ตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 เป็นต้นมา "ละครเพลง" ได้รับการนิยามว่าเป็นละครเพลงที่มีเพลงและการเต้นรำผสานเข้ากับเรื่องราวที่แต่งขึ้นอย่างดี โดยมีเป้าหมายทางละครที่จริงจัง และสามารถปลุกเร้าอารมณ์ที่แท้จริงนอกเหนือจากเสียงหัวเราะ ได้ ^{[ 2 ] [ 3 ]}องค์ประกอบหลักสามประการของละครเพลง ได้แก่ดนตรีเนื้อร้องและบทละครบทละครหรือบทภาพยนตร์ของละครเพลงหมายถึงเรื่องราว การพัฒนาตัวละคร และโครงสร้างทางละคร รวมถึงบทสนทนาและคำแนะนำบนเวที แต่ในที่นี้ยังอาจหมายถึงบทสนทนาและเนื้อร้องรวมกัน ซึ่งบางครั้งเรียกว่าlibretto (ภาษาอิตาลีแปลว่า "หนังสือเล่มเล็ก") ดนตรีและเนื้อร้องรวมกันเป็นโน้ตเพลงของละครเพลง ซึ่งรวมถึงเพลงดนตรีประกอบและฉากดนตรี ซึ่งเป็น "ลำดับละครที่กำหนดให้กับดนตรี มักจะผสมผสานเพลงกับบทสนทนา" ^{[ 4 ]} การตีความละครเพลงเป็นความรับผิดชอบของทีมสร้างสรรค์ ซึ่งประกอบด้วยผู้กำกับ ผู้กำกับดนตรี โดยปกติจะ มี นักออกแบบท่าเต้น และบางครั้งก็ มีผู้เรียบเรียงดนตรีด้วย การสร้างสรรค์ละครเพลงยังโดดเด่นด้วยแง่มุมทางเทคนิค ต่างๆเช่นการออกแบบฉากเครื่องแต่งกายอุปกรณ์ประกอบฉาก แสงและเสียงทีมงานสร้างสรรค์ การออกแบบ และการตีความมักจะเปลี่ยนแปลงไปจากการผลิตครั้งแรกไปสู่การผลิตครั้งต่อๆ ไป อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบบางอย่างอาจยังคงไว้จากการผลิตครั้งแรก เช่นท่าเต้นของBob Fosse ใน เรื่องChicago

ไม่มีความยาวตายตัวสำหรับละครเพลง โดยอาจมีตั้งแต่การแสดงสั้นๆ เพียงหนึ่งองก์ ไปจนถึงหลายองก์และยาวหลายชั่วโมง (หรืออาจแสดงหลายคืนติดต่อกัน) แต่โดยทั่วไปแล้วละครเพลงจะมีความยาวประมาณหนึ่งชั่วโมงครึ่งถึงสามชั่วโมง โดยปกติแล้วละครเพลงจะนำเสนอสององก์ มีช่วงพัก สั้นๆ หนึ่งครั้ง และองก์แรกมักจะยาวกว่าองก์ที่สอง องก์แรกมักจะแนะนำตัวละครเกือบทั้งหมดและเพลงส่วนใหญ่ และมักจะจบลงด้วยการแนะนำความขัดแย้งทางละครหรือความซับซ้อนของเรื่องราว ในขณะที่องก์ที่สองอาจแนะนำเพลงใหม่ๆ บ้าง แต่โดยปกติแล้วจะมีการนำเพลงสำคัญๆ กลับมาใช้ซ้ำและคลี่คลายความขัดแย้งหรือความซับซ้อนนั้น ละครเพลงที่มีบทประพันธ์มักจะสร้างขึ้นจากทำนองหลักสี่ถึงหกทำนองที่นำกลับมาใช้ซ้ำในภายหลังของการแสดง แม้ว่าบางครั้งอาจประกอบด้วยเพลงหลายเพลงที่ไม่เกี่ยวข้องกันทางดนตรีโดยตรงก็ตาม โดยทั่วไปแล้ว บทสนทนาจะแทรกอยู่ระหว่างเพลง แต่บางครั้งอาจมีการใช้ "บทสนทนาที่ร้อง" หรือบทพูด โดยเฉพาะในละครเพลง ที่ร้องต่อเนื่องทั้งเรื่องเช่นJesus Christ Superstar , Falsettos , Les Misérables , EvitaและHamiltonนอกจากนี้ ละครเพลงขนาดสั้นหลายเรื่องบนบรอดเวย์และเวสต์เอนด์ในศตวรรษที่ 21 ก็ถูกนำเสนอในรูปแบบองก์เดียวเช่นกัน

ช่วงเวลาที่มีความเข้มข้นทางอารมณ์มากที่สุดในละครเพลงมักจะแสดงออกมาในรูปแบบของเพลง ตามสุภาษิตที่ว่า "เมื่ออารมณ์รุนแรงเกินกว่าจะพูดได้ คุณก็ร้องเพลง เมื่อมันรุนแรงเกินกว่าจะร้องเพลงได้ คุณก็เต้นรำ" ^{[ 5 ]}ในละครเพลง เพลงควรได้รับการประพันธ์ขึ้นเพื่อให้เข้ากับตัวละคร (หรือตัวละครต่างๆ) และสถานการณ์ของพวกเขาในเรื่อง แม้ว่าจะมีบางช่วงเวลาในประวัติศาสตร์ของละครเพลง (เช่น ตั้งแต่ปี 1890 ถึงปี 1920) ที่การผสมผสานระหว่างดนตรีและเรื่องราวนั้นค่อนข้างอ่อนแอ ดังที่เบน แบรนท์ลีย์นักวิจารณ์จากThe New York Timesได้อธิบายถึงอุดมคติของเพลงในโรงละครเมื่อวิจารณ์การแสดงGypsy ฉบับปี 2008 ว่า "ไม่มีการแยกออกจากกันเลยระหว่างเพลงและตัวละคร ซึ่งเป็นสิ่งที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ไม่ธรรมดาเหล่านั้นเมื่อละครเพลงพยายามอย่างเต็มที่เพื่อให้บรรลุอุดมคติของมัน" ^{[ 6 ]}โดยทั่วไปแล้ว จำนวนคำที่ร้องในเพลงห้านาทีจะน้อยกว่าจำนวนคำที่พูดในบทสนทนาห้านาทีมาก ดังนั้น ในละครเพลงจึงมีเวลาในการพัฒนาเรื่องราวได้น้อยกว่าในละครทั่วไปที่มีความยาวเท่ากัน เนื่องจากละครเพลงมักให้เวลากับดนตรีมากกว่าบทสนทนา ภายใต้ข้อจำกัดของละครเพลง ผู้เขียนบทต้องพัฒนาตัวละครและโครงเรื่องให้ทันท่วงที

The material presented in a musical may be original, or it may be adapted from novels (Wicked and Man of La Mancha), plays (Hello, Dolly! and Carousel), classic legends (Camelot), historical events (Evita and Hamilton) or films (The Producers and Billy Elliot). On the other hand, many successful musical theatre works have been adapted for musical films, such as West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver! and Chicago.

