• 
  มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์กรุงโรม โดยDonato Bramante , Michelangelo , Carlo Madernoและคนอื่นๆ สร้างเสร็จในปี 1615 ^{[ 27 ]}
• 
  Santa Maria della Salute , เวนิส, โดยBaldassare Longhena , 1631–1687 ^{[ 28 ]}
• 
  San Carlo alle Quattro Fontane , โรม, โดยFrancesco Borromini , 1638–1677
• 
  Fontana dei Quattro Fiumi , โรม, โดยจาน ลอเรนโซ แบร์นีนี , 1648–1651 ^{[ 29 ]}
• 
  จัตุรัสเซนต์ปีเตอร์กรุงโรม โดย จิอัน ลอเรนโซ เบอร์นินี ค.ศ. 1656–1667 ^{[ 27 ]}
• 
  ซานตามาเรีย เดลลา ปาเช โรม โดยปิเอโตร ดา คอร์โตนา , ค.ศ. 1656–1667 ^{[ 30 ]}

อาคารหลังแรกในกรุงโรมที่มีด้านหน้าอาคารแบบบาโรกคือโบสถ์เกซูในปี 1584 แม้ว่าจะดูเรียบง่ายเมื่อเทียบกับมาตรฐานบาโรกในยุคต่อมา แต่ก็ถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญจากด้านหน้าอาคารแบบเรเนซองส์ดั้งเดิมที่มาก่อนหน้านั้น ภายในโบสถ์แห่งนี้ยังคงเรียบง่ายมากจนกระทั่งถึงยุคบาโรกตอนปลาย จึงได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราอลังการ

ในกรุงโรมในปี ค.ศ. 1605 สมเด็จ พระสันตะปาปา ปอลที่ 5 ทรงเป็นพระ สันตะปาปาองค์แรกในบรรดา พระสันตะปาปา หลายองค์ที่ทรงสั่งให้สร้างมหาวิหารและอาคารโบสถ์ที่ออกแบบมาเพื่อสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดอารมณ์และความรู้สึกเกรงขามผ่านรูปแบบที่หลากหลาย สีสันที่สดใส และเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง^{[ 31 ]}ในบรรดาอนุสรณ์สถานที่มีอิทธิพลมากที่สุดของยุคบาโรกตอนต้น ได้แก่ ด้านหน้าของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ (ค.ศ. 1606–1619) และทางเดินกลางและระเบียงใหม่ที่เชื่อมต่อด้านหน้ากับโดมของมิเกลันเจโลในโบสถ์เดิม การออกแบบใหม่นี้สร้างความแตกต่างที่น่าทึ่งระหว่างโดมที่สูงตระหง่านกับด้านหน้าที่กว้างเกินสัดส่วน และความแตกต่างบนด้านหน้าเองระหว่าง เสา แบบดอริกกับมวลขนาดใหญ่ของระเบียง^{[ 32 ]}

ในช่วงกลางถึงปลายศตวรรษที่ 17 รูปแบบนี้ถึงจุดสูงสุด ซึ่งต่อมาเรียกว่า บาโรกชั้นสูง ผลงานชิ้นเอกมากมายได้รับมอบหมายจากพระสันตะปาปาเออร์บันที่ 8และอเล็กซานเดอร์ที่ 7 ประติมากร และสถาปนิก จิอัน ลอเรนโซ เบอร์นินีออกแบบเสาสี่แถวใหม่รอบจัตุรัสเซนต์ปีเตอร์ (ค.ศ. 1656 ถึง 1667) ทางเดินสามแถวของเสาในรูปทรงวงรีขนาดใหญ่ช่วยสร้างสมดุลให้กับโดมขนาดใหญ่ และทำให้โบสถ์และจัตุรัสมีความเป็นเอกภาพและให้ความรู้สึกเหมือนโรงละครขนาดใหญ่^{[ 33 ]}

อีกหนึ่งผู้ริเริ่มที่สำคัญของศิลปะบาโรกชั้นสูงของอิตาลีคือฟรานเชสโก บอร์โรมีนีซึ่งผลงานชิ้นเอกของเขาคือโบสถ์ซาน คาร์โล อัลเล ควอตโตร ฟอนตาเนหรือ โบสถ์นักบุญชาร์ลส์แห่งน้ำพุทั้งสี่ (ค.ศ. 1634–1646) ความรู้สึกของการเคลื่อนไหวไม่ได้มาจากการตกแต่ง แต่มาจากตัวผนังเองที่โค้งเว้าและองค์ประกอบเว้าและนูน รวมถึงหอคอยรูปไข่และระเบียงที่สอดแทรกเข้าไปในส่วนโค้งเว้า ภายในก็มีความปฏิวัติวงการไม่แพ้กัน พื้นที่หลักของโบสถ์เป็นรูปวงรี ใต้โดมรูปไข่^{[ 33 ]}

เพดานที่ทาสีซึ่งเต็มไปด้วยเทวดาและนักบุญ รวมถึงเทคนิคภาพลวงตาทางสถาปัตยกรรม เป็นคุณลักษณะสำคัญของศิลปะบาโรกชั้นสูงของอิตาลี ผลงานชิ้นสำคัญ ได้แก่ ภาพThe Entry of Saint Ignatius into ParadiseโดยAndrea Pozzo (1685–1695) ในโบสถ์ Sant'Ignazio กรุงโรมและภาพ The Triumph of the Name of JesusโดยGiovanni Battista Gaulliในโบสถ์ Gesù ในกรุงโรม (1669–1683) ซึ่งมีภาพบุคคลที่ล้นออกมาจากกรอบภาพ รวมถึงแสงเฉียงที่น่าตื่นตาตื่นใจ และความแตกต่างของแสงและเงา^{[ 34 ]}

รูปแบบนี้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วจากโรมไปยังภูมิภาคอื่นๆ ของอิตาลี: ปรากฏในเวนิสในโบสถ์ซานตามาเรียเดลลาซาลูเต (ค.ศ. 1631–1687) โดยบัลดาสซาเร ลองเกนาซึ่งเป็นรูปทรงแปดเหลี่ยมที่มีเอกลักษณ์สูงและมีโดม ขนาดใหญ่อยู่ด้านบน นอกจากนี้ยังปรากฏในตูรินโดยเฉพาะในโบสถ์น้อยแห่งผ้าห่อศพศักดิ์สิทธิ์ (ค.ศ. 1668–1694) โดยกัวริโน กัวรินีรูปแบบนี้เริ่มถูกนำมาใช้ในพระราชวังด้วยเช่นกัน กัวรินีออกแบบพระราชวังการิญญาโนในตูริน ในขณะที่ลองเกนาออกแบบคาเรซโซนิโกบนคลองแกรนด์คาแนล (ค.ศ. 1657) ซึ่งสร้างเสร็จโดยจอร์โจ มาสซารีและตกแต่งด้วยภาพวาดโดยโจวันนี บาติสตา ติเอโปโล [ ^{35 ] แผ่นดินไหว}ครั้งใหญ่หลายครั้งในซิซิลีทำให้ต้องสร้างพระราชวังส่วนใหญ่ขึ้นใหม่ และหลายแห่งถูกสร้างขึ้นในรูปแบบ บาโรกตอนปลายหรือ โรโกโก ที่หรูหรา

• 
  Palacio de San Telmo , เซบียา, อันดาลูเซีย, โดยLeonardo de Figueroa , 1682–1754
• 
  Palacio de la Merced , กอร์โดบา, อันดาลูเซีย, 1245–1760
• 
  พระราชวังมาดริดโดยJean Bautista Sachetti , 1735–1764 ^{[ 36 ]}
• 
  ด้านหน้าของอาสนวิหารSantiago de Compostelaประเทศสเปน โดยFernando de Casas Novoa , 1738 ^{[ 37 ]}
• 
  พระราชวังวีร์ไรนาในบาร์เซโลนา คาตาโลเนีย สร้างขึ้นระหว่างปี 1772 ถึง 1778 โดย Josep Ausich
• 
  มหาวิหารพระแม่แห่งความเมตตาในบาร์เซโลนาแคว้นกาตาลุญญา สร้างขึ้นระหว่างปี 1765 ถึง 1775 โดยโฆเซ่ มาส ดอร์ดาล
• 
  La Clerecía, Salamanca , Castile และLeón สร้างขึ้นระหว่างปี 1617 ถึง 1754
• 
  Iglesia-convento de Santa Teresaในอาบีลาแคว้นคาสตีลและเลออน สร้างขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 17
• 
  Casa Consistorial de Cuenca ในCuenca , Castile-La Mancha สร้างขึ้นระหว่างปี 1760 ถึง 1788 โดย Lorenzo de Santa María และ Mateo López
• 
  โบสถ์ซานโตส ฮวนเนส เมืองวาเลนเซียสร้างขึ้นระหว่างปี ค.ศ. 1240 ถึง 1702

