หิน
ที่มาของรูปแบบ	ร็อกแอนด์โรล ร็อกอะบิลลี่ บลูส์ บลูส์ไฟฟ้า พื้นบ้าน ประเทศ ริธึมแอนด์บลูส์ แจ๊ส
ต้นกำเนิดทางวัฒนธรรม	ช่วงทศวรรษ 1940-1950 สหรัฐอเมริกา
เครื่องมือทั่วไป	กีตาร์ กีตาร์เบส กลอง แป้นพิมพ์ เปียโน เสียงร้อง
รูปแบบอนุพันธ์	คลื่นลูกใหม่ หลังความก้าวหน้า โปรเกรสซีฟป็อป
ประเภทย่อย
แอซิดร็อค อัลเทอร์เนทีฟร็อก ( กรันจ์ ) อารีน่าร็อค อาร์ตร็อค ดนตรีจังหวะ คริสเตียนร็อค เดธร็อค หินทดลอง การาจร็อค แกลมร็อก ฮาร์ดร็อค ฮาร์ดคอร์พังก์ ( ประเภทย่อย ) ฮาร์ทแลนด์ร็อก เฮฟวีเมทัล ( ประเภทย่อย ) อินดี้ร็อก นอยส์ ร็อค ร็อคไสยศาสตร์ ป็อปร็อก โพสต์พังก์ โพสต์ร็อก พาวเวอร์ป็อป โปรเกรสซีฟร็อก ไซคีเดลิกร็อก พังก์ร็อก ( ประเภทย่อย ) รากหิน ซอฟต์ร็อค สโตเนอร์ร็อค เพลงแนวเซิร์ฟ ( รายชื่อทั้งหมด )
แนวเพลงผสมผสาน
บาร็อกป๊อป บลูส์ร็อก คันทรีร็อก แดนซ์ร็อค อิเล็กทรอนิกร็อก โฟล์กร็อก ฟังก์ร็อก ร็อคอุตสาหกรรม แจ๊สร็อก ลาตินร็อก รากา ร็อค แร็พร็อก เร็กเก้ร็อก แซมบ้าร็อค ซูฟีร็อค
ฉากในภูมิภาค
อาร์เจนตินา อาร์เมเนีย ออสเตรเลีย อาเซอร์ไบจาน บังกลาเทศ เบลารุส เบลเยียม บอสเนียและเฮอร์เซโกวีนา บราซิล แคนาดา ชิลี จีน โคลอมเบีย คิวบา โครเอเชีย เดนมาร์ก สาธารณรัฐโดมินิกัน เอกวาดอร์ เอสโตเนีย ฟินแลนด์ ฝรั่งเศส กรีซ เยอรมนี กัวเตมาลา เฮติ ฮังการี ไอซ์แลนด์ อินเดีย อินโดนีเซีย อิหร่าน ไอร์แลนด์ อิสราเอล อิตาลี ญี่ปุ่น ลัตเวีย ลิทัวเนีย มาเลเซีย เม็กซิโก เนปาล นิวซีแลนด์ นอร์เวย์ ปากีสถาน เปรู ฟิลิปปินส์ โปแลนด์ โปรตุเกส เปอร์โตริโก โรมาเนีย รัสเซีย ภูมิภาคทะเลทรายซาฮารา เซอร์เบีย สโลวีเนีย เกาหลีใต้ สเปน ศรีลังกา โลกที่พูดภาษาสเปน สวีเดน สวิตเซอร์แลนด์ ไต้หวัน ตาตาร์ ประเทศไทย ไก่งวง ยูเครน สหราชอาณาจักร สหรัฐอเมริกา ภาคใต้ อุรุกวัย เวเนซุเอลา ยูโกสลาเวีย แซมเบีย
ฉากท้องถิ่น
ซีแอตเติลกรันจ์ แมดเชสเตอร์ ภาพบรรยากาศปาล์มเดเซิร์ต เสียงซานฟรานซิสโก ทรอนเดลาค
หัวข้ออื่นๆ
แอฟโฟรฟิวชั่น ยุคอัลบั้ม จังหวะดนตรี การบิดเบือน หอเกียรติยศ โผล่ ดนตรีก้าวหน้า ความสัมพันธ์กับอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ วงร็อค ศัพท์ดนตรีร็อค โอเปร่าร็อค ร็อคกิซึม ผลกระทบทางสังคม
ปี 2026 ในวงการเพลงร็อก

ดนตรีร็อกเป็นแนวดนตรีสมัยนิยมที่กำเนิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในชื่อ " ร็อกแอนด์โรล " ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 และพัฒนาไปสู่รูปแบบต่างๆ มากมายตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950 ถึงกลางทศวรรษ 1960 โดยส่วนใหญ่ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร รากฐานของดนตรีร็อกเริ่มต้นจากร็อกแอนด์โรลคลาสสิก ซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากแนวดนตรีของชาวแอฟริกันอเมริกัน เช่น บลูส์และริธึมแอนด์บลูส์รวมถึงดนตรี คันทรี นอกจากนี้ ร็อกยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวดนตรีต่างๆ เช่นอิเล็กทริกบลูส์และโฟล์คและผสมผสานอิทธิพลจากแจ๊สและแนวดนตรีอื่นๆ โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีร็อกจะเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้ามักเป็นส่วนหนึ่งของวงดนตรีร็อกที่มีกีตาร์เบสไฟฟ้ากลองและนักร้องหนึ่งคนหรือมากกว่านั้น

โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีร็อกเป็นดนตรีที่มีเนื้อร้องเป็นหลัก⁴ ₄ดนตรีร็ อกมีจังหวะและรูปแบบท่อนร้อง-ท่อนฮุคแต่แนวเพลงนี้กลับมีความหลากหลายอย่างมาก เช่นเดียวกับเพลงป็อปเนื้อเพลงมักเน้นเรื่องความรักโรแมนติก แต่ก็กล่าวถึงประเด็นอื่นๆ ที่หลากหลาย ซึ่งมักเป็นเรื่องสังคมหรือการเมือง ร็อกเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาและประเทศส่วนใหญ่ในโลกตะวันตกตั้งแต่ทศวรรษ 1960 จนถึงทศวรรษ 2010

ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 นักดนตรีร็อคเริ่มผลักดันอัลบั้มให้เป็นรูปแบบการแสดงออกและการบริโภคดนตรีที่บันทึกไว้ที่โดดเด่นกว่าซิงเกิล โดยมีเดอะบีทเทิลส์เป็นผู้นำในการพัฒนาครั้งนี้ ผลงานของพวกเขาทำให้ดนตรีร็อคได้รับการยอมรับในกระแสหลักและริเริ่มยุคอัลบั้ม ที่ได้รับอิทธิพลจากร็อค ในอุตสาหกรรมดนตรีเป็นเวลาหลายทศวรรษ ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ซึ่งเป็นช่วง " คลาสสิกร็อค " แนวเพลงร็อคย่อยที่แตกต่างกันไม่กี่แนวได้เกิดขึ้น รวมถึงแนวเพลงผสมผสาน เช่นบลูส์ร็อคโฟล์คร็อคคันทรีร็อคเซาเทิร์นร็อคราการ็อคและแจ๊สร็อคซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาไซคีเดลิกร็อคที่ได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมต่อต้านกระแสหลักอย่างไซคีเดลิกและฮิปปี้แนวเพลงใหม่ที่เกิดขึ้น ได้แก่โปรเกรสซีฟร็อคซึ่งขยายองค์ประกอบทางศิลปะเฮฟวีเมทัลซึ่งเน้นเสียงที่หนักแน่นและดุดัน และแกลมร็อคซึ่งเน้นการแสดงและสไตล์ภาพลักษณ์ ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1970 ดนตรีพังก์ร็อกได้แสดงปฏิกิริยาโดยการสร้างสรรค์ผลงานที่ดิบ กระชับ และทรงพลัง เพื่อวิพากษ์วิจารณ์สังคมและการเมือง พังก์ร็อกมีอิทธิพลต่อดนตรีแนวใหม่ในช่วงทศวรรษ 1980 เช่น นิวเวฟโพสต์พังก์และในที่สุดก็คืออัลเทอร์เนทีฟร็อก

ตั้งแต่ทศวรรษ 1990 ดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกเริ่มเข้ามามีบทบาทในวงการเพลงร็อกและแทรกซึมเข้าสู่กระแสหลักในรูปแบบของกรันจ์บริทป็อปและอินดี้ร็อกต่อมาได้เกิดแนวเพลงย่อยอื่นๆ ขึ้นอีกมากมาย เช่นป็อปพังก์อิเล็กทรอนิ กร็ อกแร็ปร็อกและแร็ปเมทัลบางกระแสเป็นการพยายามหวนรำลึกถึงประวัติศาสตร์ของดนตรีร็อกอย่างตั้งใจ เช่นการาจร็อกและ การฟื้นฟู โพสต์พังก์ในช่วงทศวรรษ 2000 นับตั้งแต่ทศวรรษ 2010 เป็นต้นมา ดนตรีร็อกได้สูญเสียตำแหน่งแนวเพลงยอดนิยมที่โดดเด่นที่สุดในวัฒนธรรมโลกไป แต่ก็ยังคงประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของฮิปฮอปและดนตรีอิเล็กทรอนิกแดนซ์สามารถเห็นได้ในดนตรีร็อก โดยเฉพาะอย่างยิ่งใน วงการ เทคโนป็อปในช่วงต้นทศวรรษ 2010 และการฟื้นฟูป็อปพังก์ฮิปฮอปในช่วงทศวรรษ 2020

ดนตรีร็อกยังเป็นตัวแทนและเป็นเครื่องมือในการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมและสังคม นำไปสู่กลุ่มวัฒนธรรมย่อยที่สำคัญมากมาย รวมถึงกลุ่มเกรเซอร์ในสหรัฐอเมริกาช่วงทศวรรษ 1950 ถึงกลางทศวรรษ 1960 กลุ่ม เท็ดดี้บอยและร็อกเกอร์ในสหราชอาณาจักร ขบวนการ ฮิปปี้และขบวนการต่อต้านวัฒนธรรมตะวันตกที่แพร่กระจายจากซานฟรานซิสโกในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1960 ซึ่งยังคงดำเนินมาจนถึงปัจจุบัน ในทำนองเดียวกันวัฒนธรรมพังก์ ในทศวรรษ 1970 ได้ก่อให้ เกิดกลุ่ม วัฒนธรรมย่อยกอธพังก์ และอีโม ดนตรีร็อก สืบทอดมา จาก ประเพณีเพลงประท้วงจึงมีความเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางการเมืองรวมถึงการเปลี่ยนแปลงทัศนคติทางสังคมเกี่ยวกับเชื้อชาติ เพศ และการใช้ยาเสพติด และมักถูกมองว่าเป็นการแสดงออกถึงการต่อต้านของเยาวชนต่อการคล้อยตามของ ผู้ใหญ่ ในขณะเดียวกัน ดนตรีร็อกก็ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์อย่างสูง นำไปสู่ข้อกล่าวหาว่าขายตัว

เสียงดนตรีร็อกแบบดั้งเดิมนั้นเน้นที่ กีตาร์ไฟฟ้า ที่ขยายเสียงซึ่งปรากฏในรูปแบบที่ทันสมัยในช่วงทศวรรษ 1950 พร้อมกับความนิยมของดนตรีร็อกแอนด์โรล^{[ 1 ]}นอกจากนี้ยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเสียงของนักเล่นกีตาร์ไฟฟ้าบลูส์^{[ 2 ]}เสียงกีตาร์ไฟฟ้าในดนตรีร็อกมักจะได้รับการสนับสนุนจากกีตาร์เบสไฟฟ้า ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกดนตรีแจ๊สในยุคเดียวกัน^{[ 3 ]}และเสียงเคาะจังหวะจากชุดกลองที่ประกอบด้วยกลองและฉาบ^{[ 4 ]}เครื่องดนตรีทั้งสามนี้มักจะเสริมด้วยเครื่องดนตรีอื่นๆ โดยเฉพาะคีย์บอร์ด เช่น เปียโนออร์แกนแฮมมอนด์และซินเธไซเซอร์^{[ 5 ]}เครื่องดนตรีพื้นฐานของดนตรีร็อกนั้นได้มาจากเครื่องดนตรีพื้นฐานของวงดนตรีบลูส์ไฟฟ้า (กีตาร์นำที่โดดเด่น เครื่องดนตรีคอร์ดที่สอง เบส และกลอง) ^{[ 2 ]}กลุ่มนักดนตรีที่เล่นดนตรีร็อกเรียกว่าวงดนตรีร็อกหรือกลุ่มดนตรีร็อก นอกจากนี้ โดยทั่วไปแล้วจะมีสมาชิกตั้งแต่สามคน ( พาวเวอร์ทรีโอ ) ถึงห้าคน วงดนตรีร็อคคลาสสิกจะมีรูปแบบเป็นวงสี่คนซึ่งสมาชิกแต่ละคนทำหน้าที่อย่างน้อยหนึ่งบทบาท รวมถึงนักร้อง นักกีตาร์นำ นักกีตาร์ริธึม นักกีตาร์เบส มือกลอง และมักจะมีนักเล่นคีย์บอร์ดหรือนักดนตรีอื่น ๆ ด้วย ^{[ 6 ]}

เบราว์เซอร์ของคุณไม่รองรับการเล่นไฟล์เสียง คุณสามารถดาวน์โหลดไฟล์เสียงได้

ง่ายๆ⁴ ₄รูปแบบจังหวะกลองที่พบได้ทั่วไปในดนตรีร็อก

ดนตรีร็อกแบบดั้งเดิมสร้างขึ้นบนพื้นฐานของจังหวะซิงโคเพตที่เรียบง่าย⁴ ₄จังหวะดนตรีประกอบด้วย จังหวะกลองสแนร์ซ้ำๆในจังหวะที่สองและสี่^{[ 7 ]}ทำนองมักมีต้นกำเนิดมาจากโหมดดนตรี เก่าๆ เช่น โหมด ดอเรียน และ มิ กโซลิดีย น รวมถึง บันไดเสียง เมเจอร์และไมเนอร์ ฮาร์โมนีมีตั้งแต่ไตรแอด ทั่วไปไป จนถึง คู่สี่ และคู่ห้าที่สมบูรณ์แบบ คู่ขนาน และการดำเนินฮาร์โมนีที่ไม่ลงตัว^{[ 7 ]}ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950 ^{[ 8 ]}และโดยเฉพาะอย่างยิ่งตั้งแต่กลางทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา ดนตรีร็อกมักใช้โครงสร้างท่อนร้อง-ท่อนซ้ำที่ได้มาจากดนตรีบลูส์และโฟล์ค แต่ก็มีความแตกต่างจากแบบจำลองนี้อย่างมาก^{[ 9 ]}นักวิจารณ์ได้เน้นย้ำถึงการผสมผสานและความหลากหลายทางสไตล์ของดนตรีร็อก^{[ 10 ]}เนื่องจากประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อนและแนวโน้มที่จะยืมจากรูปแบบดนตรีและวัฒนธรรมอื่นๆ จึงมีการโต้แย้งว่า "เป็นไปไม่ได้ที่จะผูกมัดดนตรีร็อกเข้ากับคำจำกัดความทางดนตรีที่กำหนดไว้อย่างเข้มงวด" ^{[ 11 ]}ในปี พ.ศ. 2524 โรเบิร์ต คริสต์เกา นักข่าวเพลง กล่าวว่า "เพลงร็อคที่ดีที่สุดจะปลุก คุณธรรม ของศิลปะพื้นบ้าน —ความตรงไปตรงมา ประโยชน์ใช้สอย และผู้ชมตามธรรมชาติ—ให้เข้ากับยุคปัจจุบันด้วยการนำเทคโนโลยีสมัยใหม่มาใช้" ^{[ 12 ]}

แตกต่างจากดนตรีป๊อปในยุคก่อนๆ หลายรูปแบบ เนื้อเพลงร็อกได้กล่าวถึงหัวข้อที่หลากหลาย รวมถึงความรักโรแมนติก เพศ การต่อต้านสถาบันความกังวลทางสังคม และวิถีชีวิต^{[ 7 ]}หัวข้อเหล่านี้ได้รับสืบทอดมาจากแหล่งต่างๆ เช่นประเพณีเพลงป๊อปTin Pan Alley ดนตรีพื้นบ้านและริธึมแอนด์บลูส์ [ ^{14 ] Christgau}อธิบายเนื้อเพลงร็อกว่าเป็น "สื่อที่เท่" ด้วยถ้อยคำที่เรียบง่ายและท่อนร้องซ้ำๆ และยืนยันว่า "หน้าที่" หลักของร็อก "เกี่ยวข้องกับดนตรี หรือโดยทั่วไปแล้วคือเสียงรบกวน " ^{[ 15 ]}มักมีการกล่าวถึงการครอบงำของนักดนตรีผิวขาว เพศชาย และมักเป็นชนชั้นกลางในดนตรีร็อก^{[ 16 ]}และร็อกถูกมองว่าเป็นการนำรูปแบบดนตรีของคนผิวดำมาใช้กับกลุ่มผู้ชมที่เป็นคนหนุ่มสาว ผิวขาว และส่วนใหญ่เป็นเพศชาย^{[ 17 ]}ด้วยเหตุนี้ จึงมีการมองว่าร็อกเป็นการแสดงออกถึงความกังวลของกลุ่มนี้ทั้งในด้านรูปแบบและเนื้อเพลง^{[ 18 ]} Christgau เขียนไว้ในปี 1972 ว่าแม้จะมีข้อยกเว้นอยู่บ้าง "ดนตรีร็อกแอนด์โรลโดยทั่วไปมักหมายถึงการระบุถึงความเป็นเพศชายและความก้าวร้าว" ^{[ 19 ]}

นับตั้งแต่มีการใช้คำว่า "ร็อก" แทนคำว่า "ร็อกแอนด์โรล" ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา มักจะถูกนำมาเปรียบเทียบกับดนตรีป๊อป ซึ่งมีลักษณะร่วมกันหลายประการ อย่างไรก็ตาม ร็อกมักจะแตกต่างจากป๊อป โดยร็อกเน้นที่ฝีมือของนักดนตรี การแสดงสด และการให้ความสำคัญกับเนื้อหาที่จริงจังและก้าวหน้า ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของอุดมการณ์แห่งความแท้จริงที่มักจะผสมผสานกับการตระหนักถึงประวัติศาสตร์และการพัฒนาของแนวเพลงนี้^{[ 20 ]}ตามที่Simon Frith กล่าวไว้ ร็อกนั้น "เป็นมากกว่าป๊อป เป็นมากกว่าร็อกแอนด์โรล" และ "นักดนตรีร็อกผสมผสานการเน้นทักษะและเทคนิคเข้ากับแนวคิดโรแมนติกของศิลปะในฐานะการแสดงออกทางศิลปะที่เป็นต้นฉบับและจริงใจ" ^{[ 20 ]}

ในสหัสวรรษใหม่ คำว่าร็อกถูกใช้เป็นครั้งคราวในความหมายกว้างๆซึ่งรวมถึงรูปแบบต่างๆ เช่น เพลงป๊อปเพลงเร็กเก้เพลงโซลและแม้แต่ฮิปฮอปซึ่งได้รับอิทธิพลจากเพลงเหล่านี้ แต่ก็มักจะแตกต่างกันตลอดประวัติศาสตร์ของฮิปฮอป^{[ 21 ]}คริสต์เกาใช้คำนี้ในความหมายกว้างๆ เพื่ออ้างถึงเพลงยอดนิยมและเพลงกึ่งยอดนิยมที่ตรงกับความรู้สึกของเขาในฐานะ "ร็อกแอนด์โรล" ซึ่งรวมถึงความชื่นชอบในจังหวะที่ดี เนื้อเพลงที่มีความหมายและมีไหวพริบ และธีมของวัยเยาว์ ซึ่งมี "เสน่ห์อันเป็นนิรันดร์" ที่เป็นรูปธรรมมาก "จนเพลงของเยาวชนทั้งหมดมีส่วนร่วมในสังคมวิทยาและรายงานภาคสนาม " ^{[ 22 ]}

รากฐานของดนตรีร็อกมาจากดนตรีร็อกแอนด์โรล ซึ่งมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 แนวเพลงนี้แพร่กระจายไปยังส่วนอื่นๆ ของโลก ต้นกำเนิดของมันมาจากการผสมผสานของ แนว ดนตรีคนผิวดำ ต่างๆ ในยุคนั้น รวมถึงดนตรีริธึมแอนด์บลูส์และ กอสเปล เข้ากับ ดนตรี คันทรีและเวสเทิร์น^{[ 23 ]}

มีการถกเถียงกันเกี่ยวกับบันทึกเสียงมากมายที่ถูกเสนอว่าเป็น " บันทึกเสียงร็อกแอนด์โรลแผ่นแรก " ผู้ที่เข้าชิง ได้แก่ " Strange Things Happening Every Day " โดยSister Rosetta Tharpe (1944); ^{[ 24 ]} " That's All Right " โดยArthur Crudup (1946) ^{[ 25 ]}ซึ่งต่อมาElvis Presleyนำมาร้องใหม่ในปี 1954; " The House of Blue Lights " โดยElla Mae MorseและFreddie Slack (1946); ^{[ 26 ]} " Good Rocking Tonight " ของ Wynonie Harris (1948); ^{[ 27 ]} "Rock Awhile" ของGoree Carter (1949); ^{[ 28 ]} " Rock the Joint " ของJimmy Preston (1949) ซึ่งBill Haley & His Comets นำมาร้องใหม่ ในปี 1952; ^{[ 29 ]}และ " Rocket 88 " โดยJackie Brenstonและวง Delta Cats ของเขา (อันที่จริงคือIke TurnerและวงKings of Rhythm ของเขา ) บันทึกโดยSam PhillipsสำหรับChess Recordsในปี 1951 ^{[ 30 ]}