Musical theatre is closely related to the theatrical form of opera, but the two are usually distinguished by weighing a number of factors. First, musicals generally have a greater focus on spoken dialogue.^[7] Some musicals, however, are entirely accompanied and sung-through, while some operas, such as Die Zauberflöte, and most operettas, have some unaccompanied dialogue.^[7] Second, musicals usually include more dancing as an essential part of the storytelling, particularly by the principal performers as well as the chorus. Third, musicals often use various genres of popular music or at least popular singing and musical styles.^[8]

Finally, musicals usually avoid certain operatic conventions. In particular, a musical is almost always performed in the language of its audience. Musicals produced on Broadway or in the West End, for instance, are invariably sung in English, even if they were originally written in another language. While an opera singer is primarily a singer and only secondarily an actor (and rarely needs to dance), a musical theatre performer is often an actor first but must also be a singer and dancer. Someone who is equally accomplished at all three is referred to as a "triple threat". Composers of music for musicals often consider the vocal demands of roles with musical theatre performers in mind. Today, large theatres that stage musicals generally use microphones and amplification of the actors' singing voices in a way that would generally be disapproved of in an operatic context.^[9]

ผลงานบางชิ้น รวมถึงผลงานของGeorge Gershwin , Leonard BernsteinและStephen Sondheimได้ถูกนำมาสร้างเป็นทั้งละครเพลงและโอเปร่า^{[ 10 ] [ 11 ]}ในทำนองเดียวกัน โอเปร่าหรือโอเปร่าเบาๆ บางเรื่องในอดีต (เช่นThe Pirates of PenzanceโดยGilbert and Sullivan ) ได้ถูกนำมาดัดแปลงในรูปแบบสมัยใหม่ที่ถือว่าเป็นละครเพลง สำหรับผลงานบางชิ้น รูปแบบการผลิตมีความสำคัญเกือบเท่ากับเนื้อหาทางดนตรีหรือละครของผลงานนั้นในการกำหนดว่าผลงานนั้นจัดอยู่ในรูปแบบศิลปะใด^{[ 12 ]} Sondheim กล่าวว่า "ผมคิดว่าเมื่อผลงานชิ้นหนึ่งแสดงบนบรอดเวย์ มันคือละครเพลง และเมื่อมันแสดงในโรงโอเปร่า มันคือโอเปร่า แค่นั้นเอง ภูมิประเทศ สภาพแวดล้อม ความคาดหวังของผู้ชมต่างหากที่ทำให้มันเป็นอย่างใดอย่างหนึ่ง" ^{[ 13 ]}ยังคงมีการทับซ้อนกันในรูปแบบระหว่างโอเปร่าแบบเบาๆ กับละครเพลงที่มีความซับซ้อนทางดนตรีหรือมีความทะเยอทะยานมากกว่า ในทางปฏิบัติ มักเป็นเรื่องยากที่จะแยกแยะความแตกต่างระหว่างละครเพลงประเภทต่างๆ รวมถึง "ละครเพลง" "ละครตลกเพลง" "โอเปเรตตา" และ "โอเปร่าเบา" ^{[ 14 ]}

เช่นเดียวกับโอเปร่า การร้องเพลงในละครเพลงโดยทั่วไปจะบรรเลงประกอบโดยวงดนตรีที่เรียกว่าวงออร์เคสตรา ในหลุม ซึ่งตั้งอยู่ในพื้นที่ต่ำกว่าด้านหน้าเวที ในขณะที่โอเปร่ามักใช้วงซิมโฟนีออร์เคส ตราแบบดั้งเดิม ละครเพลงโดยทั่วไปจะเรียบเรียงดนตรีสำหรับวงดนตรีที่มีผู้เล่นตั้งแต่ 27 คนลงไป จนถึงเพียงไม่กี่คนละครเพลงร็อกมักใช้กลุ่มเครื่องดนตรีร็อกเป็นส่วนใหญ่^{[ 15 ]}และละครเพลงบางเรื่องอาจใช้เพียงเปียโนหรือเครื่องดนตรีสองชิ้น^{[ 16 ]}ดนตรีในละครเพลงใช้ "รูปแบบและอิทธิพลที่หลากหลาย รวมถึงโอเปเรตตาเทคนิคคลาสสิกดนตรีพื้นบ้านแจ๊ส [ และ] รูปแบบท้องถิ่นหรือทางประวัติศาสตร์ [ที่] เหมาะสมกับฉาก" ^{[ 4 ]}ละครเพลงอาจเริ่มต้นด้วยเพลงโหมโรงที่บรรเลงโดยวงออร์เคสตราซึ่ง "ร้อยเรียงส่วนต่างๆ ของทำนองเพลงที่มีชื่อเสียงของบทเพลงเข้าด้วยกัน" ^{[ 17 ]}

มี ประเพณีการแสดงละคร ตะวันออก ต่างๆ ที่มีดนตรีประกอบ เช่นงิ้วจีนงิ้วไต้หวัน ละครโนห์ของญี่ปุ่นและละครเพลงของอินเดียรวมถึงละครสันสกฤตการเต้นรำคลาสสิกของอินเดียละครปาร์ซีและยักษากานา [ ^{18 ] อินเดีย}ได้ผลิตภาพยนตร์เพลงจำนวนมากตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรียกว่า " บอลลีวูด " และในญี่ปุ่นก็มีละครเพลง 2.5 มิติหลาย เรื่อง ที่สร้างจากอนิเมะและมังงะ ยอดนิยม ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา

มีเวอร์ชัน "จูเนียร์" ที่สั้นกว่าหรือเรียบง่ายกว่าของละครเพลงหลายเรื่องสำหรับโรงเรียนและกลุ่มเยาวชน และผลงานสั้น ๆ ที่สร้างหรือดัดแปลงเพื่อการแสดงโดยเด็ก ๆ บางครั้งเรียกว่ามินิมิวสิคัล^{[ 19 ] [ 20 ]}

ต้นกำเนิดของละครเพลงในยุโรปสามารถสืบย้อนไปถึงโรงละครของกรีกโบราณซึ่งมีการนำดนตรีและการเต้นรำมาใช้ในการแสดงละครตลกและโศกนาฏกรรมในช่วงศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช^{[ 21 ] [ 22 ]}อย่างไรก็ตาม ดนตรีจากรูปแบบโบราณได้สูญหายไป และมีอิทธิพลเพียงเล็กน้อยต่อการพัฒนาละครเพลงในภายหลัง^{[ 23 ]}ในศตวรรษที่ 12 และ 13 ละครทางศาสนาสอนเกี่ยวกับพิธีกรรมกลุ่มนักแสดงจะใช้รถแห่ กลางแจ้ง (เวทีบนล้อ) เพื่อเล่าเรื่องราวแต่ละส่วน บางครั้งรูปแบบบทกวีก็สลับกับบทสนทนาที่เป็นร้อยแก้ว และบทสวดในพิธีกรรมก็ถูกแทนที่ด้วยทำนองใหม่^{[ 24 ]}

