนยันถึงความสำเร็จในการครอบงำของระบบนี้^{[ 114 ]}นักแสดงมักใช้แนวคิดพื้นฐานของเขาโดยไม่รู้ตัว^{[ 114 ]}ด้วยการส่งเสริมและพัฒนาโดยครูสอนการแสดงที่เป็นอดีตนักเรียนของเขา และการแปลงานเขียนเชิงทฤษฎีของเขามากมาย ทำให้ 'ระบบ' ของ Stanislavski มีความสามารถที่ไม่เคยมีมาก่อนในการข้ามพรมแดนทางวัฒนธรรมและพัฒนาไปสู่ระดับนานาชาติ ครอบงำการถกเถียงเกี่ยวกับการแสดงในยุโรปและสหรัฐอเมริกา^{[ 109 ] [ 115 ] [ 116 ] [ 117 ]}นักแสดงหลายคนมักเทียบ 'ระบบ' ของเขากับ North American Methodแม้ว่าเทคนิคทางจิตวิทยาเพียงอย่างเดียวของ North American Method จะแตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับแนวทางแบบองค์รวมและจิตกายภาพ หลายตัวแปรของ Stanislavski ซึ่งสำรวจตัวละครและการกระทำทั้งจาก 'ภายในสู่ภายนอก' และ 'ภายนอกสู่ภายใน' และถือว่าจิตใจและร่างกายของนักแสดงเป็นส่วนหนึ่งของความต่อเนื่อง^{[ 118 ] [ 119 ]}

ละครเวทีตั้งอยู่บนพื้นฐาน ของรูปแบบการผลิตแบบ ร่วมมือและการรับชมแบบรวมหมู่โครงสร้างของบทละครนั้น แตกต่างจาก วรรณกรรมรูปแบบอื่นตรงที่ได้รับอิทธิพลโดยตรงจากการผลิตแบบร่วมมือและการรับชมแบบรวมหมู่^{[ 84 ]}การผลิตละครมักเกี่ยวข้องกับการมีส่วนร่วมจาก นักเขียน บทละครผู้กำกับนักแสดงและทีมงานด้านเทคนิคการผลิตซึ่งรวมถึงผู้ออกแบบฉากผู้ออกแบบแสงผู้ออกแบบเครื่องแต่งกายผู้ออกแบบเสียงผู้จัดการเวทีผู้จัดการฝ่ายผลิตและผู้กำกับด้านเทคนิคทั้งนี้ขึ้นอยู่กับการผลิต ทีมงานนี้อาจรวมถึงนักแต่งเพลงนักเขียนบท ละคร ผู้ออกแบบวิดีโอหรือผู้กำกับการต่อสู้ด้วย

การจัดฉาก (Stagecraft) เป็นคำทั่วไปที่หมายถึงด้านเทคนิคของการผลิตละคร ภาพยนตร์ และวิดีโอ ซึ่งรวมถึงแต่ไม่จำกัดเพียง การสร้างและติดตั้งฉาก การติดตั้งและปรับแสง การออกแบบและจัดหาเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า การจัดหาอุปกรณ์ประกอบฉาก การจัดการเวที และการบันทึกและผสมเสียง การจัดฉากแตกต่างจากคำว่า การออกแบบฉาก (Scenography) ซึ่งเป็นคำที่ครอบคลุมกว้างกว่า การจัดฉากถือเป็นสาขาด้านเทคนิคมากกว่าด้านศิลปะ และเกี่ยวข้องกับการนำวิสัยทัศน์ทางศิลปะของผู้ออกแบบไปใช้ในทางปฏิบัติเป็นหลัก

ในรูปแบบพื้นฐานที่สุด การจัดฉากจะถูกจัดการโดยคนเพียงคนเดียว (มักจะเป็นผู้จัดการเวทีของการผลิตขนาดเล็ก) ซึ่งจัดเตรียมฉาก เครื่องแต่งกาย แสง และเสียงทั้งหมด รวมถึงจัดระเบียบนักแสดง ในระดับที่เป็นมืออาชีพมากขึ้น เช่น ในโรงละครบรอดเวย์สมัยใหม่ การจัดฉากจะถูกจัดการโดยช่างฝีมือหลายร้อยคน ไม่ว่าจะเป็นช่างไม้ ช่างทาสี ช่างไฟฟ้า ช่างเวที ช่างเย็บผ้า ช่างทำวิกผม และอื่นๆ การจัดฉากในรูปแบบสมัยใหม่นี้มีความซับซ้อนและเฉพาะทางสูง ประกอบด้วยสาขาย่อยมากมาย และมีประวัติศาสตร์และประเพณีอันยาวนาน การจัดฉากส่วนใหญ่จะอยู่ระหว่างสองขั้วนี้ โรงละครระดับภูมิภาคและโรงละครชุมชนขนาดใหญ่โดยทั่วไปจะมีผู้อำนวยการฝ่ายเทคนิคและทีมออกแบบ ซึ่งแต่ละคนมีส่วนร่วมโดยตรงในการออกแบบของตนเอง