ในปี 1951 ที่เมืองคลีฟแลนด์ รัฐโอไฮโอดีเจอลันฟรีดเริ่มเปิดเพลงริธึมแอนด์บลูส์ (ซึ่งในขณะนั้นเรียกว่า " เพลงของคนผิวสี ") ให้กับผู้ชมหลายเชื้อชาติ และได้รับการยกย่องว่าเป็นคนแรกที่ใช้คำว่า "ร็อกแอนด์โรล" เพื่ออธิบายดนตรีประเภทนี้^{[ 31 ]}สี่ปีต่อมา เพลง " Rock Around the Clock " (1954) ของบิล เฮลีย์กลายเป็นเพลงร็อกแอนด์โรลเพลงแรกที่ขึ้นอันดับหนึ่งใน ชาร์ตยอดขายและการออกอากาศหลักของนิตยสาร บิลบอร์ดและเปิดประตูสู่กระแสวัฒนธรรมป๊อปยุคใหม่นี้ไปทั่วโลก^{[ 32 ] [ 33 ]}ศิลปินคนอื่นๆ ที่มีเพลงฮิตร็อกแอนด์โรลในช่วงแรก ได้แก่ชัค เบอร์รี , โบ ดิดลีย์ , แฟตส์ โดมิโน , ลิตเติล ริชาร์ ด , เจอร์รี ลี ลูอิสและจีน วินเซนต์ [ ^{30 ] ใน}ไม่ช้า ร็อกแอนด์โรลก็กลายเป็นพลังสำคัญในการขายแผ่นเสียงของอเมริกา และนักร้องเสียงนุ่มอย่างเอ็ดดี้ ฟิชเชอร์ , เพอร์รี โคโมและแพตตี เพจซึ่งเคยครองวงการเพลงป๊อปในทศวรรษก่อนหน้า ก็พบว่าการเข้าถึงชาร์ตเพลงป๊อปของพวกเขาลดลงอย่างมาก^{[ 34 ]}

ดนตรีร็อกแอนด์โรลได้นำไปสู่แนวเพลงย่อยที่แตกต่างกันหลายแนว รวมถึงร็อกอะบิลลี ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างร็อกแอนด์โรลกับดนตรีคันทรีแบบ "ฮิลล์บิลลี" ซึ่งมักจะเล่นและบันทึกเสียงในช่วงกลางทศวรรษ 1950 โดยนักร้องผิวขาว เช่นคาร์ล เพอร์กินส์ , เจอร์รี ลี ลูอิส, รอย ออร์บิสัน , บัดดี้ ฮอลลีและที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดคือเอลวิส เพรสลีย์^{[ 35 ]} ขบวนการของ ชาวฮิสแปนิกและลาตินอเมริกันในดนตรีร็อกแอนด์โรล ซึ่งในที่สุดจะนำไปสู่ความสำเร็จของ ดนตรี ลาตินร็อกและชิคาโนร็อกในสหรัฐอเมริกา เริ่มเฟื่องฟูในภาคตะวันตกเฉียงใต้โดยมีนักดนตรีร็อกแอนด์โรลชื่อดัง อย่าง ริชชี วาเลนส์และแม้แต่ผู้ที่อยู่ในแนวเพลงดั้งเดิมอื่นๆ เช่นอัล เฮอริเคนพร้อมกับพี่น้องของเขา ไทนี่ มอร์รี และเบบี้ กาบี ที่เริ่มผสมผสานร็อกแอนด์โรลกับคันทรีเวสเทิร์นในดนตรีดั้งเดิมของนิวเม็กซิโก^{[ 36 ]}นอกจากนี้ ในช่วงทศวรรษ 1950 กีตาร์ไฟฟ้าได้รับความนิยมเพิ่มขึ้น และมีการพัฒนารูปแบบการเล่นแบบร็อกแอนด์โรลโดยเฉพาะผ่านนักดนตรีอย่าง Chuck Berry, Link WrayและScotty Moore [ ^{37 ] การ}ใช้เสียงแตกพร่าซึ่งริเริ่มโดย นักกีตาร์ แนวเวสเทิร์นสวิงอย่างJunior Barnard ^{[ 38 ]}และEldon Shamblinได้รับความนิยมจาก Chuck Berry ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ^{[ 39 ]}การใช้คอร์ดพลังซึ่งริเริ่มโดยFrancisco TárregaและHeitor Villa-Lobosในศตวรรษที่ 19 และต่อมาโดยWillie JohnsonและPat Hareในช่วงต้นทศวรรษ 1950 ได้รับความนิยมจาก Link Wray ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ^{[ 40 ]}

นักวิจารณ์มองว่าดนตรีร็อกแอนด์โรลเริ่มเสื่อมถอยลงในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ภายในปี 1959 การเสียชีวิตของบัดดี้ ฮอลลี่บิ๊ก บอปเปอร์และริชชี่ วาเลนส์ ในอุบัติเหตุเครื่องบินตก การที่เอลวิสเข้ารับราชการทหาร การที่ลิตเติล ริชาร์ดเกษียณตัวเองไปเป็นนักเทศน์ การดำเนินคดีกับเจอร์รี่ ลี ลูอิส และชัค เบอร์รี่ และการเปิดโปง คดี ฉ้อโกง (ซึ่งเกี่ยวข้องกับบุคคลสำคัญหลายคน รวมถึงอลัน ฟรีด ในการรับสินบนและทุจริตเพื่อส่งเสริมการแสดงหรือเพลงของแต่ละบุคคล) ทำให้เกิดความรู้สึกว่ายุคของดนตรีร็อกแอนด์โรลที่ก่อตั้งขึ้น ณ จุดนั้นได้สิ้นสุดลงแล้ว^{[ 41 ]}

ดนตรีร็อกแพร่กระจายอย่างรวดเร็วจากต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแพร่กระจายวัฒนธรรมอเมริกัน อย่างรวดเร็ว ที่เกิดขึ้นทั่วโลกภายหลังสงครามโลกครั้งที่สอง^{[ 42 ]} Cliff Richardได้รับการยกย่องว่าเป็นหนึ่งในศิลปินร็อกแอนด์โรลคนแรกๆ ที่มีเพลงฮิตนอกทวีปอเมริกาเหนือ คือเพลง " Move It " (1959) ซึ่งเป็นการเปิดตัวดนตรีร็อกแบบอังกฤษอย่าง มีประสิทธิภาพ ^{[ 43 ]}ศิลปินหลายคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งTommy Steeleจากสหราชอาณาจักร ประสบความสำเร็จกับการนำเพลงร็อกแอนด์โรลยอดฮิตของอเมริกามาทำใหม่ ก่อนที่เพลงเหล่านั้นจะแพร่กระจายไปทั่วโลก โดยมักจะแปลเป็นภาษาท้องถิ่นตามความเหมาะสม^{[ 44 ] [ 45 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Steele ได้ออกทัวร์ในสหราชอาณาจักร สแกนดิเนเวีย ออสเตรเลีย สหภาพโซเวียต และแอฟริกาใต้ ตั้งแต่ปี 1955 ถึง 1957 ซึ่งมีอิทธิพลต่อการแพร่กระจายดนตรีร็อกไปทั่วโลก^{[ 44 ]} เพลง " Wild One " ของJohnny O'Keefe ในปี 1958 เป็นหนึ่งในเพลงร็อกแอนด์โรลยอดฮิตของออสเตรเลียในช่วงแรกๆ^{[ 46 ]}ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 เช่นเดียวกับในโลกตะวันตกที่ได้รับอิทธิพลจากอเมริกา ดนตรีร็อคก็ได้รับความนิยมในรัฐคอมมิวนิสต์ เช่น ยูโกสลาเวีย^{[ 47 ]}และสหภาพโซเวียต^{[ 48 ]}เช่นเดียวกับในภูมิภาคต่างๆ เช่น อเมริกาใต้^{[ 45 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ศิลปิน เพลงบลูส์และบลูส์ร็อก ของสหรัฐฯ ซึ่งถูกแซงหน้าโดยการเติบโตของร็อกแอนด์โรลในสหรัฐฯ กลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งในสหราชอาณาจักร โดยมีการทัวร์คอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จ^{[ 49 ]} เพลงฮิต " Rock Island Line " ของLonnie Donegan ในปี 1955 มีอิทธิพลอย่างมากและช่วยพัฒนากระแสของ วง ดนตรีสกีฟเฟิลไปทั่วประเทศ ซึ่งหลายวง รวมถึงวง QuarrymenของJohn Lennon (ต่อมาคือ วง The Beatles ) ได้ก้าวไปเล่นเพลงร็อกแอนด์โรล^{[ 50 ]}ในขณะที่ตลาดเพลงร็อกแอนด์โรลเดิมในสหรัฐฯ กำลังถูกครอบงำโดยเพลงป๊อปและบัลลาดเบาๆ วงดนตรีร็อกของอังกฤษในคลับและงานเต้นรำท้องถิ่นกำลังพัฒนารูปแบบที่ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผู้บุกเบิกเพลงบลูส์ร็อก และเริ่มเล่นด้วยความเข้มข้นและแรงขับเคลื่อนที่หาได้ยากในวงดนตรีอเมริกันผิวขาว^{[ 51 ]}อิทธิพลนี้จะส่งผลต่ออนาคตของดนตรีร็อกผ่าน การบุกรุก ของอังกฤษ^{[ 49 ]}

สี่ปีแรกของทศวรรษ 1960 มักถูกมองว่าเป็นยุคแห่งการหยุดชะงักของดนตรีร็อกแอนด์โรล^{[ 52 ]}อย่างไรก็ตาม ผู้เขียนบางคนได้เน้นย้ำถึงนวัตกรรมและแนวโน้มในช่วงเวลานี้ ซึ่งหากปราศจากสิ่งเหล่านี้ การพัฒนาในอนาคตก็คงเป็นไปไม่ได้^{[ 53 ] [ 54 ]}ในขณะที่ดนตรีร็อกแอนด์โรลยุคแรก โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการกำเนิดของร็อกอะบิลลี ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดสำหรับนักแสดงชายและผิวขาว แต่ในยุคนี้ แนวเพลงนี้กลับถูกครอบงำโดยศิลปินผิวดำและผู้หญิง ดนตรีร็อกแอนด์โรลไม่ได้หายไปจากวงการเพลงโดยสิ้นเชิงในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และพลังบางส่วนของมันยังคงปรากฏให้เห็นในกระแสการเต้น ต่างๆ ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ซึ่งเริ่มต้นโดย เพลง " The Twist " ของChubby Checker (1960) ^{[ 54 ] [ nb 1 ]}นักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนยังชี้ให้เห็นถึงการพัฒนาทางเทคนิคที่สำคัญและสร้างสรรค์ซึ่งต่อยอดจากดนตรีร็อกแอนด์โรลในยุคนี้ รวมถึงการประมวลผลเสียงด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์โดยนักประดิษฐ์อย่างJoe Meekและวิธีการผลิตที่ซับซ้อนของWall of Soundที่Phil Spectorนำมาใช้^{[ 54 ]}

ดนตรีร็อกแอนด์โรลแบบบรรเลงของศิลปินอย่างDuane Eddy , Link Wray และThe Venturesได้รับการพัฒนาต่อยอดโดยDick Daleซึ่งได้เพิ่มเสียงสะท้อน แบบ "เปียก" ที่โดดเด่น การดีดสลับอย่างรวดเร็ว และ อิทธิพล จากตะวันออกกลางและเม็กซิโกเขาผลิตเพลงฮิตระดับภูมิภาคอย่าง " Let's Go Trippin' "ในปี 1961 และจุดประกายกระแสเพลงเซิร์ฟ โดยมีเพลงตามมาอย่าง " Misirlou " (1962) ^{[ 58 ]}เช่นเดียวกับ Dale และ วง Del-Tones ของเขา วงดนตรีเซิร์ฟยุคแรกส่วนใหญ่ก่อตั้งขึ้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ รวมถึงวง Bel-Airs , The ChallengersและEddie & the Showmen ^{[ 58 ]} The Chantaysทำเพลงฮิตติดท็อปเท็นระดับประเทศด้วยเพลง " Pipeline " ในปี 1963 และเพลงเซิร์ฟที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดน่าจะเป็นเพลง " Wipe Out " ของThe Surfaris ในปี 1963 ซึ่งขึ้นถึงอันดับ 2 และอันดับ 10 ใน ชาร์ต Billboardในปี 1965 ^{[ 59 ]}ดนตรีเซิร์ฟร็อกยังได้รับความนิยมในยุโรปในช่วงเวลานี้ โดยวงดนตรีจากอังกฤษ อย่าง The Shadowsทำเพลงฮิตในช่วงต้นทศวรรษ 1960 ด้วยเพลงบรรเลงอย่าง " Apache " (1960) และ " Kon-Tiki " (1961) ในขณะที่วงดนตรีเซิร์ฟจากสวีเดนอย่างThe Spotnicksประสบความสำเร็จทั้งในสวีเดนและอังกฤษ

ดนตรีเซิร์ฟประสบความสำเร็จทางการค้าสูงสุดในฐานะดนตรีป๊อปที่มีเสียงร้อง โดยเฉพาะผลงานของวง Beach Boysซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1961 ในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ อัลบั้มแรกๆ ของพวกเขามีทั้งเพลงเซิร์ฟร็อกบรรเลง (รวมถึงเพลงคัฟเวอร์ของ Dick Dale) และเพลงร้อง โดยดึงเอาแรงบันดาลใจจากร็อกแอนด์โรลและดูวอปรวมถึงการประสานเสียงที่ลงตัวของวงดนตรีป๊อปอย่างFour Freshmen มา ใช้^{[ 60 ]} เพลง ฮิตติดชาร์ตเพลงแรกของ Beach Boys คือ " Surfin' " (1961) ติดอันดับ ท็อป 100 ของ Billboardและช่วยทำให้กระแสความนิยมดนตรีเซิร์ฟกลายเป็นปรากฏการณ์ระดับชาติ^{[ 61 ]}กระแสความนิยมดนตรีเซิร์ฟและอาชีพของศิลปินเซิร์ฟเกือบทั้งหมดสิ้นสุดลงอย่างมีประสิทธิภาพในปี 1965 หลังจากการมาถึงของวงดนตรีจากอังกฤษ^{[ 62 ] [ nb 2 ]}

ภายในสิ้นปี 1962 สิ่งที่จะกลายเป็นวงการเพลงร็อกของอังกฤษได้เริ่มต้นขึ้นด้วยวงดนตรีแนวบีทอย่างเดอะบีทเทิลส์ , เจอร์รี แอนด์ เดอะ เพซเมเกอร์สและเดอะเซิร์ชเชอร์สจากลิเวอร์พูล และเฟรดดี แอนด์ เดอะ ดรีมเมอร์ส , เฮอร์แมนส์ เฮอร์มิตส์และเดอะฮอลลีส์จากแมนเชสเตอร์ พวกเขาได้รับอิทธิพลจากดนตรีอเมริกันหลากหลายแนว รวมถึงร็อกแอนด์โรลยุค 1950, โซล, ริธึมแอนด์บลูส์ และเซิร์ฟมิวสิก^{[63] โดยเริ่มแรกพวกเขานำเพลงอเมริกันมาตรฐานมาตีความใหม่และเล่นเพื่อการเต้นรำ วงดนตรีอย่างดิแอนิมอลส์จากนิวคาสเซิลและเดอะเธมจากเบลฟาสต์ [ 64 ] และ}วงจากลอนดอนอย่างเดอะโรลลิงส^{โตนส์}และเดอะยาร์ดเบิร์ดส์ได้รับอิทธิพลโดยตรงจากริธึมแอนด์บลูส์และต่อมาคือบลูส์มิวสิก^{[ 65 ]}ในไม่ช้ากลุ่มเหล่านี้ก็เริ่มแต่งเพลงของตัวเอง โดยผสมผสานรูปแบบดนตรีของสหรัฐอเมริกาและใส่จังหวะที่มีพลังสูงเข้าไป วงดนตรีแนวบีทมักเน้นไปที่ "ท่วงทำนองที่สนุกสนานและไม่อาจต้านทานได้" ในขณะที่ วงดนตรี บลูส์ยุคแรกของอังกฤษมักเน้นไปที่เพลงที่ไม่ไร้เดียงสาทางเพศและก้าวร้าวมากกว่า โดยมักมีจุดยืนต่อต้านสถาบัน อย่างไรก็ตาม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในระยะแรก มีการผสมผสานทางดนตรีระหว่างสองแนวเพลงนี้อย่างมาก^{[ 66 ]}ในปี 1963 วงดนตรีแนวบีท นำโดยเดอะบีทเทิลส์ เริ่มประสบความสำเร็จในระดับประเทศในอังกฤษ และในไม่ช้าก็มีวงดนตรีแนวริธึมแอนด์บลูส์ที่เน้นเพลงแนวนี้ตามมาติดชาร์ต^{[ 67 ]}

" I Want to Hold Your Hand " เป็นเพลงฮิตอันดับหนึ่งเพลงแรกของเดอะบีทเทิลส์บน^ชาร์ต Billboard Hot 100 [ ^{68 ]}โดยครองอันดับหนึ่งนาน 7 สัปดาห์ และอยู่ในชาร์ตรวม 15 สัปดาห์^{[ 69 ] [ 70 ]}การปรากฏตัวครั้งแรกของพวกเขาในรายการ The Ed Sullivan Showเมื่อวันที่ 9 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2507 ซึ่งมีผู้ชมประมาณ 73 ล้านคน (ซึ่งในขณะนั้นเป็นสถิติสูงสุดสำหรับรายการโทรทัศน์ของอเมริกา) ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญในวัฒนธรรมป๊อปของอเมริกา ในช่วงสัปดาห์ของวันที่ 4 เมษายน พ.ศ. 2507 เดอะบีทเทิลส์ครอง 12 อันดับใน ชาร์ตซิงเกิล Billboard Hot 100 รวมถึง 5 อันดับแรกทั้งหมด เดอะบีทเทิลส์กลายเป็นวงร็อคที่ขายดีที่สุดตลอดกาล และมีวงดนตรีจากอังกฤษจำนวนมากตามมาในชาร์ตของสหรัฐอเมริกา^{[ 66 ]}ในช่วงสองปีถัดมา ศิลปินชาวอังกฤษครองชาร์ตเพลงของตนเองและชาร์ตเพลงของสหรัฐอเมริกา โดย มี Peter and Gordon , the Animals, ^{[ 71 ]} Manfred Mann , Petula Clark , ^{[ 71 ]} Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits, the Rolling Stones, ^{[ 72 ]} the TroggsและDonovan ^{[ 73 ]}ต่างก็มีซิงเกิลอันดับหนึ่งอย่างน้อยหนึ่งเพลง^{[ 69 ]}ศิลปินสำคัญอื่นๆ ที่เป็นส่วนหนึ่งของการบุกตลาดครั้งนี้ ได้แก่the Kinks , the Whoและthe Dave Clark Five ^{[ 74 ] [ 75 ] [ 76 ]}

การรุกรานของอังกฤษช่วยทำให้การผลิตเพลงร็อกแอนด์โรลเป็นสากลมากขึ้น เปิดประตูให้ศิลปินชาวอังกฤษ (และไอริช) รุ่นต่อมาประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติ^{[ 77 ]}ในอเมริกา อาจกล่าวได้ว่าเป็นการสิ้นสุดของดนตรีเซิร์ฟแบบบรรเลงกลุ่มนักร้องหญิงและ (ในช่วงเวลาหนึ่ง) ไอดอลวัยรุ่นที่เคยครองชาร์ตเพลงอเมริกันในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และ 1960 ^{[ 78 ]}มันทำลายอาชีพของศิลปิน R&B ที่มีชื่อเสียงอย่างFats DominoและChubby Checkerและยังทำให้ความสำเร็จในชาร์ตเพลงของศิลปินร็อกแอนด์โรลที่ยังคงอยู่รอด รวมถึง Elvis ต้องหยุดชะงักไปชั่วคราว^{[ 79 ]}การรุกรานของอังกฤษยังมีบทบาทสำคัญในการเกิดขึ้นของแนวเพลงร็อกที่แตกต่าง และตอกย้ำความสำคัญของกลุ่มร็อก ซึ่งประกอบด้วยกีตาร์และกลอง และผลิตผลงานของตนเองในฐานะนักร้องนักแต่งเพลง^{[ 80 ]}โดยยึดตามแบบอย่างที่วง The Beatles ได้วางไว้ในอัลบั้มRubber Soul ในปี 1965 โดยเฉพาะอย่างยิ่ง วงร็อคอังกฤษอื่นๆ ได้ออกอัลบั้มร็อคที่ตั้งใจให้เป็นผลงานศิลปะในปี 1966 ซึ่งรวมถึงAftermath ของวง The Rolling Stones, Revolverของวง The Beatles เองและA Quick One ของวง The Who รวมถึงวงจากอเมริกาอย่างThe Beach Boys ( Pet Sounds ) และBob Dylan ( Blonde on Blonde ) ^{[ 81 ]}