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของยุโรปได้เห็นรูปแบบเก่าๆ พัฒนาไปสู่ต้นกำเนิดของละครเพลงสองรูปแบบ ได้แก่commedia dell'arteซึ่งตัวตลกที่ส่งเสียงดังโวยวายจะด้นสดเล่าเรื่องราวที่คุ้นเคย และต่อมาคือopera buffaในอังกฤษ ละครสมัยเอลิซาเบธและจาโคเบียนมักมีดนตรีประกอบ^{[ 25 ]}และละครเพลงสั้นๆ เริ่มถูกนำมาใส่ไว้ในความบันเทิงในตอนเย็น^{[ 26 ]}การแสดงมาสค์ในราชสำนักพัฒนาขึ้นในช่วงสมัยทิวดอร์ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรี การเต้นรำ การร้องเพลง และการแสดง มักจะมีเครื่องแต่งกายราคาแพงและการออกแบบเวทีที่ซับซ้อน[ 27 ^{] [ 28 ]สิ่งเหล่า}นี้พัฒนาไปเป็นละครเพลงที่สามารถจดจำได้ว่าเป็นโอเปร่าอังกฤษ โดยโอเปร่าเรื่องแรกมักถูกนึกถึงว่าคือThe Siege of Rhodes (1656) ^{[ 29 ]}ในขณะเดียวกัน ในฝรั่งเศสโมลิแยร์ได้เปลี่ยนละครตลกเสียดสีหลายเรื่องของเขาให้เป็นความบันเทิงทางดนตรีที่มีเพลง (ดนตรีโดยJean-Baptiste Lully ) และการเต้นรำในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 สิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อ โอเปร่าอังกฤษในช่วงสั้นๆ^{[ 30 ]}โดยนักประพันธ์เพลงเช่นJohn Blow ^{[ 31 ]}และHenry Purcell ^{[ 29 ]}

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 รูปแบบละครเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในบริเตนคือโอเปร่าเพลงบัลลาดเช่นThe Beggar's OperaของJohn Gayซึ่งมีเนื้อร้องที่แต่งขึ้นตามทำนองเพลงยอดนิยมในยุคนั้น (มักเป็นการล้อเลียนโอเปร่า) และต่อมาคือละครใบ้ซึ่งพัฒนามาจากคอมเมเดีย เดลลาร์เต และโอเปร่าตลกที่มีเนื้อเรื่องโรแมนติกเป็นส่วนใหญ่ เช่นThe Bohemian GirlของMichael Balfe (1845) ในขณะเดียวกัน ในทวีปยุโรปซิ งสปี ล คอมเมดีออง วอเดวิลล์ โอเปร่าตลก ซาร์ซูเอลาและรูปแบบความบันเทิงดนตรีเบาอื่นๆ ก็กำลังเกิดขึ้นThe Beggar's Operaเป็นละครที่บันทึกไว้ว่ามีการแสดงต่อเนื่องยาวนานเป็นครั้งแรก โดยมีการแสดงติดต่อกัน 62 รอบในปี 1728 ต้องใช้เวลาเกือบหนึ่งศตวรรษกว่าจะมีละครเรื่องใดแสดงเกิน 100 รอบ^{[ 32 ]}แต่สถิติก็ถึง 150 รอบในปลายทศวรรษ 1820 ^{[ 33 ] [ 34 ]}รูปแบบละครเพลงอื่นๆ พัฒนาขึ้นในอังกฤษในช่วงศตวรรษที่ 19 เช่นมิวสิคฮอลล์เมโลดราม่าและเบอร์เลตตาซึ่งได้รับความนิยมส่วนหนึ่งเพราะโรงละครส่วนใหญ่ในลอนดอนได้รับอนุญาตให้เป็นมิวสิคฮอลล์เท่านั้น และไม่ได้รับอนุญาตให้แสดงละครที่ไม่มีดนตรี

อเมริกาในยุคอาณานิคมไม่มีโรงละครที่สำคัญจนกระทั่งปี 1752 เมื่อวิลเลียม ฮัลลัม นักธุรกิจชาวลอนดอนส่งคณะนักแสดงไปยังอาณานิคมโดยมีลูอิส น้องชายของเขา เป็น ผู้จัดการ ^{[ 35 ]}ในนิวยอร์กในช่วงฤดูร้อนปี 1753 พวกเขาแสดงบัลลาดโอเปร่า เช่นThe Beggar's Operaและบัลลาดตลก^{[ 35 ]}ในช่วงทศวรรษ 1840 พี.ที. บาร์นัมได้ดำเนินกิจการศูนย์รวมความบันเทิงในแมนฮัตตันตอนล่าง^{[ 36 ]}ละครเพลงยุคแรก ๆ ในอเมริกาประกอบด้วยรูปแบบของอังกฤษ เช่น บูร์เลตตาและแพนโทไมม์^{[ 23 ]}แต่ชื่อของชิ้นงานไม่ได้กำหนดว่ามันคืออะไรเสมอไปการแสดงสุดอลังการ บนบรอดเวย์ในปี 1852 เรื่อง The Magic Deerโฆษณาตัวเองว่าเป็น "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment" ^{[ 37 ]}โรงละครในนิวยอร์กค่อยๆ ย้ายจากย่านดาวน์ทาวน์ไปยังมิดทาวน์ตั้งแต่ราวปี 1850 และไม่ได้มาถึงย่านไทม์สแควร์จนกระทั่งช่วงปี 1920 และ 1930 การแสดงในนิวยอร์กนั้นช้ากว่าการแสดงในลอนดอนมาก แต่ ละครเพลงแนวเบอร์เลตตาเรื่อง Seven Sisters (1860) ของLaura Keeneได้ทำลายสถิติการแสดงละครเพลงในนิวยอร์กก่อนหน้านี้ ด้วยการแสดงถึง 253 รอบ^{[ 38 ]}

ประมาณปี ค.ศ. 1850 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสHervéได้ทดลองกับละครเพลงตลกรูปแบบหนึ่งที่เขาเรียกว่าopérette [ ^{39 ] นัก}แต่งเพลงoperetta ที่มีชื่อเสียงที่สุด คือJacques Offenbachตั้งแต่ช่วงปี ค.ศ. 1850 ถึง 1870 และJohann Strauss IIในช่วงปี ค.ศ. 1870 และ 1880 ^{[ 23 ]}ท่วงทำนองอันไพเราะของ Offenbach ผสมผสานกับเสียดสีที่เฉียบแหลมของนักเขียนบทละครของเขา ก่อให้เกิดต้นแบบสำหรับละครเพลงที่ตามมา^{[ 39 ]}การดัดแปลง operetta ของฝรั่งเศส (ส่วนใหญ่เล่นในการแปลที่ไม่ดีและลามก) ละครเพลงล้อเลียนโรงละครเพลง ละครใบ้ และ burletta ครองเวทีละครเพลงในลอนดอนจนถึงช่วงปี ค.ศ. 1870 ^{[ 40 ]}