คริสตจักรคาทอลิกในสเปน โดยเฉพาะอย่างยิ่งคณะเยสุอิตเป็นแรงผลักดันสำคัญของสถาปัตยกรรมบาโรกของสเปน ผลงานชิ้นสำคัญชิ้นแรกในสไตล์นี้คือโบสถ์ซานอิซิโดรในมาดริดซึ่งเริ่มสร้างในปี 1643 โดยเปโดร เด ลา ตอร์เรโบสถ์แห่งนี้มีความโดดเด่นด้วยการตกแต่งที่หรูหราอย่างมากภายนอก แต่ภายในกลับเรียบง่าย แบ่งออกเป็นหลายพื้นที่ และใช้เอฟเฟกต์ของแสงเพื่อสร้างความรู้สึกลึกลับ^{[ 38 ]}มหา วิหารซานติอาโก เด คอมโพสเตลา ได้รับการปรับปรุงให้ทันสมัยด้วยส่วนต่อเติมแบบบาโรกหลายส่วน เริ่มตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 โดยเริ่มจากหอระฆังที่ประดับประดาอย่างวิจิตร (1680) จากนั้นก็มีหอคอยที่สูงกว่าและประดับประดาอย่างวิจิตรกว่าอีกสองแห่งขนาบข้าง เรียกว่าโอบราโดริโอซึ่งเพิ่มเข้ามาระหว่างปี 1738 ถึง 1750 โดย เฟอร์นันโด เด กาซัส โนโวอา อีกหนึ่งแลนด์มาร์คของสถาปัตยกรรมบาโรกของสเปนคือหอคอยโบสถ์ของพระราชวังซานเทลโมในเซบียาโดยเลโอนาร์โด เด ฟิเกโรอา^{[ 39 ]}

กรานาดาเพิ่งถูกพิชิตจากชาวมัวร์ในศตวรรษที่ 15 และมีรูปแบบศิลปะบาโรกที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว จิตรกร ประติมากร และสถาปนิก อลองโซ คาโนออกแบบตกแต่งภายในแบบบาโรกของมหาวิหารกรานาดาระหว่างปี 1652 จนกระทั่งเสียชีวิตในปี 1657 โดยมีลักษณะเด่นคือความแตกต่างที่โดดเด่นระหว่างเสาสีขาวขนาดใหญ่และการตกแต่งด้วยสีทอง

สถาปัตยกรรมบาโรกสเปนที่ประดับประดาและตกแต่งอย่างหรูหราที่สุดเรียกว่า สไตล์ Churrigueresqueซึ่งตั้งชื่อตามพี่น้องChurrigueraผู้ซึ่งทำงานหลักในซาลามันกาและมาดริด ผลงานของพวกเขารวมถึงอาคารต่างๆ บนจัตุรัสหลักของซาลามันกา คือPlaza Mayor (1729) ^{[ 39 ]}สไตล์บาโรกที่ประดับประดาอย่างหรูหรานี้มีอิทธิพลต่อโบสถ์และมหาวิหารหลายแห่งที่ชาวสเปนสร้างขึ้นในทวีปอเมริกา

สถาปนิกชาวสเปนที่มีชื่อเสียงในยุคบาโรกตอนปลาย ได้แก่Pedro de Riberaศิษย์ของ Churriguera ผู้ออกแบบReal Hospicio de San Fernandoในมาดริด และNarciso Toméผู้ออกแบบ แท่นบูชา El Transparente อันโด่งดัง ที่มหาวิหารโตเลโด (1729–1732) ซึ่งเมื่อมองในแสงบางมุมจะทำให้ดูเหมือนลอยขึ้นไป^{[ 39 ]}

สถาปนิกของสถาปัตยกรรมบาโรกสเปนมีอิทธิพลไปไกลเกินกว่าสเปน ผลงานของพวกเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อโบสถ์ที่สร้างขึ้นในอาณานิคมของสเปนในละตินอเมริกาและฟิลิปปินส์ โบสถ์ที่สร้างโดยคณะเยสุอิตสำหรับวิทยาลัยซานฟรานซิสโก ฮาเวียร์ในเตโปตโซตลันซึ่งมีด้านหน้าและหอคอยแบบบาโรกที่ประดับประดาอย่างวิจิตรงดงาม เป็นตัวอย่างที่ดี^{[ 40 ]}

• 
  ปอซนัน ฟารา , พอซนาน, โปแลนด์, โดยBartłomiej Nataniel Węsowski , Giovanni CatenazziและPompeo Ferrari , 1651–1732
• 
  พระราชวังวิลานอฟกรุงวอร์ซอ ประเทศโปแลนด์ สถาปนิกไม่ทราบชื่อ สร้างขึ้นระหว่างปี ค.ศ. 1677–1679 ^{[ 41 ]}
• 
  เสาโรคระบาด เวียนนาออสเตรีย โดยMatthias RauchmillerและJohann Bernhard Fischer von Erlach , 1682 และ 1694 ^{[ 42 ]}
• 
  โบสถ์เซนต์นิโคลัส กรุงปราก สาธารณรัฐเช็ก โดยคริสตอฟ ดีนท์เซนโฮเฟอร์ 1703–1711 ^{[ 43 ]}
• 
  ภายนอกโบสถ์คาร์ลสเคียร์เชอเวียนนา โดยโยฮันน์ แบร์นฮาร์ด ฟิสเชอร์ ฟอน แอร์ลาค, ค.ศ. 1715–1737 ^{[ 44 ]}
• 
  การตกแต่งภายในของโบสถ์คาร์ลสเคียร์เคอ โดยโยฮันน์ แบร์นฮาร์ด ฟิสเชอร์ ฟอน แอร์ลาค, ค.ศ. 1715–1737 ^{[ 44 ]}
• 
  อัปเปอร์เบลเวเดียร์ , เวียนนา, โดยโยฮันน์ ลูคัส ฟอน ฮิลเดอบรานต์ , ค.ศ. 1717–1723 ^{[ 45 ]}
• 
  พระราชวังโรกาลินโรกาลินโปแลนด์ สถาปนิกไม่ทราบชื่อ 1768–1774 ^{[ 46 ]}

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1680 ถึง 1750 มีการสร้างมหาวิหาร อาราม และโบสถ์แสวงบุญ ที่ประดับประดาอย่างวิจิตรงดงามมากมาย ในยุโรปกลาง ออสเตรีย โบฮีเมีย และทางตะวันตกเฉียงใต้ของโปแลนด์ บางแห่งสร้างใน สไตล์ โรโกโกซึ่งเป็นสไตล์ที่โดดเด่น หรูหรา และไม่สมมาตร ซึ่งเกิดขึ้นจากสไตล์บาโรก จากนั้นก็เข้ามาแทนที่สไตล์บาโรกในยุโรปกลางในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 จนกระทั่งถูกแทนที่ด้วยสไตล์คลาสสิกในที่สุด^{[ 47 ]}

เจ้าชายแห่งรัฐต่างๆ มากมายในภูมิภาคนั้นต่างก็เลือกสไตล์บาโรกหรือโรโคโคสำหรับพระราชวังและที่ประทับของพวกเขา และมักจะใช้สถาปนิกที่ได้รับการฝึกฝนจากอิตาลีในการก่อสร้าง^{[ 48 ]}

ตัวอย่างที่โดดเด่นคือโบสถ์เซนต์นิโคลัส (มาลา สตรานา)ในกรุงปราก (ค.ศ. 1704–1755) ซึ่งสร้างโดยคริสตอฟ ดีนท์เซนโฮเฟอร์และลูกชายของเขาคิเลียน อิกนาซ ดีนท์เซนโฮเฟอร์การตกแต่งครอบคลุมผนังภายในทั้งหมดของโบสถ์ แท่นบูชาตั้งอยู่ในทางเดินกลางใต้โดมกลาง และล้อมรอบด้วยโบสถ์น้อย แสงส่องลงมาจากโดมด้านบนและจากโบสถ์น้อยโดยรอบ แท่นบูชาถูกล้อมรอบด้วยซุ้มโค้ง เสา ราวบันไดโค้ง และเสาประดับที่ทำจากหินสี ซึ่งตกแต่งอย่างหรูหราด้วยรูปปั้น ทำให้เกิดความสับสนโดยเจตนาระหว่างสถาปัตยกรรมที่แท้จริงกับการตกแต่ง สถาปัตยกรรมถูกเปลี่ยนให้กลายเป็นโรงละครแห่งแสง สี และการเคลื่อนไหว^{[ 25 ]}

ในโปแลนด์ สถาปัตยกรรมบาโรกแบบโปแลนด์ ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากอิตาลี คงอยู่ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 ถึงกลางศตวรรษที่ 18 และเน้นความร่ำรวยของรายละเอียดและสีสัน อาคารบาโรกแห่งแรกในโปแลนด์ในปัจจุบันและอาจเป็นหนึ่งในอาคารที่รู้จักกันดีที่สุดคือโบสถ์เซนต์ปีเตอร์และพอล เมืองคราคอฟซึ่งออกแบบโดยGiovanni Battista Trevanoเสาซิกิสมุนด์ในวอร์ซอซึ่งสร้างขึ้นในปี 1644 เป็นอนุสาวรีย์บาโรกทางโลกแห่งแรกของโลกที่สร้างในรูปทรงเสา^{[ 49 ]}รูปแบบที่อยู่อาศัยแบบพระราชวังเป็นตัวอย่างโดยพระราชวังวิลาโนว์ซึ่งสร้างขึ้นระหว่างปี 1677 ถึง 1696 ^{[ 50 ]}สถาปนิกบาโรกที่มีชื่อเสียงที่สุดที่ทำงานในโปแลนด์คือTylman van Gameren ชาวดัตช์ และผลงานที่โดดเด่นของเขา ได้แก่ โบสถ์เซนต์คาซิเมียร์และพระราชวังคราซินสกีในวอร์ซอ โบสถ์เซนต์แอนน์ ในคราคอฟและพระราชวังบรานิคกีในเบียลีสตอก^{[ 51 ]}อย่างไรก็ตาม ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของสถาปัตยกรรมบาโรกของโปแลนด์คือ โบสถ์ Poznań Faraซึ่งมีรายละเอียดโดยPompeo Ferrariหลังสงครามสามสิบปีภายใต้ข้อตกลงแห่งสันติภาพเวสต์ฟาเลียได้มีการสร้างโครงสร้างบาโรกแบบสานและฉาบปูนที่เป็นเอกลักษณ์สองแห่ง ได้แก่ โบสถ์แห่งสันติภาพใน Jaworและโบสถ์พระตรีเอกภาพแห่งสันติภาพใน Świdnica ซึ่งเป็นวิหารไม้บาโรกที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป

• 
  ซวิงเงอร์, เดรสเดน , เยอรมนี, โดยMatthäus Daniel PöppelmannและBalthasar Permoser , 1710–1728
• 
  บ้านพักเวิร์ซบวร์ก , เวิร์ซบวร์ก, เยอรมนี, บัลธาซาร์ นอยมันน์ , ค.ศ. 1720–1744
• 
  Frauenkirche, เดรสเดน , เยอรมนี โดยGeorge Bähr , 1726 และ 1743

รัฐต่างๆ มากมายภายในจักรวรรดิโรมันอันศักดิ์สิทธิ์ในดินแดนของประเทศเยอรมนีในปัจจุบัน ต่างก็พยายามแสดงออกถึงความเป็นตนเองด้วยอาคารสไตล์บาโรกที่น่าประทับใจ^{[ 52 ]}สถาปนิกที่มีชื่อเสียง ได้แก่โยฮันน์ แบร์นฮาร์ด ฟิชเชอร์ ฟอน แอร์ลาค , ลูคัส ฟอน ฮิลเดบรันด์และโดมินิกัส ซิมเมอร์มันน์ในบาวาเรีย , บัลธาซาร์ นอยมันน์ในบรูห์ลและมัทเทอุส ดาเนียล ปอปเปลมันน์ในเดรสเดน ในปรัสเซีย พระเจ้า ฟรีดริช ที่ 2 แห่งปรัสเซียทรงได้รับแรงบันดาลใจจาก แกรนด์ทริอานอน แห่งพระราชวัง แวร์ซาย และทรงใช้เป็นแบบอย่างสำหรับที่ประทับฤดูร้อนของพระองค์ซานซูซีในพอตส์ดัมซึ่งออกแบบโดยเกออร์ก เวนเซสเลาส์ ฟอน โนเบลส์ดอร์ฟ (1745–1747) ผลงานสถาปัตยกรรมพระราชวังสไตล์บาโรกอีกชิ้นหนึ่งคือซวิงเกอร์ (เดรสเดน)ซึ่งเป็นอดีตเรือนส้มของพระราชวังของผู้ปกครองแคว้นแซกโซนีในศตวรรษที่ 18

หนึ่งในตัวอย่างที่ดีที่สุดของโบสถ์สไตล์โรโคโคคือ Basilika Vierzehnheiligen หรือBasilica of the Fourteen Holy Helpersซึ่งเป็นโบสถ์แสวงบุญที่ตั้งอยู่ใกล้เมืองBad Staffelsteinใกล้กับ Bamberg ในแคว้นบาวาเรีย ทางตอนใต้ของเยอรมนี โบสถ์แห่งนี้ได้รับการออกแบบโดย Balthasar Neumann และสร้างขึ้นระหว่างปี 1743 ถึง 1772 แผนผังของโบสถ์เป็นวงกลมที่เชื่อมต่อกันรอบวงรีตรงกลาง โดยมีแท่นบูชาตั้งอยู่ตรงกลางโบสถ์พอดี ภายในโบสถ์แห่งนี้แสดงให้เห็นถึงจุดสูงสุดของการตกแต่งสไตล์โรโคโค^{[ 53 ]} ตัวอย่างที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของสไตล์นี้คือ โบสถ์แสวงบุญแห่ง Wies ( ภาษาเยอรมัน: Wieskirche ) ซึ่งได้รับการออกแบบโดยพี่น้องJBและDominikus Zimmermannตั้งอยู่ในเชิงเขาแอลป์ในเขตเทศบาลSteingadenใน เขต Weilheim-Schongauแคว้นบาวาเรีย ประเทศเยอรมนี การก่อสร้างเกิดขึ้นระหว่างปี 1745 ถึง 1754 และภายในตกแต่งด้วยภาพจิตรกรรมฝาผนังและงานปูนปั้นตามแบบฉบับของสำนักเวสโซบรุนเนอร์ปัจจุบันได้รับการขึ้นทะเบียนเป็นมรดกโลกของยูเนส โก

• 
  ปราสาทเมซงฝรั่งเศส โดย ฟรองซัวส์ มานซาร์ ค.ศ. 1630–1651 ^{[ 54 ]}
• 
  Galerie d'Apollon , พระราชวังลูฟวร์, ปารีส, โดยLouis Le VauและCharles Le Brun , หลังปี 1661 ^{[ 55 ]}
• 
  ด้านหน้าฝั่งตะวันออกของพระราชวังลูฟร์ ปารีส โดยClaude Perraultและ Louis Le Vau, 1665–1680 ^{[ 56 ]}
• 
  โบสถ์ในพระราชวังแวร์ซายส์ แวร์ซายส์ ประเทศฝรั่งเศส ค.ศ. 1696–1710 ^{[ 57 ]}
• 
  Porte Saint-Denis , ปารีส, โดยFrançois Blondel , 1672 ^{[ 58 ]}
• 
  โดมเดแซงวาลิด , ปารีส, โดยJules Hardouin-Mansart , 1677–1706 ^{[ 59 ]}
• 
  ห้องกระจกของพระราชวังแวร์ซายส์ ค.ศ. 1678–1684 ^{[ 60 ]}
• 
  ด้านหน้าสวนของพระราชวังแวร์ซาย โดย Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688 ^{[ 61 ]}
• 
  ลานหินอ่อนของพระราชวังแวร์ซายส์ พ.ศ. 2423 ^{[ 62 ]}
• 
  ปลาซวองโดมปารีส โดย Jules Hardouin-Mansart, 1699–1706 ^{[ 63 ]}
• 
  Hôtel de Rothelin-Charolais , ปารีส, โดยPierre Cailleteau , 1700–1704 ^{[ 64 ]}

สถาปัตยกรรมบาโรกในฝรั่งเศสพัฒนาไปในทิศทางที่แตกต่างจากสถาปัตยกรรมบาโรกแบบท้องถิ่นที่ประดับประดาและอลังการจากอิตาลี สเปน และส่วนอื่นๆ ของยุโรป เมื่อเปรียบเทียบกันแล้ว สถาปัตยกรรมบาโรกในฝรั่งเศสดูเคร่งขรึม แยกตัวออก และสงบเสงี่ยมกว่า ซึ่งเป็นการปูทางไป สู่สถาปัตยกรรม นีโอคลาสสิกและสถาปัตยกรรมแห่งยุคเรืองปัญญาต่างจากอาคารของอิตาลี อาคารบาโรกของฝรั่งเศสไม่มีหน้าจั่วที่แตกหักหรือส่วนหน้าอาคารโค้ง แม้แต่อาคารทางศาสนาก็หลีกเลี่ยงความอลังการทางด้านพื้นที่ที่พบในงานของบอร์โรมีนีรูปแบบนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานที่สร้างขึ้นสำหรับพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 (ครองราชย์ ค.ศ. 1643–1715) และด้วยเหตุนี้จึงเป็นที่รู้จักกันในชื่อรูปแบบหลุยส์ที่ 14 พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงเชิญเบอร์นินี ปรมาจารย์แห่งสถาปัตยกรรมบาโรก ให้ส่งแบบสำหรับปีกตะวันออกใหม่ของพิพิธภัณฑ์ลูฟ ร์ แต่ทรงปฏิเสธและเลือกแบบคลาสสิกมากกว่าโดยโคลด แปร์โรต์และหลุยส์ เลอ โวแทน^{[ 65 ] [ 66 ]}

สถาปนิกหลักของสไตล์นี้ ได้แก่François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (โบสถ์Val-de-Grâce , 1645–1665) และLouis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657–1661) Mansart เป็นสถาปนิกคนแรกที่นำรูปแบบบาโรก โดยเฉพาะอย่างยิ่งการใช้รูปแบบ การเรียงซ้อน และการตกแต่งด้วยหินขรุขระ อย่างหนาแน่น มาใช้ในสถาปัตยกรรมฝรั่งเศสหลังคาแบบแมนซาร์ดไม่ได้ถูกคิดค้นโดย Mansart แต่ได้กลายเป็นที่รู้จักในฐานะสถาปัตยกรรมของเขา เนื่องจากเขาใช้มันบ่อยครั้ง^{[ 67 ]}

