ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์

ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์บันทึกพัฒนาการทางศิลปะและวัฒนธรรมของรูปแบบศิลปะภาพที่ใช้เทคโนโลยีภาพยนตร์ซึ่งเริ่มต้นขึ้นในปลายศตวรรษที่ 19 โดยได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมการฉายภาพบนจอภาพที่มีอยู่เดิม เช่น การฉายภาพด้วยเครื่องฉายภาพวิเศษ (magic lantern) และจากประเพณีในด้านการถ่ายภาพ ละครเวที และสื่อยอดนิยมอื่นๆ

การกำเนิดของภาพยนตร์ในฐานะสื่อศิลปะไม่ได้ถูกกำหนดไว้อย่างชัดเจน มีการฉายภาพเคลื่อนไหวมานานก่อนการฉายภาพยนตร์สั้นของพี่น้องลูมิแยร์ 10 คน ในปารีสในเชิงพาณิชย์และต่อสาธารณะในวันที่ 28 ธันวาคม ค.ศ. 1895 ซึ่งโดยทั่วไปถือว่าเป็นความก้าวหน้าของภาพยนตร์ ที่ฉายทาง ภาพยนตร์ ภาพยนตร์เรื่องแรกๆ มักจะเป็นภาพ ขาวดำความยาวไม่ถึงหนึ่งนาที ไม่มีเสียงบันทึก และประกอบด้วยภาพเดียวจากกล้องที่ตั้งนิ่ง ในช่วงทศวรรษแรกๆ ภาพยนตร์ได้เปลี่ยนจากสิ่งแปลกใหม่ไปสู่อุตสาหกรรมบันเทิงมวลชนที่ได้รับการยอมรับ โดยมีบริษัทผลิตภาพยนตร์และสตูดิโอต่างๆ ก่อตั้งขึ้นทั่วโลก มีการพัฒนารูปแบบภาษาภาพยนตร์ทั่วไป โดยการตัดต่อภาพยนตร์ การเคลื่อนไหวของกล้อง และเทคนิคภาพยนตร์ อื่นๆ มีบทบาทเฉพาะในการเล่าเรื่องของภาพยนตร์^{[ 1 ]}

สื่อใหม่ที่ได้รับความนิยม เช่น โทรทัศน์ (แพร่หลายตั้งแต่ทศวรรษ 1950) วิดีโอสำหรับชมที่บ้าน (ทศวรรษ 1980) และอินเทอร์เน็ต (ทศวรรษ 1990) มีอิทธิพลต่อการเผยแพร่และการบริโภคภาพยนตร์ การผลิตภาพยนตร์มักตอบสนองด้วยเนื้อหาที่เหมาะสมกับสื่อใหม่ นวัตกรรมทางเทคนิค (รวมถึง ภาพยนตร์ จอกว้าง (ทศวรรษ 1950) ภาพยนตร์ 3 มิติ และภาพยนตร์ 4 มิติ ) และภาพยนตร์ที่ตระการตามากขึ้นเพื่อดึงดูดการฉายในโรงภาพยนตร์ ระบบที่ราคาถูกกว่าและใช้งานง่ายกว่า (รวมถึงฟิล์ม 8 มม.วิดีโอ และกล้องสมาร์ทโฟน ) ทำให้ผู้คนจำนวนมากขึ้นสามารถสร้างภาพยนตร์ที่มีคุณภาพหลากหลายรูปแบบ เพื่อวัตถุประสงค์ใดๆ ก็ได้ รวมถึงภาพยนตร์สำหรับชมที่บ้านและศิลปะวิดีโอนอกเหนือจากแบบแผนของระบบการผลิตของสตูดิโอขนาดใหญ่ คุณภาพทางเทคนิคมีแนวโน้มต่ำกว่าภาพยนตร์ระดับมืออาชีพ แต่ก็ดีขึ้นด้วยวิดีโอดิจิทัล และ กล้องดิจิทัลคุณภาพสูงราคาไม่แพงเมื่อเวลาผ่านไป วิธีการผลิตแบบดิจิทัลได้รับความนิยมมากขึ้นในช่วงทศวรรษ 1990 ส่งผลให้เกิดเอฟเฟกต์ภาพ ที่สมจริงมากขึ้น และ ภาพยนตร์แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ ข นา วยาวที่ได้รับความนิยม

ตลอดประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ได้เกิด ภาพยนตร์หลากหลายประเภท ขึ้นมา และแต่ละประเภทก็ประสบความสำเร็จในระดับที่แตกต่างกันไป

การใช้ภาพยนตร์เป็นรูปแบบศิลปะมีต้นกำเนิดมาจากประเพณีศิลปะหลายแขนงก่อนหน้านี้ เช่นการเล่าเรื่อง (ด้วยวาจา) วรรณกรรม ละคร โอเปรา และทัศนศิลป์ ประเพณีโบราณที่คล้ายคลึงกัน เช่น คันตาสโตเรีย (Cantastoria ) ผสมผสานการเล่าเรื่องเข้ากับภาพชุดต่างๆ ที่แสดงหรือชี้บอกทีละภาพ สิ่งที่มาก่อนภาพยนตร์ซึ่งใช้แสงและเงาในการสร้างงานศิลปะก่อนการมาถึงของเทคโนโลยีภาพยนตร์สมัยใหม่ ได้แก่การถ่ายภาพเงาการเชิดหุ่นเงากล้องรูเข็ม ( Camera obscura)และ โคม ไฟวิเศษ (Magic Lantern )

ประมาณปี ค.ศ. 1790 ประเพณีเก่าแก่ของนักต้มตุ๋นและนักแสดงที่ใช้กล้องรูเข็มหรือเครื่องฉายภาพวิเศษเพื่อฉายภาพปีศาจหรือผีได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมให้กลายเป็นรูปแบบการแสดงมัลติมีเดียที่เรียกว่าแฟนทาสมาโกเรีย [ ^{2 ] [ 3 ] การ}แสดงยอดนิยมเหล่านี้สร้างความบันเทิงให้กับผู้ชมโดยใช้สไลด์กลไก การฉายภาพด้านหลัง เครื่องฉายภาพเคลื่อนที่การซ้อนภาพ การ เปลี่ยนภาพแบบ ค่อยๆจางหายไปนักแสดงสด ควัน (ซึ่งอาจมีการฉายภาพลงไป) กลิ่น เสียง และแม้แต่การช็อตไฟฟ้า^{[ 4 ] [ 5 ]}ในขณะที่การแสดงเครื่องฉายภาพวิเศษในยุคแรกๆ มักถูกออกแบบมาเพื่อทำให้ผู้ชมหวาดกลัว ความก้าวหน้าของผู้ฉายภาพทำให้เกิดการเล่าเรื่องที่สร้างสรรค์และให้ความรู้ซึ่งสามารถดึงดูดผู้ชมในครอบครัวได้กว้างขึ้น^{[ 6 ]}เทคนิคเครื่องฉายภาพวิเศษแบบใหม่ เช่น การใช้ภาพแบบค่อยๆ จางหายไปช่วยให้การเปลี่ยนภาพระหว่างภาพฉายสองภาพราบรื่นขึ้นและช่วยให้การเล่าเรื่องมีประสิทธิภาพมากขึ้น ในขณะที่โครมาโทรปให้ภาพเคลื่อนไหวที่มีสีสันของลวดลายเชิงนามธรรมที่ซับซ้อน^{[ 7 ]}

ในปี ค.ศ. 1833 การศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับ ภาพลวงตา แบบสโตรโบสโคปในล้อซี่ลวดโดยโจเซฟ พลาโต , ไมเคิล ฟาราเดย์และไซมอน สแตมป์เฟอร์นำไปสู่การประดิษฐ์เครื่องแฟนทาสโคป หรือที่รู้จักกันในชื่อดิสก์สโตรโบสโคป หรือฟีนาคิสติสโคปซึ่งได้รับความนิยมในหลายประเทศในยุโรปอยู่ช่วงหนึ่ง พลาโตคิดว่ามันสามารถพัฒนาต่อไปเพื่อใช้ในภาพลวงตา และสแตมป์เฟอร์จินตนาการถึงระบบสำหรับฉากที่ยาวขึ้นด้วยแถบภาพบนลูกกลิ้ง รวมถึงรุ่นโปร่งใส (น่าจะตั้งใจไว้สำหรับการฉายภาพ) พลาโต, ชาร์ลส์ วีทสโตน , อองตวน คลอเดต์และคนอื่นๆ พยายามที่จะรวมเทคนิคนี้เข้ากับสเตอริโอสโคป (เปิดตัวในปี ค.ศ. 1838) และการถ่ายภาพ (เปิดตัวในปี ค.ศ. 1839) เพื่อสร้างภาพลวงตาของความเป็นจริงที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น แต่จนกว่านวัตกรรมในสารเคมีไวแสงและเทคโนโลยีการแลกเปลี่ยนภาพจะทำให้สามารถบันทึกภาพลำดับได้อย่างคมชัด การทดลองดังกล่าวจึงต้องอาศัย เทคนิค สต็อปโมชั่นเพื่อแสดงการเคลื่อนไหวเป็นคาบอย่างง่ายๆ

ภาพถ่ายตู้ "The Horse in Motion"ของ Eadweard Muybridge ใช้เทคนิคโครโนโฟโตกราฟีเพื่อศึกษาการเคลื่อนไหว

อิเล็กโทรตาคีสโคป Anschütz

ด้วยการตีพิมพ์การ์ดตู้ภาพ The Horse in Motion ในปี 1878 Eadweard Muybridgeได้แนะนำวิธีการบันทึกลำดับการเคลื่อนไหวซึ่งต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อโครโนโฟโตกราฟี Muybridge และช่างภาพโครโนกราฟีรุ่นหลัง เช่นÉtienne-Jules Marey , Georges Demenÿ , Albert LondeและOttomar Anschützเกือบทั้งหมดใช้เทคนิคนี้เพื่อการศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวของสัตว์และมนุษย์ ในปี 1880 Muybridge เริ่มบรรยายเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวของสัตว์และใช้Zoopraxiscope ของเขา เพื่อฉายภาพเคลื่อนไหวของโครงร่างจากการบันทึกของเขา ซึ่งวาดลงบนแผ่นกระจก^{[ 8 ] [ 9 ]} ในปี 1887 Anschütz เริ่มนำเสนอการบันทึกโครโนโฟโตกราฟีแบบเคลื่อนไหวด้วย Electrotachyscopeของเขาโดยแสดงลูปสั้นๆ บนหน้าจอกระจกขุ่นขนาดเล็ก ในปี พ.ศ. 2434 เขาได้เริ่มผลิตอุปกรณ์ดูภาพเคลื่อนไหวแบบหยอดเหรียญที่มีราคาประหยัดกว่าในชื่อเดียวกัน ซึ่งนำไปจัดแสดงในงานนิทรรศการและงานแสดงสินค้านานาชาติ รวมถึงงานChicago World's Fair ปี พ.ศ. 2436 หรือจัดแสดงเป็นเวลานานขึ้น เช่น ที่ Berlin Exhibition Park (มีผู้เข้าชมที่จ่ายเงินเกือบ 34,000 คนในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2435) ที่The Crystal Palaceในลอนดอน และในร้านค้าหลายแห่งในสหรัฐอเมริกา เขาได้เปลี่ยนจุดสนใจของสื่อจากความสนใจทางเทคนิคและวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับการเคลื่อนไหวไปสู่ความบันเทิงสำหรับมวลชน โดยบันทึกภาพนักมวยปล้ำ นักเต้น นักกายกรรม ฉากชีวิตประจำวัน และอาจรวมถึงฉากตลกที่จัดฉากไว้บ้าง บันทึกที่มีอยู่แสดงให้เห็นว่าผลงานบางส่วนของเขามีอิทธิพลโดยตรงต่องานในภายหลังของบริษัท Edison เช่น ภาพยนตร์เรื่องFred Ott's Sneezeใน ปี พ.ศ. 2437 ^{[ 10 ]}

ตั้งแต่เดือนตุลาคม พ.ศ. 2435 ถึงมีนาคม พ.ศ. 2443 นักประดิษฐ์Émile Reynaudได้จัดแสดงระบบภาพยนตร์Théâtre Optique ("โรงภาพยนตร์ออปติคอล") ของเขาที่พิพิธภัณฑ์ Musée Grévinในปารีส การฉายภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องPauvre PierrotและAutour d'une cabine ของ Reynaud มาพร้อมกับดนตรีสด เพลง และเอฟเฟกต์เสียงที่ซิงโครไนซ์กัน และดึงดูดผู้เข้าชมมากกว่า 500,000 คนตลอดการแสดง 12,800 รอบ^{[ 11 ] [ 12 ]}

เครื่องฉายภาพยนตร์ Kinetoscope ของ Edison ซึ่งส่วนใหญ่พัฒนาโดย William Kennedy Dickson ผู้ช่วยในห้องทดลอง ได้ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนในปี 1893 ^{[ 13 ]}โดยมีภาพบนแผ่นเซลลูลอยด์วนซ้ำแสดงภาพยนตร์บันเทิงประมาณครึ่งนาที^{[ 14 ]}ส่วนใหญ่เป็นการแสดงของนักแสดงวอเดวิลล์ชื่อดังในสตูดิโอ Black Mariaของ บริษัท ^{[ 15 ]} Kinetoscope กลายเป็นที่นิยมไปทั่วโลกอย่างรวดเร็ว โดยมีโรงภาพยนตร์หลายแห่งในเมืองใหญ่ๆ ภายในปี 1895 ^{[ 13 ]}เมื่อความแปลกใหม่ของภาพเริ่มจางหายไป บริษัท Edison ก็ชะลอการขยายประเภทของภาพยนตร์ และความสนใจของสาธารณชนที่ลดลงทำให้ธุรกิจชะลอตัวลงในช่วงฤดูใบไม้ผลิปี 1895 เพื่อแก้ไขปัญหากำไรที่ลดลง จึงมีการทดลองต่างๆ เช่นภาพยนตร์เสียงทดลองของ Dicksonเพื่อพยายามบรรลุเป้าหมายดั้งเดิมของ Edison ในการผสมผสานเครื่องเล่นแผ่นเสียงกับการบันทึกภาพ อย่างไรก็ตาม ข้อจำกัดในการซิงค์เสียงกับภาพทำให้ไม่สามารถนำไปใช้งานได้อย่างแพร่หลาย^{[ 16 ]}ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น นักประดิษฐ์เริ่มพัฒนาเทคโนโลยีการฉายภาพยนตร์ซึ่งในที่สุดก็จะแซงหน้ารูปแบบช่องมองภาพของเอดิสัน^{[ 17 ]}

ในวันที่ 25, 29 และ 30 พฤศจิกายน พ.ศ. 2437 อันชุตซ์ได้ฉายภาพเคลื่อนไหวจาก แผ่น ดิสก์อิเล็กโทรทาคิสโคปบนจอขนาดใหญ่ในหอประชุมใหญ่ที่มืดมิดของอาคารที่ทำการไปรษณีย์ในเบอร์ลิน^{[ 18 ]}ตั้งแต่วันที่ 22 กุมภาพันธ์ถึง 30 มีนาคม พ.ศ. 2438 มีการฉายรายการเชิงพาณิชย์ความยาว 1.5 ชั่วโมง ซึ่งประกอบด้วยฉากต่างๆ 40 ฉาก ให้กับผู้ชม 300 คน ณ อาคารรัฐสภาเก่า และมีผู้เข้าชมประมาณ 4,000 คน^{[ 19 ]}

ตลอดช่วงปลายศตวรรษที่ 19 นักประดิษฐ์หลายคน เช่นWordsworth Donisthorpe , Louis Le Prince , William Friese-Greeneและพี่น้อง Skladanowskyได้พัฒนาอุปกรณ์ที่สามารถบันทึกและฉายภาพเคลื่อนไหวได้ ฉากในการทดลองเหล่านี้ส่วนใหญ่มีจุดประสงค์เพื่อสาธิตเทคโนโลยีเอง และมักจะถ่ายทำโดยใช้ครอบครัว เพื่อน หรือรถที่สัญจรไปมาเป็นตัวแบบ^{[ 20 ]}

ภาพยนตร์อย่างที่เรารู้จักกันในปัจจุบันถูกคิดค้นขึ้นในเมืองลียงโดยออกุสต์และหลุยส์ ลูมิแยร์ เมื่อวันที่ 26 ธันวาคม พ.ศ. 2437 บทความในหนังสือพิมพ์ Lyon républicain รายงานว่าพี่น้องลูมิแยร์กำลังทำงานเกี่ยวกับการสร้างเครื่องฉายภาพยนตร์แบบใหม่ สิทธิบัตรสำหรับสิ่งประดิษฐ์ใหม่ของพวกเขา" ภาพยนตร์ " ได้รับการยื่นจดเมื่อวันที่ 13 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2438 ที่INPIและต่อมาในวันที่ 22 มีนาคม พี่น้องทั้งสองได้จัดการฉายภาพยนตร์ต่อสาธารณะครั้งแรกในปารีส^{[ 21 ] [ 22 ]}การฉายเชิงพาณิชย์ครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 28 ธันวาคม พ.ศ. 2438 ประกอบด้วยภาพยนตร์สิบเรื่องและมีความยาวประมาณ 20 นาที โปรแกรมส่วนใหญ่ประกอบด้วยภาพยนตร์สารคดีเช่นWorkers Leaving the Lumière Factoryซึ่งเป็นเอกสารที่บอกเล่าเรื่องราวที่แท้จริงของโลก แต่การแสดงยังรวมถึงละครตลกเรื่องL'Arroseur Arroséด้วย^{[ 23 ]}การสาธิตการฉายภาพยนตร์ที่ก้าวหน้าที่สุดในขณะนั้นCinématographeประสบความสำเร็จในทันที โดยทำรายได้เฉลี่ย 2,500 ถึง 3,000 ฟรังก์ต่อวันภายในสิ้นเดือนมกราคม พ.ศ. 2439 ^{[ 13 ]}หลังจากการฉายครั้งแรก ลำดับและการเลือกภาพยนตร์ก็มีการเปลี่ยนแปลงบ่อยครั้ง^{[ 17 ]}

ผลประโยชน์ทางธุรกิจหลักของพี่น้องลูมิแยร์คือการขายกล้องและอุปกรณ์ถ่ายทำภาพยนตร์ให้กับผู้จัดฉาย ไม่ใช่การผลิตภาพยนตร์จริง ๆ ถึงกระนั้น ผู้สร้างภาพยนตร์ทั่วโลกก็ได้รับแรงบันดาลใจจากศักยภาพของภาพยนตร์ เนื่องจากผู้จัดฉายนำการฉายภาพยนตร์ไปยังประเทศใหม่ ๆ ยุคแห่งการสร้างภาพยนตร์นี้ ซึ่งนักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ ทอม กันนิง ขนานนามว่า "ภาพยนตร์แห่งสิ่งดึงดูดใจ" นำเสนอวิธีการให้ความบันเทิงแก่มวลชนที่ค่อนข้างถูกและง่าย กันนิงโต้แย้งว่า แทนที่จะมุ่งเน้นไปที่เรื่องราว ผู้สร้างภาพยนตร์ส่วนใหญ่อาศัยความสามารถในการสร้างความสุขให้ผู้ชมผ่าน "พลังแห่งภาพลวงตา" ของการชมภาพเคลื่อนไหว เช่นเดียวกับในยุคคิเนโตสโคปที่มาก่อนหน้านั้น^{[ 24 ]}ถึงกระนั้น การทดลองสร้างภาพยนตร์บันเทิง (ทั้งภาพยนตร์สารคดีและประเภทอื่น ๆ) ในยุคแรกก็เกิดขึ้น ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ฉายในพื้นที่หน้าร้านชั่วคราว ในเต็นท์ของผู้จัดฉายที่เดินทางไปตามงานแสดงสินค้า หรือเป็นการแสดง "ใบ้" ในรายการวอเดวิลล์^{[ 25 ]}ในช่วงเวลานี้ ก่อนที่กระบวนการหลังการผลิตจะได้รับการกำหนดไว้อย่างชัดเจน ผู้จัดแสดงได้รับอนุญาตให้ใช้เสรีภาพในการสร้างสรรค์ในการนำเสนอของตน เพื่อเพิ่มประสบการณ์ของผู้ชม การฉายบางรายการจึงมีนักดนตรีเล่นสดในวงออร์เคสตรา ออร์แกนโรงละครเอฟเฟกต์เสียง สด และคำบรรยายโดยผู้จัดงานหรือผู้ฉายภาพยนตร์^{[ 26 ] [ 27 ]}

การทดลองในการตัดต่อภาพยนตร์ เทคนิคพิเศษ การสร้างเรื่องราว และการเคลื่อนไหวของกล้องในช่วงเวลานี้โดยผู้สร้างภาพยนตร์ในฝรั่งเศส อังกฤษ และสหรัฐอเมริกา มีอิทธิพลในการสร้างเอกลักษณ์ให้กับภาพยนตร์ในอนาคต ทั้งที่สตูดิโอของเอดิสันและลูมิแยร์ เรื่องราวที่ไม่ซับซ้อน เช่น ภาพยนตร์ของเอดิสันในปี 1895 เรื่องWashday Troublesได้สร้างพลวัตความสัมพันธ์สั้นๆ และโครงเรื่องที่เรียบง่าย^{[ 28 ]}ในปี 1896 ภาพยนตร์ เรื่อง La Fée aux Choux ( The Fairy of the Cabbages )ได้ออกฉายครั้งแรก กำกับและตัดต่อโดยอลิซ กายเรื่องราวนี้ถือได้ว่าเป็นภาพยนตร์เล่าเรื่องเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ และเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกที่กำกับโดยผู้หญิง^{[ 29 ]}ในปีเดียวกันนั้น บริษัทEdison Manufacturing Companyได้ออกฉาย ภาพยนตร์ เรื่อง The May Irwin Kiss in May ซึ่งประสบความสำเร็จทางการเงินอย่างกว้างขวาง ภาพยนตร์เรื่องนี้ซึ่งมีฉากจูบครั้งแรกในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ นำไปสู่การเรียกร้องให้มีการเซ็นเซอร์ภาพยนตร์เป็นครั้งแรกเท่าที่ทราบ^{[ 30 ]}