ในอเมริกา ช่วงกลางศตวรรษที่ 19 การแสดงละครเพลงประกอบด้วยการแสดงวาไรตี้แบบ หยาบๆ ซึ่งต่อมาพัฒนาเป็นวอเดวิลล์การแสดงมินสเตรลซึ่งในไม่ช้าก็ข้ามมหาสมุทรแอตแลนติกไปยังสหราชอาณาจักร และการแสดงเบอร์เลสค์แบบวิคตอเรียน ซึ่งได้รับความนิยมในสหรัฐอเมริกาเป็นครั้งแรกโดยคณะละครชาวอังกฤษ^{[ 23 ]}เคิร์ต แกนซ์ลถือว่าThe Doctor of Alcantara (1862) ซึ่งมีดนตรีประพันธ์โดยจูเลียส ไอช์เบิร์กและบทและเนื้อร้องโดยเบนจามิน อี วูล์ฟ เป็น "ละครเพลงอเมริกันเรื่องแรก" ^{[ 41 ]}แม้ว่าเขาจะชี้ให้เห็นถึงผลงานที่เก่ากว่านั้นด้วยก็ตาม^{[ 42 ]}การแสดงละครเพลงที่ประสบความสำเร็จอย่างมากซึ่งเปิดตัวครั้งแรกในนิวยอร์กในปี 1866 เรื่องThe Black Crookผสมผสานการเต้นรำและดนตรีต้นฉบับบางส่วนที่ช่วยเล่าเรื่อง การผลิตที่น่าตื่นตาตื่นใจซึ่งมีชื่อเสียงในเรื่องเครื่องแต่งกายที่น้อยชิ้น ได้แสดงติดต่อกันถึง 474 รอบ ซึ่งเป็นสถิติสูงสุด^{[ 43 ]}ในปีเดียวกันนั้นThe Black Domino/Between You, Me and the Postเป็นการแสดงครั้งแรกที่เรียกตัวเองว่า "ละครเพลงตลก" ในปี ค.ศ. 1874 ละครเพลงเรื่อง Evangeline or The Belle of ArcadiaโดยEdward E. RiceและJ. Cheever Goodwinซึ่งดัดแปลงมาจากEvangelineของ Longfellow โดยมีเนื้อเรื่องและดนตรีแบบอเมริกันดั้งเดิม เปิดแสดงได้อย่างประสบความสำเร็จในนิวยอร์ก และได้รับการแสดงซ้ำในบอสตัน นิวยอร์ก และมีการทัวร์แสดงหลายครั้ง^{[ 44 ]}นักแสดงตลกEdward HarriganและTony Hartได้ผลิตและแสดงนำในละครเพลงบนบรอดเวย์ระหว่างปี ค.ศ. 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) และ ค.ศ. 1885 ละครเพลงตลกเหล่านี้มีตัวละครและสถานการณ์ที่มาจากชีวิตประจำวันของชนชั้นล่างในนิวยอร์ก โดยมีนักร้องคุณภาพสูง ( Lillian Russell , Vivienne SegalและFay Templeton ) เป็นนักแสดงนำ แทนที่จะเป็นสุภาพสตรีที่มีชื่อเสียงไม่ดีที่เคยแสดงในละครเพลงรูปแบบก่อนหน้านี้ ในปี ค.ศ. 1879 ละครเรื่อง The BrookโดยNate Salsburyประสบความสำเร็จในระดับประเทศอีกครั้ง ด้วยรูปแบบการเต้นรำแบบอเมริกันร่วมสมัยและเรื่องราวแบบอเมริกันเกี่ยวกับ "สมาชิกของคณะละครเดินทางล่องแม่น้ำ ... โดยมีอุปสรรคและอุบัติเหตุมากมายระหว่างทาง" ^{[ 44 ]}

เมื่อการคมนาคมดีขึ้น ความยากจนในลอนดอนและนิวยอร์กลดลง และแสงไฟตามท้องถนนทำให้การเดินทางในเวลากลางคืนปลอดภัยยิ่งขึ้น จำนวนผู้ชมละครที่เพิ่มมากขึ้นก็เพิ่มขึ้นอย่างมหาศาล ละครแสดงนานขึ้น ส่งผลให้มีกำไรมากขึ้นและคุณภาพการผลิตดีขึ้น และผู้ชายเริ่มพาครอบครัวไปโรงละคร ละครเพลงเรื่องแรกที่แสดงต่อเนื่องเกิน 500 รอบคือละครโอเปเรตตาฝรั่งเศสเรื่องThe Chimes of Normandyในปี 1878 (705 รอบ) ^{[ 33 ] [ 45 ]}ละครโอเปเรตตาตลกของอังกฤษ นำเอาแนวคิดที่ประสบความสำเร็จของโอเปเรตตายุโรปมาใช้มากมาย โดยเรื่องใดประสบความสำเร็จมากกว่าชุดละครโอเปเรตตาตลก ของ Gilbert and Sullivan ที่ แสดงยาวนานกว่าสิบเรื่องรวมถึงHMS Pinafore (1878) และThe Mikado (1885) ^{[ 39 ]} ละคร เหล่านี้ได้รับความนิยมอย่างมากทั้งสองฝั่งของมหาสมุทรแอตแลนติกและในออสเตรเลีย และช่วยยกระดับมาตรฐานของสิ่งที่ถือว่าเป็นละครที่ประสบความสำเร็จ^{[ 46 ]}การแสดงเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่เป็นครอบครัว ซึ่งแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากละครล้อเลียนที่ลามก การแสดงในโรงละครเพลงที่หยาบคาย และโอเปเรตตาฝรั่งเศสที่บางครั้งดึงดูดฝูงชนที่ต้องการความบันเทิงที่ไม่เหมาะสม^{[ 40 ]}มีเพียงละครเพลงในศตวรรษที่ 19 ไม่กี่เรื่องเท่านั้นที่แสดงได้นานกว่าThe Mikadoเช่นDorothyซึ่งเปิดแสดงในปี 1886 และสร้างสถิติใหม่ด้วยการแสดง 931 รอบ อิทธิพลของ Gilbert และ Sullivan ต่อละครเพลงในยุคต่อมานั้นลึกซึ้งมาก โดยสร้างตัวอย่างวิธีการ "บูรณาการ" ละครเพลงเพื่อให้เนื้อเพลงและบทสนทนาดำเนินเรื่องราวที่สอดคล้องกัน^{[ 47 ] [ 48 ]}ผลงานของพวกเขาได้รับการชื่นชมและลอกเลียนแบบโดยนักเขียนและนักแต่งเพลงละครเพลงยุคแรกในบริเตน^{[ 49 ] [ 50 ]}และอเมริกา^{[ 46 ] [ 51 ]}