โครงการสำคัญของราชวงศ์ในยุคนั้นคือการขยายพระราชวังแวร์ซาย ซึ่งเริ่มต้นในปี 1661 โดยเลอ โว ( Le Vau) และตกแต่งโดยจิตรกรชาร์ลส์ เลอ บรุน (Charles Le Brun ) สวนได้รับการออกแบบโดยอังเดร เลอ โนตร์ (André Le Nôtre ) โดยเฉพาะเพื่อเสริมและขยายสถาปัตยกรรม ห้องโถงกระจก (Galerie des Glaces )ซึ่งเป็นจุดเด่นของพระราชวัง ประดับด้วยภาพวาดของเลอ บรุน ถูกสร้างขึ้นระหว่างปี 1678 ถึง 1686 ม็องซาร์ (Mansart) สร้างแกรนด์ทริอานง (Grand Trianon) เสร็จสมบูรณ์ ในปี 1687 โบสถ์น้อยซึ่งออกแบบโดยโรเบิร์ต เดอ คอต (Robert de Cotte ) สร้างเสร็จในปี 1710 หลังจากการสวรรคตของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ได้เพิ่ม เปอตีทริอานง (Petit Trianon)ที่มีความเป็นส่วนตัวมากกว่าและโรงละครที่ตกแต่งอย่างหรูหรา น้ำพุในสวนได้รับการออกแบบให้สามารถมองเห็นได้จากภายใน และเพื่อเพิ่มความงดงามตระการตา พระราชวังแห่งนี้ได้รับการชื่นชมและเลียนแบบโดยกษัตริย์องค์อื่นๆ ในยุโรป โดยเฉพาะอย่างยิ่งปีเตอร์มหาราชแห่งรัสเซีย ซึ่งเสด็จเยือนแวร์ซายในช่วงต้นรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 และทรงสร้างพระราชวังในแบบของพระองค์เองที่พระราชวังปีเตอร์ฮอฟใกล้เมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ระหว่างปี 1705 ถึง 1725 ^{[ 68 ]}

• 
  ห้องสมุดมหาวิทยาลัย , มหาวิทยาลัยโกอิมบรา, โกอิมบรา, โปรตุเกส, โดยGaspar Ferreira , 1716–1728 ^{[ 69 ]}
• 
  พระราชวังมาฟรา , มาฟรา, โปรตุเกส, โดยJoão Frederico Ludovice , 1717–1755 ^{[ 70 ]}
• 
  Azulejoในอารามของอาราม São Vicente de Foraลิสบอน ประเทศโปรตุเกส โดยมีฉากเป็นภาพพิมพ์ของJean Le Pautreสถาปนิกหรือช่างฝีมือนิรนาม ค.ศ. 1730–1735 ^{[ 71 ]}
• 
  บันไดใหญ่ของวิหาร Bom Jesus do Monte , Braga, Portugal โดยCarlos Luís Ferreira Amaranteและคนอื่นๆค. พ.ศ. 2327 ^{[ 72 ]}

สถาปัตยกรรมบาโรกในโปรตุเกสคงอยู่ประมาณสองศตวรรษ (ปลายศตวรรษที่สิบเจ็ดและศตวรรษที่สิบแปด) รัชสมัยของพระเจ้าจอห์นที่ 5และ พระเจ้าโจ เซฟที่ 1มีการนำเข้าทองคำและเพชรเพิ่มมากขึ้น ในช่วงเวลาที่เรียกว่าระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ซึ่งทำให้สถาปัตยกรรมบาโรกของโปรตุเกสเฟื่องฟู

สถาปัตยกรรมบาโรกในโปรตุเกสมีลักษณะพิเศษและมีลำดับเวลาที่แตกต่างจากส่วนอื่นๆ ของยุโรป

มันถูกกำหนดโดยปัจจัยทางการเมือง ศิลปะ และเศรษฐกิจหลายประการ ซึ่งก่อให้เกิดหลายขั้นตอน และอิทธิพลภายนอกที่แตกต่างกัน ส่งผลให้เกิดการผสมผสานที่เป็นเอกลักษณ์^{[ 73 ]}ซึ่งมักถูกเข้าใจผิดโดยผู้ที่มองหาศิลปะอิตาลี แต่กลับพบรูปแบบและลักษณะเฉพาะที่ให้ความหลากหลายแบบโปรตุเกสที่ไม่เหมือนใคร ปัจจัยสำคัญอีกประการหนึ่งคือการมีอยู่ของสถาปัตยกรรมแบบเยซูอิต หรือที่เรียกว่า "แบบเรียบง่าย" (Estilo Chão หรือ Estilo Plano) ^{[ 74 ]}ซึ่งเหมือนกับชื่อที่สื่อถึง คือเรียบง่ายและดูเคร่งขรึมเล็กน้อย

อาคารเหล่านี้เป็นโบสถ์แบบห้องเดียว มีโบสถ์หลักที่ลึก และโบสถ์ย่อยด้านข้าง (มีประตูเล็กๆ สำหรับการติดต่อสื่อสาร) โดยไม่มีการตกแต่งภายในและภายนอก มีเพียงประตูทางเข้าและหน้าต่างที่เรียบง่าย เป็นอาคารที่ใช้งานได้จริง ทำให้สามารถสร้างได้ทั่วทั้งจักรวรรดิโดยมีการปรับเปลี่ยนเพียงเล็กน้อย และเตรียมพร้อมสำหรับการตกแต่งในภายหลังหรือเมื่อมีทรัพยากรทางเศรษฐกิจเพียงพอ

อันที่จริงแล้ว สถาปัตยกรรมบาโรกแบบโปรตุเกสยุคแรกนั้นไม่ด้อยกว่าในด้านการก่อสร้าง เพราะ "สไตล์เรียบง่าย" นั้นสามารถปรับเปลี่ยนได้ง่ายด้วยการตกแต่ง (เช่น การทาสี การปูกระเบื้อง ฯลฯ) เปลี่ยนพื้นที่ว่างเปล่าให้กลายเป็นฉากบาโรกที่โอ่อ่าและวิจิตรตระการตา วิธีการเดียวกันนี้สามารถนำไปใช้กับภายนอกได้เช่นกัน ดังนั้นจึงง่ายต่อการปรับเปลี่ยนอาคารให้เข้ากับรสนิยมของยุคสมัยและสถานที่ และเพิ่มคุณสมบัติและรายละเอียดใหม่ๆ เข้าไป ซึ่งทั้งใช้งานได้จริงและประหยัด

^{ด้วย จำนวน}ประชากรที่มากขึ้นและทรัพยากรทางเศรษฐกิจที่ดีขึ้น ทางตอนเหนือ โดยเฉพาะพื้นที่ปอร์โตและบรากา^{[ 75 ]} [ ^{76 ] [ 77 ]}ได้เห็นการฟื้นฟูทางสถาปัตยกรรม ซึ่งเห็นได้ชัดจากรายชื่อโบสถ์ อาราม และพระราชวังจำนวนมากที่สร้างโดยชนชั้นสูง

ปอร์โตเป็นเมืองแห่งสถาปัตยกรรมบาโรกในโปรตุเกส ศูนย์กลางประวัติศาสตร์ของเมืองนี้เป็นส่วนหนึ่งของรายชื่อมรดกโลกของยูเนส โก^{[ 78 ]}

งานบาโรกหลายชิ้นในพื้นที่ประวัติศาสตร์ของเมืองและที่อื่นๆ เป็นของNicolau Nasoni สถาปนิกชาวอิตาลีที่อาศัยอยู่ในโปรตุเกส วาดภาพอาคารดั้งเดิมที่มี ^{ตำแหน่ง}ทิวทัศน์ เช่นโบสถ์และหอคอยของClérigos [ ^{79 ]}ระเบียงของอาสนวิหารปอร์โตโบสถ์ Misericórdia พระราชวังเซา โจเอา โนโว^{[ 80 ] พระราชวัง}ไฟรโซ , [ ^{81 ]}พระราชวังบาทหลวง ( โปรตุเกส : Paço Episcopal do Porto ) ^{[ 82 ]}พร้อมด้วยคนอื่นๆ อีกมากมาย

• 
  สวนปีเตอร์ฮอฟ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กรัสเซีย สถาปนิกไม่ทราบชื่อ 1746–1758 ^{[ 83 ]}
• 
  อารามสโมลนี เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยฟรานเชสโก บาร์โตโลเมโอ ราสเตรลลี 1748 ^{[ 84 ]}
• 
  Tsarskoe Selo , พุชกิน, รัสเซีย, โดย Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749–1756 ^{[ 85 ]}

จุดเริ่มต้นของสถาปัตยกรรมบาโรกแบบรัสเซีย หรือบาโรกแบบปีเตอร์มหาราชเกิดขึ้นหลังจากการเสด็จเยือนยุโรปตะวันตก ของ พระเจ้าปีเตอร์มหาราช เป็นเวลานานในช่วงปี ค.ศ. 1697-1698 ซึ่งพระองค์ได้เสด็จเยี่ยมชมพระราชวัง ฟงแตนบ ลู และ แว ร์ซายรวมถึงอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมอื่นๆ เมื่อเสด็จกลับรัสเซีย พระองค์จึงทรงตัดสินใจสร้างอนุสรณ์สถานลักษณะเดียวกันในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งกลายเป็นเมืองหลวงใหม่ของรัสเซียในปี ค.ศ. 1712 อนุสรณ์สถานสำคัญในช่วงต้นของบาโรกแบบปีเตอร์มหาราช ได้แก่มหาวิหารปีเตอร์และปอลและพระราชวังเมนชิคอฟ