แม้ว่าอิทธิพลแรกของการรุกรานของอังกฤษที่มีต่อดนตรีป๊อปอเมริกันจะมาจากวงดนตรีแนวบีทและอาร์แอนด์บี แต่แรงผลักดันก็ถูกรับช่วงต่อโดยวงดนตรีรุ่นที่สองที่ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากดนตรีบลูส์ ของอเมริกา รวมถึงวงโรลลิงสโตนส์และวงยาร์ดเบิร์ดส์ [ ^{82 ] นัก}ดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ได้รับแรงบันดาลใจจากการเล่นแบบอะคูสติกของบุคคลต่างๆ เช่นลีด เบลลีผู้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกระแสสกีฟเฟิล และโรเบิร์ต จอห์นสัน [ ^{83 ] พวก}เขาเริ่มนำเสียงที่ดังและขยายเสียงมากขึ้น โดยมักจะเน้นที่กีตาร์ไฟฟ้า ซึ่งมีพื้นฐานมาจากดนตรีบลูส์ชิคาโกโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากการทัวร์อังกฤษของมัดดี้ วอเตอร์สในปี 1958 ซึ่งกระตุ้นให้ไซริล เดวีส์และมือกีตาร์อเล็กซิส คอร์เนอร์ก่อตั้งวงบลูส์อินคอร์ปอเรท^{[ 84 ]}วงดนตรีนี้มีส่วนร่วมและเป็นแรงบันดาลใจให้กับบุคคลสำคัญหลายคนใน ยุคเฟื่องฟูของดนตรี บลูส์อังกฤษ ในเวลาต่อมา รวมถึงสมาชิกของวง Rolling Stones และCreamโดยผสมผสานมาตรฐานและรูปแบบของดนตรีบลูส์เข้ากับเครื่องดนตรีและการเน้นย้ำแบบร็อก^{[ 51 ]}

จุดสนใจสำคัญอีกประการหนึ่งของดนตรีบลูส์อังกฤษคือจอห์น เมย์ออลล์วงดนตรีของเขาบลูส์เบรกเกอร์ส ประกอบด้วยเอริค แคลปตัน (หลังจากแคลปตันออกจากวงเดอะยาร์ดเบิร์ดส์) และต่อมา คือ ปีเตอร์ กรีนสิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือการออก อัลบั้ม Blues Breakers with Eric Clapton (Beano)ในปี 1966 ซึ่งถือเป็นหนึ่งในบันทึกเสียงบลูส์อังกฤษที่สำคัญที่สุด และเสียงของอัลบั้มนี้ได้รับการเลียนแบบอย่างมากทั้งในอังกฤษและสหรัฐอเมริกา^{[ 85 ]}เอริค แคลปตัน ได้ก่อตั้งวงซูเปอร์กรุ๊ปอย่าง Cream, Blind FaithและDerek and the Dominosตามมาด้วยอาชีพเดี่ยวที่ยาวนาน ซึ่งช่วยนำบลูส์ร็อกเข้าสู่กระแสหลัก^{[ 84 ]} กรีน ร่วมกับ มิก ฟลีตวูดและจอห์น แม็ควีในส่วนของจังหวะดนตรีของบลูส์เบรกเกอร์สได้ก่อตั้งวง Peter Green's Fleetwood Macซึ่งประสบความสำเร็จทางการค้าอย่างมากในแนวเพลงนี้^{[ 84 ]}ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เจฟฟ์ เบ็คซึ่งเป็นศิษย์เก่าของวง Yardbirds เช่นกัน ได้นำดนตรีบลูส์ร็อกไปสู่แนวเฮฟวี่ร็อกด้วยวงJeff Beck Group ของ เขา^{[ 84 ]}มือกีตาร์คนสุดท้ายของวง Yardbirds คือจิมมี่ เพจซึ่งต่อมาได้ก่อตั้งวงThe New Yardbirdsซึ่งต่อมาได้กลายเป็นวงLed Zeppelin ในเวลาไม่นาน เพลงหลายเพลงในสามอัลบั้มแรกของพวกเขา และบางครั้งในผลงานช่วงหลังๆ ของพวกเขา เป็นการต่อยอดจากเพลงบลูส์แบบดั้งเดิม^{[ 84 ]}

ในสหรัฐอเมริกา บลูส์ร็อกได้รับการบุกเบิกในช่วงต้นทศวรรษ 1960 โดยมือกีตาร์Lonnie Mack [ ^{86 ] อย่างไรก็ตาม}แนวเพลงนี้เริ่มได้รับความนิยมในช่วงกลางทศวรรษ 1960 เมื่อวงดนตรีต่างๆ พัฒนาเสียงที่คล้ายกับนักดนตรีบลูส์ชาวอังกฤษ วงดนตรีสำคัญๆ ได้แก่Paul Butterfield (ซึ่งวงดนตรีของเขาทำหน้าที่คล้ายกับ Mayall's Bluesbreakers ในอังกฤษ ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของนักดนตรีที่ประสบความสำเร็จหลายคน), Canned Heat , Jefferson Airplane ในยุคแรกๆ , Janis Joplin , Johnny Winter , J. Geils BandและJimi Hendrixกับวงทรีโอพลัง ของเขา Jimi Hendrix Experience ( ซึ่งมีสมาชิกชาวอังกฤษสองคน และก่อตั้งขึ้นในอังกฤษ) และBand of Gypsysซึ่งความสามารถในการเล่นกีตาร์และการแสดงบนเวทีของพวกเขาเป็นหนึ่งในสิ่งที่ถูกเลียนแบบมากที่สุดในทศวรรษนั้น^{[ 84 ]}วงดนตรีบลูส์ร็อกจากรัฐทางใต้ เช่นAllman Brothers Band , Lynyrd SkynyrdและZZ Topได้ผสมผสาน องค์ประกอบ ของเพลงคันทรี่เข้ากับสไตล์ของพวกเขาเพื่อสร้างแนวเพลงSouthern rockที่ เป็นเอกลักษณ์ ^{[ 87 ]}

วงดนตรีบลูส์ร็อกมักเลียนแบบดนตรีแจ๊ส โดยเล่นการด้นสดที่ยาวและซับซ้อน ซึ่งต่อมากลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก ตั้งแต่ประมาณปี 1967 วงดนตรีอย่าง Cream และ Jimi Hendrix Experience ได้เปลี่ยนจากดนตรีที่อิงบลูส์ล้วนๆ ไปสู่ดนตรีไซคีเดเลีย^{[ 88 ]}ในช่วงทศวรรษ 1970 บลูส์ร็อกมีความหนักแน่นและ เน้น ริฟฟ์ มากขึ้น ตัวอย่างเช่นผลงานของ Led Zeppelin และDeep Purpleและเส้นแบ่งระหว่างบลูส์ร็อกและฮาร์ดร็อก "แทบมองไม่เห็น" ^{[ 88 ]}เนื่องจากวงดนตรีเริ่มบันทึกอัลบั้มในสไตล์ร็อก แนวเพลงนี้ยังคงดำเนินต่อไปในทศวรรษ 1970 โดยบุคคลต่างๆ เช่นGeorge ThorogoodและPat Travers ^{[ 84 ]}แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงการดนตรีของอังกฤษ (ยกเว้นอาจจะเป็นการเกิดขึ้นของกลุ่มต่างๆ เช่นStatus QuoและFoghatที่เปลี่ยนไปสู่รูปแบบของบูจี้ร็อกที่ มีพลังงานสูงและซ้ำซาก ) แนวเพลงย่อยนี้มุ่งเน้นไปที่เฮฟวี่เมทัลและบลูส์ร็อกก็เริ่มหลุดออกจากกระแสหลัก^{[ 89 ]}

ดนตรี การาจร็อคเป็นรูปแบบดนตรีร็อคดิบๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งแพร่หลายในอเมริกาเหนือในช่วงกลางทศวรรษ 1960 และเรียกเช่นนั้นเพราะความเชื่อที่ว่ามันมักจะถูกซ้อมในโรงรถของครอบครัวชานเมือง^{[ 90 ] [ 91 ]}เพลงการาจร็อคมักจะวนเวียนอยู่กับบาดแผลในชีวิตมัธยมปลาย โดยเฉพาะเพลงเกี่ยวกับ "ผู้หญิงโกหก" และสถานการณ์ทางสังคมที่ไม่ยุติธรรม^{[ 92 ]}เนื้อเพลงและการร้องมักจะก้าวร้าวมากกว่าที่พบเห็นได้ทั่วไปในเวลานั้น มักจะมีเสียงคำรามหรือตะโกนที่ค่อยๆ จางหายไปเป็นการกรีดร้องที่ไม่เป็นภาษา^{[ 90 ]}ดนตรีเหล่านี้มีตั้งแต่ดนตรีแบบคอร์ดเดียวที่หยาบๆ (เช่นวง The Seeds ) ไปจนถึงคุณภาพระดับนักดนตรีในสตูดิโอ (รวมถึงวงThe Knickerbockers , The RemainsและThe Fifth Estate ) นอกจากนี้ยังมีความแตกต่างกันในแต่ละภูมิภาคของประเทศ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแคลิฟอร์เนียและเท็กซัสที่มีวงการดนตรีเฟื่องฟู^{[ 92 ]}

รูปแบบดนตรีนี้ได้พัฒนามาจากฉากดนตรีระดับภูมิภาคตั้งแต่ปี 1958 เพลง "Tall Cool One" (1959) โดยวงThe Wailers (จากเมืองทาโคมา รัฐวอชิงตัน) และเพลง " Louie Louie " เวอร์ชันปี 1963 โดย วง The Kingsmen (เมืองพอร์ตแลนด์ รัฐโอเรกอน) เป็นตัวอย่างกระแสหลักของแนวเพลงนี้ในช่วงเริ่มต้น^{[ 93 ]}ในปี 1963 ซิงเกิลของวงดนตรีแนวการาจเริ่มแทรกซึมเข้าสู่ชาร์ตระดับชาติมากขึ้น รวมถึงPaul Revere and the Raiders (เมืองบอยซี) ^{[ 94 ]} The Trashmen (เมืองมินนิอาโปลิส) ^{[ 95 ]}และThe Rivieras (เมืองเซาท์เบนด์ รัฐอินเดียนา) ^{[ 96 ]}วงดนตรีแนวการาจที่มีอิทธิพลอื่นๆ เช่นThe Sonics (เมืองทาโคมา รัฐวอชิงตัน) ไม่เคยติดอันดับBillboard Hot 100 ^{[ 97 ]}

การบุกรุกของอังกฤษมีอิทธิพลอย่างมากต่อวงดนตรีการาจ โดยมอบกลุ่มผู้ชมระดับชาติให้กับพวกเขา ส่งผลให้หลายวง (มักจะเป็น วง เซิร์ฟหรือ วง ฮอตร็อด ) รับเอาอิทธิพลจากอังกฤษมาใช้ และกระตุ้นให้เกิดวงดนตรีมากขึ้น^{[ 92 ]}วงดนตรีการาจหลายวงในสหรัฐอเมริกาและแคนาดาสร้างเพลงฮิตในระดับภูมิภาคในช่วงเวลานั้น^{[ 92 ]}แม้ว่าจะมีวงดนตรีจำนวนมากเซ็นสัญญากับค่ายเพลงใหญ่หรือค่ายเพลงระดับภูมิภาคขนาดใหญ่ แต่ส่วนใหญ่ก็ล้มเหลวในเชิงพาณิชย์ ดนตรีการาจร็อคถึงจุดสูงสุดทั้งในเชิงพาณิชย์และศิลปะราวปี 1966 และภายในปี 1968 สไตล์นี้ก็หายไปจากชาร์ตระดับชาติและระดับท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่^{[ 92 ]}สไตล์ใหม่ๆ ได้พัฒนาขึ้นเพื่อแทนที่ดนตรีการาจร็อค^{[ 92 ] [ nb 3 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1960 วงการดนตรีที่พัฒนามาจากการฟื้นฟูดนตรีพื้นบ้านอเมริกันได้เติบโตขึ้นเป็นกระแสหลัก โดยใช้ดนตรีดั้งเดิมและเพลงที่แต่งขึ้นใหม่ในสไตล์ดั้งเดิม โดยส่วนใหญ่เล่นด้วยเครื่องดนตรีอะคูสติก^{[ 99 ]}ในอเมริกา แนวเพลงนี้ได้รับการบุกเบิกโดยบุคคลสำคัญ เช่นWoody GuthrieและPete Seegerและมักถูกระบุว่าเกี่ยวข้องกับ การเมือง แบบก้าวหน้าหรือการเมืองแรงงาน [ ^{99 ] ใน}ช่วงต้นทศวรรษ 1960 บุคคลสำคัญ เช่นJoan BaezและBob Dylanได้ก้าวขึ้นมาเป็นผู้นำในขบวนการนี้ในฐานะนักร้องนักแต่งเพลง^{[ 100 ]} Dylan เริ่มเข้าถึงกลุ่มผู้ฟังกระแสหลักด้วยเพลงฮิตมากมาย รวมถึง " Blowin' in the Wind " (1963) และ " Masters of War " (1963) ซึ่งนำ " เพลงประท้วง " ไปสู่สาธารณชนในวงกว้าง^{[ 101 ]}แต่ถึงแม้จะเริ่มมีอิทธิพลต่อกันและกัน ดนตรีร็อกและดนตรีพื้นบ้านก็ยังคงเป็นแนวเพลงที่แยกจากกันเป็นส่วนใหญ่ โดยมักมีกลุ่มผู้ฟังที่แยกจากกันโดยสิ้นเชิง^{[ 102 ]}

ความพยายามในช่วงแรกๆ ในการผสมผสานองค์ประกอบของเพลงโฟล์คและร็อก ได้แก่ เพลง " House of the Rising Sun " (1964) ของวง The Animals ซึ่งเป็นเพลงโฟล์คที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์เพลงแรกที่บันทึกเสียงด้วยเครื่องดนตรีร็อกแอนด์โรล ^{[ 103 ]}และเพลง " I'm a Loser " (1964) ของวง The Beatles ซึ่งอาจเป็นเพลงแรกของวง The Beatles ที่ได้รับอิทธิพลโดยตรงจาก Dylan ^{[ 104 ]}โดยทั่วไปแล้วเชื่อกันว่ากระแสเพลงโฟล์คร็อกเริ่มต้นขึ้นจาก การบันทึกเพลง " Mr. Tambourine Man " ของ Dylan โดยวง The Byrdsซึ่งขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตเพลงในปี 1965 ^{[ 102 ]}ด้วยสมาชิกที่เคยเป็นส่วนหนึ่งของวงการเพลงโฟล์คในคาเฟ่ในลอสแอนเจลิส วง The Byrds จึงนำเครื่องดนตรีร็อกมาใช้ รวมถึงกลองและ กีตาร์ Rickenbacker 12 สาย ซึ่งกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญในเสียงของแนวเพลงนี้^{[ 102 ]}ต่อมาในปีเดียวกันนั้น Dylan ได้นำเครื่องดนตรีไฟฟ้ามาใช้ ซึ่งสร้างความไม่พอใจให้กับผู้ที่ยึดมั่นในเพลงโฟล์คจำนวนมาก โดยเพลง " Like a Rolling Stone " ของเขากลายเป็นเพลงฮิตในสหรัฐอเมริกา^{[ 102 ]}ตามที่ริชชี อันเทอร์เบอร์เกอร์กล่าวไว้ ดีแลน (แม้กระทั่งก่อนที่เขาจะนำเครื่องดนตรีไฟฟ้ามาใช้) มีอิทธิพลต่อนักดนตรีร็อคอย่างเดอะบีทเทิลส์ โดยแสดงให้เห็น "แก่คนรุ่นร็อคโดยทั่วไปว่าอัลบั้มสามารถเป็นผลงานชิ้นเอกได้โดยไม่ต้องมีซิงเกิลฮิต" เช่นเดียวกับอัลบั้มThe Freewheelin' Bob Dylan (1963) ^{[ 105 ]}

ดนตรีโฟล์กร็อกได้รับความนิยมอย่างมากในแคลิฟอร์เนีย โดยทำให้วงดนตรีอย่างThe Mamas & the PapasและCrosby, Stills, and Nashหันมาใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้า และในนิวยอร์กก็สร้างศิลปินอย่างThe Lovin' SpoonfulและSimon and Garfunkel ขึ้นมา โดยเฉพาะเพลงอะคูสติก " The Sounds of Silence " (1965) ของ Simon and Garfunkel ที่นำมาเรียบเรียงใหม่ด้วยเครื่องดนตรีร็อกกลายเป็นเพลงฮิตเพลงแรกๆ ของพวกเขา^{[ 102 ]}ศิลปินเหล่านี้มีอิทธิพลโดยตรงต่อศิลปินชาวอังกฤษอย่าง Donovan และFairport Convention ^{[ 102} ] ในปี 1969 Fairport Convention ละทิ้งการผสมผสานระหว่างเพลงคัฟเวอร์ของอเมริกาและเพลงที่ได้รับอิทธิพลจาก Dylan เพื่อมาเล่น ^{ดนตรี}โฟล์กอังกฤษแบบดั้งเดิมด้วยเครื่องดนตรีไฟฟ้า^{[ 106 ]}ดนตรีโฟล์กร็อกของอังกฤษนี้ได้รับการนำไปใช้โดยวงดนตรีต่างๆ เช่นPentangle , Steeleye SpanและAlbion Bandซึ่งต่อมาได้กระตุ้นให้วงดนตรีจากไอร์แลนด์อย่างHorslipsและวงดนตรีจากสกอตแลนด์อย่างJSD Band , Spencer's Feat และต่อมาFive Hand Reelนำดนตรีดั้งเดิมของพวกเขามาสร้างเป็นดนตรีเซลติกร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 107 ]}

ดนตรีโฟล์กร็อกได้รับความนิยมสูงสุดในเชิงพาณิชย์ในช่วงปี 1967–68 ก่อนที่วงดนตรีหลายวงจะหันไปในทิศทางต่างๆ รวมถึง Dylan และ The Byrds ซึ่งเริ่มพัฒนาดนตรีคันทรีร็อก [ ^{108 ] อย่างไรก็ตาม}การผสมผสานระหว่างดนตรีโฟล์กและร็อกได้รับการมองว่ามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีร็อก โดยนำเอาองค์ประกอบของดนตรีไซคีเดเลียเข้ามา และช่วยพัฒนาแนวคิดของนักร้องนักแต่งเพลง เพลงประท้วง และแนวคิดเรื่อง "ความแท้จริง" ^{[ 102 ] [ 109 ]}

บรรยากาศดนตรีไซคีเดลิกที่ได้รับแรงบันดาลใจ จาก LSDเริ่มต้นขึ้นในวงการเพลงโฟล์ค^{[ 110 ]}กลุ่มแรกที่โฆษณาตัวเองว่าเป็นไซคีเดลิกร็อกคือวง 13th Floor Elevatorsจากรัฐเท็กซัส^{[ 110 ]}เดอะบีทเทิลส์ได้แนะนำองค์ประกอบสำคัญหลายอย่างของเสียงไซคีเดลิกให้กับผู้ชมในช่วงเวลานี้ เช่น เสียง ฟีดแบ็กของกีตาร์ซิตาร์อินเดียและเอฟเฟกต์เสียงแบ็คมาสก์^{[ 111 ]}ไซคีเดลิกร็อกได้รับความนิยมอย่างมากในวงการดนตรีที่กำลังเติบโตของแคลิฟอร์เนีย เนื่องจากกลุ่มต่างๆ ได้ติดตาม การเปลี่ยนแปลงของ วง Byrdsจากเพลงโฟล์คไปเป็นเพลงโฟล์คร็อกตั้งแต่ปี 1965 ^{[ 111 ]}วิถีชีวิตแบบไซคีเดลิก ซึ่งเกี่ยวข้องกับยาหลอนประสาท ได้พัฒนาขึ้นแล้วในซานฟรานซิสโก และผลงานที่โดดเด่นเป็นพิเศษของวงการนี้ ได้แก่Big Brother and the Holding Company , Grateful DeadและJefferson Airplane ^{[ 111 ] [ 112 ]}จิมิ เฮนดริกซ์ มือกีตาร์นำของ วง The Jimi Hendrix Experienceได้เล่นเพลงแจมที่บิดเบี้ยวและเต็มไปด้วยเสียงฟีดแบ็กเป็นเวลานาน ซึ่งกลายเป็นคุณลักษณะสำคัญของดนตรีไซคีเดลิก^{[ 111 ]}ดนตรีร็อกไซคีเดลิกถึงจุดสูงสุดในช่วงปลายทศวรรษ ในปี 1967 วง The Beatles ได้ปล่อยอัลบั้มSgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ซึ่งเป็นผลงานไซคีเดลิกที่โดดเด่นที่สุดของพวกเขา รวมถึงเพลง " Lucy in the Sky with Diamonds " วง The Rolling Stones ตอบโต้ในปลายปีเดียวกันด้วยอัลบั้ม Their Satanic Majesties Request [ ^{111 ] และ}วงPink Floydเปิดตัว อัลบั้มแรก The Piper at the Gates of Dawn บันทึกเสียงสำคัญ ได้แก่ Surrealistic Pillowของ Jefferson Airplane และอัลบั้มเปิดตัวชื่อเดียวกันของวง The Doorsแนวโน้มเหล่านี้ถึงจุดสูงสุดในเทศกาล Woodstock ปี 1969 ซึ่งมีการแสดงจากวงดนตรีไซคีเดลิกชื่อดังส่วนใหญ่^{[ 111 ]}