มีขบวนการละครสมัยใหม่มากมายที่สร้างสรรค์ละครในหลากหลายรูปแบบ การดำเนินงานด้านละครมีความแตกต่างกันอย่างมากทั้งในด้านความซับซ้อนและจุดประสงค์ ผู้ที่เกี่ยวข้องมีตั้งแต่ผู้เริ่มต้นและมือสมัครเล่น (ในละครชุมชน) ไปจนถึงมืออาชีพ (ในบรอดเวย์และการผลิตที่คล้ายคลึงกัน) ละครสามารถจัดแสดงได้ด้วยงบประมาณที่จำกัดหรือในระดับยิ่งใหญ่ด้วยงบประมาณหลายล้านดอลลาร์ ความหลากหลายนี้ปรากฏให้เห็นในหมวดหมู่ย่อยของละครจำนวนมาก ซึ่งรวมถึง:

• โรงละครบรอดเวย์และโรงละครเวสต์เอนด์
• โรงละครชุมชน
• โรงละครดินเนอร์
• โรงละครนอกกระแส
• โรงละครแบบอินมิเรอร์
• โรงละครเชิงโต้ตอบ
• นอกบรอดเวย์และนอกเวสต์เอนด์
• นอกบรอดเวย์
• โรงละครเพลย์แบ็ค
• โรงละครระดับภูมิภาคในสหรัฐอเมริกา
• โรงละครเฉพาะสถานที่
• ละครข้างถนน
• โรงละครฤดูร้อน
• โรงละครและความพิการ
• โรงละครเคลื่อนที่

ในขณะที่คณะละครสมัยใหม่ส่วนใหญ่ซ้อมละครทีละเรื่อง แสดงละครเรื่องนั้นเป็นรอบหนึ่ง แล้วก็เลิกแสดง จากนั้นก็เริ่มซ้อมละครเรื่องใหม่ แต่ คณะ ละครแบบเรพเพอร์ทอรีจะซ้อมละครหลายเรื่องพร้อมกัน พวกเขาสามารถแสดงละครต่างๆ ได้ตามคำขอ และมักจะแสดงผลงานต่างๆ เป็นเวลาหลายปีก่อนที่จะเลิกแสดง คณะเต้นรำส่วนใหญ่ก็ใช้ระบบเรพเพอร์ทอรีเช่นกันโรงละครแห่งชาติหลวงในลอนดอนก็ใช้ระบบเรพเพอร์ทอรีในการแสดงด้วย

โดยทั่วไปแล้ว ละครเรเพอร์ทอรีจะเกี่ยวข้องกับกลุ่มนักแสดงที่มีความสามารถใกล้เคียงกัน และอาศัยชื่อเสียงของกลุ่มมากกว่านักแสดงดาวเด่นแต่ละคน นอกจากนี้ โดยทั่วไปแล้วยังอาศัยการควบคุมที่เข้มงวดจากผู้กำกับน้อยลง และยึดติดกับธรรมเนียมปฏิบัติทางละครน้อยลง เนื่องจากนักแสดงที่เคยร่วมงานกันในหลายๆ โปรดักชั่นสามารถตอบสนองต่อกันได้โดยไม่ต้องพึ่งพาธรรมเนียมปฏิบัติหรือการกำกับจากภายนอกมากนัก^{[ 120 ]}

บริษัทโรงละครคือองค์กรที่ผลิตการแสดงละคร^{[ 3 ]}ซึ่งแตกต่างจากคณะละคร (หรือบริษัทการแสดง) ซึ่งเป็นกลุ่มนักแสดงละครที่ทำงานร่วมกัน^{[ 4 ]}บริษัททัวร์คือบริษัทโรงละครหรือบริษัทเต้นรำอิสระที่เดินทางไปแสดง โดยมักจะเป็นในระดับนานาชาติ และนำเสนอการแสดงที่โรงละครต่างเมืองในแต่ละเมือง^{[ 122 ]}