ในรัชสมัยของแอนนาและเอลิซาเบธสถาปัตยกรรมรัสเซียถูกครอบงำด้วยสไตล์บาโรกอันหรูหราของ ฟรานเชสโก บาร์โตโลเมโอ ราสเตรลลี ผู้เกิดในอิตาลี ซึ่งพัฒนามาเป็นบาโรกสมัยเอลิซาเบธ อาคารที่เป็นเอกลักษณ์ของราสเตรลลี ได้แก่พระราชวังฤดูหนาวพระราชวังแคทเธอรีนและมหาวิหารสโมลนีอนุสรณ์สถานอันโดดเด่นอื่นๆ ของบาโรกสมัยเอลิซาเบธ ได้แก่ หอระฆังของอารามทรอยต์เซ-เซอร์กิเยวาและประตูแดง^{[ 86 ]}

ในมอสโกสถาปัตยกรรมบาโรกแบบนาริชกินแพร่หลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถาปัตยกรรมของ โบสถ์ ออร์โธดอกซ์ตะวันออกในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างสถาปัตยกรรมบาโรกแบบยุโรปตะวันตกกับรูปแบบพื้นบ้าน แบบดั้งเดิม ของรัสเซีย

• 
  โบสถ์เซนต์ฟรานซิสแห่งอัสซีซี (อูโร เปรโต) , มินาสเชไรส์, บราซิล , โดยAleijadinho , ค.ศ. 1765–1788
• 
  มหาวิหารซานฟรานซิสโก เด อาซิส, ฮาวานา , คิวบา, สถาปนิกไม่ทราบชื่อ, ค.ศ. 1548–1738 ^{[ 87 ]}
• 
  โบสถ์ซานฟรานซิสโก อากาเตเปก , ซาน อันเดรส โชลูลา, ปวยบลา, เม็กซิโก, สถาปนิกนิรนาม, ศตวรรษที่ 17–18
• 
  มหาวิหารเมโทรโพลิแทนแห่งกีโตเมืองกีโต ประเทศเอกวาดอร์ ผลงานของอันโตนิโอ การ์เซีย และคณะ ระหว่างปี 1535–1799
• 
  มหาวิหารเมโทรโพลิแทนแห่งซูเครในเมืองซูเครประเทศโบลิเวีย สร้างขึ้นระหว่างปี 1551–1712
• 
  โบสถ์ซานโตโดมิงโก ซานติอาโก ชิลี สถาปนิกไม่ทราบชื่อ 1747–1808 ^{[ 88 ]}
• 
  โบสถ์ซานตาปริสกาเดแท็กซ์โกเมืองแท็กซ์โก เม็กซิโก โดยดิเอโก ดูรันและกาเยตาโน ซิกูเอนซา , ค.ศ. 1751–1758 ^{[ 89 ]}
• 
  โบสถ์ la Recolección , เลออน, นิการากัว , 1786–1788

ด้านหน้าของโบสถ์เยซูอิตแห่งเมืองกุสโกประเทศเปรู โดยฌอง-แบปติสต์ จิลส์ และดิเอโก มาร์ติเนซ เด โอเบียโด 1576–1668 ^{[ 90 ]}

ภาพวาดฝาผนังในยุคอาณานิคมที่เก็บรักษาไว้ในปี ค.ศ. 1802 เป็นภาพนรก^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]}โดย Tadeo Escalante ภายในโบสถ์ San Juan Bautista ในHuaroประเทศเปรู

เนื่องจากการล่าอาณานิคมของทวีปอเมริกาโดยประเทศในยุโรป ศิลปะบาโรกจึงแพร่กระจายไปยังโลกใหม่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภูมิภาคที่อยู่ภายใต้การปกครองของสเปนและโปรตุเกสซึ่งทั้งสองประเทศเป็นระบอบกษัตริย์ที่มีอำนาจรวมศูนย์และนับถือศาสนาคาทอลิกอย่างเหนียวแน่น และอยู่ภายใต้อิทธิพลของกรุงโรม รวมถึงเป็นผู้สนับสนุนการปฏิรูปศาสนา คาทอลิกในยุคบาโร ก ศิลปินชาวยุโรปอพยพไปยังอเมริกาและก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะ ประกอบกับการแพร่หลายของมิชชันนารีคาทอลิกซึ่งหลายคนเป็นศิลปินที่มีฝีมือ ทำให้เกิดศิลปะบาโรกที่มีหลากหลายรูปแบบ โดยมักได้รับอิทธิพลจากรสนิยมของคนทั่วไปช่าง ฝีมือ ชาวครีโอลและชนพื้นเมืองมีส่วน สำคัญในการสร้างเอกลักษณ์เฉพาะตัว ให้ กับศิลปะบาโร กนี้ ศูนย์กลางสำคัญของการพัฒนาศิลปะบาโรกในอเมริกาที่ยังคงหลงเหลืออยู่จนถึงปัจจุบัน ได้แก่ ( เรียงตามลำดับ) เม็กซิโกเปรูบราซิลคิวบาเอกวาดอร์โคลอมเบียโบลิเวียกัวเตมาลานิการากัวเปอร์โตริโกและปานามา

สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือสิ่งที่เรียกว่า "บาโรกแบบมิชชันนารี" ซึ่งพัฒนาขึ้นในกรอบของการลดจำนวนประชากรของสเปนในพื้นที่ที่ขยายจากเม็กซิโกและส่วนตะวันตกเฉียงใต้ของสหรัฐอเมริกาในปัจจุบัน ไปจนถึงทางใต้สุดอย่างอาร์เจนตินาและชิลี การตั้งถิ่นฐานของชนพื้นเมืองได้รับการจัดตั้งโดยมิชชันนารีคาทอลิกชาวสเปนเพื่อเปลี่ยนพวกเขาให้มานับถือศาสนาคริสต์และหลอมรวมพวกเขาเข้ากับวิถีชีวิตแบบตะวันตก ก่อให้เกิดบาโรกแบบผสมผสานที่ได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมพื้นเมือง ซึ่งชาวครีโอลและช่างฝีมือและนักดนตรีพื้นเมืองจำนวนมากเจริญรุ่งเรือง แม้กระทั่งผู้ที่อ่านออกเขียนได้ บางคนมีความสามารถและพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม บันทึกของมิชชันนารีมักกล่าวซ้ำว่าศิลปะตะวันตก โดยเฉพาะดนตรี มีอิทธิพลอย่างมากต่อชาวป่า และภาพของนักบุญถูกมองว่ามีพลังอำนาจมาก ชาวพื้นเมืองจำนวนมากเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์ และรูปแบบใหม่ของการอุทิศตนก็ถูกสร้างขึ้น มีความเข้มข้นเร้าใจ เต็มไปด้วยความลึกลับ ความเชื่อโชคลาง และความเป็นละคร ซึ่งชื่นชอบในพิธีมิสซาอันรื่นเริง คอนเสิร์ตศักดิ์สิทธิ์ และความลึกลับ^{[ 94 ] [ 95 ]}

สถาปัตยกรรมบาโรกยุคอาณานิคมในอเมริกาใต้ของสเปนนั้นมีลักษณะเด่นคือการตกแต่งอย่างหรูหรา (เช่น ประตูทางเข้าโบสถ์ลาโปรเฟซาในเม็กซิโกซิตี้; ด้านหน้าอาคารที่ปกคลุมด้วย กระเบื้อง อะซูเลโฮสไตล์ ปวยบลา เช่นโบสถ์ซานฟรานซิสโกอะคาเตเปกในซานอันเดรสโชลูลาและโบสถ์คอนแวนต์ซานฟรานซิสโกในปวยบลา ) ซึ่งจะยิ่งทวี ความโดด เด่น มากขึ้นในรูปแบบที่เรียกว่า สไตล์ ชูร์ริเกเรสค์ (เช่น ด้านหน้าของแท่นบูชาในมหาวิหารเมโทรโพลิแทนแห่งเม็กซิโกซิตี้ออกแบบโดยลอเรนโซ โรดริเกซ ; โบสถ์ซานฟรานซิสโกฮาเวียร์ในเตโปตโซตลัน ; โบสถ์ซานตาปริสกาเดทักซ์โก ) ในเปรู สิ่งก่อสร้างส่วนใหญ่ได้รับการพัฒนาในเมืองลิมากุสโกอาเรคิปาและตรูฮีโยตั้งแต่ปี 1650 แสดงให้เห็นลักษณะดั้งเดิมที่ก้าวหน้าแม้กระทั่งยุคบาโรกของยุโรป เช่นเดียวกับการใช้กำแพงกันกระแทกและเสาโซโลมอนิก ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco ; มหาวิหารและคอนแวนต์แห่งซานฟรานซิสโก, ลิมา ) ^{[ 96 ]}ประเทศอื่น ๆ ได้แก่ : มหาวิหารแห่งซูเกรในโบลิเวีย; วิหาร Basilica of Esquipulasในกัวเตมาลา; วิหารเตกูซิกัลปาในฮอนดูรัส; มหาวิหารลีออนในนิการากัว; โบสถ์ La Compañía de Jesús, กีโต , เอกวาดอร์; โบสถ์ซานอิกนาซิโอ โบโกตาโคลัมเบีย; วิหารการากัสในเวเนซุเอลา; Cabildo แห่งบัวโนสไอเรสในอาร์เจนตินา; โบสถ์ซานโตโดมิงโกในซันติอาโกประเทศชิลี; และอาสนวิหารฮาวานาในคิวบา นอกจากนี้ยังควรระลึกถึงคุณภาพของโบสถ์ของ คณะมิชชันนารีเยซูอิ ตชาวสเปนในโบลิเวียคณะมิชชันนารีเยซูอิตชาวสเปนในปารากวัยคณะมิชชันนารีชาวสเปนในเม็กซิโกและคณะมิชชันนารีฟรานซิสกันชาวสเปนในแคลิฟอร์เนียด้วย^{[ 97 ]}