อีกหนึ่งผู้ผลิตภาพยนตร์ยุคแรกคือ แผนกไลม์ไลท์ของออสเตรเลียเริ่มก่อตั้งในปี 1898 โดยดำเนินการโดยกองทัพแห่งความรอด (The Salvation Army)ในเมลเบิร์นประเทศออสเตรเลีย แผนกไลม์ไลท์ผลิตสื่อเผยแพร่ศาสนาเพื่อใช้ในกองทัพแห่งความรอด รวมถึง ภาพสไลด์สำหรับฉายด้วย เครื่องฉายภาพ (lantern slides)ตั้งแต่ปี 1891 ตลอดจนรับงานจากภาคเอกชนและภาครัฐ ตลอดระยะเวลา 19 ปีของการดำเนินงาน แผนกไลม์ไลท์ผลิตภาพยนตร์ประมาณ 300 เรื่องที่มีความยาวแตกต่างกัน ทำให้เป็นหนึ่งในผู้ผลิตภาพยนตร์รายใหญ่ที่สุดในยุคนั้น แผนกไลม์ไลท์ได้สร้างภาพยนตร์ในปี 1904 โดยโจเซฟ เพอร์รีเรื่องBushranging in North Queenslandซึ่งเชื่อกันว่าเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกเกี่ยวกับโจรป่า

ในช่วงเริ่มต้น ภาพยนตร์แทบจะไม่ได้รับการยอมรับว่าเป็นรูปแบบศิลปะจากผู้นำเสนอหรือผู้ชมเลย ชนชั้นสูงมองว่าเป็นรูปแบบความบันเทิงราคาถูกที่ "หยาบคาย" และ "ต่ำต้อย" ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ดึงดูดชนชั้นแรงงาน และมักสั้นเกินไปที่จะมีศักยภาพในการเล่าเรื่องที่แข็งแกร่ง^{[ 31 ]}โฆษณาในช่วงแรกเน้นการส่งเสริมเทคโนโลยีที่ใช้ในการฉายภาพยนตร์มากกว่าตัวภาพยนตร์เอง เมื่ออุปกรณ์เหล่านี้เริ่มคุ้นเคยกับผู้ชมมากขึ้น ศักยภาพในการบันทึกและสร้างเหตุการณ์ขึ้นใหม่จึงถูกนำมาใช้ประโยชน์เป็นหลักในรูปแบบของข่าวสารและสารคดี^{[ 32 ]}ในระหว่างการสร้างภาพยนตร์เหล่านี้ ผู้กำกับภาพมักจะดึงเอา คุณค่า ทางสุนทรียศาสตร์ที่กำหนดโดยรูปแบบศิลปะในอดีตมาใช้ เช่นการจัดเฟรมและการวางตำแหน่งกล้องอย่างตั้งใจในองค์ประกอบของภาพ^{[ 33 ]}ในบทความปี 1955 สำหรับThe Quarterly of Film Radio and televisionผู้ผลิตภาพยนตร์และนักประวัติศาสตร์Kenneth Macgowanยืนยันว่าการจัดฉากและการสร้างเหตุการณ์ขึ้นใหม่โดยเจตนาสำหรับข่าวสาร "นำการเล่าเรื่องมาสู่หน้าจอ" ^{[ 34 ]}

ด้วยการโฆษณาเทคโนโลยีภาพยนตร์มากกว่าเนื้อหา ภาพยนตร์สารคดีจึงเริ่มต้นจากการเป็น "ชุดภาพ" ที่มักมีภาพสถานที่สวยงามและมีชีวิตชีวา หรือการแสดงต่างๆ^{[ 33 ]}หลังจากประสบความสำเร็จในการฉายในปี 1895 พี่น้องลูมิแยร์ได้ก่อตั้งบริษัทและส่งช่างภาพไปทั่วโลกเพื่อบันทึกภาพเหตุการณ์ใหม่ๆ มานำเสนอ หลังจากที่ช่างภาพถ่ายทำฉากต่างๆ แล้ว พวกเขามักจะนำบันทึกเหล่านั้นไปจัดแสดงในท้องถิ่น จากนั้นจึงส่งกลับไปยังโรงงานของบริษัทในเมืองลียงเพื่อทำสำเนาสำหรับจำหน่ายให้กับผู้ที่ต้องการ^{[ 35 ]}ในกระบวนการถ่ายทำภาพยนตร์สารคดี โดยเฉพาะอย่างยิ่งเหตุการณ์จริง ผู้สร้างภาพยนตร์ได้ค้นพบและทดลองใช้เทคนิคกล้องหลายตัวเพื่อรองรับลักษณะที่ไม่สามารถคาดเดาได้^{[ 36 ]}เนื่องจากภาพยนตร์สารคดีหลายเรื่องมีความยาวสั้น (มักมีเพียงช็อตเดียว) บันทึกแคตตาล็อกระบุว่าบริษัทผู้ผลิตทำการตลาดให้กับผู้จัดฉายโดยการส่งเสริมภาพยนตร์สารคดีหลายเรื่องที่มีเนื้อหาที่เกี่ยวข้องซึ่งสามารถซื้อเพื่อเสริมกันได้ ผู้จัดฉายที่ซื้อภาพยนตร์มักจะนำเสนอภาพยนตร์เหล่านั้นในโปรแกรมและจะบรรยายประกอบเพื่ออธิบายการกระทำบนหน้าจอให้ผู้ชมฟัง^{[ 33 ]}

ผู้ชมกลุ่มแรกที่จ่ายเงินเพื่อชมภาพยนตร์ได้มารวมตัวกันที่เมดิสันสแควร์การ์เดนเพื่อชมเหตุการณ์จริงที่จัดฉากขึ้น ซึ่งอ้างว่าเป็นฉากการชกมวยที่ถ่ายทำโดยวูดวิลล์ ลาแธมโดยใช้อุปกรณ์ที่เรียกว่าไอโดโลสโคป เมื่อวันที่ 20 พฤษภาคม พ.ศ. 2438 โดยลาแธมเป็นผู้ว่าจ้างให้ ยูจีน ออกัสติน เลาสต์นักประดิษฐ์ชาวฝรั่งเศสสร้างอุปกรณ์นี้ขึ้น โดยได้รับความเชี่ยวชาญเพิ่มเติมจากวิลเลียม เคนเนดี ดิกสันและได้สร้างกลไกที่ต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อลูปลาแธมซึ่งช่วยให้สามารถฉายต่อเนื่องได้นานขึ้นและไม่ทำให้ฟิล์มเซลลูลอยด์สึกหรอมากนัก^{[ 37 ]}

ในปีต่อมา การฉายภาพยนตร์สารคดีและข่าวสารต่างๆ พิสูจน์แล้วว่าทำกำไรได้ ในปี 1897 ภาพยนตร์ เรื่อง The Corbett-Fitzsimmons Fightได้ออกฉาย ภาพยนตร์เรื่องนี้เป็นการบันทึกการแข่งขันชกมวยชิงแชมป์โลกรุ่นเฮฟวี่เวทที่เมืองคาร์สันซิตี้ รัฐเนวาดา อย่างสมบูรณ์ ภาพยนตร์เรื่องนี้ทำรายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศมากกว่ารายได้จากการ ขายตั๋ว เข้าชมสดและเป็นภาพยนตร์ที่ยาวที่สุดที่ผลิตขึ้นในเวลานั้น ผู้ชมจำนวนมากอาจแห่กันมาชมภาพยนตร์เรื่อง Corbett-Fitzsimmons เพราะJames J. Corbett (หรือที่รู้จักกันในชื่อ Gentleman Jim) กลายเป็นดาราขวัญใจมหาชนนับตั้งแต่เขารับบทเป็นตัวละครที่ดัดแปลงมาจากตัวเขาเองในละครเวที^{[ 38 ]}

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 เป็นต้นมา มีการฉายภาพยนตร์ข่าวเป็นประจำ และในไม่ช้าก็กลายเป็นวิธีการติดตามข่าวสารที่ได้รับความนิยมก่อนการมาถึงของโทรทัศน์ – การสำรวจขั้วโลกใต้ของอังกฤษในทวีปแอนตาร์กติกาถูกถ่ายทำเป็นภาพยนตร์ข่าว เช่นเดียวกับการประท้วง เรียกร้อง สิทธิสตรีที่เกิดขึ้นในเวลาเดียวกันเอฟ. เพอร์ซี สมิธเป็น ผู้บุกเบิก สารคดีธรรมชาติ ยุคแรกๆ ที่ทำงานให้กับชาร์ลส์ เออร์บันโดยเขาได้ริเริ่มการใช้เทคนิคไทม์แลปส์และไมโครซีนีเมชั่นในสารคดีเกี่ยวกับการเจริญเติบโตของดอกไม้ในปี พ.ศ. 2453 ^{[ 39 ] [ 40 ]}

หลังจากการจัดแสดงเครื่องฉายภาพยนตร์ (Cinématographe) ประสบความสำเร็จ อุตสาหกรรมภาพยนตร์ในฝรั่งเศสก็พัฒนาไปอย่างรวดเร็ว ผู้สร้างภาพยนตร์หลายคนทดลองใช้เทคโนโลยีนี้เพื่อหวังจะประสบความสำเร็จเช่นเดียวกับพี่น้องลูมิแยร์ในการฉายภาพยนตร์ พวกเขาได้ก่อตั้งบริษัทใหม่ๆ ขึ้น เช่นบริษัท สตาร์ ฟิล์ม (Star Film Company) , ปาเต เฟรเร (Pathé Frères ) และ โกม งต์ (Gaumont )

ผู้บุกเบิกการสร้างภาพยนตร์แบบเล่าเรื่องที่ถูกอ้างถึงอย่างกว้างขวางที่สุดคือผู้สร้างภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศสGeorges Méliès Méliès เป็นนักมายากลที่เคยใช้การฉายภาพด้วยเครื่องฉายภาพวิเศษเพื่อเสริมการแสดงมายากลของเขามาก่อน ในปี 1895 Méliès ได้เข้าร่วมการสาธิต Cinematographe และตระหนักถึงศักยภาพของอุปกรณ์นี้ที่จะช่วยการแสดงของเขา เขาพยายามซื้ออุปกรณ์จากพี่น้อง Lumière แต่พวกเขาปฏิเสธ^{[ 41 ]}หลายเดือนต่อมา เขาซื้อกล้องจากRobert W. Paulและเริ่มทดลองกับอุปกรณ์โดยการสร้างภาพเหตุการณ์จริง ในช่วงเวลาของการทดลองนี้ Méliès ได้ค้นพบและนำเทคนิคพิเศษต่างๆ มาใช้ รวมถึงเทคนิคการหยุดภาพการซ้อนภาพและการใช้การเปลี่ยนภาพแบบ ค่อยๆ จางหายไป ในภาพยนตร์ของเขา^{[ 14 ]}ในช่วงปลายปี 1896 Méliès ได้ก่อตั้งบริษัท Star Film Companyและเริ่มผลิต กำกับ และจัดจำหน่ายผลงานซึ่งในที่สุดจะมีภาพยนตร์สั้นมากกว่า 500 เรื่อง^{[ 42 ]}เมลิเอสตระหนักถึงศักยภาพในการเล่าเรื่องที่เกิดจากการผสมผสานพื้นฐานด้านละครเวทีของเขากับเทคนิคพิเศษที่เพิ่งค้นพบสำหรับกล้อง เขาจึงออกแบบเวทีที่ซับซ้อนซึ่งมีประตูซ่อนและระบบยกฉาก [ ^{34 ] เทคนิค}การตัดต่อและการสร้างเวทีช่วยให้สามารถพัฒนาเรื่องราวที่ซับซ้อนมากขึ้นได้ เช่น ภาพยนตร์ปี 1896 เรื่องLe Manoir du Diable ( บ้านของปีศาจ )ซึ่งถือเป็นภาพยนตร์เรื่องแรกในประเภทภาพยนตร์สยองขวัญ และภาพยนตร์ปี 1899 เรื่องCendrillon (ซินเดอเรลล่า ) ^{[ 43 ] [ 44 ]}ในภาพยนตร์ของเมลิเอส เขาใช้โครงสร้างการจัดเฟรม แบบเวทีละคร ซึ่ง เป็นระนาบเชิงเปรียบเทียบหรือกำแพงที่สี่ที่แบ่งนักแสดงและผู้ชม เป็นพื้นฐานในการวางตำแหน่งกล้อง ^{[ 45 ]}ตลอดอาชีพการงานของเขา เมลิเอสวางกล้องไว้ในตำแหน่งคงที่เสมอ และในที่สุดก็หมดความนิยมจากผู้ชมเมื่อผู้สร้างภาพยนตร์คนอื่นๆ ทดลองใช้เทคนิคที่ซับซ้อนและสร้างสรรค์มากขึ้น^{[ 46 ]}ปัจจุบัน Méliès เป็นที่รู้จักอย่าง กว้างขวาง จากภาพยนตร์เรื่อง Le Voyage Dans La Lune (A Trip to the Moon) ในปี 1902 ^ซึ่งเขาใช้ความเชี่ยวชาญด้านเอฟเฟกต์และการสร้างเรื่องราวเพื่อสร้างภาพยนตร์ไซไฟเรื่อง แรก [ ^{47 ]}

ในปี ค.ศ. 1900 ชาร์ลส์ ปาเธ่เริ่มผลิตภาพยนตร์ภายใต้ แบรนด์ Pathé-Frèresโดย จ้าง เฟอร์ดินานด์ เซคก้ามาเป็นผู้นำกระบวนการสร้างสรรค์^{[ 48 ]}ก่อนที่จะมุ่งเน้นไปที่การผลิต ปาเธ่ได้เข้ามามีส่วนร่วมในอุตสาหกรรมนี้โดยการจัดแสดงและจำหน่ายสิ่งที่น่าจะเป็นเวอร์ชันปลอมของ Kinetoscope ในร้านขายแผ่นเสียงของเขา ด้วยการเป็นผู้นำด้านความคิดสร้างสรรค์ของเซคก้าและความสามารถในการผลิตสำเนาภาพยนตร์จำนวนมากผ่านความร่วมมือกับบริษัทผลิตเครื่องมือของฝรั่งเศส ชาร์ลส์ ปาเธ่ จึงพยายามทำให้ Pathé-Frères เป็นผู้ผลิตภาพยนตร์ชั้นนำในประเทศ ภายในไม่กี่ปีต่อมา Pathé-Frères กลายเป็นสตูดิโอภาพยนตร์ที่ใหญ่ที่สุดในโลก โดยมีสำนักงานสาขาในเมืองใหญ่ๆ และมีภาพยนตร์ให้เลือกชมเพิ่มมากขึ้น^{[ 49 ]}ภาพยนตร์ของบริษัทมีเนื้อหาหลากหลาย โดยผู้กำกับมีความเชี่ยวชาญในประเภทต่างๆ สำหรับการฉายในงานต่างๆ ตลอดช่วงต้นทศวรรษ ค.ศ. 1900 ^{[ 48 ]}

Gaumontเป็นคู่แข่งหลักในภูมิภาคของ Pathé-Frères ก่อตั้งขึ้นในปี 1895 โดยLéon Gaumontบริษัทนี้เริ่มต้นด้วยการขายอุปกรณ์ถ่ายภาพ และเริ่มผลิตภาพยนตร์ในปี 1897 ภายใต้การกำกับของAlice Guyซึ่งเป็นผู้กำกับหญิงคนแรกของอุตสาหกรรม^{[ 50 ]}ภาพยนตร์ในช่วงแรกของเธอมีลักษณะและธีมหลายอย่างที่คล้ายคลึงกับคู่แข่งร่วมสมัยของเธอ เช่น Lumières และMélièsเธอสำรวจภาพยนตร์เกี่ยวกับการเต้นรำและการท่องเที่ยว โดยมักจะผสมผสานทั้งสองอย่างเข้าด้วยกัน เช่นLe Boléroที่แสดงโดย Miss Saharet (1905) และTango (1905) ภาพยนตร์เกี่ยวกับการเต้นรำในช่วงแรกๆ ของ Guy หลายเรื่องได้รับความนิยมในโรงละครเพลง เช่น ภาพยนตร์ เต้นรำแบบคดเคี้ยวซึ่งเป็นส่วนสำคัญของ แคตตา ล็อกภาพยนตร์ของ Lumières และ Thomas Edison ^{[ 51 ]}ในปี 1906 เธอสร้างThe Life of Christซึ่งเป็นการผลิตที่มีงบประมาณสูงในเวลานั้น โดยมีตัวประกอบถึง 300 คน

ออสการ์ เมสสเตอร์นักประดิษฐ์และเจ้าพ่อวงการภาพยนตร์ชาวเยอรมันเป็นบุคคลสำคัญในยุคแรกเริ่มของภาพยนตร์ บริษัทMesster Film ของเขา เป็นหนึ่งในผู้ผลิตภาพยนตร์รายใหญ่ของเยอรมนี ก่อนที่บริษัท UFA จะผงาดขึ้นมา และในที่สุดก็ควบรวมกิจการกัน เมสสเตอร์เป็นคนแรกที่เพิ่มกลไกGeneva driveเข้าไปในเครื่องฉายภาพยนตร์ เพื่อให้เกิดการเคลื่อนไหวแบบสั่นเป็นช่วงๆ ในการเลื่อนเฟรมภาพยนตร์ และเขายังได้ก่อตั้งสตูดิโอภาพยนตร์แห่งแรกในเยอรมนีในปี 1900 อีกด้วย

ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1896 เมสสเตอร์สนใจในการค้นหาวิธีการสร้างและประสานเสียงประกอบการฉายภาพยนตร์ในยุคภาพยนตร์เงียบดังนั้น เมสสเตอร์จึงประดิษฐ์เครื่องฉายภาพยนตร์เสียง (Tonbilder Biophon) ขึ้นมา โดยใช้เครื่องเล่นแผ่นเสียงเล่นเพลงUnter den Lindenประกอบการฉายภาพเคลื่อนไหว แต่ไม่ใช่แค่การเพิ่มเสียงเข้าไปเฉยๆ แต่เป็นการจับคู่ลำดับของดนตรีกับภาพเคลื่อนไหวอย่างแม่นยำ กล่าวคือ การเพิ่มเสียงให้กับภาพยนตร์เงียบจำเป็นต้องแก้ปัญหาเรื่องการประสานเสียง เนื่องจากภาพและเสียงถูกบันทึกและสร้างใหม่โดยอุปกรณ์ที่แยกจากกัน ซึ่งยากต่อการเริ่มต้นและบำรุงรักษา เมื่อวันที่ 31 สิงหาคม ค.ศ. 1903 เมสสเตอร์ได้จัดการฉายภาพยนตร์เสียงครั้งแรกในเยอรมนีที่โรงภาพยนตร์ "อพอลโล" ในกรุงเบอร์ลิน

ทั้งCecil HepworthและRobert W. Paulต่างทดลองใช้เทคนิคการถ่ายทำภาพยนตร์ที่แตกต่างกันในภาพยนตร์ของพวกเขา กล้อง 'Cinematograph Camera No. 1' ของ Paul ในปี 1895 เป็นกล้องตัวแรกที่มีการหมุนย้อนกลับ ซึ่งทำให้สามารถถ่ายภาพฟิล์มเดียวกันได้หลายครั้ง จึงสร้างภาพซ้อนได้เทคนิคนี้ถูกใช้ครั้งแรกในภาพยนตร์เรื่องScrooge, or, Marley's Ghost ในปี 1901 ผู้สร้างภาพยนตร์ทั้งสองคนต่างทดลองความเร็วของกล้องเพื่อสร้างเอฟเฟกต์ใหม่ Paul ถ่ายทำฉากจากOn a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899) โดยการหมุนกล้องอย่างช้าๆ^{[ 52 ]}เมื่อฉายภาพยนตร์ที่ความเร็วปกติ 16 เฟรมต่อวินาที ฉากต่างๆ ดูเหมือนจะเคลื่อนที่ด้วยความเร็วสูง Hepworth ใช้เอฟเฟกต์ตรงกันข้ามในThe Indian Chief and the Seidlitz Powder (1901) การเคลื่อนไหวของหัวหน้าถูกเร่งความเร็วโดยการหมุนกล้องเร็วกว่า 16 เฟรมต่อวินาทีมาก ทำให้เกิดสิ่งที่ผู้ชมในยุคปัจจุบันเรียกว่าเอฟเฟกต์ " สโลว์โมชั่น " ^{[ 53 ]}

ภาพยนตร์เรื่องแรกที่เปลี่ยนจากการถ่ายทำแบบช็อตเดียวไปเป็นฉากต่อเนื่องเริ่มขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เนื่องจากการสูญหายของภาพยนตร์ยุคแรกๆ จำนวนมากการเปลี่ยนจากภาพนิ่งแบบช็อตเดียวไปเป็นฉากต่อเนื่องจึงทำได้ยาก แม้จะมีข้อจำกัดเหล่านี้ ไมเคิล บรู๊ค จากสถาบันภาพยนตร์อังกฤษก็ระบุว่าความต่อเนื่องของภาพยนตร์ที่แท้จริง ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวจากฉากหนึ่งไปยังอีกฉากหนึ่ง เกิดขึ้นในภาพยนตร์เรื่องCome Along, Do! ของโรเบิร์ต ดับเบิลยู. พอล ในปี 1898 ปัจจุบันเหลือเพียงภาพนิ่งจากช็อตที่สองเท่านั้น^{[ 54 ]}ภาพยนตร์อังกฤษเรื่องAttack on a China Mission ที่ออกฉายในปี 1901 เป็นหนึ่งในภาพยนตร์เรื่องแรกๆ ที่แสดงให้เห็นถึงความต่อเนื่องของการกระทำในหลายฉาก^{[ 34 ]}การใช้คำบรรยายประกอบภาพเพื่ออธิบายการกระทำและบทสนทนาบนหน้าจอเริ่มขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1900 คำบรรยายประกอบภาพที่ถ่ายทำเป็นครั้งแรกถูกใช้ในภาพยนตร์เรื่องScrooge, or Marley's Ghost ของโรเบิร์ต ดับเบิลยู. พอล^{[ 55 ]}ในประเทศส่วนใหญ่คำบรรยายระหว่างฉากค่อยๆ ถูกนำมาใช้เพื่อให้บทสนทนาและคำบรรยายสำหรับภาพยนตร์ ซึ่งทำให้ไม่จำเป็นต้องมีคำบรรยายจากผู้จัดฉายอีกต่อไป