A Trip to Chinatown (1891) เป็นละครเพลงที่แสดงยาวนานที่สุดในบรอดเวย์ (จนกระทั่งถึง Ireneในปี 1919) โดยแสดงไปทั้งหมด 657 รอบ แต่การแสดงในนิวยอร์กยังคงค่อนข้างสั้น ยกเว้นบางกรณี เมื่อเทียบกับการแสดงในลอนดอน จนกระทั่งถึงทศวรรษ 1920 ^{[ 33 ]}ผลงานของ Gilbert และ Sullivan ถูกลอกเลียนแบบอย่างกว้างขวาง และยังถูกเลียนแบบในนิวยอร์กโดยผลงานต่างๆ เช่น Robin Hood (1891) ของ Reginald De Kovenและ El Capitan (1896)ของ John Philip Sousa A Trip to Coontown (1898) เป็นละครเพลงตลกเรื่องแรกที่ผลิตและแสดงโดยชาวแอฟริกันอเมริกันทั้งหมดบนบรอดเวย์ (ได้รับแรงบันดาลใจส่วนใหญ่มาจากรูปแบบการแสดงของละครเพลงมินสเตรล ) ตามมาด้วยมีกลิ่นอายแร็ก ไทม์ มีการแสดงละครเพลงตลกหลายร้อยเรื่องบนบรอดเวย์ในช่วงทศวรรษ 1890 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งประกอบด้วยเพลงที่แต่งขึ้นใน ทินแพนแอลลีย์ของนิวยอร์กรวมถึงเพลงของจอร์จ เอ็ม. โคแฮนซึ่งทำงานเพื่อสร้างรูปแบบอเมริกันที่แตกต่างจากผลงานของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน การแสดงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในนิวยอร์กมักตามมาด้วยการทัวร์ทั่วประเทศอย่างกว้างขวาง ^{[ 52 ]}

ในขณะเดียวกัน ละครเพลงก็เข้ามาครองเวทีลอนดอนในช่วงทศวรรษ1890โดยมีโปรดิวเซอร์จอร์จ เอ็ดเวิร์ดส์ เป็นผู้นำ เขาเห็นว่าผู้ชมต้องการทางเลือกใหม่ที่แตกต่างจากโอ เปร่าตลกสไตล์ ซาวอยและการเสียดสีทางการเมืองที่ไร้สาระ เขาจึงทดลองสร้างละครเพลงสไตล์ร่วมสมัยที่เหมาะสำหรับครอบครัว โดยใช้เพลงยอดนิยมที่สนุกสนาน บทสนทนาที่คมคายและโรแมนติก และการแสดงที่อลังการ ณ โรงละครไกเอตี้และโรงละครอื่นๆ ของเขา ละครเหล่านี้ดึงเอาประเพณีของโอเปร่าตลกมาใช้ และใช้องค์ประกอบของละครล้อเลียนและการแสดงของแฮร์ริแกนและฮาร์ท เขาแทนที่ผู้หญิงที่หยาบคายในละครล้อเลียนด้วยกลุ่มนักแสดงหญิง "ที่น่าเคารพ" ของเขาที่เรียกว่า "ไกเอตี้เกิร์ล" เพื่อเติมเต็มความสนุกสนานทั้งด้านดนตรีและภาพ ความสำเร็จของละครเรื่องแรกๆ อย่างIn Town (1892) และA Gaiety Girl (1893) ได้กำหนดรูปแบบสำหรับอีกสามทศวรรษต่อมา เนื้อเรื่องโดยทั่วไปเป็นเรื่องเบาๆ โรแมนติก เกี่ยวกับ "หญิงสาวผู้ยากจนตกหลุมรักขุนนางและเอาชนะใจเขาได้แม้จะมีอุปสรรคมากมาย" โดยมีดนตรีประกอบจากอีวาน แครีลล์ซิดนีย์โจนส์และไลโอเนล มอนค์ตันละครเพลงเหล่านี้ถูกลอกเลียนแบบอย่างแพร่หลายในอเมริกาในทันที และละครเพลงแนวตลกในยุคเอ็ดเวิร์ดก็เข้ามาแทนที่ละครเพลงแนวตลกแบบเดิมอย่างโอเปร่าและโอเปเรตตา เรื่องThe Geisha (1896) เป็นหนึ่งในละครเพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในทศวรรษ 1890 โดยแสดงนานกว่าสองปีและประสบความสำเร็จอย่างมากในระดับนานาชาติ

The Belle of New York (1898) became the first American musical to run for over a year in London. The British musical comedy Florodora (1899) was a popular success on both sides of the Atlantic, as was A Chinese Honeymoon (1901), which ran for a record-setting 1,074 performances in London and 376 in New York.^[34] After the turn of the 20th century, Seymour Hicks joined forces with Edwardes and American producer Charles Frohman to create another decade of popular shows. Other enduring Edwardian musical comedy hits included The Arcadians (1909) and The Quaker Girl (1910).^[53]

Virtually eliminated from the English-speaking stage by competition from the ubiquitous Edwardian musical comedies, operettas returned to London and Broadway in 1907 with The Merry Widow, and adaptations of continental operettas became direct competitors with musicals. Franz Lehár and Oscar Straus composed new operettas that were popular in English until World War I.^[54] In America, Victor Herbert produced a string of enduring operettas including The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) and Naughty Marietta (1910).

In the 1910s, the team of P. G. Wodehouse, Guy Bolton and Jerome Kern, following in the footsteps of Gilbert and Sullivan, created the "Princess Theatre shows" and paved the way for Kern's later work by showing that a musical could combine light, popular entertainment with continuity between its story and songs.^[47] Historian Gerald Bordman wrote:

These shows built and polished the mold from which almost all later major musical comedies evolved. ... The characters and situations were, within the limitations of musical comedy license, believable and the humor came from the situations or the nature of the characters. Kern's exquisitely flowing melodies were employed to further the action or develop characterization. ... [Edwardian] musical comedy was often guilty of inserting songs in a hit-or-miss fashion. The Princess Theatre musicals brought about a change in approach. P. G. Wodehouse, the most observant, literate and witty lyricist of his day, and the team of Bolton, Wodehouse and Kern had an influence felt to this day.^[55]

ผู้ชมละครต้องการความบันเทิงที่ช่วยให้หลีกหนีจากความจริงในช่วงเวลาอันมืดมนของสงครามโลกครั้งที่ 1และพวกเขาก็แห่กันไปที่โรงละคร ละครเพลงยอดฮิตเรื่องIrene ในปี 1919 แสดงไปถึง 670 รอบ ซึ่งเป็นสถิติของบรอดเวย์ที่คงอยู่จนถึงปี 1938 ^{[ 56 ]}ผู้ชมละครชาวอังกฤษสนับสนุนการแสดงที่ยาวนานกว่ามาก เช่นThe Maid of the Mountains (1,352 รอบ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งChu Chin Chowการแสดง 2,238 รอบนั้นยาวนานกว่าละครเพลงเรื่องใดๆ ก่อนหน้านี้ถึงสองเท่า สร้างสถิติที่คงอยู่เกือบสี่สิบปี^{[ 57 ]}แม้แต่การนำThe Beggar's Opera กลับมาแสดงใหม่ก็ยัง ครองเวทีถึง 1,463 รอบ^{[ 58 ]}การแสดงแบบรีวิว เช่นThe Bing Boys Are Hereในอังกฤษ และของFlorenz Ziegfeldและผู้เลียนแบบของเขาในอเมริกา ก็ได้รับความนิยมอย่างมากเช่นกัน^{[ 37 ]}