ในบราซิลเช่นเดียวกับในเมืองหลวงอย่างโปรตุเกสสถาปัตยกรรมได้รับอิทธิพลจากอิตาลี อยู่บ้าง โดยส่วนใหญ่จะเป็น แบบ บอร์โรมีเนสค์ดังที่เห็นได้ในมหาวิหารร่วมแห่งเรซิเฟ (ค.ศ. 1784) และโบสถ์นอสซา เซโนรา ดา กลอเรีย โด อูเตโรในริโอเดจาเนโร (ค.ศ. 1739) ในภูมิภาคมีนา สเจไรส์ ผลงานของอาเลียดินโญ่โดดเด่นเป็นอย่างมากเขาเป็นผู้สร้างกลุ่มโบสถ์ที่โดดเด่นด้วยผังโค้งมน ด้านหน้าอาคารที่มีลักษณะโค้งเว้าและนูนอย่างมีพลวัต และการตกแต่งองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมอย่างมีศิลปะ ( โบสถ์เซาฟรานซิสโก เด อัสซิส, อูโรเปรโต , ค.ศ. 1765–1788)

• 
  เซาเปาโลในมาเก๊า ประเทศจีน สถาปนิกไม่ทราบชื่อ พ.ศ. 1601 ^{[ 98 ]}
• 
  เซาเปาโลในเมืองดีอู ประเทศอินเดียสถาปนิกไม่ทราบชื่อ พ.ศ. 1601 ^{[ 99 ]}
• 
  ภาพวาด มหาวิหารมะนิลาในปี ค.ศ. 1792 ในเขตอินทรามูรอส กรุงมะนิลา ประเทศฟิลิปปินส์
• 
  มหาวิหารบอมจีซัสในเมืองกัวประเทศอินเดีย สร้างขึ้นระหว่างปี 1594-1605

ในอาณานิคมของโปรตุเกสในอินเดีย ( กัวดามัน และดิว ) สถาปัตยกรรมแบบบาโรกผสมผสานกับองค์ประกอบของศาสนาฮินดูเฟื่องฟู เช่น มหาวิหารเซและมหาวิหารบอมจีซัสแห่งกัว ซึ่งเป็นที่ประดิษฐานสุสานของนักบุญฟรานซิส ซาเวียร์กลุ่มโบสถ์และอารามในกัวได้รับการประกาศให้เป็นมรดกโลกในปี 1986

ในประเทศฟิลิปปินส์ ซึ่งเคยเป็นอาณานิคมของสเปนมานานกว่าสามศตวรรษ มี สิ่งก่อสร้างสไตล์บาโรกจำนวนมากที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ สี่แห่งในจำนวนนี้ รวมถึงเมืองวิกันซึ่งเป็นเมืองสไตล์บาโรกและนีโอคลาสสิก ต่างก็ได้รับการขึ้นทะเบียนเป็นมรดกโลกของยูเนสโก และถึงแม้จะไม่มีการจัดประเภทอย่างเป็นทางการ แต่เมืองกำแพงมะนิลาและเมืองตายาบัสก็มีสถาปัตยกรรมยุคบาโรกของสเปนอยู่เป็นจำนวนมาก

• 
  โบสถ์อารามโกเลียเมืองยาซีประเทศโรมาเนีย สถาปนิกไม่ทราบชื่อ สร้างขึ้นระหว่างปี ค.ศ. 1650–1660
• 
  อารามโฮเรซูโฮเรซู โรมาเนีย พร้อมเสาโซโลมอนสถาปนิกไม่ทราบชื่อ ศตวรรษที่ 17-18 ^{[ 100 ]}
• 
  ประตูและส่วนตกแต่งด้านบนของโบสถ์นักบุญคอนสแตนตินและเฮเลนา อารามโฮเรซู สถาปนิกหรือประติมากรไม่ทราบชื่อ สร้างขึ้นระหว่างปี 1692–1694
• 
  ราวบันไดสไตล์แม็กซิมาลิสต์ของพระราชวังพอตโลจีเมืองพอตโลจี สถาปนิกไม่ทราบชื่อ ปี ค.ศ. 1698
• 
  เสาและราวบันไดที่บิดเกลียวของพระราชวังโมโกโซไออา โมโกโซไออา สถาปนิกไม่ทราบชื่อ ต้นศตวรรษที่ 18 ^{[ 101 ]}
• 
  กรอบรูปบนหินที่ชำรุดในลานของอารามแอนทิม บูคาเรสต์ประติมากรนิรนาม ปลายศตวรรษที่ 17 ถึงต้นศตวรรษที่ 18

อย่างที่เราได้เห็นไปแล้ว ศิลปะบาโรกเป็นรูปแบบศิลปะตะวันตกที่กำเนิดในอิตาลี ผ่านความสัมพันธ์ทางการค้าและวัฒนธรรมของชาวอิตาลีกับประเทศต่างๆ ในคาบสมุทรบอลข่านรวมถึงมอลโดวาและวาลลาเคีย อิทธิพลของศิลปะบาโรกจึงแพร่มาถึงยุโรปตะวันออก อิทธิพลเหล่านี้ไม่ได้เด่นชัดมากนัก เนื่องจากมักปรากฏในงานสถาปัตยกรรมและงานแกะสลักหิน และยังผสมผสานอย่างเข้มข้นกับรายละเอียดจากศิลปะไบแซนไทน์และอิสลาม อีกด้วย

ก่อนและหลังการล่มสลายของจักรวรรดิไบแซนไทน์ศิลปะทั้งหมดของวอลลาเคียและมอลดาเวียได้รับอิทธิพลหลักจากศิลปะของคอนสแตนติโนเปิลจนกระทั่งถึงปลายศตวรรษที่ 16 แผนผังของโบสถ์และอาราม ภาพจิตรกรรมฝาผนัง และเครื่องประดับแกะสลักหินยังคงเหมือนเดิมโดยมีการปรับเปลี่ยนเพียงเล็กน้อย ตั้งแต่ช่วงรัชสมัยของมาเตอี บาซารับ (1632–1654) และวาซิเล ลูปู (1634–1653) ซึ่งตรงกับการแพร่หลายของศิลปะบาโรกแบบอิตาลี ได้มีการเพิ่มเครื่องประดับใหม่ๆ และรูปแบบของเฟอร์นิเจอร์ทางศาสนาก็เปลี่ยนไป นี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญเลย องค์ประกอบและหลักการตกแต่งถูกนำมาจากอิตาลี ผ่านเวนิสหรือผ่าน ภูมิภาค ดัลมาเทียและถูกนำมาใช้โดยสถาปนิกและช่างฝีมือจากทางตะวันออก กรอบหน้าต่างและประตู แผ่นจารึกพร้อมคำอุทิศ หลุมฝังศพ เสาและราวบันได และเฟอร์นิเจอร์สัมฤทธิ์ เงิน หรือไม้บางส่วน ได้รับบทบาทสำคัญมากขึ้นกว่าเดิม ก่อนหน้านี้ก็มีอยู่แล้วเช่นกัน โดยได้รับแรงบันดาลใจจากประเพณีไบแซนไทน์ แต่ในปัจจุบันมีลักษณะสมจริงมากขึ้น แสดงลวดลายดอกไม้ที่ละเอียดอ่อน ส่วนภาพนูน ต่ำ ที่มีอยู่ก่อนแล้วก็มีความโดดเด่นมากขึ้น มีมิติและความสม่ำเสมอ ก่อนหน้านี้ ภาพนูนต่ำจากวอลลาเคียและมอลดาเวีย เช่นเดียวกับภาพนูนต่ำจากทางตะวันออก มีเพียงสองระดับ ห่างกันเล็กน้อย ระดับหนึ่งอยู่บนพื้นผิวและอีกระดับอยู่ลึกลงไป ดอกไม้ขนาดใหญ่ อาจจะเป็นกุหลาบดอกโบตั๋นหรือดอกธิสเซิลใบหนาๆ ของอะแคนทัสหรือพืชชนิดอื่นๆ ที่คล้ายกัน บิดงออยู่บนเสา หรือล้อมรอบประตูและหน้าต่าง ส่วนที่ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปะบาโรกคือเสาและราวบันไดหัวเสาตกแต่งด้วยใบไม้มากกว่าเดิม เสามักมีลำต้นบิดงอ ซึ่งเป็นการตีความใหม่ของเสาโซโลมอน ราวบันไดแบบอลังการวางอยู่ระหว่างเสาเหล่านี้ ตกแต่งด้วยลูกปัดบางส่วนของราวบันไดจากพระราชวังโมโกโซไออาตกแต่งด้วยรูปปลาโลมาด้วย บางครั้งก็มีการใช้ กรอบอักษรย่อ (cartouche)โดยส่วนใหญ่จะใช้บนแผ่นหินหลุมศพ เช่นเดียวกับบนแผ่นหินหลุมศพของคอนสแตนติน บรันโคเวียนู กระแสสถาปัตยกรรม นี้รู้จักกันในชื่อรูปแบบบรันโคเวเนส (Brâncovenesc style ) ตามชื่อของ คอนสแตนติน บรัน โคเวียนูผู้ปกครองแคว้นวาลลาเคีย ซึ่งรัชสมัยของพระองค์ (ค.ศ. 1654–1714) มีความเกี่ยวข้องอย่างมากกับสถาปัตยกรรมและการออกแบบประเภทนี้ รูปแบบนี้ยังคงปรากฏให้เห็นในช่วงศตวรรษที่ 18 และบางส่วนของศตวรรษที่ 19 โบสถ์และที่อยู่อาศัยหลายแห่งที่สร้างโดยขุนนาง และผู้ว่าการ (boyards and voivodes) ใช้รูปแบบนี้หนึ่งในยุคเหล่านั้นคือยุคของศิลปะบรานโคเวเนส แม้ว่าจะเห็นอิทธิพลของศิลปะบาโรกได้อย่างชัดเจน แต่ศิลปะบรานโคเวเนสได้รับแรงบันดาลใจจากประเพณีท้องถิ่นมากกว่า