การพัฒนาการแสดงภาพต่อเนื่องหลายช็อตได้รับการพัฒนาในอังกฤษโดยกลุ่มผู้บุกเบิกภาพยนตร์ที่รวมตัวกันอย่างหลวมๆ ซึ่งเรียกโดยรวมว่า " โรงเรียนไบรตัน " ผู้สร้างภาพยนตร์เหล่านี้รวมถึงGeorge Albert SmithและJames Williamsonเป็นต้น Smith และ Williamson ทดลองกับการแสดงภาพต่อเนื่องและน่าจะเป็นกลุ่มแรกที่นำการใช้ภาพแทรกและภาพโคลสอัพระหว่างช็อตมาใช้^{[ 34 ]}เทคนิคพื้นฐานสำหรับการถ่ายทำภาพยนตร์แบบหลอกตาคือการถ่ายภาพซ้อนในกล้อง เทคนิคนี้ได้รับการบุกเบิกโดย Smith ในภาพยนตร์ปี 1898 เรื่องPhotographing a Ghostตามบันทึกแคตตาล็อกของ Smith ภาพยนตร์เรื่องนี้ (ซึ่งปัจจุบันสูญหายไปแล้ว ) บันทึกเรื่องราวการดิ้นรนของช่างภาพในการจับภาพผีด้วยกล้อง โดยใช้การถ่ายภาพซ้อน Smith ได้ซ้อนภาพผีโปร่งใสลงบนพื้นหลังในลักษณะที่ตลกขบขันเพื่อเยาะเย้ยช่างภาพ^{[ 56 ]} ภาพยนตร์เรื่อง The Corsican Brothersของสมิธได้รับการอธิบายไว้ในแคตตาล็อกของบริษัท Warwick Trading Companyในปี พ.ศ. 2443 ว่า "ด้วยการถ่ายภาพอย่างระมัดระวังเป็นอย่างยิ่ง ผีจึงปรากฏ *ค่อนข้างโปร่งใส* หลังจากที่แสดงให้เห็นว่าเขาถูกฆ่าด้วยการแทงดาบ และเรียกร้องการแก้แค้น เขาก็หายไป จากนั้น 'นิมิต' ก็ปรากฏขึ้นแสดงให้เห็นการดวลที่ถึงแก่ความตายในหิมะ" ^{[ 57 ]}สมิธยังริเริ่มเทคนิคพิเศษของการเคลื่อนไหวย้อนกลับอีกด้วย เขาทำเช่นนี้โดยการทำซ้ำการกระทำเป็นครั้งที่สอง ในขณะที่ถ่ายทำด้วยกล้องกลับหัว แล้วนำส่วนท้ายของเนกาทีฟที่สองมาต่อกับเนกาทีฟแรก^{[ 58 ]}ภาพยนตร์เรื่องแรกที่สร้างโดยใช้เทคนิคนี้คือTipsy, Topsy, TurvyและThe Awkward Sign Painter ตัวอย่างที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ของเทคนิคนี้คือThe House That Jack Built ของ Smith ซึ่งสร้างขึ้นก่อนเดือนกันยายน ค.ศ. 1900 Cecil Hepworth ได้นำเทคนิคนี้ไปอีกขั้นด้วยการพิมพ์เนกาทีฟของการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าแบบย้อนกลับทีละเฟรม ทำให้ได้ภาพพิมพ์ที่การกระทำดั้งเดิมกลับด้านอย่างสมบูรณ์ เพื่อที่จะทำเช่นนี้ เขาได้สร้างเครื่องพิมพ์พิเศษขึ้นมา โดยที่เนกาทีฟที่วิ่งผ่านโปรเจ็กเตอร์จะถูกฉายเข้าไปในช่องรับภาพของกล้องผ่านเลนส์พิเศษ ทำให้ได้ภาพที่มีขนาดเท่ากัน การจัดเรียงนี้จึงถูกเรียกว่า "เครื่องพิมพ์แบบฉายภาพ" และในที่สุดก็เรียกว่า " เครื่องพิมพ์แบบออปติคอล " ^{[ 59 ]}

ในปี ค.ศ. 1898 จอร์จ อัลเบิร์ต สมิธ ได้ทดลองกับการถ่ายภาพระยะใกล้ โดยถ่ายภาพชายคนหนึ่งกำลังดื่มเบียร์และหญิงคนหนึ่งกำลังสูดยาสูบ^{[ 34 ]}ในปีต่อมา สมิธได้สร้างภาพยนตร์เรื่อง The Kiss in the Tunnelซึ่งเป็นลำดับภาพที่ประกอบด้วยสามช็อต ได้แก่ รถไฟเข้าอุโมงค์ ชายและหญิงจูบกันสั้นๆ ในความมืดแล้วกลับไปนั่งที่เดิม และรถไฟออกจากอุโมงค์ สมิธสร้างสถานการณ์นี้ขึ้นเพื่อตอบสนองต่อความสำเร็จของภาพยนตร์แนวที่เรียกว่าPhantom Rideในภาพยนตร์ Phantom Ride กล้องจะจับภาพการเคลื่อนไหวและสภาพแวดล้อมจากด้านหน้าของรถไฟที่กำลังเคลื่อนที่^{[ 60 ] [ 61 ]}เมื่อนำช็อตต่างๆ มาตัดต่อเข้าด้วยกัน จะได้ลำดับเหตุการณ์ที่ชัดเจนและสร้างความสัมพันธ์เชิงสาเหตุจากช็อตหนึ่งไปยังอีกช็อตหนึ่ง^{[ 62 ]}หลังจาก ภาพยนตร์ เรื่อง The Kiss in the Tunnelสมิธได้ทดลองกับความต่อเนื่องของการกระทำในช็อตต่างๆ อย่างชัดเจนมากขึ้น และเริ่มใช้ภาพแทรกในภาพยนตร์ของเขา เช่นGrandma's Reading Glassและ Mary Jane 's Mishap ^{[ 34 ]}ในปี พ.ศ. 2443 สมิธสร้าง ภาพยนตร์ เรื่อง As Seen Through a Telescopeฉากหลักแสดงให้เห็นฉากบนถนนที่มีชายหนุ่มกำลังผูกเชือกรองเท้าและลูบเท้าของแฟนสาว ขณะที่ชายชราคนหนึ่งสังเกตการณ์ผ่านกล้องโทรทรรศน์ จากนั้นมีการตัดไปที่ภาพระยะใกล้ของมือที่อยู่บนเท้าของหญิงสาวซึ่งแสดงอยู่ภายในหน้ากากวงกลมสีดำ แล้วตัดกลับไปที่ฉากเดิมต่อ^{[ 63 ]}

เจมส์ วิลเลียมสัน ได้พัฒนาเทคนิคการสร้างเรื่องราวให้สมบูรณ์แบบในภาพยนตร์เรื่องAttack on a China Mission ใน ปี 1900 ภาพยนตร์เรื่องนี้ ซึ่งนักประวัติศาสตร์ภาพยนตร์จอห์น บาร์นส์บรรยายในภายหลังว่ามี "เรื่องราวที่พัฒนาอย่างสมบูรณ์ที่สุดในบรรดาภาพยนตร์ที่สร้างในอังกฤษจนถึงเวลานั้น" เริ่มต้นด้วยภาพแรกที่แสดงให้เห็นกบฏบ็อกเซอร์ชาวจีนที่ประตู จากนั้นตัดไปที่ครอบครัวมิชชันนารีในสวน ซึ่งเกิดการทะเลาะวิวาทขึ้น ภรรยาส่งสัญญาณไปยังลูกเรือชาวอังกฤษจากระเบียง ซึ่งเข้ามาช่วยเหลือพวกเขา^{[ 64 ]}ภาพยนตร์เรื่องนี้ยังใช้การตัดต่อแบบ "มุมย้อนกลับ" ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์อีกด้วย^{[ 65 ]}ในปีต่อมา วิลเลียมสันได้สร้าง ภาพยนตร์เรื่อง The Big Swallowในภาพยนตร์เรื่องนี้ ชายคนหนึ่งรู้สึกรำคาญกับการปรากฏตัวของผู้สร้างภาพยนตร์และ "กลืน" กล้องและผู้ควบคุมกล้องโดยใช้ภาพโคลสอัพแบบแทรก^{[ 66 ]}เขารวมเอฟเฟกต์เหล่านี้เข้ากับการซ้อนภาพ การใช้การเปลี่ยนฉากแบบเช็ดเพื่อบ่งบอกถึงการเปลี่ยนฉาก และเทคนิคอื่นๆ เพื่อสร้างภาษาภาพยนตร์ หรือ " ไวยากรณ์ภาพยนตร์ " ^{[ 67 ] [ 68 ]}การใช้ฉากแอ็คชั่นต่อเนื่องในภาพยนตร์เรื่องStop Thief! ปี 1901 ของเจมส์ วิลเลียมสัน ได้กระตุ้นให้เกิดแนวภาพยนตร์ที่เรียกว่า "ภาพยนตร์ไล่ล่า" ^{[ 69 ]}ในภาพยนตร์เรื่องนี้ คนจรจัดขโมยขาแกะจากเด็กขายเนื้อในฉากแรก ถูกเด็กขายเนื้อและสุนัขหลายตัวไล่ล่าในฉากถัดไป และในที่สุดก็ถูกสุนัขจับได้ในฉากที่สาม^{[ 69 ]}

ภาพยนตร์เรื่อง The Execution of Mary Stuartซึ่งสร้างในปี 1895 โดยบริษัท Edison เพื่อฉายด้วยเครื่อง Kinetoscopeแสดงให้เห็นแมรี ราชินีแห่งสกอตแลนด์ถูกประหารชีวิตต่อหน้ากล้องอย่างเต็มที่ เอฟเฟกต์ที่เรียกว่า stop trickนี้ทำได้โดยการแทนที่นักแสดงด้วยหุ่นจำลองในฉากสุดท้าย ^{[ 70 ] [ 71 ]}เทคนิคที่ใช้ในภาพยนตร์เรื่องนี้ถือเป็นหนึ่งในการใช้เอฟเฟกต์พิเศษในภาพยนตร์ที่เก่าแก่ที่สุดเท่าที่ทราบ ^{[ 72 ]}

เอ็ดวิน เอส. พอร์เตอร์ผู้สร้างภาพยนตร์ชาวอเมริกันเริ่มสร้างภาพยนตร์ให้กับบริษัทเอดิสันในปี พ.ศ. 2444 เขาเป็นอดีตผู้ฉายภาพยนตร์ที่โทมัส เอดิสัน จ้างมาเพื่อพัฒนารูปแบบการฉายภาพแบบใหม่ที่เรียกว่าไวตาสโคปพอร์เตอร์ได้รับแรงบันดาลใจส่วนหนึ่งจากผลงานของเมลิเอส สมิธ และวิลเลียมสัน และได้นำเทคนิคที่พวกเขาสร้างขึ้นใหม่มาใช้เพื่อพัฒนาการเล่าเรื่องอย่างต่อเนื่องผ่านการตัดต่อ^{[ 14 ]}เมื่อเขาเริ่มสร้างภาพยนตร์ที่ยาวขึ้นในปี พ.ศ. 2445 เขาได้ใส่การเปลี่ยนภาพแบบค่อยๆ จางหายไประหว่างทุกช็อต เช่นเดียวกับที่จอร์จ เมลิเอส ทำอยู่แล้ว และเขามักจะให้การกระทำเดียวกันนั้นซ้ำๆ ในการเปลี่ยนภาพแบบค่อยๆ จางหายไป

ในปี พ.ศ. 2445 พอร์เตอร์ถ่ายทำภาพยนตร์เรื่อง Life of an American Firemanให้กับบริษัท Edison Manufacturing Company และจัดจำหน่ายภาพยนตร์เรื่องนี้ในปีถัดมา ในภาพยนตร์เรื่องนี้ พอร์เตอร์ได้นำฟุตเทจจากภาพยนตร์ของ Edison ก่อนหน้านี้มาผสมผสานกับฟุตเทจที่ถ่ายทำใหม่และตัดต่อเข้าด้วยกันเพื่อถ่ายทอดเรื่องราวที่น่าตื่นเต้นของการช่วยเหลือหญิงคนหนึ่งและลูกของเธอโดยนักดับเพลิงผู้กล้าหาญ^{[ 14 ]}

ภาพยนตร์ของพอร์เตอร์เรื่องThe Great Train Robbery (1903) มีความยาวสิบสองนาที โดยมีฉากแยกกันยี่สิบฉาก และสถานที่ถ่ายทำทั้งในร่มและกลางแจ้งสิบแห่ง ภาพยนตร์เรื่องนี้ถือเป็นเรื่องแรกในประเภทภาพยนตร์ตะวันตกและมีความสำคัญเนื่องจากการใช้ภาพที่แสดงให้เห็นถึงการกระทำที่เกิดขึ้นพร้อมกันในสถานที่ต่างๆ^{[ 14 ]}การใช้สภาพแวดล้อมทั้งที่จัดฉากและสภาพแวดล้อมกลางแจ้งจริงของพอร์เตอร์ช่วยสร้างความรู้สึกถึงพื้นที่ ในขณะที่การวางตำแหน่งกล้องในมุมกว้างช่วยสร้างความลึกและทำให้สามารถแสดงการเคลื่อนไหวบนหน้าจอได้นานขึ้น^{[ 73 ]} The Great Train Robberyเป็นหนึ่งในภาพยนตร์ที่ผลักดันให้สื่อภาพยนตร์ได้รับความนิยมอย่างแพร่หลาย^{[ 41 ] [ 74 ]}ในปีเดียวกันนั้นพี่น้องไมล์สได้เปิดศูนย์แลกเปลี่ยนภาพยนตร์ แห่งแรก ในประเทศ ซึ่งอนุญาตให้ผู้จัดฉายถาวรเช่าภาพยนตร์จากบริษัทในราคาที่ต่ำกว่าผู้ผลิตที่ขายภาพยนตร์ของตนโดยตรง^{[ 75 ]}

จอห์น พี. แฮร์ริสเปิดโรงภาพยนตร์ถาวรแห่งแรกที่อุทิศให้กับการฉายภาพยนตร์โดยเฉพาะ ซึ่งก็คือ โรงภาพยนตร์ นิคเคโลเดียนในปี พ.ศ. 2448 ที่เมืองพิตต์สเบิร์ก รัฐเพนซิลเวเนีย แนวคิดนี้ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว และภายในปี พ.ศ. 2451 ก็มีโรงภาพยนตร์นิคเคโลเดียนประมาณ 8,000 แห่งทั่วประเทศ^{[ 76 ]}ด้วยการมาถึงของโรงภาพยนตร์นิคเคโลเดียน ความต้องการของผู้ชมสำหรับภาพยนตร์ที่มีเนื้อเรื่องหลากหลายมากขึ้น รวมถึงเรื่องราวและสถานที่ต่างๆ ทำให้เกิดความต้องการจ้างบุคลากรที่มีความคิดสร้างสรรค์มากขึ้น และทำให้สตูดิโอต้องลงทุนในการออกแบบเวทีที่ซับซ้อนมากขึ้น^{[ 75 ]}

ในปี ค.ศ. 1908 โทมัส เอดิสัน เป็นผู้นำในการก่อตั้งกลุ่มบริษัทร่วมทุนระหว่างบริษัทภาพยนตร์รายใหญ่ในสหรัฐอเมริกา ซึ่งรู้จักกันในชื่อMotion Picture Patents Company (MPPC)เพื่อจำกัดการละเมิดสิทธิบัตรของเขา สมาชิกของกลุ่มนี้ควบคุมทุกแง่มุมของกระบวนการสร้างภาพยนตร์ ตั้งแต่การสร้างฟิล์ม การผลิตภาพยนตร์ และการจัดจำหน่ายไปยังโรงภาพยนตร์ผ่านข้อตกลงการอนุญาต กลุ่มนี้ส่งผลให้การสร้างภาพยนตร์มีคุณภาพมากขึ้นเนื่องจากการแข่งขันภายใน และจำกัดจำนวนภาพยนตร์ต่างประเทศเพื่อส่งเสริมการเติบโตของอุตสาหกรรมภาพยนตร์อเมริกัน แต่ก็ยังขัดขวางการสร้างภาพยนตร์สารคดีด้วย ในปี ค.ศ. 1915 MPPC สูญเสียอำนาจควบคุมส่วนใหญ่ในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ เนื่องจากบริษัทต่างๆ หันไปผลิตภาพยนตร์สารคดีมากขึ้น^{[ 47 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1900 ผู้นำในสหรัฐอเมริกาคือกลุ่มบริษัทPathé ของฝรั่งเศส ซึ่งครองส่วนแบ่งตลาดโลกเกือบ 50% เพียงลำพัง^{[ 77 ] [ 78 ]}

ด้วยกระแสความนิยมภาพยนตร์ทั่วโลก ทำให้มีหลายประเทศเข้าร่วมกับอังกฤษ ฝรั่งเศส เยอรมนี และสหรัฐอเมริกาในการผลิตภาพยนตร์อย่างจริงจัง ในอิตาลี การผลิตกระจายอยู่หลายศูนย์กลาง โดยตูรินเป็นศูนย์กลางการผลิตภาพยนตร์ที่สำคัญแห่งแรก และมิลานและเนเปิลส์เป็นแหล่งกำเนิดของนิตยสารภาพยนตร์ฉบับแรก^{[ 79 ]}ในตูรินAmbrosioเป็นบริษัทแรกในสาขานี้ในปี 1905 และยังคงเป็นบริษัทที่ใหญ่ที่สุดในประเทศตลอดช่วงเวลานั้น คู่แข่งที่สำคัญที่สุดคือCinesในกรุงโรม ซึ่งเริ่มผลิตในปี 1906 จุดแข็งที่สำคัญของอุตสาหกรรมภาพยนตร์อิตาลีคือภาพยนตร์มหากาพย์อิงประวัติศาสตร์ที่มีนักแสดงจำนวนมากและฉากขนาดใหญ่ ตั้งแต่ปี 1911 ภาพยนตร์สองม้วนเรื่องLa Caduta di Troia ( การล่มสลายของทรอย ) ของ Giovanni Pastroneสร้างความประทับใจอย่างมากไปทั่วโลก และตามมาด้วยผลงานการผลิตที่ยิ่งใหญ่กว่า เช่นQuo Vadis? (1912) ซึ่งมีความยาว 90 นาที และCabiria ของ Pastrone ในปี 1914 ซึ่งมีความยาวสองชั่วโมงครึ่ง^{[ 80 ]}

บริษัทภาพยนตร์ของอิตาลียังมีผลงานที่โดดเด่นในด้านตลกแบบสแลปสติก โดยมีนักแสดงอย่างAndré Deedซึ่งเป็นที่รู้จักในท้องถิ่นในชื่อ "Cretinetti" และในที่อื่นๆ ในชื่อ "Foolshead" และ "Gribouille" ที่ประสบความสำเร็จไปทั่วโลกด้วยมุกตลกที่เกือบจะเหนือจริงของเขา

ประเทศที่สำคัญที่สุดในการผลิตภาพยนตร์ในยุโรปเหนือจนกระทั่งถึงสงครามโลกครั้งที่หนึ่งคือเดนมาร์ก[ ^{80 ] [ 81 ] บริษัท} Nordisk ก่อตั้งขึ้นที่นั่นในปี 1906 โดยOle Olsenผู้จัดงานแสดงสินค้า และหลังจากช่วงเวลาสั้นๆ ที่เลียนแบบความสำเร็จของผู้สร้างภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศสและอังกฤษ ในปี 1907 เขาได้ผลิตภาพยนตร์ 67 เรื่อง ซึ่งส่วนใหญ่กำกับโดย Viggo Larsen โดยมีเนื้อหาที่น่าตื่นเต้น เช่นDen hvide Slavinde (ทาสขาว) , Isbjørnejagt (การล่าหมีขั้วโลก)และLøvejagten (การล่าสิงโต)ในปี 1910 บริษัทเดนมาร์กขนาดเล็กแห่งใหม่เริ่มเข้าร่วมธุรกิจ และนอกจากการสร้างภาพยนตร์เกี่ยวกับการค้าทาสขาว แล้ว พวกเขายังมีส่วนร่วมในหัวข้อใหม่ๆ อื่นๆ อีกด้วย การค้นพบที่สำคัญที่สุดเหล่านี้คือAsta Nielsen in Afgrunden (เหว)ซึ่งกำกับโดยUrban Gadสำหรับ Kosmorama สิ่งนี้ผสมผสานละครสัตว์ เซ็กส์ ความหึงหวง และการฆาตกรรม ซึ่งนำเสนอออกมาได้อย่างน่าเชื่อถือ และผลักดันให้ผู้สร้างภาพยนตร์ชาวเดนมาร์กรายอื่น ๆ ก้าวไปในทิศทางนี้มากขึ้น ภายในปี 1912 บริษัทภาพยนตร์ของเดนมาร์กก็เพิ่มจำนวนขึ้นอย่างรวดเร็ว^{[ 80 ]}

อุตสาหกรรมภาพยนตร์ของสวีเดนมีขนาดเล็กกว่าและเริ่มต้นช้ากว่าอุตสาหกรรมภาพยนตร์ของเดนมาร์กชาร์ลส์ แม็กนัสสันช่างภาพข่าวของ เครือโรงภาพยนตร์ Svenskabiografteaternได้เริ่มผลิตภาพยนตร์บันเทิงคดีให้กับพวกเขาในปี 1909 โดยกำกับภาพยนตร์หลายเรื่องด้วยตนเอง การผลิตเพิ่มขึ้นในปี 1912 เมื่อบริษัทได้ว่าจ้างวิกเตอร์ สโยสตรอมและมอริทซ์ สติลเลอร์เป็นผู้กำกับ พวกเขาเริ่มต้นด้วยการเลียนแบบเนื้อหาที่อุตสาหกรรมภาพยนตร์เดนมาร์กนิยม แต่ในปี 1913 พวกเขาก็เริ่มผลิตผลงานที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเองอย่างโดดเด่น ซึ่งขายดีมาก^{[ 80 ]}