ละครเพลงในยุคทศวรรษที่ 1920ซึ่งได้รับอิทธิพลมาจากละครเวทีแบบวอเดวิลล์มิวสิคฮอลล์และความบันเทิงเบาๆ อื่นๆ มักเน้นไปที่การเต้นรำอลังการและเพลงยอดนิยมมากกว่าเนื้อเรื่อง ตัวอย่างที่โดดเด่นของทศวรรษนี้คือละครเพลงสนุกสนานเบาๆ เช่นSally ; Lady, Be Good ; No, No, Nanette ; Oh, Kay!;และFunny Faceแม้ว่าเรื่องราวจะไม่น่าจดจำ แต่ละครเพลงเหล่านี้ก็มีดาราดังอย่างMarilyn MillerและFred Astaireและสร้างเพลงยอดนิยมอมตะมากมายโดย Kern, GeorgeและIra Gershwin , Irving Berlin , Cole PorterและRodgers and Hartดนตรีที่เป็นที่นิยมส่วนใหญ่เป็นเพลงมาตรฐานจากละครเพลง เช่น " Fascinating Rhythm ", " Tea for Two " และ " Someone to Watch Over Me " ละครหลายเรื่องเป็นการ แสดงแบบ รีวิวคือการแสดงสั้นๆ และเพลงต่างๆ ที่แทบไม่มีความเชื่อมโยงกันเลย หนึ่งในรายการที่รู้จักกันดีที่สุดคือZiegfeld Follies ประจำปี ซึ่งเป็นการแสดงเพลงและเต้นรำสุดอลังการบนบรอดเวย์ที่มีฉากอลังการ เครื่องแต่งกายที่ประณีต และนักร้องประสานเสียงสาวสวย^{[ 23 ]}การแสดงเหล่านี้ยังช่วยเพิ่มมูลค่าการผลิต และโดยทั่วไปแล้วการจัดแสดงละครเพลงก็มีราคาแพงขึ้น^{[ 37 ]} Shuffle Along (1921) ซึ่งเป็นการแสดงของชาวแอฟริกันอเมริกันทั้งหมด ประสบความสำเร็จบนบรอดเวย์^{[ 59 ]}นักแต่งเพลงโอเปเรตตารุ่นใหม่ก็ปรากฏตัวขึ้นในช่วงทศวรรษ 1920 เช่นRudolf FrimlและSigmund Rombergเพื่อสร้างละครบรอดเวย์ยอดนิยมหลายเรื่อง^{[ 60 ]}

ในลอนดอน นักเขียนและนักแสดงชื่อดังอย่างIvor NovelloและNoël Cowardได้รับความนิยม แต่ความสำคัญของละครเพลงอังกฤษตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 จนถึงปี 1920 ค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยนวัตกรรมของอเมริกา โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังสงครามโลกครั้งที่ 1 เมื่อ Kern และ นักแต่งเพลง Tin Pan Alley คนอื่นๆ เริ่มนำรูปแบบดนตรีใหม่ๆ เช่นแร็กไทม์และแจ๊สมาสู่โรงละคร และพี่น้อง Shubertก็เข้าควบคุมโรงละครบรอดเวย์ นักเขียนละครเพลงAndrew Lambตั้งข้อสังเกตว่า "รูปแบบโอเปร่าและละครเวทีของโครงสร้างทางสังคมในศตวรรษที่ 19 ถูกแทนที่ด้วยรูปแบบดนตรีที่เหมาะสมกับสังคมในศตวรรษที่ 20 และสำนวนภาษาถิ่นมากกว่า รูปแบบที่ตรงไปตรงมามากขึ้นนี้เกิดขึ้นจากอเมริกา และสามารถเจริญรุ่งเรืองได้ในสังคมที่กำลังพัฒนาซึ่งไม่ยึดติดกับประเพณีในศตวรรษที่ 19 มากนัก" ^{[ 61 ]}ในฝรั่งเศสcomédie musicaleถูกเขียนขึ้นในช่วงต้นศตวรรษสำหรับนักแสดงชื่อดังอย่างYvonne Printemps ^{[ 62 ]}

ละคร เพลง Show Boat (1927) บนบรอดเวย์ถือเป็นการบูรณาการบทละครและดนตรีที่สมบูรณ์ยิ่งกว่าละครเพลงของโรงละคร Princess Theatre ในยุคนั้น โดยมีการเล่าเรื่องราวผ่านดนตรี บทสนทนา ฉาก และการเคลื่อนไหว ซึ่งทำได้โดยการผสมผสานความไพเราะของดนตรีของ Kern เข้ากับบทละครที่เชี่ยวชาญของOscar Hammerstein IIนักประวัติศาสตร์คนหนึ่งเขียนว่า "นี่คือแนวเพลงใหม่โดยสิ้นเชิง – ละครเพลงที่แตกต่างจากละครตลกเพลง ตอนนี้...ทุกสิ่งทุกอย่างล้วนขึ้นอยู่กับละครเรื่องนี้ ตอนนี้...มีการบูรณาการเพลง อารมณ์ขัน และการแสดงต่างๆ เข้าด้วยกันอย่างสมบูรณ์ในงานศิลปะชิ้นเดียวที่แยกไม่ออก" ^{[ 63 ]}