ต่อมา Sgt. Pepperถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคอัลบั้มซึ่งดนตรีร็อกได้เปลี่ยนจากรูปแบบซิงเกิลมาเป็นอัลบั้มและได้รับการยอมรับทางวัฒนธรรมในกระแสหลัก^{[ 113 ]}นำโดยเดอะบีทเทิลส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 ^{[ 114 ]}นักดนตรีร็อกได้พัฒนาแผ่นเสียง LP ให้เป็นรูปแบบหลักของการแสดงออกและการบริโภคดนตรีที่บันทึกไว้ ซึ่งเป็นการเริ่มต้นยุคอัลบั้มที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีร็อกในอุตสาหกรรมดนตรีในอีกหลายทศวรรษต่อมา^{[ 115 ]}

เมื่อพิจารณาถึงพัฒนาการที่เกิดขึ้นในดนตรีร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1970 โรเบิร์ต คริสต์เกาเขียนไว้ในChristgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981) ว่า: ^{[ 13 ]}

แน่นอนว่าทศวรรษนั้นเป็นเพียงกรอบที่กำหนดขึ้นโดยพลการ—เวลาไม่ได้พลิกผันไปสู่อนาคตอย่างเรียบร้อยทุกๆ สิบปี แต่เช่นเดียวกับแนวคิดที่สร้างขึ้นมามากมาย—เช่น เงิน—หมวดหมู่นี้ก็จะมีความเป็นจริงขึ้นมาได้เมื่อผู้คนเข้าใจวิธีการนำไปใช้ “ยุค 60 จบแล้ว” สโลแกนที่เริ่มได้ยินกันประมาณปี 1972 ได้ปลุกระดมผู้คนที่กระตือรือร้นที่จะเชื่อว่าอุดมคติได้ล้าสมัยไปแล้ว และเมื่อพวกเขาถูกปลุกระดมแล้ว มันก็เป็นเช่นนั้นจริงๆ ในวงการดนตรีป็อป การยอมรับยุค 70 หมายถึงทั้ง การถอนตัว ของชนชั้นสูงจากวงการคอนเสิร์ตและวัฒนธรรมต่อต้านกระแสหลักที่วุ่นวาย และการแสวงหาผลกำไรจากกลุ่มผู้ฟังระดับล่างสุดในวิทยุ FMและเพลงร็อคอัลบั้ม

ในช่วงทศวรรษนี้ ดนตรีร็อคกลายเป็นสินค้ามากขึ้น กลายเป็นอุตสาหกรรมมูลค่าหลายพันล้านดอลลาร์และตลาด ก็ขยายตัวเป็นสองเท่า ในขณะที่ Christgau ตั้งข้อสังเกตว่า ดนตรีร็อคประสบกับ "การสูญเสียเกียรติภูมิทางวัฒนธรรม" อย่างมาก "บางทีBee Geesอาจได้รับความนิยมมากกว่า Beatles แต่พวกเขาก็ไม่เคยได้รับความนิยมมากกว่าพระเยซู " เขากล่าว "ตราบใดที่ดนตรียังคงมีพลังในตำนาน ตำนานนั้นก็เป็นการอ้างอิงถึงตัวเองมีเพลงมากมายเกี่ยวกับชีวิตร็อคแอนด์โรล แต่มีน้อยมากเกี่ยวกับวิธีที่ดนตรีร็อคสามารถเปลี่ยนแปลงโลกได้ ยกเว้นในฐานะยาแก้ปวดรูปแบบใหม่ ... ในยุค 70 ผู้มีอำนาจเข้าครอบงำ เมื่อนักอุตสาหกรรมร็อคใช้ประโยชน์จากอารมณ์ของชาติเพื่อลดทอนดนตรีที่มีพลังให้กลายเป็นความบันเทิงประเภทหนึ่งที่มักจะต่อต้านกระแสหลัก และเปลี่ยนฐานความนิยมของดนตรีร็อคจากผู้ชมไปสู่ตลาด" ^{[ 13 ]}

โปรเกรสซีฟร็อก ซึ่งบางครั้งใช้คำนี้แทนกันได้กับอาร์ตร็อกได้ก้าวข้ามรูปแบบดนตรีที่กำหนดไว้แล้ว โดยการทดลองใช้เครื่องดนตรี ประเภทเพลง และรูปแบบที่แตกต่างกัน^{[ 116 ]}ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษ 1960 วง Left Bank , The Beatles, The Rolling Stones และ The Beach Boys ได้บุกเบิกการนำฮาร์ปซิคอร์ดเครื่องเป่าและเครื่องสายมาใช้ในการบันทึกเสียง เพื่อสร้างรูปแบบของบาโรกร็อกและสามารถได้ยินได้ในซิงเกิลอย่าง " A Whiter Shade of Pale " (1967) ของProcol Harum ซึ่งมี บทนำที่ได้รับแรงบันดาลใจจากBach ^{[ 117 ]} The Moody Bluesใช้วงออร์เคสตราเต็มวงในอัลบั้มDays of Future Passed (1967) และต่อมาได้สร้างเสียงออร์เคสตราด้วยซินเธ ไซเซอร์ ^{[ 116 ]}การเรียบเรียงดนตรีแบบคลาสสิก คีย์บอร์ด และซินเธไซเซอร์ มักถูกเพิ่มเข้าไปในรูปแบบร็อกที่กำหนดไว้แล้ว ซึ่งประกอบด้วยกีตาร์ เบส และกลอง ในโปรเกรสซีฟร็อกในยุคต่อมา^{[ 118 ]}

เพลงบรรเลงเป็นเรื่องปกติ ในขณะที่เพลงที่มีเนื้อร้องบางครั้งอาจเป็นเพลงเชิงแนวคิด นามธรรม หรืออิงจากแฟนตาซีและนิยายวิทยาศาสตร์^{[ 119 ]} อัลบั้ม SF Sorrow (1968) ของThe Pretty Things , Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) ของ The Kinks และTommy (1969) ของThe Whoได้นำเสนอรูปแบบของโอเปร่าร็อกและเปิดประตูสู่อัลบั้มแนวคิดซึ่งมักจะเล่าเรื่องราวที่ยิ่งใหญ่หรือกล่าวถึงธีมหลักที่ยิ่งใหญ่^{[ 120 ]}อัลบั้มเปิดตัวในปี 1969 ของKing Crimson ชื่อ In the Court of the Crimson Kingซึ่งผสมผสานริฟฟ์กีตาร์ที่ทรงพลังและเมโลทรอนเข้ากับดนตรีแจ๊สและ ซิมโฟนิก มักถูกมองว่าเป็นผลงานบันทึกเสียงที่สำคัญในดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก ช่วยให้แนวเพลงนี้ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ในหมู่วงดนตรีบลูส์ร็อกและไซคีเดลิกที่มีอยู่แล้ว รวมถึงวงดนตรีที่ก่อตั้งใหม่ด้วย^{[ 116 ]}ฉากดนตรีอันมีชีวิตชีวา ของแคนเทอร์เบอรี ได้เห็นวงดนตรีที่เดินตาม รอย Soft Machineตั้งแต่แนวไซคีเดลิอา ผ่านอิทธิพลของแจ๊ส ไปจนถึงฮาร์ดร็อกที่กว้างขวางมากขึ้น รวมถึงCaravan , Hatfield and the North , GongและNational Health [ ^{121 ] วง} ดนตรี ฝรั่งเศสMagmaนำโดยมือกลองChristian Vanderเกือบจะสร้างแนวดนตรีใหม่ที่เรียกว่าzeuhl ขึ้นมา ด้วยอัลบั้มแรกของพวกเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 122 ]}

Pink Floyd ก็หันเหออกจากแนวเพลงไซคีเดเลียหลังจากที่Syd Barrett ออกจากวงไป ในปี 1968 โดยอัลบั้มThe Dark Side of the Moon (1973) กลายเป็นหนึ่งในอัลบั้มที่ขายดีที่สุดตลอดกาล^{[ 123 ]}มีการเน้นไปที่ความสามารถทางดนตรี โดยYesแสดงให้เห็นถึงทักษะของทั้งมือกีตาร์Steve Howeและมือคีย์บอร์ดRick Wakemanในขณะที่Emerson, Lake & Palmer (ELP) เป็นซูเปอร์กรุ๊ปที่สร้างผลงานที่ต้องการเทคนิคสูงที่สุดในแนวเพลงนี้^{[ 116 ]} Jethro TullและGenesisต่างก็แสวงหาแนวเพลงที่แตกต่างกันมาก แต่มีเอกลักษณ์แบบอังกฤษอย่างชัดเจน^{[ 124 ]} Renaissanceซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1969 โดยอดีตสมาชิกวง Yardbirds อย่าง Jim McCarty และ Keith Relf ได้พัฒนาไปเป็นวงดนตรีที่มีคอนเซ็ปต์สูง โดยมีเสียงร้องสามอ็อกเทฟของAnnie Haslamเป็น จุดเด่น ^{[ 125 ]}วงดนตรีอังกฤษส่วนใหญ่พึ่งพาฐานแฟนคลับขนาดเล็ก แต่มีเพียงไม่กี่วง เช่น พิงค์ฟลอยด์ เจเนซิส และเจโทรทัล ที่สามารถสร้างซิงเกิลติดอันดับท็อปเท็นในประเทศบ้านเกิดและประสบความสำเร็จในตลาดอเมริกา^{[ 126 ]}ดนตรีโปรเกรสซีฟร็อกแบบอเมริกันมีความหลากหลาย ตั้งแต่แบบผสมผสานและสร้างสรรค์อย่างแฟรงค์ ซัปปากัปตันบีฟฮาร์ทและบลัดสเวทแอนด์เทียร์ส [ ^{127 ] ไป}จนถึงวงดนตรีที่เน้นป๊อปร็อกมากขึ้น เช่นบอสตันฟอเรนเนอร์แคนซัสเจอร์นีย์และสติกซ์ [ ^{116 ] วง}ดนตรีเหล่านี้ รวมถึงวงอังกฤษอย่างซูเปอร์แทรมป์และอีโลต่างก็แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของดนตรีโปรเกรสซีฟร็อกและติดอันดับวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในทศวรรษ 1970 ซึ่งเป็นการประกาศยุคของดนตรีปอมหรืออารีน่าร็อก

แนวเพลงบรรเลงของดนตรีประเภทนี้ส่งผลให้เกิดอัลบั้มต่างๆ เช่นTubular Bells (1973) ของMike Oldfield ซึ่งเป็นอัลบั้มแรกของค่าย Virgin Recordsและกลายเป็นที่นิยมไปทั่วโลกและกลายเป็นแนวเพลงหลักของดนตรีประเภทนี้^{[ 116 ]}ดนตรีร็อคบรรเลงมีความสำคัญอย่างยิ่งในทวีปยุโรป ทำให้วงดนตรีอย่างKraftwerk , Tangerine Dream , Can , FocusและFaustสามารถเอาชนะอุปสรรคทางภาษาได้^{[ 128 ]} " krautrock " ที่เน้นซินธิไซเซอร์ของพวกเขา ร่วมกับผลงานของBrian Eno (ซึ่งเป็นนักเล่นคีย์บอร์ดของRoxy Music ในช่วงเวลาหนึ่ง ) จะเป็นอิทธิพลสำคัญต่อดนตรี ร็ อคอิเล็กทรอนิกส์ ในยุคต่อมา ^{[ 116 ]}

ด้วยการถือกำเนิดของพังก์ร็อกและการเปลี่ยนแปลงทางเทคโนโลยีในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ดนตรีโปรเกรสซีฟร็อกจึงถูกมองข้ามมากขึ้นเรื่อยๆ ว่าเป็นดนตรีที่โอ้อวดและเกินจริง^{[ 129 ] [ 130 ]}หลายวงแตกวงไป แต่บางวง เช่น Genesis, ELP, Yes และ Pink Floyd ก็ยังคงทำอัลบั้มติดอันดับท็อปเท็นได้อย่างสม่ำเสมอ พร้อมกับการทัวร์คอนเสิร์ตทั่วโลกที่ประสบความสำเร็จ^{[ 98 ]}บางวงที่เกิดขึ้นหลังจากยุคพังก์ เช่นSiouxsie and the Banshees , UltravoxและSimple Mindsแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของดนตรีโปรเกรสซีฟร็อก เช่นเดียวกับอิทธิพลของพังก์ที่มักเป็นที่รู้จักกันดี^{[ 131 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แจ๊ส-ร็อกได้ถือกำเนิดขึ้นเป็นแนวเพลงย่อยที่แตกต่างออกไปจากแนวเพลงบลูส์-ร็อก ไซคีเดลิก และโปรเกรสซีฟร็อก โดยผสมผสานพลังของดนตรีร็อกเข้ากับความซับซ้อนทางดนตรีและองค์ประกอบของการด้นสดของดนตรีแจ๊สAllMusicระบุว่าคำว่าแจ๊ส-ร็อก "อาจหมายถึงวงดนตรีฟิวชั่นที่ดังที่สุด ดุเดือดที่สุด และใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้ามากที่สุดจากแนวเพลงแจ๊ส แต่ส่วนใหญ่แล้วมักจะหมายถึงศิลปินที่มาจากฝั่งดนตรีร็อก" แจ๊ส-ร็อก "...โดยทั่วไปเติบโตมาจากแนวเพลงย่อยของดนตรีร็อกที่มีความทะเยอทะยานทางศิลปะมากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970" รวมถึงขบวนการนักร้องนักแต่งเพลง^{[ 132 ]}นักดนตรีร็อกแอนด์โรลยุคแรกๆ ของสหรัฐฯ หลายคนเริ่มต้นจากดนตรีแจ๊สและนำองค์ประกอบเหล่านี้บางส่วนมาสู่ดนตรีแนวใหม่ ในสหราชอาณาจักร แนวเพลงย่อยของบลูส์-ร็อก และบุคคลสำคัญหลายคน เช่นGinger BakerและJack BruceจากวงCreamได้ถือกำเนิดขึ้นจากวงการดนตรีแจ๊สของอังกฤษ อัลบั้ม Out of Sight and Sound (1966) ของวง Free Spiritsจากนิวยอร์ก ซึ่งไม่ค่อยมีคนรู้จัก มักถูกยกให้เป็นผลงานบันทึกเสียงแจ๊ส-ร็อกชิ้นแรกอย่างแท้จริงวงดนตรีกลุ่มแรกที่ใช้ป้ายกำกับนี้อย่างตั้งใจคือวงดนตรีร็อกผิวขาวที่เน้นแนวเพลง R&B ซึ่งใช้เครื่องเป่าแบบแจ๊ส เช่นElectric Flag , Blood, Sweat & Tears และChicagoจนกลายเป็นวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 133 ]}

วงดนตรีจากอังกฤษที่ปรากฏตัวในช่วงเวลาเดียวกันจากวงการบลูส์ ซึ่งใช้ประโยชน์จากลักษณะโทนเสียงและการด้นสดของดนตรีแจ๊ส ได้แก่Nucleus ^{[ 134 ]}และColosseumซึ่งเป็นวงแยกตัวออกมา จาก Graham Bond และ John Mayall ส่วนวง Soft Machine จากวงการไซคีเดลิกร็อกและแคนเทอร์เบอรี ก็มีการแนะนำว่าวงนี้ได้สร้างการผสมผสานระหว่างสองแนวเพลงนี้ที่ประสบความสำเร็จทางศิลปะมากที่สุดวงหนึ่ง บางทีการผสมผสานที่ได้รับการยกย่องมากที่สุดอาจมาจากฝั่งแจ๊ส โดยMiles Davisซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ Hendrix ได้นำเครื่องดนตรีร็อกมาผสมผสานในอัลบั้มBitches Brew (1970) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินแจ๊สที่ได้รับอิทธิพลจากร็อกในเวลาต่อมา เช่นHerbie Hancock , Chick CoreaและWeather Report ^{[ 133 ]}แนวเพลงนี้เริ่มจางหายไปในช่วงปลายทศวรรษ 1970 เนื่องจากดนตรีฟิวชั่นรูปแบบที่นุ่มนวลกว่าเริ่มเข้ามาครองใจผู้ฟัง^{[ 132 ]}แต่ศิลปินอย่างSteely Dan [ ^{132 ]} Frank Zappa และJoni Mitchell ^ได้บันทึกอัลบั้มที่มีอิทธิพลจากดนตรีแจ๊สจำนวนมากในช่วงเวลานี้ และดนตรีแจ๊สก็ยังคงมีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีร็อก^{[ 133 ]}

Roots rock เป็นคำที่ใช้ในปัจจุบันเพื่ออธิบายการเปลี่ยนแปลงจากแนวเพลงไซคีเดลิกไปสู่รูปแบบร็อกแอนด์โรลพื้นฐานมากขึ้น ซึ่งผสมผสานอิทธิพลดั้งเดิม โดยเฉพาะอย่างยิ่งบลูส์ คันทรี และโฟล์ค ทำให้เกิดแนวเพลงคันทรีร็อกและเซาเทิร์นร็อก^{[ 135 ]}ในปี 1966 บ็อบ ดีแลน เดินทางไปแนชวิลล์เพื่อบันทึกอัลบั้มBlonde on Blonde [ ^{136 ] อัลบั้ม}นี้และอัลบั้มต่อมาที่มีอิทธิพลจากคันทรีอย่างชัดเจน เช่นNashville Skylineถือเป็นการสร้างแนวเพลงคันทรีโฟล์คซึ่งเป็นแนวทางที่นักดนตรีโฟล์คอะคูสติกจำนวนมากเลือกใช้^{[ 136 ]}วงดนตรีอื่นๆ ที่เดินตามกระแสการกลับไปสู่พื้นฐาน ได้แก่ วงThe Band จากแคนาดา และวงCreedence Clearwater Revival จากแคลิฟอร์เนีย ซึ่งทั้งสองวงผสมผสานร็อกแอนด์โรลพื้นฐานกับโฟล์ค คันทรี และบลูส์ จนกลายเป็นวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จและมีอิทธิพลมากที่สุดวงหนึ่งในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ^{[ 137 ]}การเคลื่อนไหวเดียวกันนี้ได้เห็นการเริ่มต้นอาชีพการบันทึกเสียงของศิลปินเดี่ยวชาวแคลิฟอร์เนีย เช่น^Ry Cooder , Bonnie RaittและLowell George [ ^{138 ]}และมีอิทธิพลต่องานของศิลปินที่มีชื่อเสียง เช่นBeggar's Banquet (1968) ของวง Rolling Stones และ Let It Be (1970) ของวง Beatles ^{[ 111 ]}เมื่อพิจารณาถึงการเปลี่ยนแปลงแนวโน้มในดนตรีร็อกในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Christgau เขียนไว้ในคอลัมน์ "Consumer Guide" เดือนมิถุนายน 1970 ว่า "แนวทางใหม่" และ "ความล้าหลังทางวัฒนธรรม" นี้ได้ละทิ้งการผลิตแบบด้นสดและประดับประดาในสตูดิโอเพื่อเน้นไปที่ "เครื่องดนตรีที่กระชับและเรียบง่าย" และการแต่งเพลง: "สิ่งที่อ้างอิงถึงคือดนตรีร็อกยุค 50 ดนตรีคันทรี และริธึมแอนด์บลูส์ และแรงบันดาลใจหลักคือวง The Band" ^{[ 139 ]}

ในปี พ.ศ. 2511 แกรม พาร์สันส์ได้บันทึกอัลบั้มSafe at Homeร่วมกับวง International Submarine Band ซึ่งอาจถือได้ว่าเป็น อัลบั้มคันทรีร็อกชุดแรกอย่างแท้จริง^{[ 140 ]}ต่อมาในปีเดียวกันนั้น เขาได้ร่วมงานกับวง Byrds ในอัลบั้มSweetheart of the Rodeo (1968) ซึ่งโดยทั่วไปถือเป็นหนึ่งในผลงานเพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในแนวเพลงนี้^{[ 140 ]}วง Byrds ยังคงดำเนินต่อไปในแนวทางเดียวกัน แต่พาร์สันส์ได้ออกจากวงไปร่วมกับคริส ฮิลล์แมน อดีตสมาชิกวง Byrds อีกคน เพื่อก่อตั้งวง Flying Burrito Brothersซึ่งมีส่วนช่วยสร้างความน่าเชื่อถือและกำหนดขอบเขตของแนวเพลงนี้ ก่อนที่พาร์สันส์จะออกจากวงไปเพื่อประกอบอาชีพเดี่ยว^{[ 140 ]}วงดนตรีในแคลิฟอร์เนียที่นำเอาแนวเพลงคันทรีร็อกมาใช้ ได้แก่ Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage ^{[ 140 ]} the Beau Brummels [ ^{140 ] และ} the Nitty Gritty Dirt Band ^{[ 141 ]}ศิลปินบางคนก็ประสบความสำเร็จอีกครั้งด้วยการนำเอาเสียงเพลงคันทรีมาใช้ เช่น วง Everly Brothers; Rick Nelson อดีตไอดอลวัยรุ่นที่กลายเป็นนักร้องนำของวง Stone Canyon Band; Mike Nesmith อดีตสมาชิกวง Monkee ที่ก่อตั้งวง First National Band ; และNeil Young [ ^{140 ] วง} The Dillardsเป็นวงคันทรีที่แปลกไปจากเดิม แต่กลับหันมาเล่นเพลงร็อก^{[ 140 ]}ความสำเร็จทางด้านการค้าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเพลงคันทรีร็อกเกิดขึ้นในทศวรรษ 1970 โดยมีศิลปินอย่างDoobie Brothers , Emmylou Harris , Linda RonstadtและวงEagles (ซึ่งประกอบด้วยสมาชิกจากวง Burritos, Poco และ Stone Canyon Band) ที่กลายเป็นหนึ่งในวงร็อกที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดตลอดกาล โดยมีอัลบั้มที่รวมถึงHotel California (1976) ^{[ 142 ]}