รัสเซียเริ่มต้นอุตสาหกรรมภาพยนตร์ในปี พ.ศ. 2451 โดย Pathé ถ่ายทำภาพยนตร์นิยายบางเรื่องที่นั่น จากนั้น Aleksandr DrankovและAleksandr Khanzhonkovก็ได้สร้างบริษัทภาพยนตร์รัสเซียขึ้นมาบริษัท Khanzhonkov กลายเป็นบริษัทภาพยนตร์รัสเซียที่ใหญ่ที่สุดอย่างรวดเร็ว และยังคงเป็นเช่นนั้นจนถึงปี พ.ศ. 2461 ^{[ 80 ]}

ในเยอรมนีOskar Messterมีส่วนร่วมในการสร้างภาพยนตร์มาตั้งแต่ปี 1896 แต่ไม่ได้สร้างภาพยนตร์จำนวนมากต่อปีจนกระทั่งปี 1910 เมื่อกระแสความนิยมภาพยนตร์ทั่วโลกเริ่มขึ้น เขาและคนอื่นๆ อีกไม่กี่คนในธุรกิจภาพยนตร์เยอรมันยังคงขายฟิล์มภาพยนตร์ของตนเองโดยตรง ซึ่งทำให้พวกเขาเสียเปรียบ จนกระทั่งPaul Davidsonเจ้าของเครือโรงภาพยนตร์ นำ Asta Nielsen และ Urban Gad มายังเยอรมนีจากเดนมาร์กในปี 1911 และก่อตั้งบริษัทผลิตภาพยนตร์ Projektions-AG "Union" ( PAGU ) จึงเริ่มมีการเปลี่ยนแปลงไปสู่การให้เช่าฟิล์ม^{[ 80 ]} Messter ตอบโต้ด้วยภาพยนตร์ชุดยาวที่นำแสดงโดย Henny Porten แต่ถึงแม้ภาพยนตร์เหล่านี้จะประสบความสำเร็จในโลกที่พูดภาษาเยอรมัน แต่ก็ไม่ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติมากนัก ต่างจากภาพยนตร์ของ Asta Nielsen อีกหนึ่งผู้ผลิตภาพยนตร์เยอรมันที่กำลังเติบโตก่อนสงครามโลกครั้งที่ 1 คือสาขาเยอรมันของ บริษัท Éclair ของฝรั่งเศส Deutsche Éclair โรงงานนี้ถูกรัฐบาลเยอรมันยึด และเปลี่ยนชื่อเป็น DECLA เมื่อสงครามเริ่มต้นขึ้น แต่โดยรวมแล้ว ผู้ผลิตชาวเยอรมันมีส่วนแบ่งในตลาดเยอรมันเพียงเล็กน้อยในปี 1914

ตรงกันข้ามกับข้ออ้างที่ว่าภาพยนตร์อเมริกันครองตลาดในยุโรปตั้งแต่กลางทศวรรษ 1910 อุตสาหกรรมภาพยนตร์ฝรั่งเศสยังคงเป็นผู้นำระดับโลกจนกระทั่งเกิดสงครามโลกครั้งที่หนึ่งในเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1914 ในปี ค.ศ. 1913 ภาพยนตร์ฝรั่งเศสครองพื้นที่ฉาย 85% ของโรงภาพยนตร์ทั่วโลก โดยบริษัท Pathéเพียงแห่งเดียวครองส่วนแบ่งตลาดโลกประมาณ 50% ผ่านเครือข่ายสาขา การผลิต และช่องทางการจัดจำหน่ายที่กว้างขวาง นอกจากนี้ Gaumontยังมีบทบาทสำคัญในระดับนานาชาติ โดยมักทำผลงานได้ดีกว่าสตูดิโอของอเมริกา มีเพียงการหยุดชะงักที่เกิดจากสงครามเท่านั้นที่ทำให้บริษัทอเมริกันค่อยๆ ก้าวขึ้นมาเป็นผู้นำระดับโลกในวงการภาพยนตร์^{[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]}

เทคนิคการถ่ายทำภาพยนตร์ใหม่ที่ได้รับการแนะนำในช่วงเวลานี้ ได้แก่ การใช้แสงประดิษฐ์ เอฟเฟกต์ไฟ และแสงสลัว (เช่น แสงที่ส่วนใหญ่ของเฟรมมืด) เพื่อเพิ่มบรรยากาศในฉากที่น่ากลัว^{[ 80 ]}

ความต่อเนื่องของการกระทำจากช็อตหนึ่งไปยังอีกช็อตหนึ่งได้รับการปรับปรุงให้ดียิ่งขึ้น เช่นใน ภาพยนตร์ เรื่อง le Cheval emballé (The Runaway Horse) ของ Pathé (1907) ซึ่งมีการใช้การตัดต่อแบบไขว้ระหว่างการกระทำคู่ ขนาน DW Griffithก็เริ่มใช้การตัดต่อแบบไขว้ในภาพยนตร์เรื่องThe Fatal Hourซึ่งสร้างในเดือนกรกฎาคม 1908 การพัฒนาอีกอย่างหนึ่งคือการใช้มุมมองภาพซึ่งใช้ครั้งแรกในปี 1910 ใน ภาพยนตร์เรื่อง Back to Nature ของ Vitagraph นอกจากนี้ยังมีการใช้ภาพแทรกเพื่อจุดประสงค์ทางศิลปะ ภาพยนตร์อิตาลีเรื่องLa mala planta (The Evil Plant)กำกับโดยMario Caseriniมีภาพแทรกของงูเลื้อยอยู่บน "ต้นไม้ชั่วร้าย" ในปี 1914 เป็นที่ยอมรับกันอย่างกว้างขวางในอุตสาหกรรมภาพยนตร์อเมริกันว่าการตัดต่อแบบไขว้มีประโยชน์มากที่สุด เพราะทำให้สามารถกำจัดส่วนที่ไม่น่าสนใจของการกระทำที่ไม่มีส่วนในการดำเนินเรื่องได้^{[ 86 ]}

ในปี พ.ศ. 2452 ฟิล์มขนาด 35 มม. กลายเป็นมาตรฐานฟิล์มฉายภาพยนตร์ที่เป็นที่ยอมรับในระดับสากล^{[ 47 ]}

เมื่อภาพยนตร์มีความยาวมากขึ้น นักเขียนเฉพาะทางจึงถูกจ้างมาเพื่อทำให้เรื่องราวที่ซับซ้อนมากขึ้นซึ่งได้มาจากนวนิยายหรือบทละครนั้นง่ายขึ้นจนสามารถบรรจุลงในม้วนฟิล์มเดียวได้แนวภาพยนตร์เริ่มถูกนำมาใช้เป็นหมวดหมู่ โดยการแบ่งหลักคือตลกและดราม่า แต่หมวดหมู่เหล่านี้ก็ถูกแบ่งย่อยออกไปอีก^{[ 80 ]}

คำบรรยายระหว่างฉากที่มีบทสนทนาเริ่มถูกนำมาใช้อย่างสม่ำเสมอตั้งแต่ปี พ.ศ. 2451 เป็นต้นไป^{[ 87 ]}เช่นในภาพยนตร์เรื่องAn Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won ของ Vitagraphบทสนทนาถูกแทรกเข้าไปตรงกลางฉากและกลายเป็นเรื่องปกติในปี พ.ศ. 2455 การนำคำบรรยายบทสนทนามาใช้ได้เปลี่ยนแปลงลักษณะของการเล่าเรื่องในภาพยนตร์ เมื่อคำบรรยายบทสนทนาถูกตัดเข้าไปในฉากทันทีหลังจากที่ตัวละครเริ่มพูด และตัดกลับไปที่ตัวละครก่อนที่พวกเขาจะพูดจบ ก็ทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้เทียบเท่ากับภาพยนตร์เสียง ในปัจจุบัน ได้^{[ 80 ]}

ช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่งเป็นช่วงเปลี่ยนผ่านที่ซับซ้อนสำหรับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ การฉายภาพยนตร์เปลี่ยนจากโปรแกรมสั้นๆ หนึ่งม้วนฟิล์มไปเป็นภาพยนตร์ยาว สถานที่ฉายภาพยนตร์มีขนาดใหญ่ขึ้นและเริ่มคิดราคาที่สูงขึ้น^{[ 80 ]}

ในสหรัฐอเมริกา การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ทำให้บริษัทภาพยนตร์หลายแห่งล่มสลาย ยกเว้นบริษัท Vitagraph การผลิตภาพยนตร์เริ่มย้ายไปที่ลอสแอนเจลิสในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 บริษัท Universal Film Manufacturing Companyก่อตั้งขึ้นในปี 1912 ในฐานะบริษัทแม่ บริษัทใหม่ที่เข้ามา ได้แก่Jesse Lasky Feature Play Company และ Famous Players ซึ่งทั้งสองบริษัทก่อตั้งขึ้นในปี 1913 และต่อมาได้รวมกันเป็นFamous Players–Laskyความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงปีเหล่านั้นคือภาพยนตร์เรื่อง The Birth of a Nation (1915) ของDavid Wark Griffith Griffith สร้างภาพยนตร์ เรื่อง Intolerance (1916) ตามมา ซึ่งยิ่งใหญ่กว่าแต่เนื่องจากคุณภาพของภาพยนตร์ที่ผลิตในสหรัฐอเมริกาสูง ตลาดสำหรับภาพยนตร์ของพวกเขาจึงสูง^{[ 80 ]}

ในฝรั่งเศส การผลิตภาพยนตร์หยุดชะงักลงเนื่องจากการระดมพลทางทหาร ทั่ว ประเทศในช่วงเริ่มต้นสงคราม แม้ว่าการผลิตภาพยนตร์จะเริ่มต้นขึ้นอีกครั้งในปี 1915 แต่ก็อยู่ในระดับที่ลดลง และบริษัทที่ใหญ่ที่สุดก็ค่อยๆ เลิกผลิตไป การผลิตภาพยนตร์ของอิตาลียังคงดำเนินต่อไปได้ดีกว่า แม้ว่าภาพยนตร์ที่เรียกว่า "ภาพยนตร์ดีว่า" ซึ่งมีนางเอกที่แสดงความทุกข์ระทมจะเป็นความล้มเหลวทางการค้าก็ตาม ในเดนมาร์ก บริษัท Nordisk เพิ่มการผลิตมากในปี 1915 และ 1916 จนไม่สามารถขายภาพยนตร์ได้ทั้งหมด ซึ่งนำไปสู่การลดลงอย่างมากของการผลิตภาพยนตร์เดนมาร์ก และจุดจบของความสำคัญของเดนมาร์กในเวทีภาพยนตร์โลก^{[ 80 ]}

อุตสาหกรรมภาพยนตร์ของเยอรมนีอ่อนแอลงอย่างมากเนื่องจากสงคราม ผู้ผลิตภาพยนตร์หน้าใหม่ที่สำคัญที่สุดในเวลานั้นคือโจ เมย์ ซึ่งสร้าง ภาพยนตร์แนวระทึกขวัญและผจญภัยหลายเรื่องในช่วงสงคราม แต่เอิร์นส์ ลูบิตช์ก็โด่งดังขึ้นมาด้วยภาพยนตร์ตลกและดราม่าที่ประสบความสำเร็จหลายเรื่อง^{[ 80 ]}

ในเวลานี้ สตูดิโอต่างๆ จะถูกปิดไฟเพื่อให้การถ่ายทำไม่ได้รับผลกระทบจากการเปลี่ยนแปลงของแสงแดด ต่อมาได้มีการเปลี่ยนมาใช้ไฟสปอตไลท์และไฟส่องสว่างแทน การใช้รูรับแสงแบบค่อยๆ ขยายและปิดเพื่อเริ่มและจบฉากต่างๆ ได้รับความนิยมอย่างแพร่หลายในช่วงเวลานี้ นี่คือการเปิดเผยภาพยนตร์ที่ถ่ายทำโดยใช้หน้ากากวงกลม ซึ่งค่อยๆ ขยายใหญ่ขึ้นจนเกินกรอบ นอกจากนี้ยังมีการใช้ช่องแสงรูปทรงอื่นๆ ด้วย เช่น ช่องแสงแนวตั้งและแนวทแยง^{[ 80 ]}

แนวคิดใหม่ที่นำมาจากการถ่ายภาพนิ่งคือ " ซอฟต์โฟกัส " ซึ่งเริ่มต้นในปี พ.ศ. 2458 โดยมีการตั้งใจทำให้ภาพเบลอเพื่อสร้างเอฟเฟกต์การแสดงออก เช่นเดียวกับภาพของแมรี่ พิกฟอร์ดในเรื่องFanchon the Cricket ^{[ 80 ]}

ในช่วงเวลานี้ เทคนิคการถ่ายทำภาพยนตร์ที่มุ่งเน้นการถ่ายทอดความรู้สึกส่วนตัวของตัวละครในภาพยนตร์เริ่มได้รับการพัฒนาอย่างจริงจัง เทคนิคเหล่านี้สามารถทำได้โดยใช้มุมมองบุคคลที่หนึ่ง ( POV ) ดังเช่นใน ภาพยนตร์เรื่อง The Story of the Glove (1915) ของ Sidney Drew ซึ่งภาพที่ถ่ายด้วยมือแบบสั่นไหวของประตูและรูกุญแจแสดงถึงมุมมองของชายขี้เมา การใช้ภาพแบบอนามอร์ฟิก (ในความหมายทั่วไปของรูปทรงที่บิดเบี้ยว) ปรากฏขึ้นครั้งแรกในช่วงปีเหล่านี้เมื่อAbel Ganceกำกับ ภาพยนตร์เรื่อง la Folie du Docteur Tube (The Madness of Dr. Tube)ในภาพยนตร์เรื่องนี้ ผลกระทบของยาที่ให้กับกลุ่มคนถูกนำเสนอโดยการถ่ายทำฉากที่สะท้อนในกระจกบิดเบี้ยวแบบที่ใช้ในงานเทศกาล^{[ 80 ]}

ผลกระทบเชิงสัญลักษณ์ที่สืบทอดมาจากประเพณีทางวรรณกรรมและศิลปะแบบดั้งเดิมยังคงปรากฏให้เห็นในภาพยนตร์บางเรื่องในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ในภาพยนตร์เรื่องThe Avenging Conscience (1914) ของ DW Griffith ชื่อเรื่อง "การกำเนิดของความคิดชั่วร้าย" นำหน้าภาพสามช็อตที่แสดงให้เห็นตัวเอกกำลังมองดูแมงมุม และมดกำลังกินแมลง ศิลปะและวรรณกรรมเชิงสัญลักษณ์ในช่วงต้นศตวรรษยังส่งผลกระทบในวงกว้างต่อภาพยนตร์จำนวนไม่มากที่สร้างในอิตาลีและรัสเซีย การยอมรับความตายอย่างสงบนิ่งอันเป็นผลมาจากความหลงใหลและความปรารถนาต้องห้ามเป็นคุณลักษณะสำคัญของศิลปะนี้ และสภาวะเพ้อคลั่งที่กล่าวถึงอย่างยาวนานก็มีความสำคัญเช่นกัน^{[ 80 ]}

การใช้ภาพแทรกเช่น ภาพโคลสอัพของวัตถุอื่นที่ไม่ใช่ใบหน้า ได้ถูกกำหนดไว้แล้วโดยโรงเรียนไบรตัน แต่มีการใช้ไม่บ่อยนักก่อนปี 1914 มีเพียง ภาพยนตร์เรื่อง The Avenging Conscience ของกริฟฟิธเท่านั้น ที่แสดงให้เห็นถึงขั้นตอนใหม่ของการใช้ภาพแทรก^{[ 80 ]}นอกจากภาพแทรกเชิงสัญลักษณ์ที่กล่าวถึงไปแล้ว ภาพยนตร์เรื่องนี้ยังใช้ภาพโคลสอัพขนาดใหญ่จำนวนมากของมือที่จับกันและเท้าที่เคาะพื้น เพื่อเน้นส่วนต่างๆ ของร่างกายที่เป็นตัวบ่งชี้ถึงความตึงเครียดทางจิตใจ^{[ 87 ]}

ภาพบรรยากาศแทรกคือภาพที่ไม่มีตัวละครใดๆ ในเรื่องปรากฏอยู่ และไม่มีภาพมุมมองจากตัวละครใดๆ เลย ตัวอย่างแรกๆ คือภาพที่มอริซ ตูร์เนอร์กำกับในภาพยนตร์เรื่องThe Pride of the Clan (1917) ซึ่งมีภาพคลื่นซัดเข้าหาชายฝั่งหินเพื่อแสดงให้เห็นถึงชีวิตที่ยากลำบากของชาวประมง ส่วนภาพยนตร์เรื่องNelson; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) ของมอริซ เอลวีมีลำดับภาพเชิงสัญลักษณ์ที่ค่อยๆ เปลี่ยนจากภาพของจักรพรรดิวิลเฮล์มที่ 2ไปเป็นนกยูง แล้วก็ไปเป็นเรือรบ^{[ 87 ]}

ในปี พ.ศ. 2457 ภาพยนตร์แบบต่อเนื่องได้กลายเป็นรูปแบบที่ได้รับการยอมรับในวงการภาพยนตร์เชิงพาณิชย์ หนึ่งในเทคนิคขั้นสูงของภาพยนตร์แบบต่อเนื่องคือการเปลี่ยนฉากจากช็อตหนึ่งไปยังอีกช็อตหนึ่งอย่างแม่นยำและราบรื่น^{[ 80 ]} การตัด ภาพไปยัง มุม ต่างๆภายในฉากเดียวกันก็กลายเป็นเทคนิคที่ได้รับการยอมรับอย่างดีสำหรับการแบ่งฉากออกเป็นช็อตต่างๆ ในภาพยนตร์อเมริกัน^{[ 87 ]}หากทิศทางของช็อตเปลี่ยนไปมากกว่าเก้าสิบองศา จะเรียกว่าการตัดภาพแบบย้อนกลับมุม^{[ 88 ]}บุคคลสำคัญในการพัฒนาการตัดภาพแบบย้อนกลับมุมอย่างเต็มรูปแบบคือราล์ฟ อินซ์ในภาพยนตร์ของเขา เช่นThe Right Girlและ His Phantom Sweetheart ^{[ 87 ]}

การใช้ โครงสร้าง ภาพย้อนอดีตยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องในช่วงเวลานี้ โดยวิธีการเข้าและออกจากภาพย้อนอดีตโดยทั่วไปคือการใช้การเปลี่ยนภาพแบบค่อยๆ จางหายไป ภาพยนตร์เรื่อง The Man That Might Have Been ( William J. Humphrey , 1914) ของบริษัท Vitagraphนั้นซับซ้อนยิ่งกว่า ด้วยชุดของความฝันและภาพย้อนอดีตที่เปรียบเทียบเส้นทางชีวิตจริงของตัวเอกกับสิ่งที่อาจเกิดขึ้นหากลูกชายของเขาไม่เสียชีวิต

หลังปี 1914 การตัดต่อแบบไขว้ระหว่างการกระทำคู่ขนานเริ่มถูกนำมาใช้มากขึ้นในภาพยนตร์อเมริกันมากกว่าภาพยนตร์ยุโรป การตัดต่อแบบไขว้ถูกนำมาใช้เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ความแตกต่างแบบใหม่ เช่น ลำดับภาพตัดต่อแบบไขว้ในภาพยนตร์เรื่องThe Whispering Chorus (1918) ของCecil B. DeMilleซึ่งสามีที่คิดว่าตายไปแล้วกำลังมีความสัมพันธ์กับโสเภณีชาวจีนในโรงฝิ่น ในขณะเดียวกันภรรยาที่ไม่รู้เรื่องก็กำลังแต่งงานใหม่ในโบสถ์^{[ 87 ]}

การย้อมสี ภาพยนตร์เงียบก็ได้รับความนิยมในช่วงเวลานี้เช่นกัน การย้อมสีอำพันหมายถึงเวลากลางวันหรือกลางคืนที่มีแสงสว่างจ้า การย้อมสีฟ้าหมายถึงรุ่งอรุณหรือกลางคืนที่มีแสงสลัว การย้อมสีแดงแสดงถึงฉากไฟไหม้ การย้อมสีเขียวหมายถึงบรรยากาศลึกลับ และการย้อมสีน้ำตาล (หรือที่เรียกว่าการย้อมสีซีเปีย ) มักใช้กับภาพยนตร์เต็มเรื่องแทนที่จะใช้กับฉากแต่ละฉาก ตัวอย่างภาพยนตร์เงียบที่ย้อมสีที่โดดเด่น ได้แก่ The Birth of a Nation (1915) ของDW Griffiths , Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1920) ของJohn S. RobertsonและThe Cabinet of Dr. Caligari (1920) ของRobert Wiene ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

ภาพยนตร์เรื่อง Photo-Drama of Creationซึ่งฉายให้ผู้ชมชมครั้งแรกในปี พ.ศ. 2457 เป็นบทภาพยนตร์หลักเรื่องแรกที่รวมเสียงที่ซิงโครไนซ์ ภาพยนตร์เคลื่อนไหว และสไลด์สี ^{[ 92 ]}จนถึงปี พ.ศ. 2460 ภาพยนตร์ส่วนใหญ่ผลิตโดยไม่มีเสียง ช่วงเวลานี้มักถูกเรียกว่าภาพยนตร์เงียบ^{[ 93 ] [ 94 ]}

แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาภาพยนตร์ ซึ่งนำโดยสหรัฐอเมริกา มุ่งเน้นไปที่การใช้เทคนิคภาพยนตร์ที่พัฒนาขึ้นใหม่เพื่อแสดงเนื้อหาของเรื่องราวในภาพยนตร์ และผสมผสานสิ่งนี้เข้ากับโครงสร้างละครมาตรฐานที่ใช้กันอยู่แล้วในโรงละครเชิงพาณิชย์ DW Griffithได้รับการยกย่องสูงสุดในบรรดาผู้กำกับชาวอเมริกันในอุตสาหกรรมนี้ เนื่องจากความตื่นเต้นเร้าใจที่เขาถ่ายทอดให้กับผู้ชมผ่านภาพยนตร์ของเขา ภาพยนตร์เรื่องThe Cheat (1915) ของCecil B. DeMilleนำเสนอประเด็นปัญหาทางศีลธรรมที่ตัวละครเผชิญได้อย่างละเอียดอ่อนกว่า Griffith DeMille ยังเข้าถึงความเป็นจริงของชีวิตชาวอเมริกันร่วมสมัยได้ดีกว่าMaurice Tourneurก็ได้รับการจัดอันดับสูงเช่นกันในด้านความงดงามทางภาพของภาพยนตร์ของเขา ควบคู่ไปกับความละเอียดอ่อนในการจัดการจินตนาการ ในขณะเดียวกันเขาก็สามารถดึงความเป็นธรรมชาติจากนักแสดงของเขาได้มากขึ้นในจังหวะที่เหมาะสม เช่นในภาพยนตร์เรื่องA Girl's Folly (1917) ^{[ 80 ]}