เมื่อภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่เริ่มขึ้นในช่วงหลังการทัวร์ทั่วประเทศของShow Boat บนบรอดเวย์ สาธารณชนจึงหันกลับมาสนใจความบันเทิงประเภทเพลงและการเต้นรำที่เบาและผ่อนคลายเป็นส่วนใหญ่^{[ 55 ]}ผู้ชมทั้งสองฝั่งมหาสมุทรแอตแลนติกมีเงินใช้จ่ายเพื่อความบันเทิงน้อยมาก และมีเพียงไม่กี่การแสดงบนเวทีเท่านั้นที่แสดงเกิน 500 รอบในช่วงทศวรรษนั้น ละครเพลงThe Band Wagon (1931) นำแสดงโดยคู่เต้นรำ Fred Astaire และAdele น้องสาวของเขา ในขณะที่ Anything Goes (1934) ของ Porter ยืนยัน ตำแหน่งของ Ethel Mermanในฐานะสุภาพสตรีหมายเลขหนึ่งแห่งวงการละครเพลง ซึ่งเป็นตำแหน่งที่เธอดำรงอยู่เป็นเวลาหลายปี Coward และ Novello ยังคงนำเสนอละครเพลงแบบเก่าๆ ที่เน้นความรู้สึก เช่นThe Dancing Yearsในขณะที่ Rodgers และ Hart กลับมาจากฮอลลีวูดเพื่อสร้างละครบรอดเวย์ที่ประสบความสำเร็จหลายเรื่อง รวมถึงOn Your Toes ( 1936 ร่วมกับRay Bolgerซึ่งเป็นละครเพลงบรอดเวย์เรื่องแรกที่ใช้การเต้นรำคลาสสิกอย่างมีชั้นเชิง) Babes in Arms (1937) และThe Boys from Syracuse (1938) Porter เพิ่มDu Barry Was a Lady (1939) เข้ามา ละครเพลงที่แสดงยาวนานที่สุดในทศวรรษ 1930 ในสหรัฐอเมริกาคือHellzapoppin (1938) ซึ่งเป็นละครเพลงที่มีการมีส่วนร่วมของผู้ชม โดยแสดงไป 1,404 รอบ สร้างสถิติใหม่ของบรอดเวย์^{[ 56 ]}ในสหราชอาณาจักรMe and My Girlแสดงไป 1,646 รอบ^{[ 58 ]}

ถึงกระนั้น ทีมงานสร้างสรรค์บางทีมก็เริ่มสร้างนวัตกรรม จาก Show Boat Of Thee I Sing (1931) ซึ่งเป็นละครเสียดสีทางการเมืองโดย Gershwins เป็นละครเพลงเรื่องแรกที่ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ [ ^{23 ] [ 64 ] As} Thousands Cheer (1933) ซึ่งเป็นละครเพลงโดยIrving BerlinและMoss Hartที่แต่ละเพลงหรือบทละครสั้นอิงจากพาดหัวข่าวในหนังสือพิมพ์ ถือเป็นละครบรอดเวย์เรื่องแรกที่นักแสดงชาวแอฟริกันอเมริกันEthel Watersแสดงนำร่วมกับนักแสดงผิวขาว เพลงที่ Waters แสดงรวมถึง " Supper Time " ซึ่งเป็นการคร่ำครวญของหญิงสาวถึงสามีของเธอที่ถูกลynch ^{[ 65 ]} Porgy and Bess (1935) ของ Gershwins มีนักแสดงชาวแอฟริกันอเมริกันทั้งหมดและผสมผสานสำนวนโอเปร่า โฟล์ค และแจ๊สThe Cradle Will Rock (1937) กำกับโดยOrson Wellesเป็นละครที่มีเนื้อหาทางการเมืองสนับสนุนสหภาพแรงงาน อย่างมาก ซึ่งแม้จะมีข้อโต้แย้งมากมาย แต่ก็ยังแสดงไปถึง 108 รอบ^{[ 37 ]} I'd Rather Be Right (1937) ของ Rodgers และ Hart เป็นละครเสียดสีทางการเมือง โดยมีGeorge M. Cohanรับบทเป็นประธานาธิบดีFranklin D. RooseveltและKnickerbocker HolidayของKurt Weillแสดงให้เห็นถึงประวัติศาสตร์ช่วงต้นของเมืองนิวยอร์ก พร้อมทั้งเสียดสีเจตนาดีของ Roosevelt อย่างสนุกสนาน

ภาพยนตร์ได้สร้างความท้าทายให้กับเวที ภาพยนตร์เงียบได้สร้างการแข่งขันเพียงเล็กน้อย แต่เมื่อถึงปลายทศวรรษ 1920 ภาพยนตร์อย่างThe Jazz Singerก็สามารถนำเสนอพร้อมเสียงที่ซิงโครไน ซ์ได้ ภาพยนตร์ "Talkie" ในราคาต่ำได้ทำให้ วอเดวิลล์ล่มสลายไปอย่างมีประสิทธิภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1930 ^{[ 66 ]}แม้จะมีปัญหาทางเศรษฐกิจในช่วงทศวรรษ 1930 และการแข่งขันจากภาพยนตร์ แต่ละครเพลงก็ยังคงอยู่รอด อันที่จริง มันยังคงพัฒนาในด้านเนื้อหาต่อไปนอกเหนือจากละครเพลงที่มีมุกตลกและสาวๆ ในยุคGay NinetiesและRoaring Twentiesและความโรแมนติกแบบซาบซึ้งของโอเปเรตตา โดยเพิ่มความเชี่ยวชาญทางเทคนิคและการจัดฉากที่รวดเร็วและรูปแบบบทสนทนาที่เป็นธรรมชาติซึ่งนำโดยผู้กำกับGeorge Abbott ^{[ 23 ]}

หลังจากShow BoatและPorgy and Bessและเมื่อการต่อสู้เพื่อสิทธิพลเมือง ของชนกลุ่มน้อยในอเมริกาและที่อื่นๆ ดำเนินไป Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburgและคนอื่นๆ ก็มีกำลังใจที่จะเขียนละครเพลงและโอเปร่ามากขึ้น โดยมีเป้าหมายเพื่อทำให้สังคมยอมรับชนกลุ่มน้อยและส่งเสริมความปรองดองทางเชื้อชาติ ผลงานยุคทองตอนต้นที่เน้นการยอมรับเชื้อชาติ ได้แก่Finian's RainbowและSouth Pacificในช่วงปลายยุคทอง มีละครหลายเรื่องที่กล่าวถึงเรื่องราวและประเด็นของชาวยิว เช่นFiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz!และต่อมาRagsแนวคิดดั้งเดิมที่กลายเป็นWest Side Story นั้น ตั้งอยู่ในLower East Sideในช่วงเทศกาลอีสเตอร์-ปัสคา โดยแก๊งคู่ปรับจะเป็นชาวยิวและชาวอิตาลีคาทอลิกทีมงานสร้างสรรค์ตัดสินใจในภายหลังว่าความขัดแย้งระหว่างชาวโปแลนด์ (ผิวขาว) กับชาวเปอร์โตริกันนั้นสดใหม่กว่า^{[ 85 ]}

ความอดทนอดกลั้นในฐานะที่เป็นธีมสำคัญในละครเพลงยังคงดำเนินต่อไปในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา การแสดงออกครั้งสุดท้ายของWest Side Storyได้ทิ้งข้อความแห่งความอดทนอดกลั้นทางเชื้อชาติไว้ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 ละครเพลงได้ผสมผสานทางเชื้อชาติมากขึ้น โดยนักแสดงผิวขาวและผิวดำสามารถรับบทแทนกันได้ เช่นเดียวกับในHair ^{[ 86 ]}เรื่องรักร่วมเพศก็ได้รับการสำรวจในละครเพลงเช่นกัน เริ่มต้นจากHairและชัดเจนยิ่งขึ้นในLa Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inchและละครเพลงอื่นๆ ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมาParade เป็นการสำรวจอย่างละเอียดอ่อนทั้งเรื่องการต่อต้านชาวยิวและการเหยียดเชื้อชาติในอเมริกาในอดีต และRagtimeก็สำรวจประสบการณ์ของผู้อพยพและชนกลุ่มน้อยในอเมริกาในทำนองเดียวกัน