ในการจัดแสดงละครนั้น จำเป็นต้องมีทั้งคณะละครและสถานที่จัดแสดงเมื่อคณะละครเป็นคณะละครประจำเพียงคณะเดียวในสถานที่จัดแสดงนั้น โรงละครนั้น (และคณะละครที่เกี่ยวข้อง) จะถูกเรียกว่าโรงละครประจำ หรือโรงละครผู้ผลิต เพราะสถานที่นั้นผลิตผลงานของตนเอง ส่วนคณะละครอื่นๆ รวมถึงคณะเต้นรำ ที่ไม่มีสถานที่จัดแสดงเป็นของตนเอง จะทำการแสดงในโรงละครให้เช่า หรือโรงละครที่รับจัดแสดง ทั้งโรงละครให้เช่าและโรงละครที่รับจัดแสดงนั้นไม่มีคณะละครประจำแบบเต็มเวลา อย่างไรก็ตาม บางครั้งพวกเขาก็อาจมีคณะละครประจำแบบไม่เต็มเวลาหนึ่งคณะหรือมากกว่านั้น นอกจากนี้ยังมีคณะละครอิสระอื่นๆ ที่เป็นพันธมิตรซึ่งจัดหาพื้นที่ให้ใช้เมื่อมีว่าง โรงละครให้เช่าช่วยให้คณะละครอิสระสามารถหาสถานที่ได้ ในขณะที่โรงละครที่รับจัดแสดงจะแสวงหาคณะละครอิสระเพื่อสนับสนุนผลงานของพวกเขาโดยการนำเสนอผลงานบนเวทีของตน

กลุ่มการแสดงบางกลุ่มทำการแสดงในพื้นที่ที่ไม่ใช่โรงละคร การแสดงดังกล่าวสามารถเกิดขึ้นได้ทั้งภายนอกหรือภายใน ในพื้นที่การแสดงที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม และรวมถึงละครข้างถนนและละครเฉพาะสถานที่สถานที่ที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมสามารถใช้เพื่อสร้างสภาพแวดล้อมที่ดื่มด่ำหรือมีความหมายมากขึ้นสำหรับผู้ชม บางครั้งสถานที่เหล่านี้อาจได้รับการดัดแปลงมากกว่าสถานที่จัดแสดงละครแบบดั้งเดิม หรือสามารถรองรับอุปกรณ์ แสง และฉากที่แตกต่างกันได้^{[ 123 ]}

มีสหภาพแรงงานใน วงการละครอยู่หลายแห่ง รวมถึง:

• สมาคม Actors' Equity Association (AEA) สำหรับนักแสดงและผู้จัดการเวทีในสหรัฐอเมริกา) ^{[ 124 ]}
• สมาคมนักแสดงแห่งแคนาดา (Canadian Actors' Equity Association ) สำหรับนักแสดงในประเทศแคนาดา
• Equityสำหรับศิลปินการแสดงหลายประเภท รวมถึงนักออกแบบ ผู้กำกับ และผู้จัดการเวทีในสหราชอาณาจักร^{[ 125 ]}
• สมาคมระหว่างประเทศของพนักงานเวทีละคร (IATSE) สำหรับนักออกแบบและช่างเทคนิค^{[ 124 ]}
• พันธมิตรสื่อ บันเทิง และศิลปะซึ่งเป็นสหภาพแรงงานของออสเตรเลียที่ก่อตั้งขึ้นในปี 1992 โดยเป็นการควบรวมสหภาพแรงงานที่ครอบคลุมนักแสดง นักข่าว และพนักงานในอุตสาหกรรมบันเทิง^{[ 126 ]}
• สมาคมผู้กำกับการแสดงและนักออกแบบท่าเต้น (SDC) ^{[ 124 ]}

• โครงการเก็บรวบรวมข้อมูลด้านละครเวที (สหราชอาณาจักร)หอสมุดแห่งชาติอังกฤษ และมหาวิทยาลัยเชฟฟิลด์
• คอลเล็กชันโรงละครมหาวิทยาลัยบริสตอล
• ประวัติศาสตร์โรงละครและหอแสดงดนตรีของอังกฤษและไอร์แลนด์
• แฟ้มผลงานออกแบบของภาควิชาศิลปะการละคร
• โรงละครลอนดอน, ค.ศ. 1660–1800บรรณาธิการ: อเล็กซานเดอร์ ฮูเบอร์ กรอบการวิเคราะห์และแสดงภาพโรงละครลอนดอนในศตวรรษที่ 18 โดยสร้างขึ้นจากฐานข้อมูลเวทีลอนดอน (London Stage Database)