ซิดนีย์ ดรูว์เป็นผู้นำในการพัฒนา "ตลกสุภาพ" ในขณะที่ตลกแบบสแลปสติกได้รับการปรับปรุงโดยแฟตตี อาร์บัคเคิลและชาร์ลส์ แชปลินซึ่งทั้งคู่เริ่มต้นจาก บริษัทคีย์สโตนของ แม็ค เซนเน็ตต์พวกเขาลดจังหวะที่รวดเร็วฉับไวตามปกติของภาพยนตร์ของเซนเน็ตต์ลง เพื่อให้ผู้ชมมีโอกาสได้ชื่นชมความละเอียดอ่อนและความประณีตของการเคลื่อนไหว และความชาญฉลาดของมุกตลกของพวกเขา ในปี 1917 แชปลินยังได้นำเนื้อเรื่องที่ดราม่ามากขึ้นมาใส่ในภาพยนตร์ของเขา และผสมผสานความตลกเข้ากับความรู้สึก^{[ 80 ]}

ในรัสเซียเยฟเกนี บาวเออร์ได้นำความเข้มข้นของการแสดงที่ค่อยเป็นค่อยไปผสมผสานกับแนวคิดสัญลักษณ์นิยมมาใส่ไว้ในภาพยนตร์ในรูปแบบที่ไม่เหมือนใคร^{[ 80 ]}

ในสวีเดนVictor Sjöströmสร้างภาพยนตร์ชุดหนึ่งที่ผสมผสานความเป็นจริงในชีวิตของผู้คนเข้ากับสภาพแวดล้อมได้อย่างน่าทึ่ง ในขณะที่ Mauritz Stiller พัฒนาภาพยนตร์ตลกที่ซับซ้อนไปอีกระดับ^{[ 80 ]}

ในเยอรมนีErnst Lubitschได้รับแรงบันดาลใจจากงานละครเวทีของMax Reinhardtทั้งในด้านละครตลกชนชั้นกลางและละครเวที และนำสิ่งนี้มาประยุกต์ใช้กับภาพยนตร์ของเขา ซึ่ง culminate ในdie Puppe ( ตุ๊กตา ), die Austernprinzessin ( เจ้าหญิงหอยนางรม ) และMadame Dubarry ^{[ 80 ]}

ในช่วงเริ่มต้นของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ภาพยนตร์ ฝรั่งเศสและอิตาลีได้รับความนิยมมากที่สุดในระดับโลก สงครามครั้งนี้ได้สร้างความเสียหายอย่างร้ายแรงต่ออุตสาหกรรมภาพยนตร์ของ ยุโรป

ตลอดช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินผู้สร้างภาพยนตร์ยังคงเรียนรู้การใช้กล้องและการสร้างภาพลวงตาโดยใช้พื้นที่และเวลาในการถ่ายทำ รูปแบบความคิดสร้างสรรค์ใหม่นี้ได้เปิดทางให้คนกลุ่มใหม่ก้าวสู่ความโด่งดัง รวมถึงเดวิด ดับเบิลยู. กริฟฟิธ ผู้สร้างชื่อเสียงจากภาพยนตร์เรื่องThe Birth of a Nation ในปี 1915 ในปี 1920 มีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญสองประการในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ ได้แก่ การนำเสียงเข้ามาและการสร้างระบบสตูดิโอ ในช่วงทศวรรษ 1920 นักแสดงที่เคยทำงานอิสระเริ่มเข้าร่วมสตูดิโอและทำงานร่วมกับนักแสดงและผู้กำกับคนอื่นๆ ในปี 1927 ภาพยนตร์เรื่องThe Jazz Singerได้ออกฉาย ทำให้ภาพยนตร์มีเสียงมากขึ้น

วงการ ภาพยนตร์ เยอรมันในยุคนั้นได้เห็นยุคของ ขบวนการ ภาพยนตร์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ของเยอรมันเบอร์ลินเป็นศูนย์กลางด้วยสตูดิโอภาพยนตร์บาเบลสเบิร์ก [ ^{100 ] [ 96 ] ภาพยนตร์}เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ยุคแรกๆ ชดเชยการขาดงบประมาณที่ฟุ่มเฟือยด้วยการใช้ฉากที่มีมุมที่ไม่สมจริงและไร้สาระทางเรขาคณิตอย่างมาก พร้อมกับภาพวาดบนผนังและพื้นเพื่อแสดงถึงแสง เงา และวัตถุต่างๆ เนื้อเรื่องและเรื่องราวของภาพยนตร์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์มักเกี่ยวข้องกับความบ้าคลั่งความวิกลจริตการทรยศและหัวข้อ "ทางปัญญา" อื่นๆ ที่เกิดจากประสบการณ์ในสงครามโลกครั้งที่ 1 ภาพยนตร์เช่นThe Cabinet of Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) และM (1931) มีอิทธิพลในระดับนานาชาติอย่างมาก ซึ่งยังคงสามารถเห็นได้ในผลงานของผู้สร้างภาพยนตร์ นักออกแบบเกม และศิลปินในปัจจุบัน^{[ 101 ]}

ภาพยนตร์อย่างMetropolis (1927) และWoman in the Moon (1929) ได้สร้างแนวภาพยนตร์ไซไฟขึ้นมาบางส่วน^{[ 102 ]}และLotte Reinigerกลายเป็นผู้บุกเบิกด้านแอนิเมชั่น โดยสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องยาวอย่างThe Adventures of Prince Achmedซึ่งเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่และเป็นภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่เก่าแก่ที่สุดที่สร้างในยุโรป

ผู้กำกับ นักแสดง นักเขียน และบุคคลอื่นๆ ชาวเยอรมันและที่อยู่ในเยอรมนีจำนวนมากอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาเมื่อนาซีขึ้นครองอำนาจ ทำให้ฮอลลีวูดและอุตสาหกรรมภาพยนตร์อเมริกันได้เปรียบในการแข่งขันกับประเทศผู้ผลิตภาพยนตร์อื่นๆ^{[ 103 ]}

อุตสาหกรรมภาพยนตร์ของอเมริกา หรือ "ฮอลลีวูด" ซึ่งเป็นชื่อที่เริ่มเป็นที่รู้จักหลังจากย้ายศูนย์กลางทางภูมิศาสตร์ไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียได้รับสถานะที่ครองมาโดยตลอดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา นั่นคือ โรงงานผลิตภาพยนตร์ของโลกและส่งออกผลิตภัณฑ์ไปยังประเทศส่วนใหญ่ทั่วโลก

ในช่วงทศวรรษ 1920 สหรัฐอเมริกาได้ก้าวเข้าสู่ยุคที่มีผลผลิตสูงสุดเป็นประวัติการณ์ โดยผลิตภาพยนตร์สารคดี เฉลี่ยปีละ 800 เรื่อง ^{[ 104 ]}หรือคิดเป็น 82% ของจำนวนภาพยนตร์ทั้งหมดทั่วโลก (Eyman, 1997) ภาพยนตร์ตลกของชาร์ลี แชปลินและบัสเตอร์ คีตันภาพยนตร์ผจญภัยของดักลาส แฟร์แบงค์และภาพยนตร์โรแมนติกของคลารา โบว์เป็นเพียงตัวอย่างบางส่วนที่ทำให้ใบหน้าของนักแสดงเหล่านี้เป็นที่รู้จักกันดีในทุกทวีป มาตรฐานภาพแบบตะวันตกที่จะกลายเป็นการตัดต่อแบบต่อเนื่อง คลาสสิก ได้รับการพัฒนาและส่งออก แม้ว่าการนำไปใช้จะช้ากว่าในบางประเทศที่ไม่ใช่ตะวันตกซึ่งไม่มีประเพณี ศิลปะและละคร แบบสมจริงที่ แข็งแกร่ง เช่นญี่ปุ่น

การพัฒนาเหล่านี้เกิดขึ้นพร้อมกับการเติบโตของระบบสตูดิโอและวิธีการประชาสัมพันธ์ที่สำคัญที่สุด นั่นคือระบบดาราซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพยนตร์อเมริกันในอีกหลายทศวรรษต่อมา และเป็นต้นแบบให้กับอุตสาหกรรมภาพยนตร์อื่นๆ การควบคุมอย่างมีประสิทธิภาพจากบนลงล่างของสตูดิโอในทุกขั้นตอนของการผลิต ทำให้เกิดการผลิตที่หรูหราและความซับซ้อนทางเทคนิคในระดับใหม่ที่เพิ่มขึ้นเรื่อยๆ ในขณะเดียวกัน การควบคุมทางการค้าและการมุ่งเน้นไปที่ความบันเทิงที่เย้ายวนของระบบนี้กลับยับยั้งความกล้าหาญและความทะเยอทะยานเกินกว่าระดับหนึ่ง ตัวอย่างที่สำคัญคืออาชีพการกำกับภาพยนตร์ที่สั้นแต่ยังคงเป็นตำนานของเอริช ฟอน สโตรไฮม์ในช่วงปลายทศวรรษ 1910 และทศวรรษ 1920

ในปี พ.ศ. 2467 แซม โกลด์วินหลุยส์ บี. เมเยอร์และเมโทร พิคเจอร์ส คอร์ปอเรชั่น ได้ก่อตั้งMGMขึ้น^{[ 47 ]}

ในช่วงปลายปี 1927 วอร์เนอร์ได้ปล่อยภาพยนตร์เรื่อง The Jazz Singerซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพยนตร์เงียบ แต่มีสิ่งที่โดยทั่วไปถือว่าเป็นบทสนทนา (และการร้องเพลง) ที่ซิงโครไนซ์เป็นครั้งแรกในภาพยนตร์เรื่องยาว^{[ 105 ]}อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้สำเร็จเป็นครั้งแรกโดยCharles Taze Russellในปี 1914 ด้วยภาพยนตร์ขนาวยาวเรื่อง The Photo-Drama of Creationละครเรื่องนี้ประกอบด้วยภาพสไลด์และภาพเคลื่อนไหวที่ซิงโครไน ซ์กับ แผ่นเสียงของบทสนทนาและดนตรี กระบวนการ บันทึกเสียงลงแผ่นเสียง ในยุคแรก เช่นVitaphoneถูกแทนที่ด้วย วิธีการ บันทึกเสียงลงฟิล์มเช่น Fox Movietone , DeForest PhonofilmและRCA Photophone ในไม่ช้า แนวโน้มนี้ทำให้บรรดานักอุตสาหกรรมที่ลังเลใจส่วนใหญ่เชื่อว่า "ภาพยนตร์พูดได้" หรือ "talkies" คืออนาคต มีความพยายามมากมายเกิดขึ้นก่อนความสำเร็จของThe Jazz Singerซึ่งสามารถดูได้ในรายการระบบเสียงภาพยนตร์และในปี 1926 วอร์เนอร์ บราเธอร์ส เปิดตัวภาพยนตร์เรื่องดอนฮวนพร้อมเอฟเฟกต์เสียงและดนตรีที่ซิงโครไนซ์กัน^{[ 47 ]}

การเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วอย่างน่าทึ่ง ภายในสิ้นปี 1929 ฮอลลีวูดเกือบทั้งหมดกลายเป็นภาพยนตร์เสียง โดยมีระบบเสียงหลายระบบที่แข่งขันกัน (ซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับการกำหนดมาตรฐาน) การเปลี่ยนแปลงโดยรวมนั้นช้ากว่าเล็กน้อยในส่วนอื่นๆ ของโลก ส่วนใหญ่เป็นเพราะเหตุผลทางเศรษฐกิจ เหตุผลทางวัฒนธรรมก็เป็นปัจจัยหนึ่งในประเทศต่างๆ เช่นจีนและญี่ปุ่นซึ่งภาพยนตร์เงียบอยู่ร่วมกับภาพยนตร์เสียงได้อย่างประสบความสำเร็จจนถึงทศวรรษ 1930 และยังได้สร้างภาพยนตร์คลาสสิกที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดในประเทศเหล่านั้น เช่น ภาพยนตร์เรื่องThe Goddessของอู๋ หย่งกัง (จีน, 1934) และ ภาพยนตร์เรื่อง I Was Born, But...ของยาซูจิโร โอซุ (ญี่ปุ่น, 1932) แต่แม้แต่ในญี่ปุ่นเอง บุคคลสำคัญอย่างเบ็นชิผู้บรรยายสด ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของภาพยนตร์เงียบของญี่ปุ่น ก็พบว่าอาชีพการแสดงของตนกำลังจะสิ้นสุดลง

Sound further tightened the grip of major studios in numerous countries: the vast expense of the transition overwhelmed smaller competitors, while the novelty of sound lured vastly larger audiences for those producers that remained. In the case of the U.S., some historians credit sound with saving the Hollywood studio system in the face of the Great Depression (Parkinson, 1995). Thus began what is now often called "The Golden Age of Hollywood", which refers roughly to the period beginning with the introduction of sound until the late 1940s. The American cinema reached its peak of efficiently manufactured glamour and global appeal during this period. The top actors of the era are now thought of as the classic film stars, such as Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo, and the greatest box office draw of the 1930s, child performer Shirley Temple.

Creatively, however, the rapid transition was a difficult one, and in some ways, film briefly reverted to the conditions of its earliest days. The late '20s were full of static, stagey talkies as artists in front of and behind the camera struggled with the stringent limitations of the early sound equipment and their own uncertainty as to how to use the new medium. Many stage performers, directors and writers were introduced to cinema as producers sought personnel experienced in dialogue-based storytelling. Many major silent filmmakers and actors were unable to adjust and found their careers severely curtailed or even ended.

This awkward period was fairly short-lived. 1929 was a watershed year: William Wellman with Chinatown Nights and The Man I Love, Rouben Mamoulian with Applause, Alfred Hitchcock with Blackmail (Britain's first sound feature), were among the directors to bring greater fluidity to talkies and experiment with the expressive use of sound (Eyman, 1997). In this, they both benefited from, and pushed further, technical advances in microphones and cameras, and capabilities for editing and post-synchronizing sound (rather than recording all sound directly at the time of filming).

ภาพยนตร์เสียงเน้นและส่งเสริมแนวภาพยนตร์ ที่หลากหลาย มากกว่าภาพยนตร์เงียบอย่างเห็นได้ชัด ที่เห็นได้ชัดที่สุดคือภาพยนตร์เพลง ภาพยนตร์เพลงฮอลลีวูดแบบคลาสสิกเรื่องแรกคือThe Broadway Melody (1929) และรูปแบบนี้ก็พบผู้สร้างหลักคนแรกคือบัสบี เบิร์กลีย์ นักออกแบบท่าเต้นและผู้กำกับ ( 42nd Street , 1933, Dames , 1934) ในฝรั่งเศสเรเน่ แคลร์ผู้กำกับแนวหน้าได้ ใช้เพลงและการเต้นรำ แบบเหนือจริงในภาพยนตร์ตลก เช่นUnder the Roofs of Paris (1930) และLe Million (1931) ยูนิเวอร์แซล พิคเจอร์สเริ่มปล่อย ภาพยนตร์ สยองขวัญแนวโกธิคเช่นDraculaและFrankenstein (ทั้งสองเรื่องในปี 1931) ในปี 1933 อาร์โค พิคเจอร์สได้ปล่อยภาพยนตร์ "สัตว์ประหลาดยักษ์" คลาสสิกของเมเรียน ซี. คูเปอร์ เรื่องKing Kongกระแสนี้เฟื่องฟูที่สุดในอินเดียซึ่งอิทธิพลของละครเพลงและการเต้นรำแบบดั้งเดิมของประเทศทำให้ภาพยนตร์เพลงกลายเป็นรูปแบบพื้นฐานของภาพยนตร์เสียงส่วนใหญ่ (คุก, 1990) ภาพยนตร์ยอดนิยมของอินเดียเรื่องนี้แทบไม่มีใครในโลกตะวันตกสังเกตเห็นมานานหลายทศวรรษ แต่กลับกลายเป็น ภาพยนตร์ ที่มีผลงานมากที่สุดในโลก ( ดูเพิ่มเติมที่บอลลีวูด )

ในช่วงเวลานั้นภาพยนตร์แก๊งสเตอร์ อเมริกัน อย่างLittle CaesarและThe Public Enemy ของเวลล์แมน (ทั้งสองเรื่องออกฉายในปี 1931) ได้รับความนิยม บทสนทนาเริ่มมีความสำคัญมากกว่าการแสดงตลกแบบตบตีในภาพยนตร์ตลกฮอลลีวูด: บทสนทนาที่รวดเร็วและเฉียบคมในThe Front Page (1931) หรือIt Happened One Night (1934) คำพูดสองแง่สองง่ามทางเพศของเมย์ เวสต์ ( She Done Him Wrong , 1933) หรือบทสนทนาไร้สาระที่มักจะแหวกแนวและต่อต้านสังคมของพี่น้องมาร์กซ์ ( Duck Soup , 1933) วอลต์ ดิสนีย์ผู้ซึ่งก่อนหน้านี้อยู่ในธุรกิจการ์ตูนสั้น ได้ก้าวเข้าสู่ภาพยนตร์ยาวด้วยภาพยนตร์แอนิเมชั่นภาษาอังกฤษเรื่องแรกSnow White and the Seven Dwarfsซึ่งออกฉายโดยRKO Picturesในปี 1937 ปี 1939 เป็นปีสำคัญสำหรับภาพยนตร์อเมริกัน โดยมีภาพยนตร์อย่างThe Wizard of OzและGone with The Wind ออกมาให้ ชม

ภาพยนตร์ประมาณร้อยละ 80 ในช่วงปี 1890 ถึง 1920 มีสี^{[ 106 ]}หลายเรื่องใช้ สี ย้อมฟิล์ม แบบโมโนโครมา ติก บางเรื่องใช้สีโปร่งใสหลายสีทาเฟรมด้วยมือ และตั้งแต่ปี 1905 มีการใช้กระบวนการสเตนซิลแบบใช้เครื่องจักร ( Pathécolor )

คิเนมาคัลเลอร์ (Kinemacolor)ซึ่งเป็นกระบวนการสร้างภาพยนตร์สีที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์เป็นครั้งแรก ผลิตภาพยนตร์สองสี (แดงและฟ้า) ตั้งแต่ปี 1908 ถึง 1914

เทคนิค การสร้างภาพสีแบบสามแถบธรรมชาติของTechnicolor ประสบความสำเร็จอย่างมากในการนำมาใช้ในปี 1932 กับภาพยนตร์แอนิเมชั่นสั้นเรื่อง " Flowers and Trees " ของวอลต์ ดิสนีย์ ซึ่งได้รับรางวัลออสการ์ และ กำกับโดยเบิร์ต กิลเลตต์ในตอนแรก Technicolor ถูกนำไปใช้เป็นหลักในภาพยนตร์เพลง เช่น " The Wizard of Oz " (1939) ภาพยนตร์ย้อนยุค เช่น " The Adventures of Robin Hood " และภาพยนตร์แอนิเมชั่น ไม่นานหลังจากที่โทรทัศน์แพร่หลายในช่วงต้นทศวรรษ 1950 สีก็กลายเป็นมาตรฐานสำหรับภาพยนตร์ในโรงภาพยนตร์

ความต้องการใช้ภาพยนตร์เป็นเครื่องมือโฆษณาชวนเชื่อในช่วงสงครามเพื่อต่อต้านฝ่ายตรงข้าม ทำให้เกิดการฟื้นฟูวงการภาพยนตร์ในอังกฤษ โดยมีภาพยนตร์ดราม่าสงครามที่สมจริง เช่น49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) และภาพยนตร์เกี่ยวกับกองทัพเรือที่โด่งดังของโนเอล โคเวิร์ดและเดวิด ลีน เรื่อง In Which We Serveในปี 1942 ซึ่งได้รับรางวัลออสการ์ พิเศษ ภาพยนตร์ เหล่านี้มีอยู่ควบคู่ไปกับภาพยนตร์ที่ฉูดฉาดกว่า เช่นThe Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) และA Matter of Life and Death (1946) ของไมเคิล พาวเวลล์และเอเมอริก เพรสส์เบอร์เกอร์รวมถึง ภาพยนตร์ เรื่อง Henry V ใน ปี 1944ของลอเรนซ์ โอลิวิเยร์ซึ่งดัดแปลงมาจากประวัติศาสตร์ของเชกสเปียร์เรื่องHenry V ความสำเร็จของสโนว์ไวท์กับคนแคระทั้งเจ็ดทำให้ดิสนีย์สามารถสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นเรื่องอื่นๆ ได้อีก เช่นพิน็อกคิโอ (1940), แฟนตาเซีย (1940), ดัมโบ้ (1941) และแบมบี้ (1942)

การที่สหรัฐอเมริกาเข้าร่วมสงครามโลกครั้งที่สองยังนำมาซึ่งการสร้างภาพยนตร์จำนวนมาก ทั้งในแง่ของความรักชาติและการโฆษณาชวนเชื่อ ภาพยนตร์โฆษณาชวนเชื่อของอเมริกา ได้แก่Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) และObjective, Burma! (1945) ภาพยนตร์อเมริกันที่โดดเด่นในช่วงสงคราม ได้แก่Watch on the Rhine (1943) ซึ่งเป็นภาพยนตร์ต่อต้านนาซี เขียนบทโดยDashiell Hammett ; Shadow of a Doubt (1943) ซึ่งกำกับโดย Hitchcock จากบทภาพยนตร์ของThornton Wilder ; ภาพยนตร์ชีวประวัติของGeorge M. Cohan เรื่อง Yankee Doodle Dandy (1942) นำแสดงโดยJames Cagneyและภาพยนตร์ยอดนิยมอย่างCasablancaที่นำแสดงโดยHumphrey Bogart โบการ์ตแสดงนำในภาพยนตร์ 36 เรื่องระหว่างปี 1934 ถึง 1942 รวมถึง เรื่อง The Maltese Falcon (1941) ของจอห์น ฮัสตัน ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพยนตร์เรื่องแรกๆ ที่ได้รับการยกย่องว่าเป็น ภาพยนตร์แนวฟิล์ม นัวร์ คลาสสิก ในปี 1941 บริษัท RKO Picturesได้ปล่อย ภาพยนตร์ เรื่อง Citizen Kaneที่กำกับโดยออร์สัน เวลส์ซึ่งมักได้รับการยกย่องว่าเป็นภาพยนตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ภาพยนตร์เรื่องนี้ได้วางรากฐานให้กับภาพยนตร์สมัยใหม่ เนื่องจากเป็นการปฏิวัติการเล่าเรื่องในภาพยนตร์