• อัลแล็ง, พอล; ฮาร์วี, เจน (2014). คู่มือโรงละครและการแสดงของรูทเลดจ์ . รูทเลดจ์ . ISBN 978-0-4156-3631-5.
• อัลเลน, โรเบิร์ต ซี. (ค.ศ. 1991). ความงามที่น่าสยดสยอง: เบอร์เลสค์และวัฒนธรรมอเมริกัน . มหาวิทยาลัยนอร์ทแคโรไลนา. ISBN 978-0-8078-1960-9.
• แบรดลีย์, เอียน (2005). โอ้ ความสุข! โอ้ ความปีติยินดี! ปรากฏการณ์อันยั่งยืนของกิลเบิร์ตและซัลลิแวน . สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ด. ISBN 0-19-516700-7.
• บิวโลว์, จอร์จ เจ. (2004). ประวัติศาสตร์ดนตรีบาโรก . บลูมิงตัน, อินเดียนา: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอินเดียนา. ISBN 978-0-253-34365-9.
• คาร์เตอร์, ทิม ; บัตต์, จอห์น , บรรณาธิการ (2005). ประวัติศาสตร์ดนตรีศตวรรษที่ 17 ของเคมบริดจ์ . ประวัติศาสตร์ดนตรีเคมบริดจ์. เล่ม 1. สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์. หน้า 591. ISBN 978-0-521-79273-8สืบค้นเมื่อ26 พฤษภาคม 2552{{cite book}}: CS1 maint: บริการเก็บถาวรที่เลิกใช้แล้ว ( ลิงก์ )
• โคเฮน, โรเบิร์ต; เชอร์แมน, โดโนแวน (2020). ละครเวที: บทสรุป (  ฉบับที่สิบสอง). นครนิวยอร์ก: McGraw-Hill Education. ISBN 978-1-260-05738-6. OCLC 1073038874 . 
• เอเวอเร็ตต์, วิลเลียม เอ.; เลิร์ด, พอล อาร์. , บรรณาธิการ (2002). คู่มือดนตรีเคมบริดจ์ . คู่มือดนตรีเคมบริดจ์ . สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์. ISBN 978-0-521-79189-2.
• Gänzl, Kurt ; Andrew Lamb (1988). Gänzl's Book of the Musical Theatre . London: The Bodley Head. OCLC 966051934 . 
• Gokulsing, K. Moti; Dissanayake, Wimal (2004) [1998]. ภาพยนตร์ยอดนิยมของอินเดีย : เรื่องเล่าของการเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรม (ฉบับปรับปรุงและอัปเดต ). สโตก-ออน-เทรนต์: เทรนแธม. หน้า 161. ISBN 978-1-85856-329-9.
• เฮอร์เบิร์ต, เอียน, บรรณาธิการ (1972). ใครคือบุคคลสำคัญในวงการละคร (  ฉบับที่สิบห้า). ลอนดอน: เซอร์ ไอแซค พิตแมน แอนด์ ซันส์. ISBN 978-0-273-31528-5.
• ฮอปปิน, ริชาร์ด เอช. บรรณาธิการ (1978). บทเพลงรวมเล่มดนตรีสมัยกลาง . นอร์ตัน บทนำสู่ประวัติศาสตร์ดนตรี. นิวยอร์ก: นอร์ตัน. ISBN 978-0-393-09080-2.
• ฮอร์น, บาร์ บารา ลี (1991). ยุคแห่งผม: วิวัฒนาการและผลกระทบของละครเพลงร็อคเรื่องแรกของบรอดเวย์ . นิวยอร์ก: สำนักพิมพ์กรีนวูด. หน้า166. ISBN  978-0-313-27564-7.
• Jha, Subhash K. (2005). คู่มือฉบับสำคัญสำหรับวงการบอลลีวูด . สำนักพิมพ์ Roli Books. ISBN 81-7436-378-5.
• โจนส์, จอห์น บี. (2003). ละครเพลงของเรา ตัวตนของเรา . ฮาโนเวอร์: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยนิวอิงแลนด์. ISBN 978-0-87451-904-4.
• ลอร์ด, ซูซานน์ (2003). บริงค์แมน, เดวิด (บรรณาธิการ). ดนตรีจากยุคของเชกสเปียร์ : ประวัติศาสตร์วัฒนธรรม . เวสต์พอร์ต, คอนเนตทิคัต: สำนักพิมพ์กรีนวูด. ISBN 978-0-313-31713-2.
• Lubbock, Mark (2002) [1962]. "ละครเพลงอเมริกัน: บทนำ" . หนังสือรวมละครเพลงเบา (  ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 1). ลอนดอน: Putnam. หน้า753–756 . 
• มอร์ลีย์, เชอริแดน (1987). กระจายความสุขเล็กๆ น้อยๆ: ร้อยปีแรกของละครเพลงอังกฤษ . ลอนดอน: เทมส์ แอนด์ ฮัดสัน. ISBN 978-0-500-01398-4.
• พาร์เกอร์, จอห์น, บรรณาธิการ (1925). ใครคือบุคคลสำคัญในวงการละคร (  ฉบับที่ห้า). ลอนดอน: เซอร์ ไอแซค พิตแมน แอนด์ ซันส์. OCLC 10013159 
• พาร์เกอร์, โรเจอร์ , บรรณาธิการ (2001). ประวัติศาสตร์โอเปร่าฉบับภาพประกอบของออกซ์ฟอร์ด . ประวัติศาสตร์ฉบับภาพประกอบของออกซ์ฟอร์ด (ฉบับภาพประกอบ ). สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ด. หน้า 541. ISBN 978-0-19-285445-2.
• รูบิน, ดอน; โซลอร์ซาโน, คาร์ลอส , บรรณาธิการ (2000). สารานุกรมโลกแห่งละครร่วมสมัย: ทวีปอเมริกา . นครนิวยอร์ก: รูทเลดจ์. ISBN 0-415-05929-1.
• เชกสเปียร์, วิลเลียม (1998) [1623]. ออร์เจล, สตีเฟน (บรรณาธิการ). เดอะ เทมเพสต์ . เดอะ อ็อกซ์ฟอร์ด เชกสเปีย ร์ . สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ด. หน้า248. ISBN  978-0-19-283414-0.
• วิลเมธ, ดอน บี.; มิลเลอร์, ไทซ์ แอล., บรรณาธิการ (1996). คู่มือเคมบริดจ์เกี่ยวกับโรงละครอเมริกัน (  ฉบับที่ 2). สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์. ISBN 978-0-521-56444-1.
• วอลล์แมน, อีแอล (2006). โรงละครจะร็อก: ประวัติศาสตร์ของละครเพลงร็อก: จากแฮร์ถึงเฮดวิก . มิชิแกน: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยมิชิแกน. ISBN 0-472-11576-6.