โดยทั่วไปแล้ว ผู้ก่อตั้งเซาเทิร์นร็อกมักถูกมองว่าเป็นวง Allman Brothers Band ซึ่งพัฒนาเสียงที่เป็นเอกลักษณ์ โดยส่วนใหญ่มาจากบลูส์ร็อกแต่ผสมผสานองค์ประกอบของบูจี้โซล และคันทรี่ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ^{[ 87 ]}วงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่ตามมาคือ Lynyrd Skynyrd ซึ่งช่วยสร้างภาพลักษณ์ "Good ol' boy" ของแนวเพลงย่อยนี้และรูปแบบทั่วไปของกีตาร์ร็อกในยุค 1970 ^{[ 87 ]}ผู้สืบทอดของพวกเขารวมถึงวงดนตรีฟิวชั่น/โปรเกรสซีฟอย่างDixie Dregs วง Outlawsที่ได้รับอิทธิพลจากคันทรี่มากขึ้น วง Wet Willie ที่มีแนวโน้มไป ทางฟังก์/อาร์แอนด์บี และวง Ozark Mountain Daredevils ( ที่ผสมผสานองค์ประกอบของอาร์แอนด์บีและกอสเปล) ^{[ 87 ]}หลังจากการสูญเสียสมาชิกดั้งเดิมของวง Allmans และ Lynyrd Skynyrd แนวเพลงนี้ก็เริ่มเสื่อมความนิยมลงในช่วงปลายทศวรรษ 1970 แต่ก็ยังคงได้รับความนิยมต่อไปในช่วงทศวรรษ 1980 ด้วยวงดนตรีอย่าง . 38 Special , Molly HatchetและMarshall Tucker Band ^{[ 87 ]}

แกลมร็อกถือกำเนิดขึ้นจากวงการเพลงไซคีเดลิกและอาร์ตร็อกของอังกฤษในช่วงปลายทศวรรษ 1960 อาจมองได้ว่าเป็นทั้งส่วนขยาย (และปฏิกิริยาต่อต้าน) กระแสเหล่านั้น^{[ 143 ]}ดนตรีมีความหลากหลาย ตั้งแต่เพลงร็อกแอนด์โรลแบบเรียบง่ายของศิลปินอย่างAlvin Stardustไปจนถึงเพลงอาร์ตร็อกที่ซับซ้อนของ Roxy Music และอาจมองได้ว่าเป็นทั้งแฟชั่นและแนวเพลงย่อย^{[ 143 ]} ใน ด้านภาพลักษณ์ เป็นการผสมผสานของหลากหลายสไตล์ ตั้งแต่ ความหรูหรา แบบฮอลลีวูด ในยุค 1930 ไปจนถึงเสน่ห์ทางเพศแบบพินอัพในยุค 1950 การแสดงละครคาบาเร ต์ก่อนสงคราม สไตล์ วรรณกรรมและสัญลักษณ์นิยม แบบ วิคตอเรียนนิยายวิทยาศาสตร์ ไปจนถึงความลึกลับและตำนานโบราณแสดงออกผ่านเสื้อผ้าเครื่องสำอาง ทรงผม และรองเท้าบู๊ตส้นสูงที่ฉูดฉาด^{[ 144 ]}แกลมร็อกเป็นที่รู้จักมากที่สุดจากความกำกวมทางเพศและเพศสภาพ และการแสดงออกถึงความเป็นชายหญิงใน คนเดียวกัน นอกเหนือจากการใช้การแสดงละครอย่างกว้างขวาง^{[ 145 ]}มันถูกแสดงให้เห็นล่วงหน้าโดยการแสดงและการบิดเบือนอัตลักษณ์ทางเพศของวงดนตรีอเมริกัน เช่นThe CockettesและAlice Cooper ^{[ 146 ]}

จุดเริ่มต้นของแกลมร็อกนั้นเกี่ยวข้องกับมาร์ค โบลานผู้ซึ่งเปลี่ยนชื่อวงดนตรีโฟล์คของเขาเป็นT. Rexและเริ่มใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้าในช่วงปลายทศวรรษ 1960 มักมีการอ้างถึงการปรากฏตัวของเขาในรายการเพลงTop of the Pops ของ BBC ในเดือนมีนาคม 1971 โดยสวมชุดระยิบระยับและผ้าซาติน เพื่อแสดงเพลง " Hot Love " ซึ่งเป็นเพลงฮิตติดท็อป 10 ของสหราชอาณาจักรเป็นครั้งที่สอง (และเป็นเพลงฮิตอันดับ 1 เพลงแรกของสหราชอาณาจักร) ^{[ 147 ]} ตั้งแต่ปี 1971 เดวิด โบวีซึ่งเป็นดาราเล็กๆ อยู่แล้วได้พัฒนาบุคลิก Ziggy Stardust ของเขา โดยผสมผสานองค์ประกอบของการแต่งหน้าแบบมืออาชีพ การแสดงท่าทาง และการแสดงเข้ากับการแสดงของเขา^{[ 148 ]}ในไม่ช้าก็มีวงดนตรีอื่นๆ ตามมา เช่น Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , MudและAlvin Stardust [ ^{148 ] แม้ว่า}จะประสบความสำเร็จอย่างสูงในชาร์ตเพลงในสหราชอาณาจักร แต่มีนักดนตรีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถสร้างผลกระทบอย่างจริงจังในสหรัฐอเมริกาได้ โบวีเป็นข้อยกเว้นที่สำคัญ กลายเป็นซูเปอร์สตาร์ระดับนานาชาติและกระตุ้นให้ศิลปินอย่างลู รีด , นิวยอร์ก ดอลส์และโจบริอาธ นำสไตล์แกลมมาใช้ ซึ่งมักเรียกว่า "กลิตเตอร์ร็อก" และมีเนื้อหาเพลงที่มืดมนกว่าศิลปินชาวอังกฤษ^{[ 149 ]}ในสหราชอาณาจักร คำว่ากลิตเตอร์ร็อกมักใช้เพื่ออ้างถึงแกลมเวอร์ชันสุดขั้วที่แกรี่ กลิตเตอร์และวงดนตรีสนับสนุนของเขา อย่างเดอะ กลิตเตอร์แบนด์ ได้นำเสนอ ซึ่งพวกเขารวมกันมีซิงเกิลติดอันดับท็อปเท็นในสหราชอาณาจักรถึง 18 เพลงระหว่างปี 1972 ถึง 1976 ^{[ 150 ]} ศิลปิน แกลมร็อกคลื่นลูกที่สอง รวมถึงซูซี่ ควอโทร , วิ ซซาร์ดของรอย วูดและสปาร์คส์ครองชาร์ตซิงเกิลของอังกฤษตั้งแต่ประมาณปี 1974 ถึง 1976 ^{[ 148 ]}ศิลปินที่มีอยู่แล้ว บางวงที่ไม่ถือว่าเป็นศูนย์กลางของแนวเพลงนี้ ก็ได้นำสไตล์แกลมมาใช้เช่นกัน รวมถึงร็อด สจ๊วต , เอลตัน จอห์น , ควีนและแม้แต่เดอะโรลลิงสโตนส์ในช่วงเวลาหนึ่ง^{[ 148 ]}นอกจากนี้ยังมีอิทธิพลโดยตรงต่อวงดนตรีที่โด่งดังในภายหลัง เช่นKissและAdam Antและมีอิทธิพลทางอ้อมต่อการก่อตัวของดนตรีแนวกอธิคร็อกและ แกลมเมทัล รวมถึงพังก์ร็อก ซึ่งช่วยยุติกระแสความนิยมของแกลมตั้งแต่ประมาณปี 1976^{[ 149 ]}ดนตรีแนวแกลมได้รับการฟื้นฟูอย่างค่อยเป็นค่อยไปเป็นระยะ ๆ ผ่านวงดนตรีอย่างThe Darkness ^{[ 151 ]}และวงดนตรีแนวครอสโอเวอร์ R&Bอย่างPrince ^{[ 152 ]}

หลังจากความสำเร็จในช่วงแรกของดนตรีลาตินร็อกในทศวรรษ 1960 นักดนตรี ชาวชิคาโนอย่างคาร์ลอส ซานตานาและอัล เฮอริเคนก็ยังคงมีอาชีพที่ประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องตลอดทศวรรษ 1970 ซานตานาเริ่มต้นทศวรรษด้วยความสำเร็จจากซิงเกิล " Black Magic Woman " ในปี 1970 จาก อัลบั้ม Abraxasตั้งแต่ปี 1973 ถึง 1978 เขาได้ออกอัลบั้มถึงสี่ชุดที่ได้รับสถานะแผ่นเสียงทองคำทั้งหมด ได้แก่Welcome , Borboletta , AmigosและFestiválอัล เฮอริเคนยังคงผสมผสานดนตรีร็อกของเขากับดนตรีของนิวเม็กซิโกแม้ว่าเขาจะทดลองกับดนตรีแจ๊ส มากขึ้น ซึ่งนำไปสู่ซิงเกิลที่ประสบความสำเร็จ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในอัลบั้มVestido Mojado ของเขา ^{[ 153 ]}วง Los Lobosได้รับความนิยมในช่วงเวลานี้ ด้วยอัลบั้มแรกของพวกเขาLos Lobos del Este de Los Angelesในปี 1977

ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา การแบ่งดนตรีร็อกกระแสหลักออกเป็นซอฟต์ร็อกและฮาร์ดร็อกกลายเป็นเรื่องปกติ ซอฟต์ร็อกมักได้รับอิทธิพลมาจากโฟล์กร็อก โดยใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและเน้นที่ทำนองและเสียงประสานมากกว่า^{[ 155 ]}ศิลปินสำคัญ ได้แก่Carole King , Cat StevensและJames Taylor [ ^{155 ] ซอ} ฟต์ร็อก ได้รับความนิยมสูงสุดในเชิงพาณิชย์ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1970 โดยมีศิลปินอย่างBilly Joel , AmericaและFleetwood Mac ที่กลับมารวมตัวกันอีกครั้ง ซึ่งอัลบั้ม Rumours (1977) ของพวกเขาเป็นอัลบั้มที่ขายดีที่สุดในทศวรรษนั้น^{[ 156 ]}ในทางตรงกันข้าม ฮาร์ดร็อกมักได้รับอิทธิพลมาจากบลูส์ร็อกและเล่นดังกว่าและเข้มข้นกว่า^{[ 157 ]}มักเน้นกีตาร์ไฟฟ้า ทั้งในฐานะเครื่องดนตรีจังหวะโดยใช้ริฟฟ์ซ้ำๆ ง่ายๆ และในฐานะเครื่องดนตรีนำเดี่ยว และมีแนวโน้มที่จะใช้การบิดเบือนเสียงและเอฟเฟกต์อื่นๆ มากกว่า ^{[ 157 ]}วงดนตรีสำคัญๆ ได้แก่ วงดนตรีจากยุค British Invasion อย่าง The Kinks รวมถึงวงดนตรีจากยุคไซคีเดลิกอย่าง Cream, Jimi Hendrix และJeff Beck Group [ ^{157 ] วง ดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากฮาร์ดร็อก ซึ่ง}ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ได้แก่Queen [ ^{158 ]} Thin Lizzy [ ^{159 ] Aerosmith} , AC / DC ^{[ 157 ]}และVan Halen

นอกจากนี้ ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1960 คำว่า "เฮฟวี่เมทัล" เริ่มถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายดนตรีฮาร์ดร็อกบางประเภทที่เล่นด้วยระดับเสียงและความเข้มข้นที่มากขึ้น โดยเริ่มแรกใช้เป็นคำคุณศัพท์ และในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ใช้เป็นคำนาม^{[ 160 ]}คำนี้ถูกใช้ครั้งแรกในวงการดนตรีในเพลง " Born to Be Wild " ของSteppenwolf (1967) และคำนี้เริ่มมีความเกี่ยวข้องกับวงดนตรีอย่างBlue Cheer จากซานฟรานซิสโก , James Gang จากคลีฟแลนด์ และGrand Funk Railroadจาก มิชิแกน ^{[ 161 ]}ภายในปี 1970 วงดนตรีสำคัญสามวงจากอังกฤษได้พัฒนารูปแบบและสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งจะช่วยกำหนดรูปแบบของแนวเพลงย่อยนี้Led Zeppelinเพิ่มองค์ประกอบของแฟนตาซีลงในบลูส์ร็อกที่เต็มไปด้วยริฟฟ์Deep Purpleนำเอาความสนใจในดนตรีซิมโฟนิกและยุคกลางจากช่วงดนตรีโปรเกรสซีฟร็อกของพวกเขาเข้ามา และBlack Sabbathนำเสนอแง่มุมของ ดนตรี โกธิคและฮาร์โมนีแบบ โมดัล ซึ่งช่วยสร้างเสียงที่ "มืดมน" มากขึ้น^{[ 162 ]}องค์ประกอบเหล่านี้ถูกนำไปใช้โดยวงดนตรีฮาร์ดร็อกและเฮฟวีเมทัล "รุ่นที่สอง" ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ซึ่งรวมถึงJudas Priest , UFO , MotörheadและRainbowจากสหราชอาณาจักร; Kiss , Ted NugentและBlue Öyster Cultจากสหรัฐอเมริกา; Rushจากแคนาดา และScorpionsจากเยอรมนี ซึ่งทั้งหมดนี้เป็นการแสดงให้เห็นถึงการขยายตัวของความนิยมในแนวเพลงย่อยนี้^{[ 162 ]}แม้จะขาดการออกอากาศทางวิทยุและมีผลงานในชาร์ตซิงเกิลน้อยมาก แต่เฮฟวีเมทัลในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ก็สร้างฐานแฟนคลับได้อย่างมาก โดยเฉพาะในกลุ่มวัยรุ่นชายชนชั้นแรงงานในอเมริกาเหนือและยุโรป^{[ 163 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1980 วงดนตรีอย่างBon Jovi , Guns N' Roses , Metallica , Mötley CrüeและDef Leppardประสบความสำเร็จในกระแสหลัก ด้วยดนตรีฮาร์ดร็อกและการผสมผสานระหว่างฮาร์ดร็อกและเฮฟวีเมทัลกับป๊อป ในช่วงทศวรรษ 1990 ดนตรีฮาร์ดร็อกได้รับความนิยมลดลงเล็กน้อย ยกเว้นเพลงฮิตบางเพลง เช่น " November Rain " ของ Guns N' Roses และ " Enter Sandman " ของ Metallica ^{[ 164 ]}

บางครั้งดนตรีร็อกก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์โดยผู้นำคริสเตียนบางคน ซึ่งประณามว่าเป็นสิ่งที่ไม่ศีลธรรม ต่อต้านศาสนาคริสต์ และแม้กระทั่งเป็นสิ่งชั่วร้าย^{[ 165 ]}อย่างไรก็ตาม ดนตรีร็อกคริสเตียนเริ่มพัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากขบวนการพระเยซูที่เริ่มต้นในแคลิฟอร์เนียตอนใต้ และได้ปรากฏเป็นแนวเพลงย่อยในช่วงทศวรรษ 1970 โดยมีศิลปินอย่างLarry Normanซึ่งมักถูกมองว่าเป็น "ดาวเด่น" คนแรกของดนตรีร็อกคริสเตียน^{[ 166 ]}แนวเพลงนี้ส่วนใหญ่เป็นปรากฏการณ์ในสหรัฐอเมริกา^{[ 167 ]}นักแสดงดนตรีร็อกคริสเตียนหลายคนมีความเชื่อมโยงกับ วงการ ดนตรีคริสเตียนร่วมสมัยตั้งแต่ทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา นักแสดงเพลงป๊อปคริสเตียน รวมถึงวงดนตรีฮาร์ดร็อกอย่างStryperก็ประสบความสำเร็จในกระแสหลัก^{[ 168 ] [ 169 ]}ตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา มีจำนวนวงดนตรีเพิ่มมากขึ้นที่พยายามหลีกเลี่ยงการถูกจัดอยู่ในกลุ่มวงดนตรีคริสเตียน โดยเลือกที่จะถูกมองว่าเป็นกลุ่มที่เป็นคริสเตียนด้วยเช่นกัน รวมถึงPODด้วย^{[ 170 ]}

ดนตรีแนว ฮาร์ทแลนด์ร็อก (Heartland Rock) ซึ่งเป็นดนตรีที่เน้นชนชั้นแรงงานของอเมริกา มีลักษณะเด่นคือสไตล์ดนตรีที่ตรงไปตรงมาและให้ความสำคัญกับชีวิตของ คนอเมริกัน ชนชั้นแรงงาน ทั่วไป พัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1970 คำว่าฮาร์ทแลนด์ร็อกถูกใช้ครั้งแรกเพื่ออธิบายวงดนตรีอารีน่าร็อกในแถบมิดเวส ต์ เช่น Kansas , REO Speedwagonและ Styx แต่ต่อมาคำนี้ถูกเชื่อมโยงกับดนตรีแนวรูทส์ร็อกที่มีความห่วงใยต่อสังคมมากขึ้น ซึ่งได้รับอิทธิพลโดยตรงจากดนตรีโฟล์ค คันทรี และร็อกแอนด์โรล^{[ 171 ]} ดนตรีแนว นี้ถูกมองว่าเป็นดนตรีแนวคันทรีร็อกของชายฝั่งตะวันตกและเซาเทิร์นร็อกของภาคใต้ของอเมริกา ซึ่งเป็นตัวแทนของแถบมิดเวสต์และ รัสต์เบลต์ ของอเมริกา ^{[ 172 ]}นำโดยบุคคลที่เดิมทีถูกระบุว่าเป็นแนวพังก์และนิวเวฟ และได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวงดนตรีอย่าง Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival และVan Morrisonรวมถึงดนตรีแนวบาริกร็อกในยุค 1960 และ The Rolling Stones ^{[ 173 ]}

ตัวอย่างเช่น ความสำเร็จทางการค้าของนักร้องนักแต่งเพลงอย่างBruce Springsteen , Bob SegerและTom Pettyเป็นส่วนหนึ่งของปฏิกิริยาต่อความเสื่อมถอยของเมืองหลังยุคอุตสาหกรรมในภาคตะวันออกและมิดเวสต์ ซึ่งมักจะกล่าวถึงประเด็นการแตกแยกทางสังคมและความโดดเดี่ยว ควบคู่ไปกับการฟื้นฟูดนตรีร็อกแอนด์โรลที่สนุกสนาน^{[ 173 ]}แนวเพลงนี้ถึงจุดสูงสุดทางการค้าในช่วงกลางทศวรรษ 1980 โดยอัลบั้มBorn in the USA (1984) ของ Springsteen ขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตทั่วโลกและสร้างซิงเกิลติดอันดับท็อปเท็นหลายเพลง พร้อมกับการมาถึงของศิลปินต่างๆ เช่นJohn Mellencamp , Steve Earleและนักร้องนักแต่งเพลงที่นุ่มนวลกว่าอย่างBruce Hornsby ^{[ 173 ]}

ดนตรีแนว Heartland rock ค่อยๆ จางหายไปในฐานะแนวเพลงที่ได้รับการยอมรับในช่วงต้นทศวรรษ 1990 เนื่องจากดนตรีร็อกโดยทั่วไป และโดยเฉพาะอย่างยิ่งธีมเกี่ยวกับชนชั้นแรงงานผิวขาวและชนชั้นแรงงานผิวสี สูญเสียอิทธิพลต่อผู้ชมรุ่นเยาว์ และเนื่องจากศิลปินแนว Heartland หันไปสร้างผลงานที่เป็นส่วนตัวมากขึ้น^{[ 173 ]}

ดนตรีพังก์ร็อกพัฒนาขึ้นระหว่างปี 1974 ถึง 1976 ในสหรัฐอเมริกาและสหราชอาณาจักร โดยมีรากฐานมาจากดนตรีการาจร็อกและดนตรีประเภทอื่น ๆ ที่ปัจจุบันรู้จักกันในชื่อดนตรีโปรโตพังก์ วงดนตรีพังก์ร็อกปฏิเสธความเกินเลยที่ถูกมองว่าเป็นของดนตรีร็อกกระแสหลักในยุค 1970 ^{[ 174 ]}พวกเขาสร้างดนตรีที่รวดเร็วและหนักแน่น โดยทั่วไปจะมีเพลงสั้น ๆ เครื่องดนตรีที่เรียบง่าย และเนื้อเพลงที่มักมีเนื้อหาทางการเมืองและต่อต้านสถาบัน พังก์ยึดมั่นในจริยธรรมแบบ DIY (ทำด้วยตัวเอง)โดยวงดนตรีหลายวงผลิตผลงานบันทึกเสียงของตนเองและเผยแพร่ผ่านช่องทางที่ไม่เป็นทางการ^{[ 175 ]}