เมื่อเข้าสู่ศตวรรษที่ 18 ภายใต้ การปกครองของราชวงศ์ ฟานาริโอต์ (สมาชิกของตระกูลกรีก ที่มีชื่อเสียงใน ฟานาร์อิสตันบูล) ในวอลลาเคียและมอลดาเวีย อิทธิพลของศิลปะบาโรกก็มาจากอิสตันบูลเช่นกัน ก่อนหน้านี้ก็เคยเข้ามาในช่วงศตวรรษที่ 17 แต่ภายใต้การปกครองของราชวงศ์ฟานาริโอต์ ลวดลายบาโรกแบบตะวันตกที่เข้ามาในจักรวรรดิออตโตมันได้มาถึงจุดหมายปลายทางสุดท้ายในประเทศโรมาเนียในปัจจุบัน ในมอลดาเวีย องค์ประกอบของศิลปะบาโรกก็มาจากรัสเซียเช่นกัน ซึ่งอิทธิพลของศิลปะอิตาลีนั้นแข็งแกร่ง^{[ 102 ]}

ในทวีปอเมริกาที่ใช้ภาษาสเปน อิทธิพลแรกเริ่มมาจากศิลปะเทเนบริซึมแบบ เซบียา โดยเฉพาะจากซูร์บารันซึ่งผลงานบางส่วนของเขายังคงได้รับการอนุรักษ์ไว้ในเม็กซิโกและเปรู ดังที่เห็นได้จากผลงานของจิตรกรชาวเม็กซิกันอย่างโฮเซ ฮัวเรซและเซบาสเตียน โลเปซ เด อาร์เตอาเกาและจิตรกรชาวโบลิเวียอย่าง เมลชอร์ เปเรซ เด โฮลกวินโรงเรียน จิตรกรรม กุสโกเกิดขึ้นหลังจากการมาถึงของจิตรกรชาวอิตาลีเบอร์นาร์โด บิตติในปี 1583 ซึ่งเขาได้นำศิลปะแบบแมนเนอริซึม มา สู่ทวีปอเมริกา โรงเรียนนี้โดดเด่นด้วยผลงานของหลุยส์ เด ริอาโญศิษย์ของอังเจลิโน เมโดโร จิตรกร ชาวอิตาลี ผู้สร้างสรรค์ภาพจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซานเปโดร อันดาฮั วยลิยา ส นอกจากนี้ ยังเน้นย้ำถึงจิตรกรชาวอินเดีย ( เกชัว ) ดิเอโก กิสเป ติโตและบาซิลิโอ ซานตา ครูซ ปูมาคัลเลาเช่นเดียวกับมาร์กอส ซาปาตาผู้เขียนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ห้าสิบผืนที่ครอบคลุมส่วนโค้งสูงของอาสนวิหารกุสโก ในเอกวาดอร์โรงเรียนกีโตก่อตั้งขึ้น โดยส่วนใหญ่เป็นตัวแทนจากลูกครึ่งมิเกล เด ซานติอาโกและครีโอลโลนิโคลาส ฮาเวียร์ เด โกริบาร์ .

ในศตวรรษที่ 18 แท่นบูชาที่เป็นประติมากรรมเริ่มถูกแทนที่ด้วยภาพวาด โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาดแบบบาโรกที่พัฒนาขึ้นในทวีปอเมริกา ในทำนองเดียวกัน ความต้องการงานศิลปะพลเรือน ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพเหมือนของชนชั้นสูงและลำดับชั้นทางศาสนา ก็เพิ่มขึ้น อิทธิพลหลักมาจากศิลปะแบบมูริลเลสค์และในบางกรณี—เช่นในงานของ คริส โตบัล เด วิลลาลปันโด ศิลปิน ชาวครีโอล—ก็ได้รับอิทธิพลจาก ฮวน เด วัลเดส เลอัลภาพวาดในยุคนี้มีโทนที่อ่อนโยนและนุ่มนวลกว่า ศิลปินผู้บุกเบิกในยุคนี้ ได้แก่ เกรโกริโอ วาสเกซ เด อาร์เซ อี เซบาโยสในโคลอมเบีย และฮวน โรดริเกซ ฮัวเรซและมิเกล คาเบรราในเม็กซิโก

• Giovanni Gabrieli ( ประมาณ ค.ศ. 1554 /1557–1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (จากSymphoniae sacraeเล่ม 2, 1615)
• Cristóbal de Medrano (ค.ศ. 1561 – 1597), voce mea cum sex vocibus (1594)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (ประมาณ ค.ศ. 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 ปี (1610)
• เคลาดิโอ มอนเตเวร์ดี (ค.ศ. 1567–1643), ลอร์เฟโอ, favola ใน musica (1610)
• ไฮน์ริช ชุตซ์ (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• ฟรานเชสโก คาวาลลี (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)

  

• โยฮันน์ จาคอบ โฟรเบอร์เกอร์ (ค.ศ. 1616–1667) บทเพลงครบชุดสำหรับฮาร์ปซิชอร์ดและออร์แกน โดยซิโมน สเตลลา
• ฌ็อง-บัปติสต์ ลุลลี่ (1632–1687), อาร์มีด์ (1686)
• มาร์ก-อองตวน ชาร์ป็องตีเย (1643–1704), เตเดียม (1688–1698)
• ไฮน์ริช อิกนาซ ฟรานซ์ บีเบอร์ (1644–1704), โซนาตาสลึกลับ (1681)
• จอห์น โบลว์ (ค.ศ. 1649–1708), วีนัสและอดอนิส (ค.ศ. 1680–1687)
• โยฮันน์ พาเชลเบล (1653–1706), Canon in D (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 คอนแชร์ติโกรสซี, Op. 6 (1714)
• มาแรง มาเรส์ (ค.ศ. 1656–1728), ซอนเนอรี เดอ แซงต์-เฌอเนวีแยฟ ดู มงต์-เดอ-ปารีส (ค.ศ. 1723)
• เฮนรี เพอร์เซลล์ (ค.ศ. 1659–1695), ไดโดและเอนีอัส (ค.ศ. 1688)
• อเลสซานโดร สการ์ลัตติ (1660–1725), โลเนสตา เนกลิ อาโมรี (1680), อิล ปอมเปโอ (1683), มิทริดาเต ยูปาตอเร (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• โทมาโซ อัลบิโนนี (1671–1751), Didone abbandonata (1724)
• อันโตนิโอ วิวัลดี (1678–1741), สี่ฤดู (1725)
• ยาน ดิสมาส เซเลนกา (1679–1745), อิล เซอร์เพนเต ดิ บรอนโซ (1730), มิสซา ซันติสซิมาเอ ทรินิตาติส (1736)
• เกออร์ก ฟิลิปป์ เทเลมันน์ (1681–1767), แดร์ แท็ก เดส์ เกริชต์ส (1762)
• โยฮันน์ เดวิด ไฮนีเคิน (1683–1729)
• ฌอง-ฟิลิปป์ ราโม (1683–1764), ดาร์ดานุส (1739)
• จอร์จ ฟรีเดอริก แฮนเดล (1685–1759), ดนตรีแห่งสายน้ำ (1717), เมสไซอาห์ (1741), ดนตรีสำหรับดอกไม้ไฟหลวง (1749)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), โซนาตาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata และ Fugue ใน D minor (1703–1707), Brandenburg Concertos (1721), St Matthew Passion (1727)
• นิโคลา พอร์โปรา (1686–1768), เซมิราไมด์ ริโคโนสซิอูตา (1729)
• จิโอวานนี บัตติสตา แปร์โกเลซี (1710–1736), สตาบัต มาแตร์ (1736)