ข้อจำกัดในช่วงสงครามยังนำมาซึ่งความสนใจในเรื่องราวเหนือจินตนาการมากขึ้น ซึ่งรวมถึงภาพยนตร์ดราม่าของGainsborough จากประเทศอังกฤษ (เช่นThe Man in GreyและThe Wicked Lady ) และภาพยนตร์อย่างHere Comes Mr. Jordan , Heaven Can Wait , I Married a WitchและBlithe Spirit นอกจากนี้ Val Lewtonยังสร้างภาพยนตร์สยองขวัญทุนต่ำที่มีบรรยากาศและอิทธิพลหลายเรื่อง ตัวอย่างที่โด่งดังที่สุด ได้แก่Cat People , Isle of the DeadและThe Body Snatcherทศวรรษนี้ยังอาจเป็นช่วงเวลาที่ภาพยนตร์ที่เรียกว่า " ภาพยนตร์สำหรับผู้หญิง " เช่นNow, Voyager , Random HarvestและMildred Pierceได้รับความนิยมสูงสุดอีกด้วย

ในปี 1946 RKO Radio ได้ปล่อยภาพยนตร์เรื่อง It's a Wonderful Life ซึ่งกำกับโดย แฟรงค์ คาปราผู้กำกับชาวอิตาลีทหารที่กลับมาจากสงครามเป็นแรงบันดาลใจให้กับภาพยนตร์หลายเรื่อง เช่นThe Best Years of Our Livesและหลายคนในวงการภาพยนตร์ก็เคยรับราชการทหารในช่วงสงคราม ประสบการณ์ของ ซามูเอล ฟุลเลอร์ในสงครามโลกครั้งที่สองมีอิทธิพลต่อภาพยนตร์อัตชีวประวัติของเขาในทศวรรษต่อมา เช่นThe Big Red One Actors Studioก่อตั้งขึ้นในเดือนตุลาคมปี 1947 โดยเอเลีย คาซานโรเบิร์ต ลูอิสและเชอริล ครอว์ฟอร์ดและในปีเดียวกันนั้นออสการ์ ฟิชชิงเกอร์ได้ถ่ายทำภาพยนตร์เรื่อง Motion Painting No. 1

ในปี 1943 ภาพยนตร์ เรื่อง Ossessioneได้ฉายในอิตาลี ซึ่งถือเป็นการเริ่มต้นของลัทธิสัจนิยมใหม่ของอิตาลีภาพยนตร์สำคัญในประเภทนี้ในช่วงทศวรรษ 1940 ได้แก่Bicycle Thieves , Rome, Open CityและLa Terra Tremaในปี 1952 ภาพยนตร์เรื่อง Umberto Dได้ออกฉาย ซึ่งโดยทั่วไปถือว่าเป็นภาพยนตร์เรื่องสุดท้ายในประเภทนี้

ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ในอังกฤษสตูดิโอ Ealingได้เริ่มต้นสร้างภาพยนตร์ตลกชื่อดังหลายเรื่อง รวมถึงWhisky Galore! , Passport to Pimlico , Kind Hearts and CoronetsและThe Man in the White Suitขณะที่Carol Reedกำกับภาพยนตร์ระทึกขวัญที่มีอิทธิพลอย่างOdd Man Out , The Fallen IdolและThe Third Man David Leanก็กำลังก้าวขึ้นมาเป็นผู้ทรงอิทธิพลในวงการภาพยนตร์โลกอย่างรวดเร็วด้วยผลงานเรื่อง Brief Encounterและภาพยนตร์ดัดแปลงจากนวนิยาย ของ Dickens เรื่อง Great ExpectationsและOliver TwistและMichael PowellกับEmeric Pressburgerก็ได้ประสบความสำเร็จสูงสุดในความร่วมมือสร้างสรรค์ของพวกเขาด้วยภาพยนตร์อย่างBlack NarcissusและThe Red Shoes

คณะกรรมการกิจกรรมต่อต้านอเมริกาของสภาผู้แทนราษฎรได้ทำการสอบสวนฮอลลีวูดในช่วงต้นทศวรรษ 1950 การไต่สวนซึ่งถูกประท้วงโดยกลุ่มฮอลลีวูดเทนต่อหน้าคณะกรรมการ ส่งผลให้มีการขึ้นบัญชีดำนักแสดง นักเขียน และผู้กำกับจำนวนมาก รวมถึงชาเยฟสกี ชาร์ ลี แชปลินและดัลตัน ทรัมโบและหลายคนเหล่านี้ได้หลบหนีไปยังยุโรป โดยเฉพาะสหราชอาณาจักร

บรรยากาศของยุคสงครามเย็น ได้แปรเปลี่ยนไปเป็น ความหวาดระแวงในระดับหนึ่งซึ่งปรากฏให้เห็นในธีมต่างๆเช่นกองทัพเอเลี่ยนชั่วร้ายที่บุกเข้ามา ( เช่น Invasion of the Body Snatchers , The War of the Worlds ) และ สายลับ คอมมิวนิสต์ ที่แทรกซึม เข้ามา (เช่นThe Manchurian Candidate )

ในช่วงหลังสงครามไม่นาน อุตสาหกรรมภาพยนตร์ก็ถูกคุกคามจากโทรทัศน์เช่นกัน และความนิยมที่เพิ่มขึ้นของสื่อนี้ส่งผลให้โรงภาพยนตร์บางแห่งล้มละลายและปิดตัวลง การล่มสลายของ "ระบบสตูดิโอ" กระตุ้นให้เกิด ภาพยนตร์ ที่วิพากษ์วิจารณ์ตนเองเช่นSunset Boulevard (1950) และThe Bad and the Beautiful (1952)

ในปี 1950 กลุ่มLettristsซึ่งเป็นกลุ่มศิลปะแนวหน้าได้ก่อจลาจลในเทศกาลภาพยนตร์เมืองคานส์เมื่อมีการฉายภาพยนตร์เรื่อง Treatise on Slime and EternityของIsidore Isou หลังจากที่พวกเขาได้วิพากษ์วิจารณ์ Charlie Chaplinและแตกแยกออกจากกลุ่ม พวกเขาก็ยังคงสร้างความวุ่นวายต่อไปด้วยการนำเสนอ เทคนิค ไฮเปอร์กราฟิก แบบใหม่ ภาพยนตร์ที่โด่งดังที่สุดคือHowls for SadeของGuy Debordในปี 1952 ด้วยความเดือดร้อนจากจำนวนโรงภาพยนตร์ที่ปิดตัวลงเพิ่มมากขึ้น สตูดิโอและบริษัทต่างๆ จึงพยายามหาวิธีใหม่ๆ ที่สร้างสรรค์เพื่อดึงดูดผู้ชมกลับมา ซึ่งรวมถึงความพยายามที่จะขยายฐานผู้ชมด้วยรูปแบบจอภาพใหม่ๆCinemascopeซึ่งจะยังคงเป็น เอกลักษณ์ของ 20th Century Foxจนถึงปี 1967 ได้รับการประกาศใช้พร้อมกับภาพยนตร์เรื่อง The Robe ในปี 1953 VistaVision , CineramaและTodd - AOต่างก็อ้างว่า "ยิ่งใหญ่ยิ่งดี" ในการทำการตลาดภาพยนตร์ให้กับผู้ชมชาวอเมริกันที่ลดน้อยลง ผลที่ตามมาคือ การกลับมาของภาพยนตร์มหากาพย์เพื่อใช้ประโยชน์จากรูปแบบจอใหญ่แบบใหม่ ตัวอย่างที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของภาพยนตร์อิงประวัติศาสตร์และเรื่องราวในพระคัมภีร์ ได้แก่The Ten Commandments (1956), The Vikings (1958), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960) และEl Cid (1961) นอกจากนี้ ในช่วงเวลานี้ยังมีการผลิตภาพยนตร์สำคัญอื่นๆ อีกหลายเรื่องในระบบภาพTodd-AOซึ่งพัฒนาโดยไมค์ ทอดด์ก่อนที่เขาจะเสียชีวิตไม่นาน เช่นOklahoma! (1955), Around the World in 80 Days (1956), South Pacific (1958) และCleopatra (1963) รวมถึงอีกมากมาย

กลเม็ดต่างๆก็แพร่หลายมากขึ้นเพื่อดึงดูดผู้ชม กระแสความนิยมภาพยนตร์ 3 มิติจะคงอยู่เพียงสองปี คือปี 1952-1954 และช่วยขาย ภาพยนตร์ เรื่อง House of WaxและCreature from the Black Lagoon ได้วิลเลียม คาส เซิล โปรดิวเซอร์ชื่อดัง จะโฆษณาภาพยนตร์ที่มี "Emergo" และ "Percepto" ซึ่งเป็นกลเม็ดแรกๆ ในหลายๆ กลเม็ดที่ยังคงเป็นที่นิยมในวงการการตลาดสำหรับคาสเซิลและคนอื่นๆ ตลอดช่วงทศวรรษ 1960

ในปี พ.ศ. 2497 โดโรธี แดนดริดจ์ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์สาขานักแสดงนำหญิงยอดเยี่ยมจากบทบาทของเธอในภาพยนตร์เรื่องCarman Jones (1954) เธอกลายเป็นผู้หญิงผิวดำคนแรกที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลนี้^{[ 108 ]}

ในสหรัฐอเมริกา แนวโน้มหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ที่ตั้งคำถามต่อสถาบันและบรรทัดฐานทางสังคม รวมถึงการเคลื่อนไหวในช่วงแรกของขบวนการสิทธิพลเมืองสะท้อนให้เห็นในภาพยนตร์ฮอลลีวูด เช่นBlackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954), MartyของPaddy Chayefskyและ12 Angry Men (1957) ของReginald Roseดิสนีย์ยังคงสร้างภาพยนตร์แอนิเมชั่นต่อไป โดยเฉพาะอย่างยิ่งCinderella (1950), Peter Pan (1953), Lady and the Tramp (1955) และSleeping Beauty (1959) อย่างไรก็ตาม เขาเริ่มมีส่วนร่วมในภาพยนตร์คนแสดงมากขึ้น โดยสร้างภาพยนตร์คลาสสิกอย่าง20,000 Leagues Under the Sea (1954) และOld Yeller (1957) โทรทัศน์เริ่มแข่งขันอย่างจริงจังกับภาพยนตร์ที่ฉายในโรงภาพยนตร์ แต่ที่น่าประหลาดใจคือมันกลับส่งเสริมให้คนไปดูภาพยนตร์มากขึ้น แทนที่จะลดลง

ภาพยนตร์เรื่อง Limelightโดดเด่นในเรื่องการเชื่อมโยงประวัติศาสตร์ภาพยนตร์และละครเวทีกว่าสามศตวรรษผ่านเส้นทางอาชีพของนักแสดงนำทั้งสองคน คือชาร์ลี แชปลินและแคลร์ บลูมแชปลินเปิดตัวบนเวทีครั้งแรกในปี 1897 เมื่ออายุแปดขวบในฐานะสมาชิกของคณะนักเต้นรองเท้าไม้ Eight Lancaster Lads ส่วนบลูมยังคงแสดงต่อเนื่องมาจนถึงศตวรรษที่ 21 โดยปรากฏตัวในภาพยนตร์และรายการโทรทัศน์จนถึงปี 2022 รวมถึงเรื่อง The King's Speech (2010)

หลังสงครามโลกครั้งที่สองสิ้นสุดลงในช่วงทศวรรษที่ 1940 ทศวรรษต่อมาคือทศวรรษที่ 1950 ถือเป็น 'ยุคทอง' ของภาพยนตร์โลกที่ไม่ใช่ภาษาอังกฤษ[ ^{109 ] [ 110 ] โดย}เฉพาะภาพยนตร์เอเชีย^{[ 111 ] [ 112 ]}ภาพยนตร์เอเชียที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดตลอดกาลหลายเรื่องถูกสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษนี้ รวมถึงTokyo Story (1953) ของYasujirō Ozu , The Apu Trilogy (1955–1959) และJalsaghar (1958) ของ Satyajit Ray, Ugetsu ( 1954 ) และSansho the Bailiff (1954) ของKenji Mizoguchi , Awaara (1951) ของRaj Kapoor , Floating Clouds (1955) ของMikio Naruse , Pyaasa (1957) และKaagaz Ke Phool (1959) ของGuru Duttและภาพยนตร์ ของ Akira Kurosawa ได้แก่ Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) และThrone of Blood (1957) ^{[ 111 ] [ 112 ]}

ในช่วงยุคทองของภาพยนตร์ญี่ปุ่น ในทศวรรษ 1950 ภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จ ได้แก่ Rashomon (1950), Seven Samurai (1954) และThe Hidden Fortress (1958) โดยAkira KurosawaรวมถึงTokyo Story (1953) ของYasujirō Ozu และ Godzilla (1954) ของIshirō Honda ^{[ 113 ]}ภาพยนตร์เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อภาพยนตร์โลก โดยเฉพาะอย่างยิ่งSeven Samurai ของ Kurosawa ได้ถูกนำมาสร้างใหม่หลายครั้งใน รูปแบบ ภาพยนตร์ตะวันตกเช่นThe Magnificent Seven (1960) และBattle Beyond the Stars (1980) และยังเป็นแรงบันดาลใจให้กับ ภาพยนตร์ บอลลีวูด หลายเรื่อง เช่นSholay (1975) และChina Gate (1998) Rashomonก็ถูกนำมาสร้างใหม่ในชื่อThe Outrage (1964) และเป็นแรงบันดาลใจให้กับภาพยนตร์ที่มีวิธีการเล่าเรื่องแบบ " Rashomon effect " เช่นThe Usual Suspects (1995) และHero (2002) ป้อมปราการที่ซ่อนเร้นยังเป็นแรงบันดาลใจเบื้องหลังภาพยนตร์ Star Wars (1977) ของGeorge Lucas อีกด้วย ผู้กำกับภาพยนตร์ชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ ได้แก่ Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi InagakiและNagisa Oshima [ ^{111 ] ภาพยนตร์}ญี่ปุ่นในเวลาต่อมากลายเป็นหนึ่งในแรงบันดาลใจหลักของ ขบวนการ New Hollywoodในช่วงทศวรรษ 1960 ถึง 1980

ในช่วง"ยุคทอง" ของภาพยนตร์อินเดีย ในทศวรรษ 1950 มีการผลิตภาพยนตร์มากถึง 200 เรื่องต่อปี ขณะที่ ภาพยนตร์อิสระของอินเดียได้รับการยอมรับมากขึ้นผ่านเทศกาลภาพยนตร์นานาชาติ หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือไตรภาค Apu (1955–1959) จาก ผู้กำกับภาพยนตร์ชาวเบงกาลีชื่อดังSatyajit Rayซึ่งภาพยนตร์ของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อภาพยนตร์โลก โดยมีผู้กำกับเช่น Akira Kurosawa ^{[ 114 ]} Martin Scorsese [ ^{115 ] [ 116 ] James} Ivory [ ^{117 ] Abbas} Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut [ ^{118 ] Steven} Spielberg [ ^{119 ] [ 120 ]} Carlos Saura [ ^{121 ] Jean} -Luc Godard [ ^{122 ]} Isao Takahata [ ^{123 ] Gregory} Nava , Ira Sachs , Wes Anderson ^{[ 124 ]}และ^Danny Boyle ^{[ 125 ]}ได้รับอิทธิพลจากสไตล์ภาพยนตร์ของ^เขาตามที่ Michael Sragow จากThe Atlantic Monthly กล่าวไว้ ว่า “ ละคร วัยรุ่นที่ เฟื่องฟู ซึ่งฉายในโรงภาพยนตร์ศิลปะตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 เป็นต้นมานั้นได้รับอิทธิพลอย่างมากจากไตรภาค Apu” ^{[ 126 ]}เทคนิคการถ่ายทำภาพยนตร์ของSubrata Mitra ที่ใช้ แสงสะท้อนก็มีต้นกำเนิดมาจากไตรภาค Apuเช่น กัน ^{[ 127 ]}ผู้กำกับภาพยนตร์ชาวอินเดียที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ ได้แก่Guru Dutt [ ^{111 ] Ritwik} Ghatak [ ^{112 ] Mrinal} Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. AsifและMehboob Khan ^{[ 128 ]}

วงการภาพยนตร์ของเกาหลีใต้ก็ประสบกับ 'ยุคทอง' ในช่วงทศวรรษ 1950 เช่นกัน โดยเริ่มต้นจากภาพยนตร์รีเมคเรื่องChunhyang-jon (1955) ที่ประสบความสำเร็จอย่างมากของผู้กำกับ Lee Kyu-hwan ^{[ 129 ]}ในปีนั้นยังมีการออกฉายภาพยนตร์เรื่องYangsan Provinceของผู้กำกับKim Ki-youngซึ่งถือเป็นการเริ่มต้นอาชีพของเขา ทั้งคุณภาพและปริมาณของการสร้างภาพยนตร์เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ภาพยนตร์เกาหลีใต้ เช่น ภาพยนตร์ตลกเรื่องSijibganeun nal (The Wedding Day) ( 1956) ของ Lee Byeong-il เริ่มได้รับรางวัลระดับนานาชาติ เมื่อเทียบกับช่วงต้นทศวรรษ 1950 ที่มีการสร้างภาพยนตร์เพียง 5 เรื่องต่อปี ในปี 1959 มีการผลิตภาพยนตร์ในเกาหลีใต้ถึง 111 เรื่อง^{[ 130 ]}

ทศวรรษ 1950 ยังเป็น 'ยุคทอง' ของภาพยนตร์ฟิลิปปินส์ด้วยการเกิดขึ้นของภาพยนตร์ที่มีศิลปะและเป็นผู้ใหญ่มากขึ้น และการพัฒนาอย่างมีนัยสำคัญในเทคนิคการสร้างภาพยนตร์ในหมู่ผู้สร้างภาพยนตร์ ระบบสตูดิโอทำให้เกิดกิจกรรมที่คึกคักในอุตสาหกรรมภาพยนตร์ท้องถิ่น เนื่องจากมีการสร้างภาพยนตร์จำนวนมากในแต่ละปี และผู้ที่มีความสามารถในท้องถิ่นหลายคนเริ่มได้รับการยอมรับในต่างประเทศ ผู้กำกับชาวฟิลิปปินส์ชั้นนำในยุคนั้น ได้แก่Gerardo de Leon , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto AvellanaและCirio Santiago ^{[ 131 ] [ 132 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1960 ระบบสตูดิโอในฮอลลีวูดเริ่มเสื่อมถอยลง เนื่องจากภาพยนตร์หลายเรื่องถูกถ่ายทำในต่างประเทศ หรือใช้สิ่งอำนวยความสะดวกของสตูดิโอในต่างประเทศ เช่นพินวูดในสหราชอาณาจักร และซีเนซิตตาในกรุงโรม ภาพยนตร์ "ฮอลลีวูด" ส่วนใหญ่ยังคงมุ่งเป้าไปที่ผู้ชมกลุ่มครอบครัว และภาพยนตร์แบบดั้งเดิมมักเป็นภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของสตูดิโอ ภาพยนตร์อย่างแมรี่ ป๊อปปินส์ (1964), มาย แฟร์ เลดี้ (1964) และเดอะ ซาวด์ ออฟ มิวสิค (1965) เป็นภาพยนตร์ที่ทำเงินได้มากที่สุดในทศวรรษนั้น การเติบโตของผู้ผลิตและบริษัทผลิตภาพยนตร์อิสระ และอำนาจที่เพิ่มขึ้นของนักแสดงแต่ละคน ก็มีส่วนทำให้การผลิตภาพยนตร์แบบดั้งเดิมของสตูดิโอฮอลลีวูดเสื่อมถอยลงเช่นกัน

ในช่วงเวลานั้น สหรัฐอเมริกาเริ่มตระหนักถึงภาพยนตร์ภาษาต่างประเทศมากขึ้น ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และ 1960 ผู้กำกับภาพยนตร์ แนวใหม่ของฝรั่งเศสเช่นฟรองซัวส์ ทรูฟโฟต์และฌอง-ลุค โกดาได้สร้างภาพยนตร์อย่างLes quatre cents coups , BreathlessและJules et Jimซึ่งแหกกฎโครงสร้างการเล่าเรื่อง ของภาพยนตร์ฮอลลีวูด นอกจากนี้ ผู้ชมยังเริ่มตระหนักถึงภาพยนตร์อิตาลี เช่นLa Dolce Vita (1960), 8½ (1963) ของเฟเดริโก เฟลลินีและภาพยนตร์ดราม่าเข้มข้นของอิงมาร์ เบิร์กแมน จาก สวีเดน

ในอังกฤษ "ภาพยนตร์เสรี" ของลินด์เซย์ แอนเดอร์สันโทนี่ ริชาร์ดสันและคนอื่นๆ นำไปสู่กลุ่มภาพยนตร์ดราม่าที่สมจริงและสร้างสรรค์ เช่นSaturday Night and Sunday Morning , A Kind of LovingและThis Sporting Lifeภาพยนตร์อังกฤษเรื่องอื่นๆ เช่นRepulsion , Darling , Alfie , BlowupและGeorgy Girl (ทั้งหมดในปี 1965–1966) ช่วยลดข้อห้ามเรื่องเพศและภาพเปลือยบนจอภาพยนตร์ ในขณะที่ฉากเพศสัมพันธ์และความรุนแรงแบบไม่เคร่งครัดใน ภาพยนตร์ เจมส์ บอนด์เริ่มต้นด้วยDr. Noในปี 1962 ทำให้ซีรีส์นี้ได้รับความนิยมไปทั่วโลก