ในช่วงปลายปี 1976 วงดนตรีอย่างRamonesและPatti Smithในนิวยอร์กซิตี้ และSex PistolsกับThe Clashในลอนดอน ได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้นำของกระแสเพลงใหม่^{[ 174 ]}ปีต่อมา ดนตรีพังก์ร็อกได้แพร่กระจายไปทั่วโลก พังก์กลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่สำคัญในสหราชอาณาจักรอย่างรวดเร็ว การปะทะคารมสดทางโทรทัศน์ของ Sex Pistols กับBill Grundyเมื่อวันที่ 1 ธันวาคม 1976 เป็นจุดเปลี่ยนสำคัญในการเปลี่ยนแปลงของพังก์อังกฤษให้กลายเป็นปรากฏการณ์ทางสื่อที่สำคัญ แม้ว่าร้านค้าบางแห่งจะปฏิเสธที่จะวางจำหน่ายแผ่นเสียง และการออกอากาศทางวิทยุก็ทำได้ยาก^{[ 176 ]}ในเดือนพฤษภาคม 1977 Sex Pistols ประสบความสำเร็จในระดับที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างมาก (และขึ้นอันดับสองในชาร์ตซิงเกิล) ด้วยเพลง " God Save the Queen " ซึ่งอ้างอิงถึงสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2ในช่วงพระราชพิธีฉลองครบรอบ 25 ปี [ ^{177 ] โดย}ส่วนใหญ่แล้ว พังก์หยั่งรากในวงการดนตรีท้องถิ่นที่มักปฏิเสธการเกี่ยวข้องกับกระแสหลักวัฒนธรรมย่อยพังก์ที่เกี่ยวข้องเกิดขึ้น โดยแสดงออกถึงการกบฏของวัยรุ่นและมีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบการแต่งกาย ที่โดดเด่น และอุดมการณ์ที่หลากหลาย^{[ 178 ]}

ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 รูปแบบที่เร็วและดุดันกว่า เช่นฮาร์ดคอร์และออย!ได้ถือกำเนิดขึ้น^{[ 179 ]}ซึ่งพัฒนาไปสู่แนวเพลงฮาร์ดคอร์พังก์ เช่นดีบีท (แนวเพลงย่อยที่เน้นเสียงแตกพร่าซึ่งได้รับอิทธิพลจากวงDischarge จากสหราชอาณาจักร ) อนาร์โคพังก์ (เช่นCrass ) กรินด์คอร์(เช่นNapalm Death ) และครัสต์พังก์^{[ 180 ]}นักดนตรีที่ระบุตัวตนหรือได้รับแรงบันดาลใจจากพังก์ยังได้แสวงหารูปแบบอื่นๆ อีกมากมาย ทำให้เกิดนิวเวฟโพสต์พังก์และขบวนการ อัลเทอร์ เนทีฟร็อก^{[ 174 ]}

แม้ว่าพังก์ร็อกจะเป็นปรากฏการณ์ทางสังคมและดนตรีที่สำคัญ แต่ก็ประสบความสำเร็จน้อยในแง่ของยอดขายแผ่นเสียง (โดยจัดจำหน่ายโดยค่ายเพลงเฉพาะกลุ่มขนาดเล็ก เช่นStiff Records ) ^{[ 181 ]}หรือการออกอากาศทางวิทยุในอเมริกา (เนื่องจากวงการวิทยุยังคงถูกครอบงำโดยรูปแบบกระแสหลัก เช่นดิสโก้และร็อกที่เน้นอัลบั้ม ) ^{[ 182 ]}พังก์ร็อกดึงดูดผู้ชื่นชอบจากโลกศิลปะและวิทยาลัย และในไม่ช้าวงดนตรีที่มีแนวทางที่เน้นวรรณกรรมและศิลปะมากขึ้น เช่นTalking HeadsและDevoก็เริ่มแทรกซึมเข้าสู่วงการพังก์ ในบางแวดวง คำว่า "นิวเวฟ" เริ่มถูกนำมาใช้เพื่อแยกแยะวงดนตรีที่ไม่แสดงออกถึงความเป็นพังก์อย่างโจ่งแจ้งเหล่านี้^{[ 183 ]}ผู้บริหารค่ายเพลงซึ่งส่วนใหญ่งงงวยกับการเคลื่อนไหวของพังก์ ตระหนักถึงศักยภาพของวงดนตรีแนวนิวเวฟที่เข้าถึงได้ง่ายกว่า และเริ่มเซ็นสัญญาและทำการตลาดอย่างจริงจังกับวงดนตรีใดๆ ก็ตามที่สามารถอ้างความเชื่อมโยงแม้เพียงเล็กน้อยกับพังก์หรือนิวเวฟได้^{[ 184 ]}วงดนตรีเหล่านี้หลายวง เช่นThe CarsและThe Go-Go'sสามารถมองได้ว่าเป็นวงดนตรีป๊อปที่ทำการตลาดในแนวเพลงนิวเวฟ^{[ 185 ]}วงดนตรีอื่นๆ ที่มีอยู่แล้ว เช่นThe Police , The PretendersและElvis Costelloใช้กระแสเพลงนิวเวฟเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับอาชีพที่ค่อนข้างยาวนานและประสบความสำเร็จในเชิงวิจารณ์^{[ 186 ]}ในขณะที่วงดนตรี "skinny tie" อย่างThe Knackเล่นเพลงพาวเวอร์ป๊อป ที่ติดชาร์ต [ ^{187 ]}และวง Blondie ที่มีหน้าตาดี เริ่มต้นจากการเป็นวงพังก์และก้าวเข้าสู่แนวเพลงที่เบาและหลากหลายมาก^{ขึ้น[ 188 ]}

ระหว่างปี 1979 ถึง 1985 ดนตรีแนว New Wave ของอังกฤษได้รับอิทธิพลจาก Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie และGary Numanโดยมุ่งไปในทิศทางของ New Romantics เช่นSpandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk TalkและEurythmicsบางครั้งใช้ซินเธไซเซอร์แทนเครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมด^{[ 189 ]}ช่วงเวลานี้ตรงกับการเติบโตของMTVและทำให้ดนตรีแนวซินธ์ป็อปนี้ได้รับความสนใจอย่างมาก จนเกิดสิ่งที่ถูกเรียกว่าเป็นการบุกรุกของอังกฤษครั้งที่สอง [ ^{190 ] วง}ดนตรีร็อคแบบดั้งเดิมบางวงก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน เช่นDire Straitsซึ่งเพลง " Money for Nothing " ของพวกเขาล้อเลียน MTV อย่างนุ่มนวล^{[ 191 ]}แต่โดยทั่วไปแล้วดนตรีร็อคที่เน้นกีตาร์กลับไม่ได้รับความนิยมในเชิง พาณิชย์มากนัก ^{[ 192 ]}

หากฮาร์ดคอร์มุ่งเน้นไปที่สุนทรียศาสตร์แบบเรียบง่ายของพังก์โดยตรง และนิวเวฟเป็นตัวแทนของด้านเชิงพาณิชย์ โพสต์พังก์ก็ถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1970 และต้นทศวรรษ 1980 ในฐานะด้านศิลปะและความท้าทายที่มากกว่า นอกจากวงพังก์แล้ว อิทธิพลสำคัญยังรวมถึงวง Velvet Underground , The StoogesและCaptain Beefheart [ ^{193 ] ผู้}มีส่วนร่วมในยุคแรกๆ ของแนวเพลงนี้ ได้แก่ วงดนตรีจากสหรัฐอเมริกาPere Ubu , Devo , The ResidentsและTalking Heads ^{[ 193 ]}

วง ดนตรีโพสต์พังก์อังกฤษยุคแรกๆ ได้แก่Gang of Four , Siouxsie and the BansheesและJoy Divisionซึ่งให้ความสำคัญกับศิลปะน้อยกว่าวงดนตรีจากสหรัฐอเมริกา และให้ความสำคัญกับคุณภาพทางอารมณ์ที่มืดมนของดนตรีมากกว่า^{[ 193 ]}วงดนตรีอย่าง Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , the CureและSisters of Mercyต่างเคลื่อนไปในทิศทางนี้มากขึ้นเรื่อยๆ เพื่อก่อตั้งดนตรีแนวโกธิคร็อก ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของวัฒนธรรมย่อยที่ สำคัญ ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ^{[ 194 ]} วงดนตรีจากออสเตรเลียอย่าง Birthday PartyและNick Caveก็ได้สำรวจดินแดนทางอารมณ์ที่คล้ายคลึงกัน^{[ 193 ]}สมาชิกของ Bauhaus และ Joy Division ได้สำรวจดินแดนทางสไตล์ใหม่ๆ ในชื่อLove and RocketsและNew Orderตามลำดับ^{[ 193 ]}อีกหนึ่งขบวนการโพสต์พังก์ในช่วงแรกคือดนตรีอินดัสเทรียล^{[ 195 ]}ซึ่งพัฒนาโดยวงดนตรีอังกฤษThrobbing GristleและCabaret Voltaire และ Suicideจากนิวยอร์กโดยใช้เทคนิคอิเล็กทรอนิกส์และการสุ่มตัวอย่างที่หลากหลายเพื่อเลียนแบบเสียงของการผลิตในอุตสาหกรรม และจะพัฒนาไปสู่ดนตรีโพสต์อินดัสเทรียล ในรูปแบบต่างๆ ในช่วงทศวรรษ 1980 ^{[ 196 ]}

วงดนตรีโพสต์พังก์รุ่นที่สองของอังกฤษที่ประสบความสำเร็จในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แก่The Fall , The Pop Group , The Mekons , Echo and the BunnymenและThe Teardrop Explodesมีแนวโน้มที่จะหันเหออกจากแนวดนตรีที่มืดมน^{[ 193 ]}อาจกล่าวได้ว่าวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่เกิดขึ้นจากแนวดนตรีโพสต์พังก์คือU2 จากไอร์แลนด์ ซึ่งผสมผสานองค์ประกอบของภาพลักษณ์ทางศาสนาเข้ากับการวิจารณ์ทางการเมืองในดนตรีที่มักจะเป็นเพลงปลุกใจ และในช่วงปลายทศวรรษ 1980 พวกเขากลายเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก^{[ 197 ]}แม้ว่าวงดนตรีโพสต์พังก์หลายวงจะยังคงบันทึกและแสดงต่อไป แต่กระแสนี้ก็เสื่อมถอยลงในช่วงกลางทศวรรษ 1980 เนื่องจากวงดนตรีหลายวงยุบวงหรือย้ายไปสำรวจแนวดนตรีอื่น แต่ก็ยังคงมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของดนตรีร็อกและถูกมองว่าเป็นองค์ประกอบสำคัญในการสร้างกระแสดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อก^{[ 198 ]}

คำว่า "อัลเทอร์เนทีฟร็อก" ถูกบัญญัติขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 เพื่ออธิบายถึงศิลปินร็อกที่ไม่เข้ากับแนวเพลงกระแสหลักในเวลานั้น วงดนตรีที่ถูกเรียกว่า "อัลเทอร์เนทีฟ" ไม่มีสไตล์ที่เป็นเอกภาพ แต่ทั้งหมดก็ถูกมองว่าแตกต่างจากดนตรีกระแสหลัก วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟเชื่อมโยงกันด้วยอิทธิพลจากพังก์ร็อก ไม่ว่าจะเป็นนิวเวฟ โพสต์พังก์ หรือฮาร์ดคอร์^{[ 199 ]}วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกที่สำคัญในทศวรรษ 1980 ในสหรัฐอเมริกา ได้แก่REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youthและ The Pixies ^{[ 199} ] ในสหราชอาณาจักร วงดนตรีที่ได้รับความนิยม ได้แก่ ^{The Cure, New Order, The Jesus and Mary Chain และ The Smiths [} 200 ] ศิลปินส่วนใหญ่ถูกจำกัดอยู่^{กับค่าย}เพลงอิสระสร้างวงการดนตรีใต้ดินที่กว้างขวางโดยอาศัยวิทยุของวิทยาลัยนิตยสารแฟนคลับ การทัวร์ และการบอกต่อกันปากต่อปาก^{[ 201 ]}พวกเขาปฏิเสธซินธ์ป็อปที่ได้รับความนิยมในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ซึ่งเป็นการกลับมาสู่ดนตรีร็อกกีตาร์แบบกลุ่ม^{[ 202 ] [ 203 ] [ 204 ]}

วงดนตรียุคแรกๆ เหล่านี้ส่วนใหญ่ไม่ประสบความสำเร็จในวงการเพลงกระแสหลัก แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นอยู่บ้าง เช่น REM, The Smiths และ The Cure ถึงแม้ยอดขายอัลบั้มโดยทั่วไปจะไม่โดดเด่นมากนัก แต่วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกรุ่นแรกๆ เหล่านี้ก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อคนรุ่นที่เติบโตขึ้นมาในยุค 1980 และประสบความสำเร็จในวงการเพลงกระแสหลักในยุค 1990 รูปแบบของดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกในสหรัฐอเมริกาช่วงยุค 1980 นั้นรวมถึงjangle popซึ่งเกี่ยวข้องกับผลงานเพลงยุคแรกๆ ของ REM ที่ผสมผสานเสียงกีตาร์กังวานของเพลงป็อปและร็อกช่วงกลางยุค 1960 และ college rock ซึ่งใช้เรียกวงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟที่เริ่มต้นในวงการดนตรีและวิทยุของมหาวิทยาลัย เช่น วง10,000 ManiacsและThe Feelies ^{[ 199 ]}ในสหราชอาณาจักร ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 วงดนตรีอินดี้หรือดรีมป็อปอย่างPrimal ScreamและThe Wedding Present [ ^{205 ]}และวงดนตรีที่ถูกเรียกว่าshoegazeอย่างMy Bloody Valentine , SlowdiveและRideได้เข้ามามีบทบาท^{[ 206 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่ง วงการเพลง Madchester คึกคัก ^มากโดยมีวงดนตรีอย่างHappy MondaysและThe Stone Rosesเกิด ขึ้น ^{[ 200 ] [ 207 ]}ทศวรรษถัดมาจะเห็นความสำเร็จของกรันจ์ในสหรัฐอเมริกาและบริตป็อปในสหราชอาณาจักร ซึ่งนำดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกเข้าสู่กระแสหลัก

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1980 วงดนตรีในรัฐวอชิงตัน (โดยเฉพาะใน พื้นที่ ซีแอตเติล ) ได้สร้างรูปแบบดนตรีร็อกแบบใหม่ที่แตกต่างจากดนตรีกระแสหลักในขณะนั้น แนวเพลงที่กำลังพัฒนานี้เป็นที่รู้จักในชื่อ "กรันจ์" ซึ่งเป็นคำที่อธิบายถึงเสียงดนตรีที่สกปรกและรูปลักษณ์ที่ไม่เรียบร้อยของนักดนตรีส่วนใหญ่ ซึ่งต่อต้านภาพลักษณ์ที่ดูดีเกินไปของศิลปินคนอื่นๆ กรันจ์ใช้เสียงกีตาร์ที่บิดเบี้ยว เสียง ฟัซซ์และเสียงฟีดแบ็กอย่าง หนัก ^{[ 208 ]}เนื้อเพลงมักจะแสดงถึงความเฉยเมยและความวิตกกังวล และมักเกี่ยวข้องกับธีมต่างๆ เช่น การแปลกแยกทางสังคมและการถูกกักขัง แม้ว่าจะเป็นที่รู้จักในด้านอารมณ์ขันที่มืดมนและการล้อเลียนดนตรีร็อกเชิงพาณิชย์ด้วยก็ตาม

วงดนตรีอย่างGreen River , SoundgardenและMelvinsเป็นผู้บุกเบิกแนวเพลงนี้ โดยMudhoneyกลายเป็นวงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษนั้น แนวเพลงกรันจ์ยังคงเป็นปรากฏการณ์ในระดับท้องถิ่นเป็นส่วนใหญ่จนกระทั่งปี 1991 เมื่อ อัลบั้ม NevermindของNirvanaประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยมีเพลงฮิตอย่าง " Smells Like Teen Spirit " ^{[ 209 ]} Nevermindมีทำนองที่ไพเราะกว่าอัลบั้มก่อนหน้า การเซ็นสัญญากับ Geffen Records ทำให้วงนี้เป็นหนึ่งในวงแรกๆ ที่ใช้กลไกการโปรโมตและการตลาดแบบดั้งเดิมของบริษัท เช่น วิดีโอ MTV การจัดแสดงในร้านค้า และการใช้ "ที่ปรึกษา" ทางวิทยุที่โปรโมตการออกอากาศในสถานีวิทยุร็อคกระแสหลัก ในช่วงปี 1991 และ 1992 อัลบั้มกรันจ์อื่นๆ เช่นTenของPearl Jam , Badmotorfingerของ Soundgarden และDirtของAlice in Chainsรวมถึง อัลบั้ม Temple of the Dogที่มีสมาชิกของ Pearl Jam และ Soundgarden ร่วมด้วย กลายเป็นหนึ่งใน 100 อัลบั้มที่ขายดีที่สุด^{[ 210 ]}ค่ายเพลงใหญ่ๆ ได้เซ็นสัญญากับวงดนตรีแนวกรันจ์ที่เหลืออยู่ส่วนใหญ่ในซีแอตเทิล ขณะที่วงดนตรีกลุ่มที่สองก็ย้ายเข้ามาในเมืองด้วยความหวังที่จะประสบความสำเร็จ^{[ 211 ]}อย่างไรก็ตาม หลังจากการเสียชีวิตของเคิร์ต โคเบน และการแตกวงของเนอร์วานาในปี 1994 แนวเพลงนี้ก็เริ่มเสื่อมถอยลง ส่วนหนึ่งเป็นเพราะถูกบดบังด้วยบริทป็อปและ โพสต์กรันจ์ที่มีเสียงเชิงพาณิชย์มากกว่า^{[ 212 ]}

บริทป็อปถือกำเนิดขึ้นจากวงการเพลงร็อกทางเลือกของอังกฤษในช่วงต้นทศวรรษ 1990 และมีลักษณะเด่นคือวงดนตรีที่ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากดนตรีกีตาร์ของอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 ^{[ 200 ]}วง The Smithsมีอิทธิพลอย่างมาก เช่นเดียวกับวงดนตรีจาก วงการ Madchesterซึ่งได้สลายตัวไปในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ^{[ 77 ]}บริทป็อปมีรูปแบบที่หลากหลาย แต่ส่วนใหญ่มักใช้ทำนองและท่อนฮุคที่ติดหู ควบคู่ไปกับเนื้อเพลงที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับอังกฤษโดยเฉพาะ และการนำเอาสัญลักษณ์ของการบุกรุกของอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1960 มาใช้ รวมถึงสัญลักษณ์ของอัตลักษณ์อังกฤษที่กลุ่มม็อดเคยใช้มาก่อน^{[ 213 ]}บริทป็อปเปิดตัวราวปี 1993 ด้วยผลงานของวงต่างๆ เช่นSuedeและBlurซึ่งต่อมาก็มีวงอื่นๆ เข้าร่วมด้วย เช่นOasis , Pulp , SupergrassและElasticaซึ่งได้ออกอัลบั้มและซิงเกิลที่ประสบความสำเร็จมากมาย^{[ 200 ]}ในช่วงหนึ่ง การแข่งขันระหว่าง Blur และ Oasis ถูกสื่อกระแสหลักนำเสนอในชื่อ "Battle of Britpop" ซึ่งในตอนแรก Blur เป็นฝ่ายชนะ แต่ Oasis ประสบความสำเร็จในระยะยาวและระดับนานาชาติมากกว่า และมีอิทธิพลโดยตรงต่อวง Britpop รุ่นหลัง เช่นOcean Colour SceneและKula Shaker [ ^{214 ] กลุ่ม} Britpop นำดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกของอังกฤษเข้าสู่กระแสหลัก และเป็นแกนหลักของกระแสวัฒนธรรมอังกฤษที่ใหญ่กว่าที่รู้จักกันในชื่อCool Britannia ^{[ 215 ]}ขบวนการนี้ได้ล่มสลายไปมากในช่วงปลายทศวรรษ^{[ 200 ]}

คำว่า post-grunge ถูกบัญญัติขึ้นสำหรับวงดนตรีที่ตามมาหลังจากวงดนตรีแนว grunge จากซีแอตเติลเข้าสู่กระแสหลัก และเลียนแบบดนตรีของพวกเขา แต่มีเสียงที่ฟังง่ายและเป็นที่นิยมในเชิงพาณิชย์มากกว่า^{[ 212 ]}บ่อยครั้งที่พวกเขาทำงานผ่านค่ายเพลงใหญ่ๆ และผสมผสานอิทธิพลจากฮาร์ดร็อก^{[ 212 ]}ป็อปร็อก [ ^{216 ]}หรืออัลเทอร์เนทีฟเมทัล [ ^{212 ] เดิมที}คำว่า post-grunge มีความหมายในเชิงลบ โดยบอกว่าวงดนตรีแนว grunge ที่เกิดขึ้นเมื่อ grunge เป็นกระแสหลักนั้นเป็นเพียงการลอกเลียนแบบทางดนตรี หรือเป็นการตอบโต้แบบเสียดสีต่อขบวนการร็อกที่ "แท้จริง" ^{[ 217 ] ตั้งแต่} ปี 1995 วงดนตรีใหม่ของเดฟ โกรห์ลอดีตมือกลองของ Nirvana อย่าง Foo Fightersได้ช่วยทำให้แนวเพลง post-grunge เป็นที่นิยม^{[ 218 ]}