จากการพัฒนาที่เกิดขึ้นในสเปนในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 คณะนักแสดงตลกซึ่งส่วนใหญ่เป็นนักแสดงเร่ร่อนได้เริ่มมีความเป็นมืออาชีพมากขึ้น เมื่อมีความเป็นมืออาชีพมากขึ้นก็มาพร้อมกับการควบคุมและการเซ็นเซอร์ เช่นเดียวกับในยุโรป โรงละครจึงผันผวนระหว่างการยอมรับและการคุ้มครองจากรัฐบาล กับการถูกปฏิเสธ (โดยมีข้อยกเว้น) หรือการถูกข่มเหงโดยศาสนจักร โรงละครมีประโยชน์ต่อทางการในฐานะเครื่องมือในการเผยแพร่พฤติกรรมและแบบอย่างที่พึงปรารถนา ความเคารพต่อระเบียบสังคมและสถาบันกษัตริย์ และการเผยแพร่หลักคำสอนทางศาสนา^{[ 152 ]}

คอกสัตว์ได้รับการบริหารจัดการเพื่อประโยชน์ของโรงพยาบาลที่ได้รับประโยชน์จากการแสดง คณะละครเร่ (หรือ "ของสมาคม ") ซึ่งนำละครไปแสดงบนเวทีกลางแจ้งชั่วคราวในภูมิภาคที่ไม่มีสถานที่ประจำ ต้องได้รับใบอนุญาตจากอุปราชเพื่อประกอบกิจการ ซึ่งราคาหรือค่าธรรมเนียมของใบอนุญาต นั้น มีไว้สำหรับบริจาคทานและงานกุศล^{[ 152 ]}สำหรับคณะละครที่ทำงานอย่างมั่นคงในเมืองหลวงและเมืองใหญ่ แหล่งรายได้หลักอย่างหนึ่งของพวกเขาคือการเข้าร่วมในงานเฉลิมฉลองวันคอร์ปัสคริสตีซึ่งไม่เพียงแต่ให้ผลประโยชน์ทางเศรษฐกิจแก่พวกเขาเท่านั้น แต่ยังให้การยอมรับและเกียรติทางสังคมอีกด้วย การแสดงในพระราชวังอุปราชและคฤหาสน์ของชนชั้นสูง ซึ่งพวกเขาแสดงทั้งละครตลกในละครประจำของพวกเขาและการผลิตพิเศษที่มีเอฟเฟกต์แสง ฉาก และเวทีที่ยิ่งใหญ่ ก็เป็นแหล่งงานที่มีค่าตอบแทนดีและมีเกียรติเช่นกัน^{[ 152 ]}

Juan Ruiz de Alarcónเกิดในอาณาจักรอุปราชแห่งนิวสเปน^{[ 153 ]}แต่ต่อมาได้ตั้งรกรากในสเปน เขาเป็นบุคคลสำคัญที่สุดในโรงละครบาโรกของนิวสเปน แม้ว่าเขาจะปรับตัวเข้ากับละครตลกเรื่องใหม่ของ Lope de Vega แต่ "ความเป็นฆราวาสที่เด่นชัด" ความรอบคอบและการยับยั้งชั่งใจ และความสามารถอันเฉียบแหลมในการ "เจาะลึกทางจิตวิทยา" ถือเป็นลักษณะเด่นของ Alarcón เมื่อเทียบกับคนร่วมสมัยชาวสเปน ผลงานที่โดดเด่นของเขา ได้แก่La verdad sospechosaซึ่งเป็นละครตลกตัวละครที่สะท้อนให้เห็นถึงจุดประสงค์ในการสั่งสอนศีลธรรมอย่างต่อเนื่องของเขา^{[ 152 ]}การผลิตละครของ Sor Juana Inés de la Cruzทำให้เธอกลายเป็นบุคคลสำคัญอันดับสองของโรงละครบาโรกสเปน-อเมริกา ผลงานที่ควรกล่าวถึงของเธอ ได้แก่El divino Narciso ซึ่งเป็น ละครเกี่ยวกับพิธีกรรมทางศาสนาและLos empeños de una casaซึ่ง เป็นละครตลก

• 
  Meudon Observatory, Château de Meudon, Meudon, France, an example of an early Rococo building from the last years of Louis XIV, unknown architect, 1706–1709^[162]
• 
  Chest of drawers; by Charles Cressent; c.1730; various wood types; gilt-bronze mounts and a Brèche d'Aleps marble top; height: 91.1 cm; Waddesdon Manor, Waddesdon, UK
• 
  Amalienburg, Nymphenburg Palace Park, Munich, Germany, by François de Cuvilliés, 1734–1739^[163]
• 
  Salon Oval de la Princesse of the Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, Charles-Joseph Natoire and Jean-Baptiste Lemoyne, 1737–1739
• 
  The Triumph of Venus; by François Boucher; 1740; oil on canvas; 130 × 162 cm; Nationalmuseum, Stockholm, Sweden
• 
  Vieux-Laque Room, Schönbrunn Palace, Vienna, Austria, decorated with Chinese black lacquerware panels, by Nikolaus Pacassi, 1743–1763^[164]
• 
  Gate with two statues and elaborate wrought-iron grilles, Würzburg, Germany, grilles by Johann Georg Oegg, 1752
• 
  Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, an example of Chinoiserie, by Johann Gottfried Büring, 1755–1764^[165]
• 
  Coffeepot, decorated with foliage; 1757; silver; height: 29.5 cm; Metropolitan Museum of Art, New York
• 
  The Music Lesson; by the Chelsea porcelain factory; c.1765; soft-paste porcelain; 39.1 × 31.1 × 22.2 cm; Metropolitan Museum of Art
• 
  Pagod, based on Asian figures of Budai, an example of Chinoiserie; by Johann Joachim Kändler; c.1765; hard paste porcelain; Metropolitan Museum of Art^[166]
• 
  Cartouche from the Second Livre de Cartouches, an example of asymmetry; c.1710–1772; engraving on paper; 23 x 19.8 cm; Rijksmuseum, Amsterdam, the Netherlands

The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.

There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.^[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.

One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th-century aristocrats had for East Asia. Orientalist trends in Western aesthetics were present before the Baroque period, but they tended to draw inspiration from Islamic rather than East Asian sources. This continued during the Baroque period, as exemplified by the Turkish-inspired style known as Turquerie. Orientalist fascination with the Islamic world (including Turquerie) would continue into and beyond the Rococo period; however, by that time, Chinese and other East Asian cultures would also come to influence Western aesthetics. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th-century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."^[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.^[168]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.^[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.

• 
  Cabinet; c.1850–1870; Boulle marquetry; unknown dimensions; Musée départemental de l'Oise, Beauvais, France
• 
  Large console with central projection; by Benjamin Deguil and Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; gilt wood and marble; 100 x 283 x 77 cm; Napoleon III Apartments, Louvre Palace, Paris^[170]
• 
  The Grand Salon of the apartments of the minister of state, currently known as the Napoleon III Apartments, designed by Hector Lefuel and decorated with paintings by Charles Raphaël Maréchal, 1859–1860^[171]
• 
  Jewelry toilet of Empress Eugénie; by Jules Fossey; c.1860; unknown materials; unknown dimensions; Château de Compiègne, Compiègne, France
• 
  Candelabrum with eleven lights; by Ferdinand Barbedienne; 1861; gilt bronze; height: 83.7 cm, length: 49.4 cm; Napoleon III Apartments^[172]
• 
  Exterior of the Palais Garnier, Paris, an example of Beaux Arts architecture, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
• 
  Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
• 
  Table; 2nd half of the 19th century; Boulle marquetry; unknown dimensions; in a temporary exhibition called "Dress Code Parfum de Secol XIX" at the Suțu Palace, Bucharest, Romania
• 
  Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900^[174]
• 
  Rue Guynemer no. 2, Paris, with a facade made up from a mix of detailed stone elements and big simple brick surfaces like what is in Place des Vosges from Paris, by Louis Périn, 1914
• 
  Door of Rue Guynemer no. 2, Paris, with palmettes, shells, volutes, garlands, proportions and other elements seen on wrought iron, furniture, textiles and ceramics from the reign of Louis XIV

Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.^[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.^[176]

This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.^[177]

Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.

The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.^[178]

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volutes on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like that of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.^[179]

Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.

• 
  Basilica of Our Lady of Peace, Yamoussoukro, Ivory Coast, by Pierre Fakhoury, 1985–1990
• 
  St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615^[27]
• 
  Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989^[180]
• 
  Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c.1660–1715^[181]
• 
  Concave facade of the Teatro Politeama, Catanzaro, Italy, by Paolo Portoghesi, 2002
• 
  Rounded facade of the Oratorio dei Filippini, Rome, by Francesco Borromini, 1637–1650
• 
  Bourgie lamp, by Ferruccio Laviani for Kartell, 2004, polycarbonate, sold at Kartell Milano (Via Carlo Porta no. 1), Milan, Italy
• 
  Church candlestick, 1681, silver, Museum of the Kotor Cathedral, Kotor, Montenegro
• 
  Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010^[182]
• 
  Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625^[183]
• 
  Box, part of the Le Jardin de Versace collection, with complex rinceaux that are reminiscent of the Baroque ones from the 17th and very early 18th centuries, but also similar to the ones from the reign of Napoleon; designed by Versace and produced by Rosenthal; unknown date; porcelain; unknown dimensions or location
• 
  Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650^[184]

Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.

More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthusrinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.