ในช่วงทศวรรษ 1960 อุสมาน เซมเบเนสร้าง ภาพยนตร์ ภาษาฝรั่งเศสและภาษาโวลอฟ หลายเรื่อง และกลายเป็น "บิดา" แห่งภาพยนตร์แอฟริกันในละตินอเมริกา การครอบงำของแบบจำลอง "ฮอลลีวูด" ถูกท้าทายโดยผู้สร้างภาพยนตร์หลายคนเฟอร์นันโด โซลานาสและอ็อกตาบิโอ เกติโนเรียกร้องให้มีภาพยนตร์แนวที่สาม ซึ่งมีส่วนร่วมทางการเมือง ตรงกันข้ามกับฮอลลีวูดและภาพยนตร์ ของผู้กำกับชาว ยุโรป

ในอียิปต์ยุคทองของภาพยนตร์อียิปต์ยังคงดำเนินต่อไปในช่วงทศวรรษ 1960 โดยฝีมือของผู้กำกับหลายคน และภาพยนตร์อียิปต์ให้ความสำคัญกับผู้หญิงเป็นอย่างมากในเวลานั้น เช่นโซอัด ฮอสนีพี่น้องตระกูลซุลฟิการ์ ได้แก่ เอซซ์ เอล-ดีน ซุลฟิการ์ , ซาลาห์ ซุลฟิการ์และมาห์มูด ซุลฟิการ์ต่างก็มีผลงานมากมาย^{[ 133 ]}รวมถึง ภาพยนตร์เรื่อง The River of Love (1960) ของเอซซ์ เอล-ดีน ซุลฟิการ์ ^{[ 134 ]} , Soft Hands (1964) ของ มาห์มูด ซุลฟิการ์ และDearer Than My Life (1965) ที่นำแสดงโดยซาลาห์ ซุลฟิการ์ และผลงานการผลิตของซาลาห์ ซุลฟิการ์ ฟิล์มส์ เรื่อง My Wife, the Director General (1966) ^{[ 135 ]}รวมถึงSaladin (1963) ของยูเซฟ ชาฮีน^{[ 136 ] [ 137 ]}

นอกจากนี้ ความหวาดระแวงเรื่องอาวุธนิวเคลียร์ในยุคนั้น และภัยคุกคามจากการแลกเปลี่ยนอาวุธนิวเคลียร์ที่อาจนำไปสู่หายนะ (เช่น เหตุการณ์เฉียดตายกับสหภาพโซเวียตในช่วงวิกฤตการณ์ขีปนาวุธคิวบา ในปี 1962 ) ยังกระตุ้นให้เกิดปฏิกิริยาในวงการภาพยนตร์ด้วย ภาพยนตร์อย่างDr. Strangeloveของสแตนลีย์ คูบริกและFail Safe ที่นำแสดง โดยเฮนรี ฟอนดาถูกสร้างขึ้นในฮอลลีวูดที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นที่รู้จักในด้านความรักชาติอย่างเปิดเผยและการโฆษณาชวนเชื่อในช่วงสงคราม

ในวงการภาพยนตร์สารคดีช่วงทศวรรษ 1960 ได้เห็นการเฟื่องฟูของภาพยนตร์แบบ Direct Cinemaซึ่งเป็นรูปแบบการสร้างภาพยนตร์เชิงสังเกตการณ์ รวมถึงการเกิดขึ้นของภาพยนตร์ที่มีอคติทางการเมืองอย่างเปิดเผยมากขึ้น เช่นIn the Year of the Pigเกี่ยวกับสงครามเวียดนามโดยEmile de Antonioอย่างไรก็ตาม ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ผู้สร้างภาพยนตร์ฮอลลีวูดเริ่มสร้างภาพยนตร์ที่สร้างสรรค์และแหวกแนวมากขึ้น ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงการปฏิวัติทางสังคมที่เกิดขึ้นในโลกตะวันตกส่วนใหญ่ เช่นBonnie and Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: A Space Odyssey (1968), Rosemary's Baby (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) และThe Wild Bunch (1969) Bonnie and Clydeมักถูกพิจารณาว่าเป็นจุดเริ่มต้นของสิ่งที่เรียกว่าNew Hollywood

ในวงการภาพยนตร์ญี่ปุ่น อากิระ คุโรซาวะผู้กำกับเจ้าของรางวัลออสการ์ ได้สร้างภาพยนตร์เรื่อง โยจิมโบะ (1961) ซึ่งเช่นเดียวกับภาพยนตร์เรื่องก่อนๆ ของเขา ก็มีอิทธิพลอย่างมากไปทั่วโลก อิทธิพลของภาพยนตร์เรื่องนี้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในภาพยนตร์เรื่อง หมัดหนักแห่งดอลลาร์ (1964) ของเซอร์จิโอ เลโอ เน และภาพยนตร์เรื่อง คนสุดท้ายยืนหยัด (1996) ของวอลเตอร์ ฮิลล์โยจิมโบะยังเป็นต้นกำเนิดของกระแส " ชายไร้นาม " อีกด้วย

ยุคฮอลลีวูดใหม่คือช่วงเวลาหลังจากการเสื่อมถอยของระบบสตูดิโอในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 และการสิ้นสุดของหลักเกณฑ์การผลิต (ซึ่งถูกแทนที่ด้วยระบบการจัดเรตภาพยนตร์ของ MPAA ในปี 1968 ) ในช่วงทศวรรษ 1970 ผู้สร้างภาพยนตร์ได้แสดงเนื้อหาทางเพศที่โจ่งแจ้งมากขึ้น และแสดงฉากการยิงปืนและการต่อสู้ที่มีภาพการตายที่นองเลือดอย่างชัดเจน ตัวอย่างที่โดดเด่นคือภาพยนตร์ เรื่อง The Last House on the Left (1972) ของเวส เครเวน

ภาพยนตร์ยุคหลังคลาสสิกคือวิธีการเล่าเรื่องที่เปลี่ยนแปลงไปของเหล่าผู้สร้างภาพยนตร์ฮอลลีวูดรุ่นใหม่ วิธีการสร้างละครและตัวละครแบบใหม่นี้เล่นกับความคาดหวังของผู้ชมที่ได้รับมาในช่วงยุคคลาสสิก/ยุคทอง: ลำดับเหตุการณ์ในเรื่องอาจถูกสลับไปมา เนื้อเรื่องอาจมี " ตอนจบหัก มุม " ที่น่าตกใจ ตัวละครหลักอาจมีพฤติกรรมที่คลุมเครือทางศีลธรรม และเส้นแบ่งระหว่างตัวร้ายและตัวเอกอาจไม่ชัดเจน จุดเริ่มต้นของการเล่าเรื่องแบบหลังคลาสสิกอาจเห็นได้ใน ภาพยนตร์ ฟิล์มนัวร์ ช่วงทศวรรษ 1940 และ 1950 ในภาพยนตร์เช่นRebel Without a Cause (1955) และPsycho ของฮิตช์ค็อก ปี 1971 เป็นปีที่ภาพยนตร์ที่ก่อให้เกิดข้อถกเถียงมากมาย เช่นStraw Dogs , A Clockwork Orange , The French ConnectionและDirty Harry ออกฉาย ซึ่งจุดประกายความขัดแย้งอย่างร้อนแรงเกี่ยวกับความรุนแรงที่เพิ่มขึ้นในภาพยนตร์

ในช่วงทศวรรษ 1970 กลุ่มผู้สร้างภาพยนตร์ชาวอเมริกันกลุ่มใหม่ได้ถือกำเนิดขึ้น เช่นมาร์ติน สกอร์เซซี , ฟรานซิส ฟอร์ด คอปโปลา , สตีเวน สปีลเบิร์ก , จอร์จ ลูคัส , วู้ดดี้ อัลเลน , เทอร์เรนซ์ มาลิคและโรเบิร์ต อัลต์แมนซึ่งเกิดขึ้นพร้อมกับการได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นของทฤษฎีผู้กำกับ (auteur theory)ในวรรณกรรมภาพยนตร์และสื่อต่างๆ ทฤษฎีนี้กล่าวว่าภาพยนตร์ของผู้กำกับแต่ละคนแสดงออกถึงวิสัยทัศน์ส่วนตัวและความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา การพัฒนารูปแบบการสร้างภาพยนตร์แบบผู้กำกับเป็นผู้สร้างสรรค์ (auteur style) ช่วยให้ผู้กำกับเหล่านี้มีอำนาจควบคุมโครงการของตนเองได้มากกว่าในยุคก่อนๆ ส่งผลให้ภาพยนตร์หลายเรื่องประสบความสำเร็จทั้งในด้านคำวิจารณ์และรายได้ เช่นTaxi Driver ของสกอร์เซซี , ภาพยนตร์ชุด The Godfather ของคอปโปลา, The Exorcistของวิ ลเลียม ฟรีดกิน, Nashville ของอัลต์ แมน, Annie HallและManhattan ของ อัลเลน, BadlandsและDays of Heaven ของ มาลิค และChinatownของโรมัน โพลันสกี ผู้อพยพชาวโปแลนด์ อย่างไรก็ตาม มันก็ส่งผลให้เกิดความล้มเหลวบ้างเช่นกัน รวมถึง ภาพยนตร์เรื่อง At Long Last Loveของปีเตอร์ บ็อกดาโนวิชและ ภาพยนตร์มหากาพย์แนวตะวันตกเรื่อง Heaven's Gateของไมเคิล ซิมิโน ซึ่งใช้งบประมาณมหาศาล และมีส่วนทำให้บริษัทผู้สนับสนุนอย่าง United Artistsต้อง ล้มละลาย

ความล้มเหลวทางการเงินของ ภาพยนตร์เรื่อง Heaven's Gateถือเป็นจุดจบของเหล่าผู้กำกับที่มีวิสัยทัศน์กว้างไกลแห่ง "ฮอลลีวูดใหม่" ซึ่งมีอิสระในการสร้างสรรค์และทางการเงินอย่างเต็มที่ในการสร้างภาพยนตร์ ความสำเร็จอย่างมหาศาลของ ภาพยนตร์เรื่อง Jaws ของสตีเวน สปีลเบิร์ก ในช่วงทศวรรษ 1970 ได้ก่อให้เกิดแนวคิดของ " ภาพยนตร์ บล็อกบัสเตอร์ " สมัยใหม่ ความสำเร็จอย่างมหาศาลของภาพยนตร์เรื่อง Star Warsในปี 1977 ของจอร์จ ลูคัสนำไปสู่การแพร่หลายของภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์มากขึ้น และการใช้เทคนิคพิเศษ การตัดต่อเสียง และดนตรีอย่างปฏิวัติวงการ ทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้ได้รับการยกย่องอย่างกว้างขวางว่าเป็นหนึ่งในภาพยนตร์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของวงการภาพยนตร์ สตูดิโอฮอลลีวูดหันมาให้ความสำคัญกับการผลิตภาพยนตร์จำนวนน้อยลง แต่มีงบประมาณสูงมาก พร้อมด้วยการตลาดและการประชาสัมพันธ์ขนาดใหญ่ แนวโน้มนี้ได้รับการบ่งบอกล่วงหน้าแล้วจากความสำเร็จทางการค้าของภาพยนตร์ภัยพิบัติเช่นThe Poseidon AdventureและThe Towering Inferno

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 โรงภาพยนตร์ลามกอนาจาร ซึ่งเรียกอย่างสุภาพว่า "โรงภาพยนตร์สำหรับผู้ใหญ่" ได้ถูกก่อตั้งขึ้นมากขึ้น และการผลิต ภาพยนตร์ ลามกอนาจารแบบฮาร์ดคอร์ อย่างถูกกฎหมาย ก็เริ่มต้นขึ้น ภาพยนตร์ลามกอนาจาร เช่นDeep Throatและนักแสดงนำอย่างLinda Lovelaceกลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมยอดนิยม และส่งผลให้เกิดภาพยนตร์เกี่ยวกับเพศสัมพันธ์ในลักษณะเดียวกันตามมามากมาย โรงภาพยนตร์ลามกอนาจารเหล่านี้ค่อยๆ หายไปในช่วงทศวรรษ 1980 เมื่อเครื่องเล่น วิดีโอ VCRและเทปวิดีโอลามกอนาจารได้รับความนิยม ทำให้ผู้ชมสามารถรับชมภาพยนตร์เกี่ยวกับเพศสัมพันธ์ที่บ้านได้ ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ผู้ชมที่ใช้ภาษาอังกฤษเริ่มตระหนักถึง ภาพยนตร์ เยอรมันตะวันตก แนวใหม่มากขึ้น โดยมีWerner Herzog , Rainer Werner FassbinderและWim Wendersเป็นผู้บุกเบิกชั้นนำ

ในวงการภาพยนตร์โลกทศวรรษ 1970 ได้เห็นความนิยมของภาพยนตร์ศิลปะการต่อสู้ เพิ่มขึ้นอย่างมาก ส่วนใหญ่เป็นผลมาจากการพลิกโฉมวงการโดยบรูซ ลีที่ได้ละทิ้งรูปแบบศิลปะของ ภาพยนตร์ ศิลปะการต่อสู้จีน ดั้งเดิม และเพิ่มความสมจริงมากขึ้นด้วยสไตล์เจี๋ยทคุนโด ของเขา เริ่มต้นด้วยภาพยนตร์ เรื่อง The Big Boss (1971) ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากทั่วเอเชียอย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้รับชื่อเสียงในโลกตะวันตกจนกระทั่งหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 1973 เมื่อ ภาพยนตร์ เรื่อง Enter the Dragonออกฉาย ภาพยนตร์เรื่องนี้กลายเป็นภาพยนตร์ศิลปะการต่อสู้ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ ทำให้ภาพยนตร์แนวศิลปะการต่อสู้เป็นที่นิยมไปทั่วโลก และตอกย้ำสถานะของบรูซ ลีในฐานะไอคอนทางวัฒนธรรม อย่างไรก็ตาม ภาพยนตร์แอ็คชั่นของฮ่องกงกลับตกต่ำลงเนื่องจากกระแสภาพยนตร์ " Bruceploitation " กระแสนี้สิ้นสุดลงในที่สุดในปี 1978 ด้วยภาพยนตร์แนว ศิลปะการต่อสู้ผสมตลก เรื่องSnake in the Eagle's ShadowและDrunken Masterกำกับโดยหยวน หวู่ผิงและนำแสดงโดยแจ็กกี้ ชานซึ่งวางรากฐานสำหรับการเติบโตของภาพยนตร์แอ็คชั่นฮ่องกงในทศวรรษ 1980

ในขณะที่ภาพยนตร์เพลงในฮอลลีวูดเริ่มเสื่อมความนิยมลงในช่วงเวลานั้น ภาพยนตร์เพลงกลับได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วในวงการภาพยนตร์ของอินเดียโดยคำว่า " บอลลีวูด " ถูกบัญญัติขึ้นสำหรับ อุตสาหกรรมภาพยนตร์ภาษา ฮินดี ที่กำลังเติบโต ในบอมเบย์ (ปัจจุบันคือมุมไบ) ซึ่งในที่สุดก็กลายเป็นภาพยนตร์ที่โดดเด่นในเอเชียใต้ แซงหน้า อุตสาหกรรมภาพยนตร์เบงกาลีที่ได้รับการยกย่องมากกว่าในด้านความนิยม ผู้สร้างภาพยนตร์ภาษาฮินดีได้ผสมผสานสูตรภาพยนตร์เพลงของฮอลลีวูดเข้ากับธรรมเนียมของละครอินเดีย โบราณ เพื่อสร้างแนวภาพยนตร์ใหม่ที่เรียกว่า " มาซาลา " ซึ่งครองวงการภาพยนตร์อินเดียตลอดช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ^{[ 138 ]}ภาพยนตร์ "มาซาลา" เหล่านี้แสดงให้เห็นถึงการกระทำ ตลก ดราม่าโร แมนติก และเมโลดรา ม่า ไปพร้อมๆ กัน โดยมีเพลงและการเต้นรำแบบ " ฟิล์ม " แทรกเข้ามา แนวโน้มนี้เริ่มต้นด้วยภาพยนตร์ที่กำกับโดยManmohan DesaiและนำแสดงโดยAmitabh Bachchanซึ่งยังคงเป็นหนึ่งในดาราภาพยนตร์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเอเชียใต้ ภาพยนตร์อินเดียที่ได้รับความนิยมมากที่สุดตลอดกาลคือSholay (1975) ภาพยนตร์แนว "มาซาลา" ที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก โจรตัวจริงรวมถึง อิทธิพลจาก Seven Samurai ของคุโรซาวะ และภาพยนตร์แนวสปาเก็ตตีเวสเทิร์น

ในช่วงปลายทศวรรษนั้น ภาพยนตร์ออสเตรเลียเริ่มได้รับการทำการตลาดในระดับนานาชาติอย่างจริงจังเป็นครั้งแรก โดยภาพยนตร์ของปีเตอร์ เวียร์ เรื่อง Picnic at Hanging RockและThe Last Waveรวมถึง ภาพยนตร์ ของเฟร็ด เชปิซี เรื่อง The Chant of Jimmie Blacksmithได้รับคำวิจารณ์ชื่นชมอย่างมาก นอกจากนี้ ในปี 1979 จอร์จ มิลเลอร์ ผู้สร้างภาพยนตร์ชาวออสเตรเลีย ยังได้รับความสนใจจากนานาชาติจากภาพยนตร์แอ็คชั่นทุนต่ำที่ใช้ความรุนแรงอย่างMad Max อีก ด้วย

ในช่วงทศวรรษ 1980 ผู้ชมเริ่มรับชมภาพยนตร์ผ่าน เครื่องเล่นวิดีโอ (VCR ) ที่บ้านมากขึ้นเรื่อยๆในช่วงต้นทศวรรษนั้นสตูดิโอภาพยนตร์พยายามดำเนินคดีทางกฎหมายเพื่อห้ามการครอบครองเครื่องเล่นวิดีโอที่บ้านโดยอ้างว่าเป็นการละเมิดลิขสิทธิ์ซึ่งไม่ประสบความสำเร็จ ในที่สุด การขายและการเช่าภาพยนตร์ในรูปแบบวิดีโอที่บ้านกลายเป็น "ช่องทางที่สอง" ที่สำคัญสำหรับการฉายภาพยนตร์ และเป็นแหล่งรายได้เพิ่มเติมสำหรับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ ตลาดภาพยนตร์ที่ วางจำหน่าย โดยตรงในรูปแบบวิดีโอ (ตลาดเฉพาะกลุ่ม) มักนำเสนอภาพยนตร์คุณภาพต่ำ ราคาถูก ซึ่งไม่ค่อยเหมาะสมกับผู้ชมทั่วไปที่รับชมทางโทรทัศน์และโรงภาพยนตร์

การร่วมงานกันระหว่าง ลูคัสและสปีลเบิร์กจะครองวงการภาพยนตร์ "ฮอลลีวูด" ตลอดช่วงทศวรรษ 1980 และนำไปสู่การเลียนแบบมากมาย ภาพยนตร์ภาคต่อของStar Wars สองภาค, Jawsสาม ภาค และ ภาพยนตร์ Indiana Jones สามภาค ช่วยทำให้การสร้างภาคต่อของภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จกลายเป็นสิ่งที่คาดหวังมากกว่าที่เคยเป็นมา ลูคัสยังเปิดตัวTHX Ltdซึ่งเป็นแผนกหนึ่งของLucasfilmในปี 1982 ^{[ 139 ]}ในขณะที่สปีลเบิร์กประสบความสำเร็จอย่างมากใน ภาพยนตร์ เรื่อง ET the Extra-Terrestrialในปีเดียวกัน ปี 1982 ยังเป็นปีที่ดิสนีย์ปล่อยภาพยนตร์เรื่องTronซึ่งเป็นหนึ่งในภาพยนตร์เรื่องแรกจากสตูดิโอใหญ่ที่ใช้กราฟิกคอมพิวเตอร์อย่างกว้างขวาง ภาพยนตร์อิสระของอเมริกาประสบปัญหามากกว่าในช่วงทศวรรษนั้น แม้ว่า ภาพยนตร์ ของมาร์ติน สกอร์เซซี เช่น Raging Bull (1980), After Hours (1985) และThe King of Comedy (1983) จะช่วยสร้างชื่อเสียงให้เขาในฐานะผู้สร้างภาพยนตร์ชาวอเมริกันที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดคนหนึ่งในยุคนั้น นอกจากนี้ ในปี 1983 ภาพยนตร์เรื่อง Scarfaceก็ได้ออกฉาย ซึ่งทำกำไรได้มหาศาลและทำให้Al Pacino นักแสดงนำมีชื่อเสียงโด่งดังยิ่งขึ้นไปอีก ส่วนBatmanเวอร์ชันปี 1989 ของTim Burton ซึ่งดัดแปลงมาจาก ผลงานของBob Kane นั้น Jack Nicholsonรับบทเป็นJoker ผู้เสียสติ ซึ่งทำรายได้ให้เขาถึง 60-90 ล้านดอลลาร์สหรัฐฯ หลังจากหักส่วนแบ่งรายได้แล้ว^{[ 140 ]}

วงการภาพยนตร์อังกฤษได้รับการกระตุ้นอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1980 จากการเข้ามาของ บริษัท Goldcrest Filmsของเดวิด พัตต์แนมภาพยนตร์เรื่องChariots of Fire , Gandhi , The Killing FieldsและA Room with a Viewดึงดูดผู้ชมกลุ่ม "ระดับกลาง" ซึ่งถูกสตูดิโอใหญ่ในฮอลลีวูดมองข้ามมากขึ้นเรื่อยๆ ในขณะที่ภาพยนตร์ในทศวรรษ 1970 ช่วยกำหนดนิยามของภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์ สมัยใหม่ รูปแบบการเผยแพร่ภาพยนตร์ของ "ฮอลลีวูด" ก็จะเปลี่ยนไป ภาพยนตร์ส่วนใหญ่จะฉายรอบปฐมทัศน์ในโรงภาพยนตร์จำนวนมากขึ้น แม้ว่าจนถึงทุกวันนี้ ภาพยนตร์บางเรื่องยังคงฉายรอบปฐมทัศน์โดยใช้ระบบการฉายแบบจำกัด/โรดโชว์อยู่ก็ตาม ตรงกันข้ามกับความคาดหวัง การเติบโตของโรงภาพยนตร์มัลติเพล็กซ์ไม่ได้ทำให้ภาพยนตร์กระแสหลักได้รับการฉายมากขึ้น แต่กลับทำให้ภาพยนตร์บล็อกบัสเตอร์ขนาดใหญ่ได้รับการฉายในจำนวนรอบที่มากขึ้น อย่างไรก็ตาม ภาพยนตร์ที่ถูกมองข้ามในโรงภาพยนตร์ก็ได้รับโอกาสครั้งที่สองมากขึ้นเรื่อยๆ ในรูปแบบวิดีโอสำหรับชมที่บ้าน