วงดนตรีโพสต์กรันจ์บางวง เช่นCandleboxมาจากซีแอตเติล แต่แนวเพลงย่อยนี้โดดเด่นด้วยการขยายฐานทางภูมิศาสตร์ของกรันจ์ โดยมีวงดนตรีอย่างLive จากยอร์ก รัฐเพนซิลเว เนีย และCollective Soul จากจอร์เจีย และนอกสหรัฐอเมริกาไปถึงSilverchair จากออสเตรเลีย และBush จากอังกฤษ ซึ่งทั้งหมดนี้ได้ทำให้โพสต์กรันจ์กลายเป็นหนึ่งในแนวเพลงย่อยที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากที่สุดในช่วงกลางทศวรรษ 1990 ^{[ 199 ] [ 212 ]}วงดนตรีอย่างCreedและNickelbackได้นำโพสต์กรันจ์ไปสู่ช่วงปลายทศวรรษ 1990 และ 2000 ด้วยความสำเร็จในเชิงพาณิชย์อย่างมาก โดยละทิ้งความวิตกกังวลและความโกรธส่วนใหญ่ของแนวเพลงดั้งเดิมไปสู่เพลงปลุกใจแบบดั้งเดิมมากขึ้น^{[ 217 ]}เรื่องเล่า และเพลงรัก และมีวงดนตรีรุ่นใหม่ๆ ตามมา เช่นShinedown , Seether , 3 Doors DownและPuddle of Mudd ^{[ 217 ]}

ต้นกำเนิดของป็อปพังก์ในยุค 1990 สามารถมองเห็นได้จากวงดนตรีที่เน้นเพลงเป็นหลักในขบวนการพังก์ยุค 1970 เช่นBuzzcocksและThe Clashวงดนตรีแนว New Wave ที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ เช่นThe JamและThe Undertonesและองค์ประกอบที่ได้รับอิทธิพลจากฮาร์ดคอร์มากขึ้นของดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกในยุค 1980 ^{[ 219 ]}ป็อปพังก์มักใช้ทำนองและคอร์ดแบบพาวเวอร์ป็อปผสมผสานกับจังหวะพังก์ที่รวดเร็วและเสียงกีตาร์ที่ดัง^{[ 220 ]}ดนตรีพังก์เป็นแรงบันดาลใจให้กับวงดนตรีในแคลิฟอร์เนียบางวงที่อยู่ภายใต้ค่ายเพลงอิสระในช่วงต้นยุค 1990 รวมถึงRancidและGreen Day [ ^{219 ] ใน}ปี 1994 Green Day ย้ายไปอยู่ค่ายเพลงใหญ่และออกอัลบั้มDookieซึ่งดึงดูดกลุ่มผู้ฟังใหม่ส่วนใหญ่เป็นวัยรุ่นและประสบความสำเร็จอย่างไม่คาดคิดด้วยยอดขายระดับเพชร นำไปสู่ซิงเกิลฮิตมากมาย รวมถึงสองเพลงที่ขึ้นอันดับหนึ่งในสหรัฐอเมริกา^{[ 199 ]}ไม่นานนักก็มีอัลบั้มเปิดตัวชื่อเดียวกันจากวง Weezerซึ่งมีเพลงฮิตติดท็อปเท็นถึงสามเพลงในสหรัฐอเมริกา^{[ 221 ]}ความสำเร็จนี้เปิดประตูสู่ยอดขายระดับมัลติแพลตตินัมของวงเมทัลลิกพังก์The Offspringกับอัลบั้ม Smash (1994) ^{[ 199 ]}กระแสเพลงป็อปพังก์ยุคแรกนี้ถึงจุดสูงสุดในเชิงพาณิชย์ด้วยอัลบั้ม Nimrod (1997) ของ Green Day และAmericana (1998) ของ The Offspring ^{[ 222 ]}

กระแสป็อปพังก์ระลอกที่สองนำโดยBlink-182ด้วยอัลบั้มที่สร้างชื่อเสียงอย่างEnema of the State (1999) ตามมาด้วยวงดนตรีอย่างGood Charlotte , Simple PlanและSum 41ซึ่งใช้ความตลกขบขันในมิวสิกวิดีโอและมีโทนดนตรีที่ฟังง่ายขึ้นสำหรับวิทยุ ในขณะที่ยังคงความเร็ว ทัศนคติ และแม้แต่รูปลักษณ์ของพังก์ยุค 1970 เอาไว้^{[ 219 ]}วงป็อปพังก์รุ่นหลัง เช่นAll Time Low , All-American RejectsและFall Out Boyมีเสียงที่ได้รับการอธิบายว่าใกล้เคียงกับฮาร์ดคอร์ยุค 1980 มากกว่า ในขณะที่ยังคงประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์^{[ 219 ]}

ในช่วงทศวรรษ 1980 คำว่า อินดี้ร็อก และ อัลเทอร์เนทีฟร็อก ถูกใช้สลับกันไปมา^{[ 223 ]}ในช่วงกลางทศวรรษ 1990 เมื่อองค์ประกอบต่างๆ ของขบวนการเริ่มดึงดูดความสนใจจากกระแสหลัก โดยเฉพาะอย่างยิ่งกรันจ์ และต่อมาคือบริทป็อป โพสต์กรันจ์ และป็อปพังก์ คำว่าอัลเทอร์เนทีฟก็เริ่มสูญเสียความหมายไป^{[ 223 ]}วงดนตรีที่ดำเนินตามแนวทางที่ไม่เน้นเชิงพาณิชย์ของวงการนี้จึงถูกเรียกขานด้วยคำว่าอินดี้มากขึ้นเรื่อยๆ^{[ 223 ]}ขบวนการอินดี้ร็อกเชื่อมโยงกันด้วยจริยธรรมมากกว่าแนวทางดนตรี โดยครอบคลุมหลากหลายสไตล์ ตั้งแต่วงดนตรีที่ดุดันและได้รับอิทธิพลจากกรันจ์อย่างThe CranberriesและSuperchunkไปจนถึงวงดนตรีทดลองแบบทำเองอย่างPavementและนักร้องแนวพังก์โฟล์กอย่างAni DiFranco ^{[ 199 ] [ 200 ]}เป็นที่สังเกตว่าดนตรีอินดี้ร็อกมีสัดส่วนของศิลปินหญิงค่อนข้างสูงเมื่อเทียบกับแนวเพลงร็อกก่อนหน้านี้ ซึ่งเป็นแนวโน้มที่เห็นได้จากการพัฒนาของดนตรีRiot grrrl ที่ได้รับอิทธิพลจากแนวคิดสตรีนิยม ^{[ 224 ]}หลายประเทศได้พัฒนา วงการดนตรี อินดี้ ท้องถิ่นที่กว้างขวาง ซึ่งเฟื่องฟูด้วยวงดนตรีที่มีความนิยมมากพอที่จะอยู่รอดได้ภายในประเทศนั้นๆ แต่แทบจะไม่เป็นที่รู้จักนอกประเทศ^{[ 225 ]}

เมื่อถึงปลายทศวรรษ 1990 แนวเพลงย่อยที่รู้จักกันดีหลายแนว ซึ่งส่วนใหญ่มีต้นกำเนิดมาจากขบวนการทางเลือกในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ได้ถูกรวมไว้ภายใต้ร่มของแนวเพลงอินดี้ แนวเพลงโลว์ไฟหลีกเลี่ยงเทคนิคการบันทึกเสียงที่ขัดเกลาแล้วเพื่อเน้นแนวคิดแบบ DIY และนำโดยBeck, Sebadoh และ Pavement [ 199 ] ผลงานของ Talk Talk และ Slint ช่วยสร้างแรงบันดาลใจ^{ให้กับทั้ง}โพสต์ร็อก ซึ่งเป็นสไตล์ทดลองที่ได้รับอิทธิพลจาก ดนตรี แจ๊ ส และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ (ตัวอย่างเช่นวงอย่างBark Psychosis , Tortoise , StereolabและLaika ) ^{[ 226 ] [ 227 ]}รวมถึงนำไปสู่แนวเพลงแมธร็อกที่หนาแน่นและซับซ้อนมากขึ้นซึ่งใช้กีตาร์เป็นหลัก พัฒนาโดยวงอย่างPolvoและChavez ^{[ 228 ]}สเปซร็อกหวนกลับไปสู่รากฐานของดนตรีโปรเกรสซีฟ โดยมีวงดนตรีที่เน้นเสียงโดรนและดนตรีมินิมัลลิสต์อย่างSpacemen 3 , วงดนตรีสองวงที่แยกตัวออกมาจากวงนี้ ได้แก่ SpectrumและSpiritualizedและวงดนตรีในยุคต่อมา เช่นFlying Saucer Attack , Godspeed You! Black EmperorและQuickspace ^{[ 229 ]}ในทางตรงกันข้ามแซดคอร์เน้นความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานผ่านการใช้เครื่องดนตรีอะคูสติกและอิเล็กทรอนิกส์อย่างไพเราะในดนตรีของวงต่างๆ เช่นAmerican Music ClubและRed House Painters [ ^{230 ] ในขณะที่การฟื้นคืนชีพของบาโรกป็อปเป็นการตอบโต้ ดนตรี}โลว์ไฟและดนตรีทดลองโดยเน้นที่ทำนองและเครื่องดนตรีคลาสสิก โดยมีศิลปินอย่างArcade Fire , Belle and SebastianและRufus Wainwright ^{[ 231 ]}

ดนตรีแนวอัลเทอร์เนทีฟเมทัลเกิดขึ้นจากวงการฮาร์ดคอร์ของดนตรีอัลเทอร์เนทีฟร็อกในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1980 แต่ได้รับความนิยมในวงกว้างมากขึ้นหลังจากที่ดนตรีแนวกรันจ์เข้ามามีบทบาทในกระแสหลักในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ^{[ 232 ]}วงดนตรีอัลเทอร์เนทีฟเมทัลยุคแรกๆ ผสมผสานแนวเพลงที่หลากหลายเข้ากับความรู้สึกของฮาร์ดคอร์และเฮฟวี่เมทัล โดยวงอย่างJane's AddictionและPrimusใช้ดนตรีโปรเกรสซีฟร็อกSoundgardenและCorrosion of Conformity ใช้ดนตรี การาจพังก์The Jesus LizardและHelmetผสมผสาน ดนตรีโนสร็ อกMinistryและNine Inch Nailsได้รับอิทธิพลจากดนตรีอินดัสเทรียล Monster Magnet เปลี่ยนไปใช้ดนตรีไซคีเดเลีย Pantera, Sepultura และ White Zombie สร้างดนตรีแนวกรู้ฟเม ทัล ในขณะที่Biohazard , Limp BizkitและFaith No Moreหันไปใช้ ดนตรี ฮิปฮอปและแร็พ^{[ 232 ]}

ฮิปฮอปได้รับความสนใจจากวงดนตรีร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1980 รวมถึงวง The Clashกับเพลง " The Magnificent Seven " (1980) และวง Blondie กับเพลง " Rapture " (1980) ^{[ 233 ] [ 234 ]}วงดนตรีที่ผสมผสานแนวเพลงในช่วงแรกๆ ได้แก่Run DMCและBeastie Boys ^{[ 235 ]} แร็ ปเปอร์ที่นำเพลงร็อกมาใช้เป็นตัวอย่าง ได้แก่Ice-T , The Fat Boys , LL Cool J , Public EnemyและWhodini ^{[ 236} ] การผสมผสานระหว่างแทรชเมทัลและแร็ปได้รับการบุกเบิกโดยAnthraxในซิงเกิล " I'm the Man " ^{ที่ ได้รับอิทธิพลจากแนวตลกในปี 1987 [ 236 ]}

ในปี 1990 Faith No More ได้ก้าวเข้าสู่กระแสหลักด้วยซิงเกิล " Epic " ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นการผสมผสานระหว่างเฮฟวีเมทัลกับแร็พที่ประสบความสำเร็จอย่างแท้จริงเป็นครั้งแรก^{[ 237 ]}สิ่งนี้ปูทางไปสู่ความสำเร็จของวงดนตรีที่มีอยู่แล้ว เช่น24-7 SpyzและLiving Colourรวมถึงวงดนตรีหน้าใหม่ เช่นRage Against the MachineและRed Hot Chili Peppersซึ่งทั้งหมดผสมผสานร็อกและฮิปฮอปเข้ากับอิทธิพลอื่นๆ^{[ 236 ] [ 238 ]}ในบรรดาศิลปินกลุ่มแรกที่ประสบความสำเร็จในกระแสหลักในฐานะแร็พร็อก ได้แก่311 [ 239 ] Bloodhound Gang [ 240 ] และKid Rock ^{[ 241} ] ^{เสียงที่หนักแน่น}กว่า–นู^{เมทัล} – ได้ รับการพัฒนาโดยวง ^{ดนตรี}ต่างๆ เช่น Limp Bizkit, KornและSlipknot ^{[ 236 ]}ในช่วงปลายทศวรรษนี้ สไตล์นี้ซึ่งประกอบด้วยการผสมผสานระหว่างกรันจ์ พังก์ เมทัล แร็พ และการขูด แผ่นเสียง ได้ก่อให้เกิดวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จมากมาย เช่นLinkin Park , PODและStaindซึ่งมักถูกจัดอยู่ในประเภทแร็พเมทัลหรือนูเมทัล โดยวงแรกเป็นวงที่ขายดีที่สุดในประเภทนี้^{[ 242 ]}

ในปี 2001 นูเมทัลถึงจุดสูงสุดด้วยอัลบั้มต่างๆ เช่นBreak the Cycle ของ Staind, Satelliteของ POD , Iowa ของ Slipknot และ Hybrid Theoryของ Linkin Park วงดนตรีใหม่ๆ ก็ถือกำเนิดขึ้นเช่นกัน เช่นDisturbed , GodsmackและPapa Roachซึ่งอัลบั้มเปิดตัวกับค่ายเพลงใหญ่Infestกลายเป็นเพลงฮิตระดับแพลตินัม^{[ 243 ]}ในปี 2002 วงดนตรีแนวนูเมทัลถูกเปิดในสถานีวิทยุร็อกน้อยลง และMTVเริ่มหันไปสนใจป็อปพังก์และอีโม มาก ขึ้น^{[ 244 ]}ตั้งแต่นั้นมา วงดนตรีหลายวงได้เปลี่ยนไปใช้แนวเพลงฮาร์ดร็อก เฮฟวีเมทัล หรือดนตรีอิเล็กทรอนิกส์แบบดั้งเดิมมากขึ้น^{[ 244 ]}

ตั้งแต่ประมาณปี 1997 วงดนตรีหน้าใหม่เริ่มหลีกเลี่ยงฉลาก Britpop ในขณะที่ยังคงผลิตเพลงที่ได้รับอิทธิพลจากแนวเพลงนี้อยู่^{[ 245 ] [ 246 ]}วงดนตรีเหล่านี้หลายวงมักผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีร็อกแบบดั้งเดิมของอังกฤษ (หรือ British trad rock) ^{[ 247 ]}โดยเฉพาะอย่างยิ่งวง The Beatles, Rolling Stones และSmall Faces ^{[ 248 ]}เข้ากับอิทธิพลจากอเมริกา รวมถึงดนตรีโพสต์กรันจ์^{[ 249 ] [ 250 ]}วงดนตรีเหล่านี้มาจากทั่วสหราชอาณาจักร โดยธีมของเพลงมักจะไม่ได้เน้นเฉพาะชีวิตในอังกฤษและลอนดอน และมีความเป็นไปในเชิงลึกมากกว่า Britpop ในช่วงที่รุ่งเรืองที่สุด^{[ 251 ] [ 252 ]}วงดนตรีทางเลือกหลายวงที่ประสบความสำเร็จบ้างในช่วงกลางทศวรรษ 1990 แต่ไม่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากนักจนกระทั่งปลายทศวรรษ 1990 ได้แก่The VerveและRadiohead อัลบั้ม Urban Hymns (1997) ของ The Verve ประสบความสำเร็จไปทั่วโลก และอัลบั้มOK Computer (1997) ซึ่งเป็นอัลบั้มที่สามของ Radiohead ที่เน้นการทดลอง ก็ได้รับการยกย่องจากนักวิจารณ์เกือบทุกสำนัก

วงดนตรีหลังยุคบริทป็อปถูกมองว่านำเสนอภาพลักษณ์ของร็อกสตาร์ในฐานะคนธรรมดา และดนตรีที่มีทำนองไพเราะมากขึ้นเรื่อยๆ ของพวกเขาก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าจืดชืดหรือลอกเลียนแบบ^{[ 253 ]}วงดนตรีหลังยุคบริทป็อปอย่างTravisจากอัลบั้ม The Man Who (1999), Stereophonicsจากอัลบั้ม Performance and Cocktails (1999), Feederจากอัลบั้ม Echo Park (2001) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งSnow Patrolจากอัลบั้มFinal Straw (2003), Keane จากอัลบั้มเปิดตัว Hopes and Fears (2004) และColdplayจากอัลบั้มเปิดตัวParachutes (2000) ประสบความสำเร็จในระดับนานาชาติมากกว่าวงบริทป็อปหลายวงที่มาก่อนพวกเขา และเป็นหนึ่งในวงดนตรีที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุดในช่วงปลายทศวรรษ 1990 และต้นทศวรรษ 2000 ^{[ 250 ] [ 254 ] [ 255 ] [ 256 ]}

ดนตรีโพสต์ฮาร์ดคอร์พัฒนาขึ้นในสหรัฐอเมริกา โดยเฉพาะในชิคาโกและวอชิงตัน ดี.ซี. ในช่วงทศวรรษ 1980 โดยมีวงดนตรีที่ได้รับแรงบันดาลใจจากจริยธรรมแบบทำเองและดนตรีหนักแน่นด้วยกีตาร์ของฮาร์ดคอร์พังก์ แต่ได้รับอิทธิพลจากโพสต์พังก์ โดยนำรูปแบบเพลงที่ยาวขึ้น โครงสร้างดนตรีที่ซับซ้อนมากขึ้น และบางครั้งก็มีรูปแบบการร้องที่ไพเราะมากขึ้นมาใช้^{[ 257 ]}

อีโมยังถือกำเนิดขึ้นจากวงการฮาร์ดคอร์ในวอชิงตัน ดี.ซี. ช่วงทศวรรษ 1980 โดยเริ่มแรกใช้คำว่า "อีโมคอร์" ซึ่งใช้เป็นคำอธิบายวงดนตรีที่เน้นการร้องแบบแสดงอารมณ์มากกว่าสไตล์การร้องแบบดุดันและตะโกน^{[ 258 ]}อีโมได้ก้าวเข้าสู่กระแสหลักของวัฒนธรรมในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ด้วยความสำเร็จระดับแพลตินัมของอัลบั้มBleed American (2001) ของJimmy Eat World และ The Places You Have Come to Fear the Most (2003) ของDashboard Confessional ^{[ 259 ]}อีโมยุคใหม่มีเสียงที่เป็นกระแสหลักมากกว่าในยุค 1990 และได้รับความนิยมในหมู่วัยรุ่นมากกว่ายุคก่อนๆ^{[ 259 ]}ในขณะเดียวกัน การใช้คำว่าอีโมก็ขยายออกไปนอกเหนือจากแนวดนตรี กลายมาเกี่ยวข้องกับแฟชั่น ทรงผม และดนตรีใดๆ ที่แสดงออกถึงอารมณ์^{[ 260 ]}ในปี 2003 วงดนตรีโพสต์ฮาร์ดคอร์ก็ได้รับความสนใจจากค่ายเพลงใหญ่ๆ และเริ่มประสบความสำเร็จในชาร์ตอัลบั้มกระแสหลัก วงดนตรีเหล่านี้จำนวนหนึ่งถูกมองว่าเป็นกลุ่มย่อยที่ก้าวร้าวมากขึ้นของอีโม และได้รับฉายาที่ไม่ค่อยชัดเจนนักว่าสครีมโม^{[ 261 ]}

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 วงดนตรีกลุ่มใหม่ที่เล่น ดนตรีร็อกกีตาร์แบบเรียบง่ายและเน้นพื้นฐานได้ปรากฏตัวขึ้นในกระแสหลัก พวกเขาถูกจัดประเภทต่างๆ ว่าเป็นส่วนหนึ่งของการฟื้นฟูแนวเพลงการาจร็อก โพสต์พังก์ หรือนิวเวฟ^{[ 262 ] [ 263 ] [ 264 ] [ 265 ]}เนื่องจากวงดนตรีเหล่านี้มาจากทั่วโลก อ้างอิงอิทธิพลที่หลากหลาย (ตั้งแต่บลูส์แบบดั้งเดิม ผ่านนิวเวฟ ไปจนถึงกรันจ์) และใช้รูปแบบการแต่งกายที่แตกต่างกัน ความเป็นเอกภาพของพวกเขาในฐานะแนวเพลงจึงเป็นที่ถกเถียงกัน^{[ 266 ]}มีความพยายามที่จะฟื้นฟูการาจร็อกและองค์ประกอบของพังก์ในช่วงทศวรรษ 1980 และ 1990 และภายในปี 2000 วงการดนตรีเหล่านี้ได้เติบโตขึ้นในหลายประเทศ^{[ 267 ]}