ในช่วงทศวรรษ 1980 ภาพยนตร์ญี่ปุ่นได้กลับมาเฟื่องฟูอีกครั้ง ส่วนใหญ่เป็นผลมาจากความสำเร็จของ ภาพยนตร์ อนิเมะในช่วงต้นทศวรรษ 1980 Space Battleship Yamato (1973) และMobile Suit Gundam (1979) ซึ่งทั้งสองเรื่องไม่ประสบความสำเร็จในฐานะซีรีส์โทรทัศน์ ได้ถูกนำมาสร้างใหม่เป็นภาพยนตร์และประสบความสำเร็จอย่างมากในญี่ปุ่น โดยเฉพาะอย่างยิ่งMobile Suit Gundamได้จุดประกาย แฟรนไชส์ ​​Gundamซึ่งเป็น อนิ เมะหุ่นยนต์แนวสมจริง ความสำเร็จของMacross: Do You Remember Love?ก็ได้จุด ประกายแฟรนไชส์ ​​Macrossเช่นกัน นี่เป็นทศวรรษที่สตูดิโอจิบลิได้ก่อตั้งขึ้น สตูดิโอแห่งนี้ได้สร้างภาพยนตร์แฟนตาซีเรื่องแรกๆ ของฮายาโอะ มิยาซากิได้แก่Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) และCastle in the Sky (1986) รวมถึงGrave of the Fireflies (1988) ของอิซาโอะ ทาคาฮาตะซึ่งทั้งหมดประสบความสำเร็จอย่างมากในญี่ปุ่นและได้รับการยกย่องจากนักวิจารณ์ทั่วโลก ภาพยนตร์ อนิเมชั่นวิดีโอต้นฉบับ (OVA) ก็เริ่มต้นขึ้นในทศวรรษนี้เช่นกัน ภาพยนตร์ OVA ยุคแรกๆ ที่ทรงอิทธิพลที่สุดคือภาพยนตร์ไซเบอร์พังก์เรื่อง Megazone 23 (1985) ของโนโบรุ อิชิกุโระส่วนภาพยนตร์อนิเมะที่โด่งดังที่สุดในทศวรรษนี้คือภาพยนตร์ไซเบอร์พังก์เรื่องAkira (1988) ของ คัตสึฮิโร โอโตโมะซึ่งแม้จะไม่ประสบความสำเร็จในโรงภาพยนตร์ญี่ปุ่นในตอนแรก แต่ก็ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติในเวลาต่อมา

ภาพยนตร์แอ็คชั่นของฮ่องกงซึ่งอยู่ในช่วงขาลงเนื่องจากภาพยนตร์แนว "บรูซพลอยเทชั่น" (Bruceploitation) ที่ฉายซ้ำแล้วซ้ำเล่าหลังจากการเสียชีวิตของบรูซ ลี ก็กลับมาเฟื่องฟูอีกครั้งในทศวรรษ 1980 ส่วนใหญ่เป็นผลมาจากการพลิกโฉมวงการภาพยนตร์แอ็คชั่นโดยแจ็กกี้ชานก่อนหน้านี้เขาเคยผสมผสานภาพยนตร์ตลกและภาพยนตร์ศิลปะการต่อสู้ได้อย่างลงตัวในภาพยนตร์ปี 1978 เรื่องSnake in the Eagle's ShadowและDrunken Masterขั้นตอนต่อไปของเขาคือการผสมผสานภาพยนตร์ศิลปะการต่อสู้แนวตลกเข้ากับการแสดงผาดโผน ที่ซับซ้อนและอันตรายสูง ซึ่งชวนให้นึกถึงยุคภาพยนตร์เงียบ ภาพยนตร์เรื่องแรกในสไตล์ภาพยนตร์แอ็คชั่นแบบใหม่นี้คือProject A (1983) ซึ่งเป็นการก่อตั้งทีมสตันท์ของแจ็กกี้ ชานรวมถึง "สามพี่น้อง" (ชาน, แซมโม ฮุงและหยวนเปียว ) ภาพยนตร์เรื่องนี้เพิ่มการแสดงผาดโผนที่ซับซ้อนและอันตรายเข้าไปในการต่อสู้และ อารมณ์ขัน แบบตลกโปกฮาและประสบความสำเร็จอย่างมากในเอเชียตะวันออก ด้วยเหตุนี้ เฉินหลงจึงสานต่อแนวทางนี้ด้วยภาพยนตร์แอ็คชั่นศิลปะการต่อสู้ที่มีฉากผาดโผนที่ซับซ้อนและอันตรายยิ่งขึ้น รวมถึงWheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armour of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) และDragons Forever (1988) แนวโน้มใหม่ๆ ที่เริ่มต้นในทศวรรษ 1980 ได้แก่ แนวภาพยนตร์ย่อย " หญิงสาวกับปืน " ซึ่งทำให้มิเชล โหย่วโด่งดัง และโดยเฉพาะอย่างยิ่งแนวภาพยนตร์ " วีรบุรุษนองเลือด " ที่เกี่ยวกับแก๊งมาเฟียซึ่งบุกเบิกโดยจอห์น วูและทำให้โจว หยุนฟัตมีชื่อเสียง แนวโน้มภาพยนตร์แอ็คชั่นของฮ่องกงเหล่านี้ถูกนำไปใช้ในภาพยนตร์แอ็คชั่นของฮอลลีวูดหลายเรื่องในทศวรรษ 1990 และ 2000

ช่วงต้นทศวรรษ 1990 เป็นช่วงที่ภาพยนตร์อิสระประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ในสหรัฐอเมริกา แม้ว่าภาพยนตร์ส่วนใหญ่จะถูกครอบงำด้วยภาพยนตร์เทคนิคพิเศษ เช่นTerminator 2: Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993) และTitanic (1997) ซึ่งเรื่องหลังสุดกลายเป็นภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาลในขณะนั้น จนกระทั่งAvatar (2009) ซึ่งกำกับโดยเจมส์ คาเมรอน เช่นกัน เข้ามาทำลายสถิติ แต่ภาพยนตร์อิสระอย่างSex, Lies, and Videotape ( 1989) ของสตีเวน โซเดอร์เบิร์ก และ Reservoir Dogs (1992) ของเควนติน ทารันติโนก็ประสบความสำเร็จอย่างมากทั้งในโรงภาพยนตร์และในรูปแบบวิดีโอสำหรับชมที่บ้าน

กลุ่มผู้สร้างภาพยนตร์ที่เกี่ยวข้องกับขบวนการภาพยนตร์Dogme 95 ของเดนมาร์ก ได้นำเสนอแถลงการณ์ที่มุ่งหวังจะชำระล้างการสร้างภาพยนตร์ ภาพยนตร์ชุดแรก ๆ ของพวกเขาได้รับเสียงชื่นชมจากนักวิจารณ์ทั่วโลก หลังจากนั้นขบวนการนี้ก็ค่อย ๆ จางหายไป

ภาพยนตร์เรื่อง Goodfellasของสก็อตต์ เซซีออกฉายในปี 1990 หลายคนยกให้เป็นหนึ่งในภาพยนตร์ที่ยอดเยี่ยมที่สุด โดยเฉพาะในแนวภาพยนตร์แก๊งสเตอร์ และกล่าวกันว่าเป็นจุดสูงสุดในอาชีพการงานของเซซี

สตูดิโอภาพยนตร์ยักษ์ใหญ่ของอเมริกาเริ่มก่อตั้งบริษัทผลิตภาพยนตร์ "อิสระ" ของตนเอง เพื่อระดมทุนและผลิตภาพยนตร์ที่ไม่ใช่กระแสหลัก บริษัทอิสระที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดแห่งหนึ่งในทศวรรษ 1990 คือMiramax Films ซึ่งถูกซื้อกิจการโดย Disney ในปีเดียวกับที่ภาพยนตร์เรื่อง Pulp Fictionของ Tarantino ประสบความสำเร็จอย่างถล่มทลายในปี 1994 ปีเดียวกันนั้นยังเป็นจุดเริ่มต้นของการจัดจำหน่ายภาพยนตร์และวิดีโอออนไลน์ ภาพยนตร์แอนิเมชั่นที่มุ่งเป้าไปที่ผู้ชมครอบครัวก็กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง โดยมี ภาพยนตร์ของ Disney เรื่อง Beauty and the Beast (1991), Aladdin (1992) และThe Lion King (1994) ในปี 1995 ภาพยนตร์แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์เรื่องยาวเรื่องแรกToy Storyถูกสร้างขึ้นโดยPixar Animation Studiosและจัดจำหน่ายโดย Disney หลังจากความสำเร็จของ Toy Story แอนิเมชั่นคอมพิวเตอร์ก็เติบโตขึ้นจนกลายเป็นเทคนิคหลักสำหรับการสร้างแอนิเมชั่นเรื่องยาว ซึ่งทำให้บริษัทภาพยนตร์คู่แข่งอย่างDreamWorks , 20th Century FoxและWarner Bros.สามารถแข่งขันกับ Disney ได้อย่างมีประสิทธิภาพด้วยภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จของตนเอง ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 การเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในวงการภาพยนตร์ได้เริ่มต้นขึ้นอีกครั้ง นั่นคือการเปลี่ยนจากฟิล์มภาพยนตร์ไปสู่ เทคโนโลยี ภาพยนตร์ดิจิทัลในขณะเดียวกัน ดีวีดีก็กลายเป็นมาตรฐานใหม่สำหรับวิดีโอสำหรับผู้บริโภค แทนที่เทปวีเอชเอส

นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 2000 แพลตฟอร์ม สื่อสตรีมมิ่งอย่าง YouTube ได้เปิดโอกาสให้ทุกคนที่มีอินเทอร์เน็ตและกล้องถ่ายรูป (ซึ่งเป็นคุณสมบัติมาตรฐานของสมาร์ทโฟน ) สามารถเผยแพร่วิดีโอไปทั่วโลกได้ นอกจากนี้ ด้วยการแข่งขันกับความนิยมที่เพิ่มขึ้นของวิดีโอเกมและรูปแบบความบันเทิงภายในบ้าน อื่นๆ อุตสาหกรรมภาพยนตร์จึงเริ่มหันมาให้ความสำคัญกับการฉายภาพยนตร์ในโรงภาพยนตร์อีกครั้ง โดยเทคโนโลยี 3 มิติใหม่ๆ และภาพยนตร์มหากาพย์ (แฟนตาซีและซูเปอร์ฮีโร่) กลายเป็นส่วนสำคัญของโรงภาพยนตร์

ภาพยนตร์สารคดีก็ได้รับความนิยมในเชิงพาณิชย์เป็นครั้งแรกเช่นกัน ด้วยความสำเร็จของภาพยนตร์อย่างMarch of the PenguinsและBowling for ColumbineและFahrenheit 9/11ของไมเคิล มัวร์แนวภาพยนตร์ใหม่ถือกำเนิดขึ้นจากVoices of Iraq ของ มาร์ติน คู เนิร์ต และเอริค มาเนสเมื่อมีการแจกจ่ายกล้อง DV ราคาประหยัด 150 ตัวไปทั่วประเทศอิรัก เปลี่ยนคนธรรมดาให้กลายเป็นผู้สร้างภาพยนตร์ร่วมกัน ความสำเร็จของGladiatorนำไปสู่การฟื้นตัวของความสนใจในภาพยนตร์มหากาพย์และMoulin Rouge!ก็จุดประกายความสนใจในภาพยนตร์เพลง อีกครั้ง ระบบ โฮมเธียเตอร์มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ เช่นเดียวกับดีวีดีฉบับพิเศษที่ออกแบบมาเพื่อฉายในระบบเหล่านั้นไตรภาค The Lord of the Ringsออกวางจำหน่ายในรูปแบบดีวีดีทั้งเวอร์ชันฉายในโรงภาพยนตร์และเวอร์ชันขยายพิเศษที่จัดทำขึ้นสำหรับผู้ชมโฮมเธียเตอร์เท่านั้น

ภาพยนตร์ชุดแฮร์รี่ พอตเตอร์ เริ่มต้นขึ้น ในปี 2001 และเมื่อจบลงในปี 2011 ก็กลายเป็นแฟรนไชส์ภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาล จนกระทั่งจักรวาลภาพยนตร์มาร์เวล (Marvel Cinematic Universe) แซงหน้าไปในปี 2015

เนื่องจากความก้าวหน้าของเทคโนโลยีการฉายภาพยนตร์ ทำให้ภาพยนตร์เรื่องยาวสามารถฉายพร้อมกันใน โรงภาพยนตร์ IMAXได้ โดยเรื่องแรกคือภาพยนตร์แอนิเมชั่นของดิสนีย์เรื่อง Treasure Planet ในปี 2002 และภาพยนตร์คนแสดงเรื่องแรกคือThe Matrix Revolutions ในปี 2003 และการฉายซ้ำของThe Matrix Reloadedต่อมาในช่วงปลายทศวรรษนั้นThe Dark Knightเป็นภาพยนตร์เรื่องยาวเรื่องแรกที่ถ่ายทำด้วยเทคโนโลยี IMAX อย่างน้อยบางส่วน

ในทศวรรษนี้ โลกาภิวัตน์ของภาพยนตร์เพิ่มมากขึ้น โดยภาพยนตร์ภาษาต่างประเทศได้รับความนิยมในตลาดที่ใช้ภาษาอังกฤษ ตัวอย่างภาพยนตร์ดังกล่าว ได้แก่Crouching Tiger, Hidden Dragon (ภาษาจีนกลาง), Amélie (ภาษาฝรั่งเศส), Lagaan (ภาษาฮินดี), Spirited Away (ภาษาญี่ปุ่น), City of God (ภาษาโปรตุเกสบราซิล), The Passion of the Christ (ภาษาอาราเมอิก), Apocalypto (ภาษามายา) และInglourious Basterds (หลายภาษาในยุโรป) อิตาลีเป็นประเทศที่ได้รับรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์ภาษาต่างประเทศ ยอดเยี่ยมมากที่สุด โดยได้รับรางวัล 14 รางวัล รางวัลพิเศษ 3 รางวัล และได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง 31 ครั้ง

ในปี 2003 ภาพยนตร์ 3 มิติ กลับมาได้รับ ความนิยมอีกครั้ง โดยเรื่องแรกคือGhosts of the Abyss ของเจมส์ คาเมรอน ซึ่งเป็นภาพยนตร์ 3 มิติเต็มเรื่องเรื่องแรกที่ถ่ายทำด้วยระบบReality Camera System ในระบบ IMAX ระบบกล้องนี้ใช้กล้องวิดีโอ HD รุ่นล่าสุด ไม่ใช่ฟิล์ม และถูกสร้างขึ้นสำหรับคาเมรอนโดยวินซ์ เพซ ผู้กำกับภาพที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลเอมมี ตามข้อกำหนดของเขา ระบบกล้องเดียวกันนี้ถูกใช้ในการถ่ายทำSpy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) และThe Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005)

หลังจากภาพยนตร์ 3 มิติเรื่องAvatar ของเจมส์ คาเมรอน กลายเป็นภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดตลอดกาล ภาพยนตร์ 3 มิติก็กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง โดยมีภาพยนตร์หลายเรื่องที่ได้รับการเผยแพร่ในรูปแบบ 3 มิติในเวลาต่อมา ตัวอย่างที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์และได้รับการตอบรับที่ดีจากนักวิจารณ์ ได้แก่ ภาพยนตร์แอนิเมชั่น เช่นDespicable MeของUniversal Pictures / Illumination EntertainmentและHow to Train Your Dragon , Shrek Forever AfterและMegamindของDreamWorks Animationนอกจาก นี้ Avatar ยังได้รับการยกย่องในด้านการใช้เทคโนโลยีโมชั่นแคปเจอร์และอิทธิพลที่มีต่อภาพยนตร์เรื่องต่อ ^ๆมา เช่นRise of the Planet of the Apes [ ^{141 ]}

ในปี 2011 อุตสาหกรรมภาพยนตร์ที่ใหญ่ที่สุดตามจำนวนภาพยนตร์ที่ผลิตได้แก่ อินเดีย สหรัฐอเมริกา จีน ไนจีเรีย และญี่ปุ่น^{[ 142 ]}ในฮอลลีวูดภาพยนตร์ซูเปอร์ฮีโร่ได้รับความนิยมและประสบความสำเร็จทางการเงินเพิ่มขึ้นอย่างมาก โดยมีภาพยนตร์ที่สร้างจากMarvelและDC Comicsออกฉายทุกปี^{[ 143 ]} ประเภทภาพยนตร์ซูเปอร์ฮีโร่เป็นประเภทที่ครองตลาดราย ได้ จาก บ็อกซ์ออฟฟิศของอเมริกามากที่สุด

รายชื่อภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดนั้นถูกครอบงำโดยดิสนีย์โดยในปี 2019 มีภาพยนตร์อยู่ใน 50 อันดับแรกมากที่สุด ภาพยนตร์ซูเปอร์ฮีโร่เรื่องAvengers: Endgame ในปี 2019 เป็นภาพยนตร์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดตลอดกาลในบ็อกซ์ออฟฟิศ ภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดอื่นๆ ได้แก่Star Wars: The Force Awakens , Avengers: Infinity WarและJurassic Worldภาพยนตร์ของดิสนีย์มักเป็นภาพยนตร์ที่ทำรายได้สูงสุดในแต่ละปีในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษนั้น โดยมีชื่อเรื่องอย่างToy Story 3 , The AvengersและFrozenความสำเร็จของดิสนีย์ถึงจุดสูงสุดด้วยการ ที่ ดิสนีย์ เข้าซื้อกิจการ 21st Century Fox

สตูดิโอภาพยนตร์รายใหญ่พยายามเลียนแบบ ความสำเร็จของ Marvel Cinematic Universe ของ ดิสนีย์ด้วยแฟรนไชส์ของตนเองวอร์เนอร์ บราเธอร์สสร้างแฟรนไชส์อย่างDC Extended Universeดิสนีย์สร้าง ภาพยนตร์ ฉบับคนแสดงหรือภาพยนตร์สมจริงที่ดัดแปลงมาจากภาพยนตร์แอนิเมชั่นคลาสสิก เช่นอลาดินและเดอะ ไลออน คิงซีรีส์ภาพยนตร์ที่สร้างจากนวนิยายสำหรับวัยรุ่นได้รับความนิยม โดยเปลี่ยนจากแนวแฟนตาซีไปเป็นแนวไซไฟดิสโทเปีย ซีรีส์ที่โดดเด่น ได้แก่เดอะ ฮั ง เกอร์ เกมส์

ภาพยนตร์ เรื่อง The Tale of Princess Kaguya , Summer 1993 , Leave No Traceและ Minding the Gapได้รับคะแนน 100% จาก Rotten Tomatoesภาพยนตร์ที่ได้รับการยกย่องอื่นๆ ได้แก่ Mad Max: Fury Road , The Social Networkและ Get Outภาพยนตร์อย่าง Portrait of a Lady on Fire , The Tree of Life , Moonlightและ Parasiteมักถูกจัดอยู่ในโพลสำรวจของนักวิจารณ์ว่าเป็นภาพยนตร์ที่ดีที่สุดของทศวรรษ 2010 ในปี 2010 ผู้หญิงคนแรกที่ได้รับรางวัลผู้กำกับยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์ออสการ์ปรากฏตัวขึ้น ภาพยนตร์เรื่อง The Hurt Lockerของ Katherine Bigelowได้รับรางวัลถึง 6 รางวัล ^{[ 144 ]}ในปี 2020 Parasiteกลายเป็นภาพยนตร์ที่ไม่ใช่ภาษาอังกฤษเรื่องแรกที่ได้รับร์ สาขาภาพยนตร์ยอดเยี่ยม

การระบาด ของCOVID-19ส่งผลให้โรงภาพยนตร์ทั่วโลกต้องปิดตัวลงเพื่อตอบสนองต่อมาตรการล็อกดาวน์ ภาพยนตร์หลายเรื่องที่กำหนดฉายในช่วงต้นทศวรรษ 2020 ต้องเผชิญกับความล่าช้า ในขณะที่บางเรื่องฉายผ่านบริการสตรีมมิ่งโดยแทบไม่มีช่วงเวลาฉายในโรงภาพยนตร์เลย ยุคนี้เป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งในวิธีการผลิต จัดจำหน่าย และบริโภคภาพยนตร์ทั่วโลก การระบาดใหญ่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วไปสู่การสตรีมมิ่งในฐานะช่องทางหลักในการจัดจำหน่ายภาพยนตร์^{[ 145 ]} อุตสาหกรรมภาพยนตร์ได้ปรับตัวและผลิตผลงานที่โดดเด่นซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงพลวัตที่เปลี่ยนแปลงไปของยุคสมัย

วิกิมีเดียคอมมอน ส์มีสื่อที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์ภาพยนตร์

• ภาพยนตร์: จากปี 1890 จนถึงปัจจุบัน
• กล้องรูเข็ม (Camera Obscura) คืออะไร?
• บทนำสู่ภาพยนตร์ยุคแรก
• ต้นกำเนิดของภาพยนตร์สารคดี
• ประวัติความเป็นมาของรูปแบบฟิล์ม
• ประวัติเสียงในภาพยนตร์ที่FilmSound.org
• รายชื่อภาพยนตร์เสียงยุคแรก 1894–1929 ในเว็บไซต์ Silent Era
• ประวัติศาสตร์ยุคแรกของภาพยนตร์มุมกว้าง – American Cinematographer, มกราคม 1930
• ประวัติศาสตร์ภาพยนตร์ฮอลลีวูด
• ประวัติศาสตร์เทคนิคคัลเลอร์
• ประวัติโดยย่อและช่วงแรกของการใช้คอมพิวเตอร์กราฟิกในภาพยนตร์
• ประวัติความเป็นมาของการค้นพบศาสตร์แห่งภาพยนตร์ ( เก็บถาวรเมื่อ 5 ตุลาคม 2020 ที่Wayback Machine)ลำดับเหตุการณ์พร้อมภาพประกอบ โดย พอล เบิร์นส์