ความสำเร็จทางการค้าจากฉากเหล่านี้เกิดขึ้นจากวงดนตรีสี่วง ได้แก่ เดอะสโตรกส์ซึ่งโด่งดังมาจากวงการเพลงคลับในนิวยอร์กด้วยอัลบั้มเปิดตัวIs This It (2001); เดอะไวท์สไตรป์สจากดีทรอยต์ ด้วยอัลบั้มชุดที่สามWhite Blood Cells (2001); เดอะไฮฟส์จากสวีเดน หลังจากอัลบั้มรวมเพลงYour New Favourite Band (2001); และเดอะไวน์สจากออสเตรเลีย กับอัลบั้ม Highly Evolved (2002) ^{[ 268 ]}พวกเขาได้รับการขนานนามจากสื่อว่าเป็น "ผู้กอบกู้ร็อกแอนด์โรล" ^{[ 269 ]}วงดนตรีกลุ่มที่สองที่ได้รับการยอมรับในระดับนานาชาติเนื่องจากการเคลื่อนไหวนี้ ได้แก่Yeah Yeah Yeahs , The Killers , InterpolและKings of Leonจากสหรัฐอเมริกา^{[ 270 ]} The Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Editors , Kaiser ChiefsและFranz Ferdinandจากสหราชอาณาจักร^{[ 271 ]}และJetและWolfmotherจากออสเตรเลีย^{[ 272 ]}

ในช่วงทศวรรษ 2000 เมื่อเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์เข้าถึงได้ง่ายขึ้นและซอฟต์แวร์ดนตรีพัฒนาขึ้น การสร้างเพลงคุณภาพสูงโดยใช้เพียงแค่แล็ปท็อปเครื่องเดียวก็เป็นไปได้^{[ 273 ]}ส่งผลให้ปริมาณเพลงอิเล็กทรอนิกส์ที่ผลิตเองที่บ้านซึ่งเข้าถึงประชาชนทั่วไปผ่านทางอินเทอร์เน็ตที่ขยายตัวเพิ่มขึ้นอย่างมหาศาล^{[ 274 ]}เทคนิคเหล่านี้ยังเริ่มถูกนำไปใช้โดยวงดนตรีที่มีอยู่แล้วและโดยแนวเพลงที่กำลังพัฒนาซึ่งผสมผสานร็อกกับเทคนิคและเสียงดิจิทัล รวมถึงelectroclash , dance-punk , dance rockและnew rave

เมทัลคอร์ถือกำเนิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 โดยผสมผสานองค์ประกอบของเอ็กซ์ตรีมเมทัลและฮาร์ดคอร์พังก์^{[ 275 ]}เมทัลคอร์โดดเด่นในเรื่องการใช้เบรกดาวน์ซึ่งเป็นท่อนที่ช้าและหนักหน่วง เหมาะสำหรับการม็อชชิ่งในขณะที่เครื่องดนตรีอื่นๆ ที่โดดเด่น ได้แก่ริฟฟ์กีตาร์แบบเพดัลพอยต์ ที่หนักแน่นและเน้นจังหวะ และการตีกลองเบสคู่ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ถึงต้นทศวรรษ 1990 วงดนตรีผู้บุกเบิกอย่างIntegrity , Earth CrisisและConvergeได้ก่อตั้งขึ้น^{[ 275 ]}ในช่วงทศวรรษ 1990 แนวเพลงนี้มีความหลากหลายมากขึ้น โดยDillinger Escape Plan , BotchและCoalesceเป็นผู้บุกเบิกแมธคอร์

ในช่วงทศวรรษ 2010 และต่อเนื่องมาจนถึงทศวรรษ 2020 แนวเพลงนี้ประสบความสำเร็จทางการค้ามากยิ่งขึ้น โดยอัลบั้มPost Human: Survival Horror (2020) ของ Bring Me the Horizon ^{[ 276 ]}และFor Those That Wish to Exist (2021) ของArchitectsต่างก็ขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตอัลบั้มของสหราชอาณาจักร^{[ 277 ]}

ในช่วงทศวรรษ 2010 ดนตรีร็อกเสื่อมถอยจากตำแหน่งแนวดนตรีป๊อปยอดนิยมหลัก โดยปัจจุบันต้องแบ่งความนิยมกับดนตรีอิเล็กทรอนิกแดนซ์และฮิปฮอปซึ่งฮิปฮอปได้แซงหน้าขึ้นมาเป็นแนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในสหรัฐอเมริกาในปี 2017 ^{[ 278 ] [ 279 ] [ 280 ]}การเพิ่มขึ้นของการสตรีมมิ่งและการเกิดขึ้นของเทคโนโลยี ซึ่งเปลี่ยนแปลงแนวทางการสร้างสรรค์ดนตรี ถูกยกมาเป็นปัจจัยสำคัญ^{[ 281 ]}เคน พาร์ทริดจ์ จากGeniusแนะนำว่าความซบเซาของดนตรีร็อกและความนิยมที่เพิ่มขึ้นของฮิปฮอปเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงทัศนคติทางสังคมในช่วงทศวรรษ 2010 ^{[ 279 ]}บิล แฟลนาแกน ในบทความแสดงความคิดเห็นในปี 2016 สำหรับThe New York Timesได้เปรียบเทียบสถานะของดนตรีร็อกในช่วงเวลานี้กับสถานะของดนตรีแจ๊สในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ว่า "รูปแบบของมันค่อนข้างคงที่" ^{[ 282 ]}

วงดนตรีร็อคที่ประสบความสำเร็จในชาร์ตเพลงในช่วงทศวรรษ 2010 ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับกระแสที่ได้รับความนิยมในช่วงทศวรรษ 2000 และทศวรรษก่อนหน้านั้น มากกว่าที่จะสะท้อนถึงฉากและเสียงใหม่ๆ^{[ 283 ] [ 284 ]} วงดนตรี ป๊อปร็อคและฮาร์ดร็อคบางวงยังคงประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ในช่วงเวลานี้ รวมถึงGhost , Maroon 5 , Twenty One Pilots , Fall Out Boy , Imagine Dragons , Halestorm , Panic! at the Disco , Greta Van FleetและBlack Keys [ ^{285 ] [ 286 ] [ 287 ] ใน}ปี 2013 อัลบั้ม...Like Clockwork ของ Queens of the Stone Ageขึ้นอันดับหนึ่งในชาร์ตเพลงของหลายประเทศ^{[ 288 ]}

ดนตรีแนวไซคีเดลิกและโปรเกรสซีฟร็อกกลับมาได้รับความนิยมอีกครั้งในช่วงทศวรรษ 2010 และ 2020 วงดนตรีที่โดดเด่นที่สุดในแนวนีโอไซคีเดลิกหลายวงมีต้นกำเนิดในออสเตรเลีย เช่นKing Gizzard & the Lizard WizardและTame ImpalaของKevin Parkerซึ่งวงหลังได้ออกอัลบั้มที่ได้รับการตอบรับเป็นอย่างดี เช่นLonerism (2012) และCurrents (2015) ^{[ 289 ] [ 290 ]}ดนตรีไซคีเดลิกออสเตรเลียแนวใหม่นี้ไม่เพียงแต่ต่อยอดจากดนตรีไซคีเดลิกและ โปรเกรส ซีฟร็อกในยุค 1960 และ 1970 เท่านั้น แต่ยังผสมผสานอิทธิพลทางดนตรีจากเฮฟวีเมทัลอีดีเอ็มและดนตรีโลก อีกด้วย ^{[ 291 ]}บทความในThe Guardian ปี 2014 อธิบายว่าออสเตรเลียเป็นสถานที่ที่ "วงดนตรีร็อกที่มีความคิดอิสระสามารถพัฒนาไปตามจังหวะของตนเองได้" ^{[ 292 ]}

แนวโน้มแนวเพลงไซเคเดลิกในดนตรีร็อคยังได้รับการฟื้นฟูในยุโรปอีกด้วย^{[ 293 ]}ซึ่งได้รับการอธิบายว่า "ดีมาก" สำหรับดนตรีไซเคเดลิกแนวใหม่ โดย วงดนตรี สโตเนอร์ร็อค จากอเมริกาหลาย วงเลือกที่จะออกทัวร์ในยุโรปแทนที่จะเป็นอเมริกาเหนือ^{[ 294 ]}

ในช่วงปลายทศวรรษ 2010 และต้นทศวรรษ 2020 วงดนตรีโพสต์พังก์รุ่นใหม่จากสหราชอาณาจักรและไอร์แลนด์ได้ถือกำเนิดขึ้น^{[ 295 ]}ศิลปินที่ได้รับการระบุว่าเป็นส่วนหนึ่งของกระแสนี้ ได้แก่Squid , Fontaines DCและIdles [ ^{296 ] [ 297 ]}ศิลปินโพสต์พังก์ที่โด่งดังในช่วงทศวรรษ 2010 และต้นทศวรรษ 2020 จากประเทศอื่นๆ นอกเหนือจากสหราชอาณาจักร ได้แก่Geese (สหรัฐอเมริกา), Kælan Mikla (ไอซ์ ^{แลนด์} ) และViagra Boys (สวีเดน) ^{[ 298 ] [ 299 ] [ 300 ]}รวมถึงวงการดนตรีที่เรียกว่า "Russian doomer music" ซึ่งประกอบด้วยวงดนตรีโพสต์พังก์โคลด์เวฟและดาร์กเวฟจากประเทศหลังโซเวียต เช่น รัสเซียและเบลารุส โดยเฉพาะอย่างยิ่งMolchat Doma (เบลารุส) ^{[ 301 ]}

ในช่วงต้นทศวรรษ 2020 ศิลปินเพลงป๊อปและแร็พได้ปล่อยผลงานเพลงที่ประสบความสำเร็จซึ่งได้รับอิทธิพลจากป๊อปพังก์ รวมถึง อัลบั้ม Tickets to My DownfallของMachine Gun Kelly ในปี 2020 ซึ่งขึ้น อันดับหนึ่งใน Billboard 200 และซิงเกิลฮิตอันดับหนึ่งของOlivia Rodrigo ในเพลง " Good 4 U " (2021) ^{[ 302 ]}

ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 2010 วงดนตรีบางวงได้รับชื่อเสียงจากการเลียนแบบสไตล์ร็อกในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970 ซึ่งเป็นที่นิยมในวิทยุเพลงร็อกคลาสสิกGuitar Worldอธิบายการฟื้นคืนชีพแบบดั้งเดิมนี้ว่า "ร็อกแอนด์โรลที่หนักแน่น ทรงพลัง ขับเคลื่อนด้วยริฟฟ์ สร้างขึ้นจากโครงสร้างหลักของเสียงร้อง กีตาร์ เบส และกลอง" ^{[ 303 ]}กลุ่มที่ถือว่าเป็นส่วนหนึ่งของแนวโน้มนี้ ได้แก่Greta Van Fleet , Rival SonsและLarkin Poe ^{[ 304 ]}

กลุ่มย่อยต่างๆ ของดนตรีร็อกได้นำมาใช้และกลายเป็นส่วนสำคัญของอัตลักษณ์ของ กลุ่มวัฒนธรรมย่อยจำนวนมากในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 ตามลำดับ เยาวชนชาวอังกฤษได้นำเอา วัฒนธรรมย่อย Teddy BoyและRocker มาใช้ ซึ่งมีรากฐานมาจากดนตรีร็อกแอนด์โรลของสหรัฐอเมริกา^{[ 305 ]}วัฒนธรรมต่อต้านกระแสหลักในช่วงทศวรรษ 1960มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีร็อกในยุคนั้นเป็นอย่างมาก^{[ 305 ]}วัฒนธรรมย่อยพังก์ในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1970 เริ่มต้นในสหรัฐอเมริกาและแพร่กระจายไปทั่วโลก วัฒนธรรม ย่อยโกธิคและอีโมที่เติบโตขึ้นในภายหลังได้นำเสนอรูปแบบภาพลักษณ์ที่โดดเด่น^{[ 306 ]}

เมื่อวัฒนธรรมร็อคสากลพัฒนาขึ้น มันได้เข้ามาแทนที่ภาพยนตร์ในฐานะแหล่งอิทธิพลหลักของแฟชั่น^{[ 307 ]}อย่างไรก็ตาม ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีร็อคมักไม่ไว้วางใจโลกแห่งแฟชั่น ซึ่งถูกมองว่าให้ความสำคัญกับภาพลักษณ์มากกว่าสาระสำคัญ^{[ 307 ]}แฟชั่นร็อคถูกมองว่าเป็นการผสมผสานองค์ประกอบของวัฒนธรรมและยุคสมัยที่แตกต่างกัน รวมถึงการแสดงออกถึงมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับเรื่องเพศและเพศสภาพ และโดยทั่วไปแล้วดนตรีร็อคได้รับการกล่าวถึงและวิพากษ์วิจารณ์ว่าช่วยส่งเสริมเสรีภาพทางเพศมากขึ้น^{[ 307 ] [ 308 ]} ดนตรี ร็อคยังเกี่ยวข้องกับการใช้ยาเสพติดหลายรูปแบบ รวมถึงแอมเฟตามีนที่กลุ่มม็อดใช้ในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษ 1960, LSD , เมสคาลีนและยาหลอนประสาทอื่นๆ ที่เชื่อมโยงกับดนตรีร็อคไซคีเดลิกในช่วงกลางถึงปลายทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 และบางครั้งก็ รวมถึง กัญชาโคเคน และ เฮโรอีนซึ่งทั้งหมดนี้ได้รับการยกย่องในบทเพลง^{[ 309 ] [ 310 ]}

ดนตรี ร็อกได้รับการยกย่องว่าเปลี่ยนทัศนคติเกี่ยวกับเชื้อชาติโดยการเปิดวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันให้แก่ผู้ชมผิวขาว อย่างไรก็ตาม ในขณะเดียวกัน ดนตรีร็อกก็ถูกกล่าวหาว่า นำวัฒนธรรมนั้น มาใช้และแสวงหาประโยชน์^{[ 311 ] [ 312 ]}ดนตรีร็อกได้ซึมซับอิทธิพลมากมายและแนะนำประเพณีดนตรีที่แตกต่างกันให้แก่ผู้ชมชาวตะวันตก^{[ 313 ]}และสืบทอดประเพณีเพลงประท้วง พื้นบ้าน ซึ่งเป็นการแสดงความคิดเห็นทางการเมืองในหัวข้อต่างๆ เช่น สงคราม ศาสนา ความยากจน สิทธิพลเมือง ความยุติธรรม และสิ่งแวดล้อม^{[ 314 ]}การเคลื่อนไหวทางการเมืองถึงจุดสูงสุดในกระแสหลักด้วยซิงเกิล " Do They Know It's Christmas? " (1984) และ คอนเสิร์ต Live Aidเพื่อเอธิโอเปียในปี 1985 ซึ่งในขณะที่สร้างความตระหนักรู้เกี่ยวกับความยากจนทั่วโลกและระดมทุนเพื่อช่วยเหลือ ก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์ (พร้อมกับเหตุการณ์ที่คล้ายคลึงกัน) ว่าเป็นเวทีสำหรับการยกย่องตนเองและเพิ่มผลกำไรให้กับดาราเพลงร็อกที่เกี่ยวข้อง^{[ 315 ]}

นับตั้งแต่เริ่มพัฒนา ดนตรีร็อกมีความเกี่ยวข้องกับการกบฏต่อบรรทัดฐานทางสังคมและการเมือง โดยเฉพาะอย่างยิ่งการปฏิเสธวัฒนธรรมที่ผู้ใหญ่ครอบงำในดนตรีร็อกแอนด์โรลยุคแรก การปฏิเสธลัทธิบริโภคนิยมและความสอดคล้องในวัฒนธรรมต่อต้าน และการปฏิเสธขนบธรรมเนียมทางสังคมทุกรูปแบบในดนตรีพังก์^{[ 316 ]}อย่างไรก็ตาม ยังสามารถมองได้ว่าเป็นวิธีการแสวงหาผลประโยชน์เชิงพาณิชย์จากแนวคิดดังกล่าว และเป็นการเบี่ยงเบนเยาวชนออกจากการกระทำทางการเมือง^{[ 317 ]}

ตามที่ Schaap และ Berkers กล่าว การเล่นดนตรีในวงเป็นประสบการณ์ของกลุ่มเพื่อนที่ "ถูกกำหนดโดยเครือข่ายมิตรภาพที่แยกเพศกันอยู่แล้ว" ^{[ 318 ]}พวกเขาเขียนว่า: "นักวิชาการหลายคนโต้แย้งว่าผู้ชายกีดกันผู้หญิงออกจากวงดนตรีหรือจากการซ้อม การบันทึกเสียง การแสดง และกิจกรรมทางสังคมอื่นๆ ของวงดนตรี ... ผู้หญิงส่วนใหญ่ถูกมองว่าเป็นผู้บริโภคที่เฉื่อยชาและเป็นส่วนตัวของเพลงป๊อปที่ถูกกล่าวหาว่าดูดีและปรุงแต่งไว้ล่วงหน้า ซึ่งจึงด้อยกว่า ทำให้พวกเธอถูกกีดกันจากการมีส่วนร่วมในฐานะนักดนตรีร็อคที่มีสถานะสูง" ^{[ 319 ]}

ในช่วงทศวรรษแรก ๆ ของดนตรีร็อก การกบฏ "ส่วนใหญ่เป็นการกบฏของผู้ชาย ผู้หญิง—ซึ่งมักจะเป็นเด็กสาววัยรุ่นในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960—ในวงการร็อกมักจะร้องเพลงในฐานะตัวละครที่ต้องพึ่งพาแฟนหนุ่มที่เป็นผู้ชายอย่างสิ้นเชิง" ^{[ 320 ]}ฟิลิป ออสแลนเดอร์กล่าวว่า "แม้ว่าจะมีผู้หญิงจำนวนมากในวงการร็อกในช่วงปลายทศวรรษ 1960 แต่ส่วนใหญ่แสดงในฐานะนักร้องเท่านั้น ซึ่งเป็นตำแหน่งที่เป็นของผู้หญิงมาแต่เดิมในดนตรีป็อป" ^{[ 321 ]}ผู้หญิงบางคนเล่นเครื่องดนตรีในวงดนตรีการาจร็อกหญิงล้วน ของอเมริกา แต่ไม่มีวงใดประสบความสำเร็จมากกว่าระดับภูมิภาค เมื่อซูซี่ ควอโทรปรากฏตัวในปี 1973 "ไม่มีนักดนตรีหญิงคนใดที่มีชื่อเสียงทำงานในวงการร็อกพร้อมกันในฐานะนักร้อง นักดนตรี นักแต่งเพลง และหัวหน้าวง" ^{[ 321 ]}

วง ดนตรี หญิงล้วนคือกลุ่มดนตรีที่ประกอบด้วยนักดนตรีหญิงล้วนซึ่งแตกต่างจากวงเกิร์ลกรุ๊ปที่สมาชิกหญิงเป็นนักร้องนำ แม้ว่าคำศัพท์นี้จะไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลายก็ตาม^{[ 322 ]}

• บลูส์
• เพลงคันทรี่
• เพลงแดนซ์อิเล็กทรอนิกส์
• ดนตรีพื้นบ้าน
• เพลงกอสเปล
• ฮิปฮอป
• ดนตรีแจ๊ส
• เพลงป็อป
• ริธึมแอนด์บลูส์
• เพลงโซล
• ดนตรีวิทยาเชิงคำนวณ
• รายชื่อประเภทดนตรีร็อค
• แนวเพลงเฮฟวีเมทัล
• แนวเพลงย่อยของพังก์ร็อก
• รายชื่อประเภทย่อยของฮาร์ดคอร์พังก์
• รายชื่อศิลปินร็อคกระแสหลัก
• รายชื่อศิลปินร็อค

• Bogdanov, V.; Woodstra, C.; Erlewine, ST, บรรณาธิการ (2002). คู่มือเพลงร็อคฉบับสมบูรณ์: คู่มือเพลงร็อค ป๊อป และโซล (ฉบับที่ 3). มิลวอกี, วิสคอนซิน: Backbeat Books. ISBN 0-87930-653-X.
• Christgau, Robert (1992). "BE: สิบสองช่วงเวลาในยุคก่อนประวัติศาสตร์ของร็อกแอนด์โรล " รายละเอียด
• กิลลิแลนด์, จอห์น (1969). "Crammer: หลักสูตรเร่งรัดที่สนุกสนานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของดนตรีร็อกและเรื่องอื่นๆ" (ไฟล์เสียง) . Pop Chronicles . ห้องสมุดมหาวิทยาลัยนอร์ทเท็กซัส .
• โรบินสัน, ริชาร์ด. ป็อป, ร็อก และโซล . นิวยอร์ก: พีระมิดบุ๊คส์, 1972. ISBN 0-0515-2660-3.
• เชพเพิร์ด, เจ., บรรณาธิการ (2003). สารานุกรมดนตรีป๊อปโลกของคอนทินิวอัม: เล่มที่ 2: การแสดงและการผลิต . นิวยอร์ก: คอนทินิวอัม. ISBN 0-8264-6322-3.
• Szatmary, David P. Rockin' in Time: a Social History of Rock-and-Roll . ฉบับพิมพ์ครั้งที่ 3. Upper Saddle River NJ: Prentice-Hall, 1996. xvi, 320 หน้า, ภาพประกอบ ส่วนใหญ่เป็นภาพขาวดำ. ISBN 0-13-440678-8.